Con el final de la guerra de Vietnam reciente y el escándalo del presidente Nixon con el Watergate dominando la mayor parte de la vida política; además de la muerte por sobredosis de dos símbolos de la generación de los 60, como son Jimi Hendrix y Janis Joplin... da comienzo una de las décadas más prolíficas y versátiles de la historia de la música, los setenta. Los 'Años 70' se caracterizan por el nacimiento y desarrollo de nuevos movimientos musicales. Sirva como ejemplo el rock sinfónico, originado a partir de la experimentación hippie y psicodélica de los 60; el glam que puso patente la teatralidad y pomposidad en el rock; la cuota de rebeldía proveniente de los suburbios neoyorquinos que daría pie al punk; o el nacimiento del reggae, el techno y la música disco.
En estos años los músicos que más destacan son: Pink Floyd, Queen, Abba, Kraftwerk, Bruce Springsteen, Bob Marley, Thin Lizzy, Carlos Santana, Los Bee Gees y Sex Pistols, entre otros muchos... Los cuales iremos tratando en estos seriales especiales, dedicados a los movimientos y corrientes musicales de estos músicos y grupos, y de otros más, que componen los maravillosos años 70.
PINK FLOYD - The Wall 1979
Enorme, soberbio, excesivo, pretencioso, genial, enigmático, desfasado... no hay adjetivos para calificar este disco, una de las más famosas "óperas rock" que se ha hecho. Si miramos las letras fríamente, es la biografía de un músico de rock en plena decadencia, que se aisla del mundo con las drogas y construyendo un mundo alrededor, aunque se le pueden dar mil significados.Para empezar cabe destacar que este disco pertenece sobretodo al bajista, letrista (y por aquel entonces, también cantante) del grupo, Roger Waters, ya que el resto no aportó canciones (excepto el guitarrista David Gilmour, que colaboró con tres). Desde el emblemático, "The dark side of the moon", Waters se fue imponiendo progresivamente al resto del grupo hasta ser el líder único e indiscutible.
Parece ser que la idea del álbum le vino durante la gira del disco "Animals", en la que tocaban en grandes estadios adorados como dioses. En uno de esos conciertos, un frenético fan le interrumpió chillando cuando Waters iba a tocar una canción, por lo que enfuriado, escupió a dicho fan a la cara. Este hecho fue el desencadenante definitivo de este disco, que aunque Waters niega sus tintes autobiográficos, muchos se niegan a creerlo por las muchas similitudes que guarda en ciertos momentos con su vida.
El primer vinilo (recordemos que es un doble álbum) abre fuego con la genial "In the flesh?", una de las canciones más conseguidas (que vuelve a aparecer en el otro disco, sin el signo de interrogación, y con algunos pequeños cambios sobretodo en la parte central de la canción). El toque de Gilmour en la guitarra aquí se puede apreciar en la balada "The thin ice", y la genial "Mother", de letra realmente curiosa (aunque en realidad todas lo son).
"Another brick in the wall, part 1" resulta eficiente, pero peca de excesiva duración en la parte final. Uno de los mejores momentos del disco es el enigmático helicóptero que se oye en "The happiest days of our lives", que sirve de introducción a la famosísima "Another brick in the wall, part 2" (las dos canciones son una crítica al sistema educativo), que es sin duda la canción más famosa del disco y que vendió innumerables singles. Pese a que no es la mejor canción de Pink Floyd, el momento en que los niños empiezan a cantar (al final de la canción), se ha convertido en uno de los momentos más famosos de la historia del rock.
El segundo disco empieza con otra gran canción, "Hey you", en la que Waters nos demuestra que pese a no tener una voz demasiado apropiada como para ser vocalista (a diferencia de Gilmour), nos muestra un sentimiento de rabia y desgarro que éste a lo mejor no podría dar. Es también memorable el toque de guitarra española, al final de "Is the anybody out there?", por no hablar de la excelente balada a piano "Nobody home".
Sin embargo, si tuviéramos que elegir la mejor canción del disco, "Comfortably numb" se lleva todos los puntos, siendo considerada por muchos como la mejor canción de Pink Floyd (el solo final de guitarra es realmente demoledor), y con razón. Asimismo son muy recomendables "Run like hell" (en la que Gilmour nos demuestra que pese a no ser el líder, el puesto a la guitarra no se lo quitará nadie), "Waiting for the worms", y "The trial" (que pese a que no será del agrado de muchos, sirve a Waters para demostrarnos su capacidad vocal, interpretando al juez, el acusado, el profesor, la madre y la mujer), cuyo final (los gritos de todo el público pidiendo que tiren el muro) resulta memorable.
Fuente: http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article672.html
FLEETWOOD MAC - Rumors 1977
Si alguna formación en la historia del pop-rock ha evolucionado de manera drástica su sonido esa es Fleetwood Mac. Surgidos en el año 1967 en Gran Bretaña como banda arraigada en el blues-rock dentro del contexto psicodélico, su desarrollo musical, significado por el desequilibrio emocional de sus principales mentores artísticos y la incorporación de talentos amamantados en desiguales resonancias, fue derivando en ofertas más comerciales con orientaciones pop y soft-rock que llevaron al grupo a convertirse en uno de los conjuntos más exitosos y populares de los años 70.Los integrantes originales del conjunto londinense eran músicos procedentes del legendario grupo de John Mayall, los Bluesbreakers: el guitarrista y líder Peter Green (nacido el 29 de octubre de 1946 en Londres), el bajista John McVie (nacido el 26 de noviembre de 1945 en Londres), que había sustituido en las cuatro cuerdas a Bob Brumming (que formaría la Brumming Sunflower Blues Band), y el batería Mick Fleetwood (nacido el 24 de junio de 1947 en Cornwall). Junto a ellos, se encontraba el guitarra Jeremy Spencer (nacido el 4 de julio de 1948 en Hartlepool), quien se incorporó al grupo por mediación de Mike Vernon, el propietario del sello Blue Horizon, quien también se encargó de la producción de la banda.
Tras un periplo inicial de alrededor de cinco años, sacando grandes álbumes (como "Then play on" [1969]), y las idas y venidas de algunos de sus componentes con las drogas, como Peter Green o Jeremy Spencer, propiciaron que en 1974 salieran finalmente de la formación, y se incorporaran dos personajes de notable sensibilidad pop. Influenciados por los Beatles y los Beach Boys, que fueron básicos en el desarrollo comercial del grupo, Stevie Nicks (nacida el 26 de mayo de 1948 en Phoenix) y Lindsey Buckingham (nacido el 3 de octubre de 1948 en Palo Alto), quienes formaban parte del dúo Buckingham Nicks, pasaron a liderar el grupo, junto con Christine McVie (esposa del bajista John McVie) y Bob Welch.
El disco "Fleetwood Mac" (1975) reavivó el éxito de los primeros Fleetwood, pero elevándolo a lo más alto en las listas, sobretodo con el tema compuesto por Stevie Nicks, "Rhiannon"; aunque fue con el mítico álbum "Rumours" cuando realmente rompieron las listas de éxitos, vendiendo millones de copias en todo el mundo, gracias a meritorios singles como: "Go your own way", "Dreams", "Second Hand News", "You make a loving fun" o "Don't stop", que lo convierten en uno de los más vendidos de la década de los setenta.
Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Rumours
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/modules.php?name=News&file=article&sid=142
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article527.html
QUEEN - Queen II 1974
Queen es posiblemente una de las mejores bandas de la historia musical, caracterizados por una demostrada pericia instrumental, una certera habilidad para la creación de memorables himnos rockeros, y un talento para la escritura de composiciones de valía en base a una múltiple disposición estilística; que tanto bebe del rock como del pop, del vodevil, rock progresivo, ragtime, gospel o de la ópera. Por no hablar de la capacidad de transferir a su música una ingente dosis de espectáculo, pomposidad y excesiva teatralidad, en gran parte debido a la excepcional capacidad de Freddie Mercury, uno de los mejores cantantes de la historia.La banda deriva del encuentro en una banda de rock 60’s llamada 'Smile', entre el guitarrista Brian May (nacido el 19 de julio de 1947 en Hampton, Middlesex) y el batería Roger Taylor (nacido el 26 de julio de 1949 en Norfolk). May había tocado con anterioridad con bandas como '1984' o 'The Others'. May, que se licenció en Física y Astronomía en la 'London’s Imperial College', había conocido a Taylor, quien estudiaba Biología, en su periplo universitario. El cantante y bajista de 'Smile' era Tim Staffel, quien había acompañado a Brian en la banda '1984'. Cuando Staffel decidió dejar el grupo a comienzos de 1970, después de grabar un single llamado “Earth”, May y Roger incorporaron al grupo a Freddie Mercury (nacido el 5 de septiembre de 1946 en Zanzíbar, Tanzania, con el nombre real de Frederick Bulsara), que había sido cantante de un grupo llamado 'Wreckage', y era íntimo amigo del ex vocalista Staffel, ya que ambos habían coincidido en la 'Ealing College of Art'. El último en unirse a Queen fue el bajista John Deacon (nacido el 19 de agosto de 1951 en Leicester), ex miembro de 'Opposition', quien en febrero del año 1971 pasó a formar parte permanente del conjunto británico.
Con una llamativa estética glam y una fusión de influencias, de las que cabe destacar Jimi Hendrix, The Beatles, T. Rex, Slade, Beach Boys, David Bowie o Led Zeppelin como principales referencias, llamaron la atención de Trident Productions, con quien firmaron en 1972. Sus descubridores fueron los ingenieros Roy Thomas Baker y John Anthony, encargados de producir su infravalorado álbum debut, de nombre homónimo; aunque fue su segundo álbum, titulado "Queen II", en el cual el grupo volvió a superarse componiendo una de las obras cumbres de su carrera. De hecho, para muchos fans este es su mejor disco, y aunque parezca una exageración (sobretodo para los que desconocen los primeros discos del grupo), verdaderamente es notable.
Analizando el álbum, vemos que hay dos partes fácilmente distinguibles: la cara A del disco está compuesta toda por el guitarrista Brian May (excepto la última canción que es del batería Roger Taylor) y la cara B es toda del excepcional Freddie Mercury.
La primera canción es "Procession" una breve introducción que el grupo utilizaba al inicio de sus conciertos por aquella época. Las dos siguientes canciones son las dos mejores de esta cara sin duda: "Father to son" (una impresionante composición en la que los cuatro tocan en plena forma, eso sí, con la guitarra de Brian por encima de todo) y la preciosa balada "White Queen". "Some day one day" es una composición más acustica en la que canta el propio Brian, y la última de esta cara es "The loser in the end" compuesta y cantada por el propio Roger Taylor.
La segunda cara es la más enigmática del disco, lo cual no debe sorprendernos si sabemos que todas las canciones son del polifacético Freddie Mercury. La primera canción es la más cañera y rápida de esta cara: "Ogre battle". La siguiente "The fairy feller's master-stroke" es un curioso tema que cuenta con un brillante toque de órgano a manos de Mercury. Acto seguido encontramos "Nevermore", una corta balada cantada por Freddie sin más acompañamiento que el piano, en la que se puede comprobar mejor que nunca la enorme capacidad que tenía para cantar baladas acompañado de su dulce y aguda voz; sin embargo la mejor canción de esta cara y posiblemente de todo el álbum, es la impresionante y barroca composición llamada "The march of the black queen", que tan injustamente se ha dejado de lado. Sus constantes cambios de ritmo y los numerosos coros le aportan una alta complejidad que propició que fuera muy difícil poder tocarla en directo, y pronto fue apartada de los conciertos (lo cual contribuyó a su olvido), como mucho tocando sólo la parte más rockera del final. Cabe decir que un tiempo después el grupo tendría un problema parecido con la parte operística del gran éxito "Bohemian Rhapsody", que finalmente acabaron solucionando reproduciéndolo en 'play back'.
"Funny how love is" sale beneficiada por la voz de Freddie, pero tiene el problema de estar situado entre dos grandes canciones, y cierra el disco el tema más famoso de todos, que fue lanzado como single, y que se convirtió en su primer éxito, la genial "Seven seas of Rhye" (que ya estaba en su anterior disco pero mucho más corta y sin letra), verdaderamente un final inigualable.
En resumidas cuentas, un álbum realmente notable, que a pesar de que no es tan famoso como otros, es sin duda una de sus grandes obras.
Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Queen
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article1834.html
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article677.html
ELTON JOHN - Elton John 1970
Reginal Kenneth Dwight, más conocido como Elton John (por sus colegas de 'Bluesology' Elton Dean y John Baldry), es posiblemente uno de los artistas de pop-rock de más éxito de las últimas tres décadas. Nacido el 25 de marzo de 1947 en Middlesex, cabe decir que es un músico de mucho talento, ya que comenzó a tocar desde muy niño el piano, y posee una gran versatilidad. Inició su carrera como componente de 'Bluesology' a principios de los años 60, grupo de acompañamiento de estrellas de la época como Doris Troy.
Su primer trabajo al margen de componer para otros (sirva como ejemplo la cantante de pop británica Lulu), fue el estupendo "Empty Sky" (1969), álbum que no obtuvo repercusión popular, circunstancia que cambió con su segundo, "Elton John" (1970). Los responsables de embellecer y bruñir las canciones escritas por el dúo Elton John / Bernie Taupin fueron el productor Gus Dudgeon, ingeniero de sonido de John Mayall y productor de gente como David Bowie o The Bonzo Dog Band, y Paul Buckmaster, quien añadió lustre instrumental con los cuidadosos arreglos orquestales.
La voz de Elton y su piano inician el disco con el clásico "Your Song", una balada imprescindible en el repertorio musical del cantante. Las baladas con base de piano y arreglos de cuerda son la esencia de este álbum. "I Need You Turn To" es uno de los grandes temas del disco con un maravilloso clavicordio y hermosos arreglos de cuerda envolviendo una bella melodía de temática amorosa. "Take Me To The Pilot" es una popular canción con elementos soul y gospel. "No Shoe Strings On Louise" una mediocre pieza blues con aroma country y vocalidad stoniana. "First Episode At Hienton" desarrolla una cuidada melodía que incluye el sonido de un moog interpretado por Diana Lewis. "Sixty Years On" es otro punto álgido del álbum que cuenta con destacada orquestación. El gospel se reaviva con "Border Song", canción versionada con éxito el mismo año de la publicación del LP por Aretha Franklin. El arpa de Shaila Kanga y el cello de Paul Buckmaster son ingredientes de la fenomenal "The Greatest Discovery". "The Cage", corte de pegadizo estribillo, es una de las canciones más animadas del disco, y "The King Must Die", una balada de escasa entidad melódica, son las piezas finales de un álbum importante en la carrera de Elton John, que se erige como punto de partida idílico para posteriores y mejores obras.
Fuentes:
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article129.html
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article518.html
DEREK & THE DOMINOS - Layla and the other assorted love songs 1970
Después de los Roosters, Yardbirds, Bluesbreakers, Cream y Blind Faith, el famoso guitarrista y cantante Eric Clapton (nacido el 30 de marzo de 1945) se unió a los componentes de Delaney & Bonnie & Friends, el bajista Carl Radle, el batería Jim Gordon y el teclista y vocalista Bobby Whitlock, para crear los Derek and The Dominos en el año 1970.Cabe decir que la fuerte adicción a la heroína de Eric conllevó la defunción del grupo, siendo considerado como una especie de grupo casi ficticio... ya que solamente acabó grabando un doble álbum, que si bien fue un fracaso en su momento, ha sido reivindicado posteriormente como una obra maestra del rock, sobretodo gracias al éxito en single del tema que le otorga el nombre.
"Layla and other assorted love songs" es un disco muy completo en todos los sentidos, dirigido por dos virtuosos de la Stratocaster como Clapton y Allman, que habiendo ya colaborado junto a Delaney and Bonnie, al igual que Bobby Whitlock, se recrean entre blues y baladas, dúos y guiños a la inteligencia musical.
Cabalgando ambos sobre una base rítmica precisa y contundente, describen infinitas variaciones sobre un mismo tema: blues inagotable, hasta llegar a la magistral pieza que da nombre al álbum, "Layla", estandarte musical de Clapton, que lleva al grupo al punto culminante.
A destacar la versión del famoso "Little Wing" de Hendrix, que si bien no llega a la imposible potencia guitarrística de éste, se ve superada por el dúo de voces Clapton-Whitlock, cuya conjunción y complicidad hacen innecesaria cualquier otra pincelada armónica, grabando emoción con las voces apuradas hasta el falsete. "I looked away" inicia el disco como anticipo de lo que será el Clapton de "Slowhand". Melódico y preciso, en la línea de personajes con los que Clapton ha sido afín (Dave Mason, Harrison, etc). En la misma tendencia aparecen los cortes "Bell Bottom blues", de inusitada ingenuidad y calidez armónica y "Nobody knows...". "Tell the truth" de precioso estribillo coreado, continúa como puente entre el blues más clásico de "Key to the highway" o "Have you ever loved a woman" hasta los impresionantes "Little wing" y "Layla" ya comentados.
Y como punto final de esta obra imprescindible, aparece "Thorn tree in the garden", una despedida acústica de Whitlock, cuyo falsete melancólico parece augurar los difíciles tiempos por lo que pasaran en breve, Eric Clapton y Duane Allman, a cuyas biografías nos remitimos.
Fuentes:
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article113.html
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article500.html
Reseña "Derek and the dominos - Layla..." escrita por Michael Heatley
del libro: 1001 Discos que hay que escuchar antes de morir
ISBN: 978-84-253-4330-8 Coordinado por: Robert Dimery
Fuentes:Imagen de la portada (Adaptada por Oscar Vela).http://wallpaperswide.com/70s_design-wallpapers.html
Puzzle Bobble
Karate Blazers
Puzzle De Bloques
Magical Cat Adventure