Métodos de Actuación

1)El sistema Stanislavski es un acercamiento a la educación desarrollado por Konstantín Stanislavski. Stanislavski fue un actor, director y administrador de teatro ruso en el Teatro de Arte de Moscú (fundado en 1897). El sistema es el resultado de muchos años de esfuerzos por parte de Stanislavski para determinar cómo una persona puede controlar el rendimiento en los aspectos más intangibles e incontrolables del comportamiento humano, tales como las emociones y la inspiración artística.

Concentración: Responder a la imaginación aprendiendo a pensar como el “personaje” que estamos interpretando.

Sentido de verdad: Diferenciar entre lo orgánico y lo artificial. Stanislavskicreía que existen leyes naturales de la actuación que se deben seguir.

Circunstancias dadas: Desarrollando la habilidad de usar las habilidades anteriores para crear el mundo del libreto (circunstancias dadas en el texto) por medio de verdad y medios orgánicos.

Relajación: Eliminación de la tensión física y relajación de los músculos mientras se realizan las presentaciones.

Trabajar con los sentidos: Descubrir la base sensorial, aprender a memorizar y recordar sensaciones, comúnmente llamada «memoria sensorial» y/o «memoria afectiva»; aprendiendo a trabajar desde pequeñas sensaciones, expandiéndola, técnica llamada por Stanislavski «esferas de atención».

Comunicación y contacto: Desarrollar la habilidad de interactuar con otros personajes espontáneamente, Sin violar el contenido del libreto.

Unidades y objetivos: Aprender a dividir el papel o rol en unidades sensibles que puedan ser trabajadas individualmente. Desarrollar la habilidad de definir cada unidad del rol, por un deseo activo de objetivos, en lugar de una mera idea literaria.

Estado mental creativo: Es una culminación automática de todos los pasos previos.

Trabajar con el texto del libreto: Desarrollando la habilidad de descubrir el sentido social, político y artístico del texto, y viendo que esas ideas están contenidas en la actuación.

Lógica y credibilidad: Descubrir cómo es verdadero que la suma de objetivos combinados son consistentes y coherentes, y que ellos se encuentran en línea con el libreto como un todo.

Método de las acciones físicas  tiene su origen en las investigaciones en torno al trabajo del actor realizadas por Stanislavsky, quien Paralelamente a su trabajo como director y actor, llevó a cabo una importantísima labor como pedagogo. El método mencionado, también es  conocido como «sistema Stanislavski», que consiste básicamente en hacer que el actor experimente durante la ejecución del papel emociones semejantes, parecidas a las que experimenta el personaje interpretado; para ello se recurre a ejercicios que estimulan la imaginación, la capacidad de improvisación, la relajación muscular, la respuesta inmediata a una situación imprevista, la reproducción de emociones experimentadas en el pasado, la claridad en la emisión verbal, etc.

Stanislavsky, guiaba a los actores a reproducir en ellos el mundo emotivo de los personajes para que éste fuera proyectado al espectador como experiencia verídica, sin teatralidad artificial, y denominó este efecto «realismo psicológico».

2) El Actors Studio es una legendaria asociación estadounidense para actores, directores y escritoresprofesionales con sede en el Old Labor Stage 432 West 44th Street de Nueva York y en el 8341 DeLongpre Avenue de Los Ángeles, California.

3)

El Método creado por Lee Strasberg, se basa en los procedimientos de la obra de Stanislavski, con el agregado de las clarificaciones y los estímulos de Vajstangov y es el resultado del trabajo realizado en el GROUP THEATRE y el ACTORS STUDIO para resolver el problema del actor en escena.

Para Strasberg la acción siempre ha sido el elemento esencial en el teatro. La propia palabra actor así lo sugiere. Todo actor realiza algún tipo de acción. Para que las acciones sean autenticas se deben realizar con la ayuda de los sentidos y la concentración.

La acción es valiosa si sugiere algo que las palabras no expresan por si solas. No solo son físicas o mentales, sino físicas, motivacionales y emocionales.

La manera de realizar una acción física depende de la acción emocional de la escena.

Strasberg toma la reformulación realizada por Vajstangov, del “si creativo” de Stanislavski. En su búsqueda de una intención y forma teatral más precisa, el concepto de formula originalmente es así: Si usted viviera las circunstancias que describe la obra, ¿Cuál sería su conducta, qué haría, qué sentiría, cómo reaccionaría? Lo reformuló así: Las circunstancias de la escena indican que el personaje actúa de tal manera: ¿Qué lo motivaría a usted, el actor, a actuar de esa manera?

La reformulación requiere que el actor realmente sienta que la situación afecta su persona a fin de lograr el resultado artístico deseado. Esto comprende los principios de motivación y sustitución. No se le impone al actor la limitación de que debe actuar como lo haría él mismo en la realidad, si se encontrara en las circunstancias que indica la obra; más bien trata de sustituir la realidad que indica la obra por otra que le ayude a actuar según las exigencias del papel. Ésta no es necesariamente la conducta que tendría en las mismas circunstancias y por consiguiente no se ve sometido a las limitaciones de su conducta natural.

Lo importante, no es que el actor se enfrente a un paralelo exacto de la obra o el personaje, sino que cuando el personaje piensa, el actor debe realmente pensar; cuando el personaje vive una situación, el actor debe vivirla. Lo que el actor hace se ve modificado no sólo por su intención sino también por la naturaleza y la intensidad de lo que le sucede.

4)
Uta Hagen fue actriz, teórica del teatro y de una de las maestras más influyentes en el teatro de los Estados Unidos en los últimos cuarenta años. En su libro “Un reto para el actor”, sostiene que la lucha por conocerse a uno mismo no termina nunca y que es necesario ahondar en los sentidos físicos, en la propia psicología y en las emociones para lograr la autenticidad en escena.

Para Uta Hagen, el escenario siempre debe incluir las siguientes preguntas: ¿Quien soy (esta vez)?, ¿En qué circunstancias estoy? (tiempo, espacio, contexto), ¿Cuáles son mis relaciones? y ¿Qué hago para conseguir lo que quiero? Algunas de estas preguntas planteadas en el trabajo del actor, son afines al quehacer gestáltico. Fritz Perls en el trabajo con los sueños utiliza el tiempo presente para pasar del relato al tiempo del drama y la primera persona del singular para hablar desde uno mismo, encarnando los objetos que aparecen en el sueño.

Como pedagoga Uta Hagen se ocupa de la preparación técnica del actor, divide las técnicas en: técnicas externas y técnicas humanas. En cuanto a las técnicas externas se centra en tres aspectos fundamentales: el cuerpo, la voz y la dicción.

– El cuerpo es el instrumento más visible mediante el cual se comunican los pensamientos y emociones más sutiles. Su trabajo se centra en el entrenamiento del movimiento corporal hasta conseguir responder de forma espontánea a los estímulos que involucran a los diferentes personajes.

– La voz la considera un instrumento esencial que hay que aprender a templar para alcanzar la flexibilidad necesaria y darle voz a diversos los personajes. Su idea es poner la voz al servicio del personaje sin necesidad de utilizar estrategias que hagan estar al actor demasiado tenso y pendiente de sí mismo.

– La dicción es lo que diferencia al actor de los demás artistas de las artes escénicas. Para Uta Hagen la tarea del actor es lograr  una dicción sin afectaciones ni superficialidad.

En cuanto a las técnicas humanas su propuesta se centra en la actuación realista, piensa: “la realidad es teatral”[3]. Considera que el realismo permite al actor encontrar los comportamientos que más se adecuan a las necesidades del personaje y que ha de buscar en su propia vida para crear una nueva vida sobre el escenario.

5)
La Técnica Meisner es una serie de ejercicios diseñados para desarrollar y afinar el instrumento del Actor y así poder habitar cada uno de los personajes interpretados en todo su tamaño y esencia.

Sanford Meisner creó estos ejercicios acumulativos que se imparten, por lo general, a lo largo de dos años.

El primer año está dedicado al desarrollo del instrumento del Actor. Es el momento de reconectar con los impulsos, reconocer los patrones de comportamiento, entrenar el imaginario y desarrollar la concentración para poder vivir de verdad bajo circunstancias imaginarias. El actor descubre unas herramientas claras y específicas que practica a través de ejercicios, trabajo de escenas y monólogos.

El segundo año se centra en el desarrollo de personajes. Se exploran los impedimentos físicos, la parodia, el texto clásico y la improvisación entre muchos otros elementos y herramientas.