Música de Estados Unidos

Música de Estados Unidos, la música folclórica, popular y culta de Estados Unidos, creada por compositores nativos o educados en ese país.

2 C. 1630-1820

Las raíces coloniales de la música estadounidense son inglesas. El primer libro impreso en las colonias inglesas fue el Bay Psalm Book (1692). En su novena edición (1698) contenía 13 melodías de salmos, todas ellas procedentes de Europa; algunas, incluida 'Old Hundredth', se cantan todavía. Después de 1750 los compositores nacidos en Nueva Inglaterra crearon una música religiosa de carácter propio. Difundida a través de las 'escuelas de canto' (cursos informales de instrucción musical), los himnos yankis —con sus melodías y acordes de quintas huecas— resultaban poco convencionales para los cánones europeos. Una de las formas favoritas era la fuga, una pieza en cuatro partes que comenzaba como un himno y finalizaba como un rondó. El más famoso de los 'tunesmiths' (cancionistas) de Nueva Inglaterra fue el curtidor William Billings (1746-1800), cuya colección The New England Psalm Singer (1770) señaló la aparición del nuevo estilo.

3 PRINCIPIOS DEL SIGLO XIX

Después de la Guerra de Independencia estadounidense (1775-1783), el gusto inglés volvió a imponerse en la música de las iglesias. La música de los cancionistas de Nueva Inglaterra fue calificada de 'no científica' por compositores tales como Thomas Hastings (1787-1872) y William Batchelder Bradbury (1816-1868). La figura dominante era Lowell Mason (1792-1872), que ejercía una profunda influencia en la vida musical estadounidense en el siglo XIX. Además de introducir la música en las escuelas de Boston en 1838, compuso más de 1.200 himnos y recopiló cinco colecciones importantes. La que tuvo más éxito fue The Boston Handel and Haydn Society Collection of Church Music (1822).La música religiosa tradicional de Nueva Inglaterra emigró hacia el sur, donde surgió un nuevo tipo de himnos folclóricos en los encuentros del movimiento revitalista religioso. Cercanos a las melodías modernas del gospel en sus repeticiones, entre los himnos se incluyen ejemplos tan conocidos como 'Amazing Grace' y 'Wayfaring Stranger'. Los himnos folclóricos sureños fueron generalmente impresos en 'notas de formas', un sistema de notación de fácil lectura en el que cada una de las siete notas poseía una figura distinta que la representaba. La colección de notas de formas más amplia y de mayor popularidad fue The Sacred Harp (1844) de Benjamin Franklin White y E. J. King.

4 DE MEDIADOS DEL SIGLO XIX A LA GUERRA CIVIL ESTADOUNIDENSE

La presencia de los africanos en Norteamérica llegó a la música popular de la mano de los juglares de caras pintadas del minstrel show. Por lo general se trataba de un grupo de cuatro hombres blancos. Esta formación la establecieron los minstrels de Virginia en los años 40 del siglo XIX. Tocaban banjo, pandereta, castañuelas de huesos y violín. El virtuoso del banjo Daniel Decatur Emmett fue el compositor más destacado de este género. Su obra más conocida es 'Dixie' (1859). A mediados de siglo aparecen los primeros hombres de raza negra que actuaban en minstrel shows.La genuina música afroamericana ya se había establecido en la tradición oral a comienzos del siglo XIX. La primera colección publicada de ella, Slave Songs of the United States, apareció en 1867. Entre otras melodías famosas, la colección contenía 'Michael, Row Your Boat Ashore' y 'Roll, Jordan, Roll'. Después de la Guerra Civil (1861-1865), los conciertos de los Fisk University Jubilee Singers hicieron de esos espirituales los primeros ejemplos de música folclórica afroamericana que llegaron a una audiencia nacional e internacional.El más grande compositor de la época, y quizá del siglo, fue Stephen Collins Foster, quien compuso canciones para los famosos Christy Minstrels, tales como 'Oh, Susanna' (1848) o 'Camptown Races' (1850), así como canciones de salón, como 'I Dream of Jeanie with the Light Brown Hair' (1854) o 'Beautiful Dreamer' (1864). Foster fue inmortalizado por sus melodías de tono folclórico y por su habilidad para combinar los lenguajes angloirlandés y afroamericano con las arias de ópera italiana.

5 DE FINALES DEL SIGLO XIX A PRINCIPIOS DEL XX

La música de los compositores románticos alemanes Robert Schumann y Johannes Brahms sirvió de modelo para la mayoría de los compositores estadounidenses de finales del siglo XIX, la mayor parte de los cuales pertenecía al círculo de Nueva Inglaterra conocido como Boston Group. Los miembros del grupo incluían a John Knowles Paine, Arthur Foote, George Chadwick, conocido por sus Symphonic Sketches (1907) y su ópera Judith (1901), Horatio Parker, cuya cantata Hora Novissima (1892) fue representada en numerosas ocasiones y Amy Cheney Beach, conocida como Mrs. H. H. H. Beach y cuya Gaelic Symphony (1896) fue la primera sinfonía compuesta por una mujer en Estados Unidos.El compositor de música clásica más destacado, no obstante, no formaba parte de la escuela de Nueva Inglaterra. Edward MacDowell extrajo su propia inspiración de la nueva escuela alemana representada por el compositor húngaro Franz Liszt y el alemán Richard Wagner. Las obras de MacDowell, compuestas entre 1880 y 1902, son sobre todo para piano solista. Incluyen dos conciertos para piano y 16 piezas características. Su obra más famosa es 'To a Wild Rose', extraída de Woodland Sketches (1896). El más original y, de hecho, el primer gran compositor de la tradición culta fue Charles Ives, cuyo uso de la politonalidad y la disonancia lo convirtieron en un profeta del modernismo.El músico estadounidense más conocido a finales del siglo XIX era John Philip Sousa, director de una gran banda de concierto, quien compuso cerca de 140 marchas, incluida 'Semper Fidelis' (1888) y 'The Stars and Stripes Forever' (1897). La música popular se convirtió en un gran negocio a partir de la década de 1890. Durante los siguientes diez años, dos estilos afroamericanos, el ragtime y el blues, demostraron su arraigo comercial. El ragtime, que evolucionó a partir de las canciones de los minstrels, tenía una música fuertemente sincopada. Su compositor más destacado fue Scott Joplin, una de cuyas piezas para piano, 'Maple Leaf Rag' (1899), causó furor en el país. Durante las dos primeras décadas del siglo XX el blues, en las voces de cantantes como Bessie Smith y compositores como W. C. Handy, se consolidó como género popular, más que como música folclórica.En el teatro, los ecos del estilo vienés podían oírse en Broadway en las operetas de Victor Herbert. Junto a los espectáculos de vaudeville de Florenz Ziegfeld, las operetas de Herbert eran los mayores éxitos de la comedia musical.

6 DE LA I A LA II GUERRA MUNDIAL

Aaron CoplandInspirado en el estilo nacionalista de los compositores rusos de finales del siglo XIX, los trabajos del compositor estadounidense Aaron Copland de finales de la década de 1930 y principios de la de 1940 reflejan un movimiento de acercamiento a la escuela de música americana. Aunque siempre se mantuvo atento a la vanguardia europea, introdujo en sus composiciones elementos del folclore y del jazz estadounidenses.
La década de 1920 marcó la emergencia de un movimiento renovador autóctono en Estados Unidos. Sus pioneros fueron Henry Cowell, que introdujo el cluster (acorde compuesto de tres o más notas adyacentes, en lugar de las notas espaciadas en intervalos de terceras o cuartas de los acordes normales); Carl Ruggles; Ruth Crawford-Seeger; y Edgard Varèse, cuyas composiciones, sin melodía o armonía en el sentido tradicional, tuvieron gran influencia en la posterior música del siglo XX.La década de 1920, también llamada la era del jazz, vio surgir un estilo distinto de música, separada de sus raíces en el ragtime y el blues. En las manos de sus principales compositores-intérpretes, Louis Armstrong, Jelly Roll Morton y Duke Ellington, el jazz siguió siendo popular hasta la década de 1940. En la de 1920 también hizo furor la canción popular. Muchos compositores crearon pequeñas obras maestras dentro de los límites de la forma de canción de 32 compases. Entre los más destacados figuraban Jerome Kern, Cole Porter e Irving Berlin. La música de George Gershwin abarcaba tanto las formas populares como clásicas, en obras como la Rhapsody in Blue (1924), el Concerto en fa (1925), y la ópera Porgy and Bess (1935).Durante la gran depresión en la década de 1930 surgió una tendencia de búsqueda consciente de una identidad musical propia, que caracterizó a la música clásica de las siguientes dos décadas. Aaron Copland, quizá el compositor estadounidense más famoso del segundo cuarto de siglo, abandonó el lenguaje de orientación internacional en sus Variaciones para piano (1930) en favor de un estilo melódico de tonalidad definida, influido por la música folclórica estadounidense. Los compositores que trabajaron en una dirección similar incluyen a William Grant Still, Roy Harris y Virgil Thomson.Un maestro de la música conjuntoSantiago Jiménez Jr., de San Antonio, Texas, es uno de los mejores intérpretes de música conjunto. El conjunto es un estilo y un baile en el que el acordeón es el instrumento principal. Se desarrolló principalmente en el sur de Texas por trabajadores de ascendencia hispana, y mezcla influencias mexicanas, españolas y alemanas. En la década de 1930, el padre de Jiménez y el acordeonista Narciso Martínez dieron forma al género. Actualmente, Santiago Jiménez Jr. interpreta el estilo clásico de conjunto por todo el mundo.
Otros compositores alcanzaron la fama con una música más internacional que nacionalista. Algunos, quizá inspirados por el trabajo del compositor ruso Ígor Stravinski durante las décadas de 1920 y 1930, recibieron el impulso del neoclasicismo. Entre ellos estaba Walter Piston, quien solía usar texturas y géneros del barroco. Tres notables neorrománticos fueron Howard Hanson, Samuel Barber y Gian-Carlo Menotti.

7 DE LA II GUERRA MUNDIAL A FINALES DEL SIGLO XX

Frank SinatraAntes de comenzar su carrera como solista el cantante Frank Sinatra estudió con instrumentistas de jazz, adoptando en sus canciones el fraseado de este tipo de música y un estilo rítmico tranquilo. Su carisma y los arreglos artísticos de canciones populares le valieron un gran éxito y varias generaciones de fans.
En las décadas de 1930 y 1940 una serie de compositores destacados de Europa huyeron de la persecución nazi a Estados Unidos. Bajo su influencia el modernismo internacional se impuso a las influencias americanistas de finales de las décadas de 1940 y 1950. El más influyente fue el austriaco Arnold Schönberg, cuyo sistema dodecafónico se impuso como la vía principal de organizar la nueva música. El enfoque de Schönberg fue adoptado por muchos estadounidenses como Wallingford Riegger, Roger Sessions, Copland y David Diamond. Lo difundieron, teórica y artísticamente, Elliott Carter y Milton Babbitt, quienes desarrollaron el serialismo integral, extendiéndolo más allá de la serie de doce notas para abarcar otros elementos musicales.Tina TurnerLa cantante estadounidense Tina Turner empezó su carrera musical en la década de 1960 interpretando temas de rhythm and blues en una banda liderada por su entonces esposo Ike Turner. En 1975, tras romper con su marido durante una gira, continuó su carrera en solitario. Trabajó duramente durante muchos años hasta conseguir el éxito con su álbum Private Dancer en 1984.
Uno de los avances cruciales de la década de 1950 fue el nuevo recurso de la música electrónica, de la que Varèse fue el pionero. Ello permitió a los compositores adquirir un dominio sin precedentes sobre la obra musical. El estudio de música electrónica de Columbia-Princeton se estableció en 1952, y se convirtió en un foco de atención para compositores tales como Babbitt, Charles Wuorinen u Otto Luening.En la música popular, el periodo de posguerra fue igualmente dinámico y expansivo. En la década de 1940, la tradición lírica-teatral del musical se vio reforzada por la obra de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II. La situación se mantuvo con creatividad y energía en West Side Story (1957) de Leonard Bernstein, un aclamado director y compositor de música clásica, influido por el jazz. En las décadas de 1970 y 1980, la música de Stephen Sondheim contribuyó a una sofisticación urbana de esta forma.La influencia del musical se vio drásticamente limitada, no obstante, por la revolución del rock and roll en la década de 1950. Desapareció la canción tradicional popular, que fue reemplazada por el rhythm and blues y su derivado, el rock and roll. Al igual que el ragtime, la música de rock fue un testimonio de la vitalidad de la música afroamericana. A pesar de la hegemonía del rock en la década de 1960, otros nuevos estilos de música popular salieron a la luz. El resurgimiento de la música folclórica, difundida por cantautores urbanos y profesionales de folk como Pete Seeger, Joan Baez o Bob Dylan, consiguió que los blues y las baladas rurales llamaran la atención de la nación. La música country consiguió hacerse un mercado nacional en la década de 1970.Joan BaezLa cantante de música folk Joan Baez, figura esencial de la llamada 'canción protesta' en Estados Unidos. Durante la guerra de Vietnam fue una incansable luchadora por los derechos civiles.
Con la abundancia de estilos populares y el eclecticismo de los compositores clásicos y de jazz, las fronteras que separaban estos tres tipos de música a menudo se desdibujaron. Las exploraciones modales de John Coltrane y las improvisaciones del free jazz de Ornette Coleman trajeron al mundo del jazz materias como la atonalidad y las escalas no habituales. Los elementos clásicos y populares se superponen en la música minimalista de Steve Reich y Philip Glass: unos patrones melódicos estáticos manipulados mediante repeticiones y sutiles cambios rítmicos.

8 LA TRADICIÓN EXPERIMENTALISTA

Quizá el aspecto más distintivo y duradero de la música estadounidense, al independizarse de sus raíces europeas, sea la tradición experimentalista entre los compositores. Puede considerarse como el resultado filosófico del individualismo autosuficiente del protestantismo de los primeros colonos ingleses y holandeses de principios del siglo XVII, que encontró su primera expresión en los himnos y melodías fugadas de William Billings en la década de 1770. Sus armonías planas, sus ritmos cuadrados y su escritura polifónica, a veces tosca, revelan un interés por la declaración sin complicaciones del texto en forma silábica, aunque también una falta de interés por seguir unas reglas técnicas establecidas por otros. En el siglo XIX la escuela de pensamiento individualista fue absorbida y desarrollada por el transcendentalismo de escritores como Ralph Waldo Emerson y Henry David Thoreau. Ellos la combinaron con un horizonte espiritual más amplio, cercano al panteísmo. Su influencia puede verse en la música de Charles Ives. Desde esta perspectiva, lo que hace de la música de Ives un producto propiamente estadounidense no es el hecho de que cite melodías estadounidenses, sino la libertad con que lo hace. Para Ives, el eclecticismo de sus fuentes musicales era en sí una declaración filosófica —toda la música, culta o popular, grande o humilde, vieja o nueva, era democráticamente igual y tenía las mismas posibilidades de nobleza espiritual. Como Billings, Ives mostró también una evidente falta de interés por los límites aceptados de la técnica musical europea, y procedió a inventar sus propios medios de expresión: la combinación de músicas en diferentes tonalidades a la vez (él fue quien escribió la primera pieza politonal conocida, las Variaciones sobre 'America', a la edad de 17 años), la combinación de música en ritmos y velocidades diferentes de forma simultánea, la atonalidad y muchas otras características estilísticas más tarde asociadas a compositores europeos como Stravinski y Schönberg.En el siglo XX ha habido un gran florecimiento del experimentalismo entre los compositores estadounidenses que aún se ven apartados de los avances estilísticos más lineales de sus colegas europeos. Tres ejemplos podrían ilustrar este punto:Harry Partch, autodidacta como compositor, desarrolló un sistema armónico en el cual la octava se dividía en 43 partes similares (en lugar de las 12 utilizadas en la música occidental). Inventó y desarrolló nuevos instrumentos para interpretar la música que él mismo compuso en su nueva escala.Conlon Nancarrow, nacido en los Estados Unidos pero residente en México desde la década de 1940, ha trabajado desde entonces casi exclusivamente sobre una serie de estudios para pianola. Los agujeros se perforan a mano sobre el papel de la pianola, lo que produce una música imposible de ser tocada por un pianista.John Cage experimentó ampliamente no sólo con los procedimientos técnicos que adoptó, sino también con la gama de recursos que diseñó como inspiración para su obra. Para ello, extrae del I Ching no solamente la idea de una música inspirada en el confucianismo, sino también un método (tirar los dados) para controlar los parámetros musicales. Ésta es sólo una de las innumerables maneras que Cage utiliza como procedimientos de azar para crear sobre un material que deriva de una serie de fuentes musicales, filosóficas, literarias, matemáticas o electrónicas, cantadas, interpretadas o grabadas.Cada uno de estos compositores ha logrado reinventar los materiales y técnicas básicos desde el principio, y ha demostrado su apertura a influencias técnicas y estéticas inusuales. En eso aparecen enfrentados a otros compositores estadounidenses, desde Horatio Parker y Edward MacDowell en el siglo XIX, a Samuel Barber y Elliott Carter en el XX, que se mantienen firmes dentro de la estética europea. Representan una tradición propia de Estados Unidos que expande los horizontes de la música y subraya el camino por el cual estilos dispares de pensamiento pueden interactuar creando síntesis siempre novedosas.