Música aleatoria

La Música aleatoria

Iannis XenakisLas obras del compositor francés Iannis Xenakis se caracterizan por la interacción entre la música y las ideas procedentes de la física, la arquitectura y, especialmente, las matemáticas.

Música aleatoria, música en la que el papel del compositor varía tanto en la creación artística como en la interpretación. Aunque en líneas generales esto es aplicable a todo periodo histórico para describir la improvisación o la libertad de las cadencias de los conciertos, el término se aplica en sentido estricto a la estética compositiva común en las décadas de 1950 y 1960.El estadounidense Charles Ives fue el primer compositor que utilizó técnicas aleatorias. Fue seguido por Henry Cowell en su Cuarteto Mosaic (1935), donde se utilizan fragmentos de música que los intérpretes deben agrupar. Su alumno John Cage, junto con sus compañeros Earle Brown y Morton Feldman, inspirado en la música Zen budista y el arte de Alexander Calder y Jackson Pollock, se distanció del acto de decisión y creación compositiva. El lanzamiento de monedas y el I Ching determinan la altura, duración y ataque en la obra de Cage para piano Music of Changes (1951). También desarrolló formas móviles, como en el Concierto para piano y orquesta (1958), donde varias secciones pueden interpretarse de forma aleatoria u omitirse del todo, y la obra puede ser interpretada de forma simultánea con otras del mismo compositor. Otro camino de indeterminación era la producción de grafías no musicales. Este mapa de improvisación aparece en las obras Fontana Mix (1958) de Cage y Treatise (1967) de Cornelius Cardew. Por último, la obra de Cage 4' 33'' (1952) tiene duración fija, y en ella se combinan sonidos ambientales tomados al azar.Las ideas de Cage causaron un fuerte impacto en Europa a finales de la década de 1950. Tanto Karlheinz Stockhausen como Pierre Boulez adoptaron rasgos de la forma móvil, primero en Klavierstück IX (1956) y en la Sonata para piano nº 3 (1957) respectivamente, sin abandonar su papel de compositores omniscientes. Stockhausen fue más allá en la creación de notación no tradicional para conjunto instrumental en obras como Plus-Minus (1963). Luciano Berio desarrolló una notación proporcional como alternativa a las duraciones fijas, Witold Lutoslawski empleó pasajes de indeterminación controlada de Jeux Venetien (1961), y por último Iannis Xenakis compuso con modelos probabilísticos, utilizando programas informáticos estocásticos para generar material musical en ST/4 (1962). Aunque la música aleatoria no esta hoy en primera línea, sus técnicas son todavía muy utilizadas por los compositores.
S-MX s� = f �*[ ��V 14.0pt; mso-bidi-font-size:12.0pt;font-family:"Times New Roman","serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";mso-ansi-language:ES-MX'>EL JAZZ Y SUS PREDECESORES
Después de la Guerra Civil estadounidense, se hicieron populares las canciones y las baladas, mientras que el blues comenzó a adquirir su forma actual. La música de los minstrel shows negros, las bandas de cuerdas, las de metales y las pianolas comenzaron a establecerse y, gradualmente, surgieron géneros como el cakewalk y el ragtime. Con orígenes en el sur y el medio oeste de Estados Unidos, el ragtime alcanzó su forma clásica en la década de 1890 en Saint Louis, estado de Missouri. Así se creó una escuela de pianistas liderados por Scott Joplin. Durante la primera década del siglo XX, las prácticas musicales de la comunidad negra estadounidense quedaron sintetizadas en una forma de música llamada jazz. En principio floreció en Nueva Orleans (Luisiana) para luego extenderse a todas las ciudades del país. Entre los más importantes innovadores del jazz de la primera mitad del siglo destacan Louis Armstrong, Fletcher Henderson, Billie Holiday, Duke Ellington y Dizzy Gillespie.

3 MEDIADOS DEL SIGLO XX

En la década de 1940, el rhythm and blues surgió como una combinación del blues rural y la música de swing de orientación afroamericana para big band, que interpretaban pequeños conjuntos con un líder vocalista o instrumentista y con secciones rítmicas y de repetición. Los pioneros (y quienes popularizaron el rhythm and blues) fueron, entre otros: T-Bone Walker, Little Walter, Louis Jordan, Fats Domino, James Brown, Ray Charles y Ruth Brown. Desde la década de 1950, el rhythm and blues ha sido la fuente de inspiración tanto para la música afroamericana como para el rock y el pop estadounidenses.La música soul supuso una etapa posterior del rhythm and blues. En esencia, combinaba el sonido de éste de la década de 1950 con las técnicas, efectos y la forma de estar en el escenario de la música de gospel. Poseía dos subestilos: el pulcro y sofisticado estilo Detroit, asociado con el sello discográfico Motown, con figuras como Stevie Wonder, The Supremes y The Temptations; y el más terrenal y orientado al gospel estilo de Memphis (Tennessee), cuyos mejores ejemplos son Otis Redding y Booker T. and the MGs. El movimiento negro de gospel tiene sus comienzos en las primeras prácticas interpretativas de las iglesias afroamericanas y en las canciones editadas por el reverendo de Filadelfia Charles A. Tindley. Utilizando los recursos de las canciones de trabajo, los cantos de llamada, los gritos, los espirituales, el blues y el jazz, la música de gospel fue, finalmente, llevada a su máximo desarrollo por el compositor de himnos religiosos Thomas Dorsey y la cantante Roberta Martin. Famosos intérpretes de música de gospel fueron Mahalia Jackson, los Clouds of Joy, James Cleveland y Andrae Crouch y The Disciples.En la década de 1970 una nueva forma musical llamada rap surgió en las calles de Nueva York. “Rapper's delight” (1979), de Sugar Hill Gang, fue su primer éxito discográfico. Usando partes de discos de funk y rock duro, además de una miscelánea de sonidos como trasfondo, los intérpretes cantan coplas rimadas de forma a menudo compleja, que en general tratan sobre la vida en el gueto. En la década de 1980, la música se extendió por todo Estados Unidos.

4 LA INFLUENCIA LATINOAMERICANA

La influencia de la música latinoamericana en la música afroamericana de Estados Unidos es más evidente en los acentos sincopados comunes a ambas. Entre 1900 y 1940, se introdujeron en Estados Unidos bailes latinoamericanos, como el tango de Argentina, el merengue de la República Dominicana y la rumba de Cuba. En la década de 1940 comenzó una fusión de elementos latinos y del jazz, que fue estimulada por el mambo afrocubano y la bossa-nova brasileña. A finales de la década de 1960, intérpretes como Mongo Santamaría y Willie Bobo mezclaron la música latina con el soul. Invirtiendo la dirección de las influencias, la música afroamericana de Estados Unidos también afectó a la música del Caribe, Latinoamérica y África, dando lugar a la aparición del reggae en Jamaica, así como del ska, el rocksteady y el highlife africano.