Animación

Animación, imágenes en movimiento creadas por grabación de  una serie de imágenes o dibujos fijas, objetos o personas en diversas posiciones de movimiento progresivoque cuando se reproducen ya no aparecen de forma individual como imágenes estáticas sino que se combinan para producir la ilusión de movimiento continuo. La animación  es el término se aplica a las creaciones en el cine, el vídeo o computadoras, e incluso a los juguetes de movimiento, que por lo general consisten en una serie de dibujos o fotografías en papel que se ven con un dispositivo mecánico  que permite  mover  a mano y secuencialmente las  imágenes (por ejemplo, un bloc de papel se puede utilizar para crear un libro animado de dibujos). La caricatura término se utiliza a veces para describir obras cortas animadas (menos de diez minutos) que son de carácter humorístico.
 TÉCNICAS
Hay muchas maneras de crear la animación, dependiendo de si los materiales empleados son de dos dimensiones (planas, tales como dibujos, pinturas, o cortar piezas de papel) o tridimensionales (con volumen, como la arcilla, títeres, objetos, o incluso personas). En cada caso, un animador debe tener en cuenta el principio básico de cuadros por segundo (el número de imágenes necesarias para producir un segundo de película). Una  película sonora corre a 24 cuadros por segundo, un animador de cine debe   haber  24 imágenes por cada segundo de animación. Una práctica común es el ahorro de tiempo para el cine de animación en grupos de dos o de tres en tres en, lo que significa que el animador en realidad utiliza una imagen de dos o tres fotogramas de película en una fila, en lugar de utilizar cada imagen sólo una vez.
El Proceso de Producción
Después de elegir una idea para una película, un animador debe pensar en un concepto en términos de las acciones individuales. Por ejemplo, si el animador decide sobre una acción que   llevará   3 segundos de animación, él  animador   tendrá que crear imágenes para llenar 72 fotogramas de la película (3 segundos de movimiento multiplicada por la velocidad de desplazamiento de 24 fotogramas por segundo) . Filmado en grupos de dos, se necesitan  36 dibujos que muestran cambios progresivos en el movimiento para crear la acción de 3 segundos. Diferentes medios de comunicación utilizan velocidades diferentes. El estándar de video americano (National Television Standards Committee o NTSC) es de 30 fotogramas por segundo, mientras que algunos programas de animación digital (como Flash de Macromedia) puede funcionar tan lentamente como 12 fotogramas por segundo. No importa qué estándar se utiliza, la capacidad de pensar en términos de movimiento incremental es esencial para el proceso de animación.
Un animador debe hacer un montón de planificación, o el trabajo de preproducción, antes de que una animación se registre. Considerando que la acción en vivo cineastas pueden improvisar en el escenario, la mayoría de los animadores tienen todo perfectamente sincronizada antes de filmar. Antes de que cualquier animación de imágenes se puede hacer, muchos detalles se debe completar, como el desarrollo del concepto, el concepto storyboard (esbozando los principales acontecimientos de una historia con panel-como dibujos, como una tira cómica), el desarrollo y la grabación de un diálogo pista, si se utiliza, y otros elementos de sonido; cronometrando el diálogo u otros sonidos y registrar esta información en una hoja de tiempo (que muestra, en segundo, la longitud de cada bit de sonido), y cronometrando la acción para encajar el sonido. En algunos casos, el diálogo se registra después de la animación es completa, lo cual ha sido una práctica común en la industria de la animación japonesa.
Dependiendo del tamaño y presupuesto de la producción, el animador puede trabajar con un equipo de diseñadores de personajes, constructores de modelos, artistas, fondo, artistas inspirados dibujo, coloristas, y otros profesionales que influyen en el aspecto de la obra. Un individuo, o animador independiente, puede asumir todas estas funciones.
B Tipos de Animación
Si un animador se basa el proyecto de animación en los dibujos, una de las técnicas de animación más comunes, él o ella va a crear una serie de bocetos que a menudo se filmará en una prueba de lápiz (dibujos de líneas simples de las imágenes animadas hechas con lápiz ) para determinar si el movimiento deseado ha sido alcanzado. Si la prueba es satisfactoria lápiz, las imágenes son refinados ("limpia") mediante la eliminación de líneas excedentes. A principios de la década de 1910 a mediados, la animación se completó a menudo utilizando cels acetato (hojas de celuloide), aunque esta técnica está siendo superada por medios informáticos. Usando el proceso cel tradicional, limpiada imágenes dibujadas se trazan en un cel por una persona conocida como entintador, con especial adherentes acetato-tintas. Más tarde, un pintor aplica colores de vinilo pintura en la parte posterior de la cel. A partir de la década de 1960, para ahorrar tiempo y dinero grandes muchos estudios utilizaron un proceso de fotocopia, en lugar de entintado a mano, para transferir las líneas de la original atraído por el cel acetato.
Animación de marionetas utiliza figuras tridimensionales que se mueven de forma incremental para cada fotograma de la película. Conocidos directores de animación de marionetas incluyen artista húngaro George Pal, el artista checo Jiří Trnka, y artista ruso Ladislas Starewicz. Animación con muñecos de madera se ha asociado principalmente con Europa del Este, que cuenta con una fuerte tradición de fabricación de juguetes. Desde la década de 1980 las cifras de látex de caucho-como marionetas por lo general apoyado por un esqueleto interno flexible, llamado armadura-se han hecho populares en la animación. Este tipo de títere fue utilizada en la película de animación Pesadilla antes de Navidad (1993).
Clay animación emplea figuras de plastilina, un material que tiene una base de aceite para mantenerla flexible. Al igual que marionetas de látex, figuras de barro son típicamente apoyados por algún tipo de armadura, que van desde un complejo de "bola y cavidad" esqueleto de alambre trenzado sencillo (que proporcionó la armadura del personaje Gumby popular). Animación Clay se asocia a menudo con el estudio de Will Vinton, que se encuentra en Portland, Oregon, que en 1986 creó los famosos anuncios de televisión de California Raisins utilizando su técnica Claymation especial. Más recientemente, Aardman Animations, con sede en Bristol, Inglaterra, se ha convertido en un líder en la animación de la arcilla con la serie Wallace & Gromit de cortometrajes y la ejecución de largometraje Chicken (2000).
La técnica de animación conocida como pixilación utiliza los seres humanos u otros temas en vivo filmado de forma incremental en varias poses fijas, cuando los movimientos se reproducen, los sujetos se mueven de una manera artificial o algo surrealista. Un ejemplo famoso de este tipo de animación son los vecinos de cortometraje (1952), realizado por el animador escocés Norman McLaren en el National Film Board de Canadá. Pinscreen animación, un método relativamente inusual, fue desarrollado en Francia por origen ruso Alexandre Alexeieff y estadounidenses Claire Parker. El pinscreen (también conocido como un tablón de anuncios, o por su nombre francés, l'écran d'épingles) se compone de un gran marco vertical que contiene una tarjeta blanca que está perforado por millones de pins, o uñas. Uso de rodillos de diferentes tamaños, estas patillas están empujados hacia adentro o hacia afuera. Encendido de la cara con un foco único, el patrón de pernos crea sombras. Sombras oscuras aparecen en negro, sombras de luz aparecen en las variaciones de gris, y las zonas muy iluminadas parecen ser de color blanco. Esta técnica se utilizó en Une nuit sur le Mont Chauve (Night on Bald Mountain, 1933) y algunas otras películas.
Las computadoras pueden utilizarse para automatizar muchos de los procesos de animación, tales como el sombreado y el color (ver animación por ordenador). Aunque los ordenadores una vez fueron rechazados por los estudios y animadores que se enorgullecían de artesanía hecha a mano, los proyectos recientes, como el movimiento Toy Story imagen (1995), demuestran que las nuevas tecnologías han ganado mayor aceptación en la industria. Animadores informáticos se espera que en general tienen las mismas habilidades para el dibujo y la comprensión de movimiento incremental y el tiempo necesarios para crear técnicas más tradicionales. Muchos animadores informáticos trabajan en proyectos destinados a los videojuegos e Internet, y también encontrar empleo la creación de efectos especiales para películas.
Studios emplear una amplia gama de tecnologías en la creación de animación por ordenador. Muchos estudios de tomar ampliamente disponibles off-the-shelf software y programas de estudio hacen de propiedad (propiedad del gobierno) modificaciones para mejorar las capacidades de los programas. Algunos animación digital, en particular la que se crea para juegos o para efectos especiales en películas de acción real, utiliza una tecnología denominada captura de movimiento. La captura de movimiento implica el uso de intérpretes en vivo que usan trajes que contienen un número de "puntos de datos", que transmiten datos a través de una variedad de tecnología cableada o inalámbrica y cámaras situadas alrededor de la zona de actuación. Utilizando los datos recopilados durante la ejecución, los ordenadores pueden ser utilizados para construir las imágenes animadas relativamente realista, ya sea en tiempo real (inmediatamente) oa través de métodos de postproducción.
La captura de movimiento a menudo se compara con rotoscopia, una técnica en fotogramas individuales de actuación filmada de un actor se proyectan en hojas de papel y trazó para crear una serie de dibujos. Cuando se filmó, estos dibujos se puede crear una secuencia animada que es muy realista en su apariencia y movimiento. Nacido en Austria, animador Max Fleischer patentó el proceso de rotoscopia en 1917.
III HISTORIA
Precursores de animación incluyen juguetes o dispositivos ópticos que incluyen movimiento incremental y la apariencia de movimiento. Uno de tales dispositivos es el taumatropo, un disco con imágenes complementarias (un ave y una jaula, por ejemplo) impresos en cada lado y dos cuerdas que sirven como asas, y cuando el disco se hace girar y haciendo rotar las cuerdas, las imágenes convergen (el ave parece ser el interior de la jaula). El taumatropo, que fue desarrollado por el médico Inglés John A. París en 1825, demuestra el concepto de persistencia de la visión: Las imágenes permanecen implantados en el ojo durante una fracción de segundo después de que han entrado y, si aparecen imágenes continuas con la suficiente rapidez, se parecen para ser conectado (solapado, en el caso de la taumatropo, o en movimiento continuo, en el caso de las películas de animación). Científico belga Joseph Plateau desarrollado otro dispositivo animación temprano, el fenaquistiscopio, en 1832. Este disco giratorio contiene imágenes sucesivas que, cuando se ve correctamente, dan la apariencia de movimiento. En 1877 el inventor francés Émile Reynaud patentó el praxinoscopio, un cilindro que contiene una tira de papel con imágenes animadas que se puede ver a través del uso de un espejo (ver imágenes en movimiento, Historia de: Origins).
La animación ha sido parte de la historia del cine desde que las imágenes en movimiento se hicieron los primeros a finales de 1800. Algunas de las primeras películas de acción real, conocidas como películas truco, utiliza la técnica de animación stop de acción, en el que se detiene la cámara y el objeto es retirado o añadido a un tiro antes de la filmación se reanuda. Algunos de los pioneros del cine de animación dibujados eran conocidos dibujantes periódico, como artista francés Émile Cohl (cuyas películas incluyen Fantasmagorie, 1908), a menudo se considera que ha sido el verdadero animador primero, y artista estadounidense Winsor McCay (cuyas películas incluyen Little Nemo, 1911, y Gertie the Dinosaur, 1914). Aunque las técnicas de animación tridimensionales se utilizaron en los primeros años del cine, American estudios cinematográficos pronto determinó que en dos dimensiones (planas) animación era el más adecuado para las técnicas de la línea de montaje que habían adoptado para hacer que el proceso de realización más eficiente.
Uno de los hitos de la producción de animación eficiente fue el patentamiento de un proceso de producción de animación cel por el estadounidense Earl Hurd animador en 1914. Debido a que eran claras, cels reducido el número de veces que una imagen tenía que ser rehechos, como resultado, los diferentes dibujos de las piezas móviles puede ser apoyada sobre una imagen estática única. Cels no fueron ampliamente utilizados durante algún tiempo, en gran parte debido al coste de la licencia del proceso. Animadores más tempranos utilizaron otros métodos para ahorrar tiempo. Con el sistema de corte y desgarro, por ejemplo, un artista podría dibujar imágenes en movimiento (los personajes, por ejemplo) en una hoja de papel y rasgar el papel sobrante que rodea a las imágenes. La porción restante de la hoja de papel y luego se superpone sobre otra hoja de papel que contenía elementos estáticos (tales como el fondo), que aparecieron a través de las zonas arrancadas.
A Walt Disney
Durante la mayor parte de la historia de la animación, animación cel ha sido el estándar de la industria, en parte debido a la influencia mundial de un estudio, ahora conocida como la Compañía Walt Disney. El fundador de la compañía, Walt Disney, nació en Chicago, Illinois, pero creció en Kansas City, Missouri, donde conoció animador Ub Iwerks y compositor Carl Stalling, que iban a ser importante para su éxito futuro. Disney comenzó a animar películas en Kansas City, luego se trasladó a California en 1923 para trabajar en una nueva serie que llamó comedias de Alicia. Estas películas, que combinaron un personaje de acción en vivo con un ambiente animado, se distribuyeron por Margaret J. Winkler, un importante productor en la industria del cine temprano, que también maneja el popular Félix el Gato y Koko el payaso serie de dibujos animados.
Después de perder los derechos de su serie Oswald el conejo, que se había desarrollado en la década de 1920, Disney (con su entonces pareja Iwerks) creó un personaje que se convertiría en la figura animada más famosa de la historia: Mickey Mouse. Mickey Mouse hizo su debut en Steamboat Willie (1928), que incluye una partitura musical por Stalling y fue la primera película sonora de Disney.
La serie de Mickey Mouse de cortometrajes ido incorporando una serie de otros personajes populares y corrió durante varios años. Durante la década de 1930 Disney también produjo la serie Symphony tonto de pantalones cortos que sirvió como sede para la experimentación con nuevas tecnologías (por ejemplo, Technicolor, un importante sistema de principios película de color) y para la exploración de la relación entre la imagen y la música (estos pantalones cortos pueden ser considerados precursores de largometraje animado de Disney Fantasia, que apareció en 1940 y en la que se desempeñó como imágenes animadas interpretaciones de reconocida música sinfónica). Más adelante en la década, el estudio estrenó Blancanieves y los siete enanitos (1937), el primer largometraje animado película hecha en los Estados Unidos.
B De mediados a finales del siglo Animación al 20 de
Otros estudios de animación importantes de la década de 1930 y 1940 incluyen Columbia Pictures, Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, Terrytoons, el Studio Van Buren, Walter Lantz Productions y Warner Brothers, así como estudios encabezado por Iwerks animadores (que habían abandonado el Walt Disney Company en la década de 1930) y Max Fleischer. En la mayoría de los estudios de la obra se dividió a lo largo de líneas de género, siendo los hombres que tienen la mayor flexibilidad en el empleo y las mujeres en general se limitan a tinta y la pintura u otras tareas relativamente no creativa. En el estudio de Disney, por ejemplo, era una política general que las mujeres podían trabajar sólo en la tinta y los departamentos de pintura, aunque algunas mujeres, como los artistas Sylvia Holanda y Mary Blair, de hecho influyó profundamente en el aspecto de la animación de Disney. Walter Lantz empleado Laverne Harding era una de las pocas mujeres que realmente trabajó como animador durante la llamada Edad de Oro Americana de animación en los años 1930 y 1940.
Durante este período, la animación floreció fuera de los Estados Unidos. En las décadas de 1920 y 1930 artistas franceses experimentales, como Marcel Duchamp, en Anémic Cinéma (Cine anémico, 1927), y Fernand Léger, en el Ballet Mécanique (Mechanical Ballet, 1924), estaban usando técnicas de animación en colaboración con su trabajo en otras bellas artes . En Inglaterra, la Oficina General de Correos apoyo experimental películas de lejía y animadores Len Norman McLaren (quien más tarde fundó el departamento de animación en la National Film Board of Canada). Inglaterra fue también el hogar del animador húngaro John Halas, quien en 1940 fundó un estudio británico Joy Batchelor con animador. El Halas y Batchelor estudio producido muchas películas importantes, como Rebelión en la granja (1954). Notables animadores que trabajan en Alemania incluyó abstracto artista Oskar Fischinger, quien se fue a Estados Unidos en 1936 y más tarde influyó estadounidenses animadores abstractos como Harry Smith, Jordan Belson, Whitney James y John Whitney. Alemana Lotte Reiniger animador creado hermosas películas animadas usando intrincado figuras recortadas de papel recortados a contraluz (iluminación desde atrás). Película más famosa Reiniger es Die Abenteuer des Prinzen Achmed (Las aventuras del príncipe Achmed, 1926), uno de los primeros largometrajes animados.
Aunque muchas técnicas de animación se han utilizado a través de los años con un éxito crítico y comercial, al estilo Disney de animación cel, conocida como la animación completa, ya que tiene un movimiento constante y una alta proporción de dibujos por segundo de la película, ha tenido la mayor influencia en todo el mundo. Sin embargo, durante la década de 1940 a mediados de un estilo exitoso alternativa de animación cel fue presentado por otro estudio, United Productions of America (UPA). UPA fue fundada por Dave Hilberman, Schwartz Zacarías y Bosustow Stephen, todos los cuales habían dejado de Disney debido a una huelga en 1941. Interesado en el arte moderno y en el tratamiento de los temas sociales, estos artistas estaban decididos a crear un nuevo estilo de animación, tanto en forma como en contenido. Utilizando diseños simplificados y estilizados de color, UPA hizo un impacto en el mundo de la publicidad y el entonces nuevo campo de la televisión. Técnica de UPA de dibujos utilizando menos de una manera más estilizado que se conoce como la animación limitada.
En el tiempo de aparición de UPA, la televisión fue ganando importancia en la sociedad estadounidense, que condujo al establecimiento de nuevos estudios de animación por Jay Ward-creador de la serie-y Bullwinkle el equipo de Bill Hanna y Joe Barbera (ver Hanna-Barbera) - creadores de Yogi Bear (1961-1963), The Flintstones (1960-1966), y Los Supersónicos (1962-1963, 1984-1985, 1987-1988). UPA método de animación limitada fue abrazada por muchos estudios incipientes productores de animación para la televisión, como una manera de crear un material económico y rápido. Alto contraste de color y los campos de color sólido fueron también ampliamente utilizado, ya que la televisión carecía de la resolución de las imágenes en movimiento y por lo tanto requieren imágenes claramente definidas. Sin embargo, muchos de los estudios de animación de televisión nueva, que ayudó a llenar el mercado de los dibujos animados sábado por la mañana desarrollados en la década de 1960, fueron criticados por la producción de animación limitado que le faltaba el refinamiento estilístico de la obra de arte UPA. Algunos programas de dibujos animados más recientes, como el Cartoon Network The Powerpuff Girls (1995 -) y el Laboratorio de Dexter (1996 -), proporcionan un retorno nostálgico a ese estilo UPA.
La aparición de programas de cine universitarios y una mayor atención a las cuestiones sociales durante los años 1960, 1970 y 1980 dio lugar a una proliferación de la animación que exploró nuevos temas. Particularmente notable fue el número de mujeres estadounidenses que comenzaron a crear películas de animación durante esas décadas, incluyendo Faith Hubley, Vigas de María, Suzan Pitt, Priestley Joanna, y Joan Gratz. A nivel internacional, la animación continuó siendo perseguido como un esfuerzo artístico, sobre todo en el este de Europa, Canadá y otros países con gobierno apoyado por estudios de animación.
Aparte de la televisión, tal vez la mayor influencia en el estilo de la animación mundial reciente ha venido de las tecnologías informáticas. Los experimentos con la animación electrónica se inició en la década de 1930, pero no fue hasta la década de 1970 que la animación por ordenador se convirtió en viable más allá de las aplicaciones científicas y gubernamentales, en particular para su uso por la industria del entretenimiento.
Efectos de animación por ordenador y técnicas especiales para mejorar la acción en vivo las imágenes se han convertido en una característica dominante de las películas contemporáneas, especialmente en la acción, la ciencia ficción, y los géneros de terror. La primera película en utilizar imágenes generadas por ordenador como un componente importante fue Tron (1982), acerca de un programador informático que entra en el mundo de su propio programa. Industrial Light & Magic (ILM), una compañía de producción dirigida por el cineasta estadounidense George Lucas, fue pionero en el uso de técnicas de animación por ordenador de efectos especiales en películas como Star Wars (1977), The Abyss (1989), Terminator 2 (1991), Jurassic Park (1993), Forrest Gump (1994) y The Mask (1994). En los últimos años la captura de movimiento se ha utilizado para crear sorprendentes efectos especiales de acción en vivo características, incluyendo películas como Titanic (1997) y Gladiator (2000). Animación por computadora, incluyendo las técnicas de captura de movimiento, también han encontrado amplias aplicaciones en la industria del videojuego.
Durante muchos años, los productores de películas cinematográficas y de televisión de animación no era muy receptivo a equipo de trabajo, en parte porque hasta hace poco ha sido más costoso utilizar un sistema informático que pagar a los artistas para pintar celdas. Animados por computadora cifras que se presentan problemas estéticos también, porque tienden a ser rígidas y de aspecto carecer de un sentido de peso. Las recientes innovaciones en software han permitido a los animadores crear figuras más económica y con un sentido más realista de movimiento. Hoy en día, las computadoras son usadas extensivamente a través de todos los aspectos de la industria de la animación.
C Japanese Animation
Animación japonesa, conocida como anime, floreció después de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) y en la actualidad es muy popular tanto en Japón como en todo el mundo. Parte de la animación por primera vez en Japón incluye el cortometraje Kachikachi Yama (La Liebre Gets Revenge Durante el Mapache, 1939) y el títere película Musume Dojoji (La Niña en el templo de Dojo, 1946), ambas dirigidas por Kon Ichikawa, que más tarde también hecho películas de acción real. La figura histórica más importante de la animación japonesa, Osamu Tezuka, creó la primera serie animada de televisión en Japón, Tetsuwan Atom (Astroboy) en 1963. Tezuka también hizo varios cortometrajes, entre ellos Onboro Cine (Broken Down Film, 1985), que parodia las películas americanas silenciosos.
Más recientemente, el éxito de estas películas de animación como Akira (1988), dirigida por Katsuhiro Otomo, ha ganado anime japonés un seguimiento internacional. Uno de los animadores japoneses más famosos es Hayao Miyazaki, cuyas películas aclamadas como Castle in the Sky (1986), Mononoke Hime (Princesa Mononoke, 1997), Sen y Chihiro Para Kamikakushi (El viaje de Chihiro, 2001), que ganó un premio de la Academia para el mejor película de animación. Los japoneses animada serie de televisión Cowboy Bebop (1998), del director Shinichiro Watanabe, es otro hito del género. Otros animadores japoneses importantes son Yoji Kuri, Kihachiro Kawamoto, Renzo Kinoshita, Furukawa Taku, Isao Takahata, Mamoru Oshii, y Suzuki Shinichi. El estudio Toei, uno de los más grandes de Japón los productores de películas de acción real, también ha jugado un papel importante en la historia de la animación con una serie de películas y series realizadas para la televisión.
IV TENDENCIAS ACTUALES
Dos tendencias en la industria de la animación pueden tener una profunda influencia en su futuro: un aumento significativo de las oportunidades de producción y exhibición, así como la importancia creciente de las nuevas tecnologías.
Durante muchos años, los festivales de animación que operan bajo los auspicios de una sociedad internacional de animación, la Asociación Internationale du Film d'Animation (ASIFA), se han proyectado obras cortas a partir de una amplia variedad en su mayoría de independientes (no comercial) animadores. Durante la década de 1980, una serie de animación estadounidense que viajaba festivales, tales como Mike 'n' la Espiga de serie y Tournee Expanded Entertainment de Animación-trajo películas premiadas a las comunidades más pequeñas y rápidamente desarrollado un público fiel en los Estados Unidos. La llegada del vídeo doméstico, discos láser, y discos de vídeo digital (DVD) hizo la distribución de estas obras más viable y el aumento de su capacidad de comercialización después de las giras festivales terminado.
Festivales de viaje y entretenimiento en el hogar han dado reconocimiento a los animadores con talento de todo el mundo, y especialmente a los artistas independientes que de otro modo habrían tenido poca publicidad. Por ejemplo, disponible comercialmente grabaciones animación escaparate del Reino Unido, que es uno de los más innovadores en el mundo, incluyendo el trabajo de Joanna Quinn, David Anderson, Barry Purves y la Guardia Candy. Otros artistas, como Bruno Bozzetto de Italia y Paul Driessen de los Países Bajos, también ganó la exposición mucho mayor debido a que su trabajo aparece en cintas de vídeo y DVD.
Parte de este trabajo también aparece en la televisión. En el Reino Unido, tanto Channel4 y la British Broadcasting Company (BBC) han apoyado la producción y difusión de animación innovadora. En los Estados Unidos, los canales de cable Cartoon Network y Nickelodeon han desarrollado la serie animada original. La Internet es otro punto de venta que ha hecho de la distribución animación aún más fácil. Los animadores de todos los niveles han creado una animación en línea que pueden ser vistos en cualquier parte del mundo mediante el acceso a la World Wide Web.
Si bien las oportunidades de exposición de cortometrajes experimentales y de animación independiente aumentó durante la década de 1980 a mediados, un interés paralelo surgió en largometrajes, animación mainstream comercial en la industria cinematográfica. En los Estados Unidos, el estudio de Disney es Quién engañó a Roger Rabbit (1988), que combina la acción en vivo y animación en una película de largometraje, fue un éxito de taquilla. También exitosa fue de Disney Pesadilla antes de Navidad (1993), que fue notable porque fue hecho con títeres (en lugar de cels de animación) y contenía temas relativamente oscuros. En la televisión, Los Simpson (1990 -), creada por el dibujante estadounidense Matt Groening, se convirtió en la serie de animación más exitoso a aparecer en el prime time.
Durante la década de 1990, la Compañía Walt Disney produjo un promedio de una película de animación por año, la liberación de estos éxitos comerciales como The Little Mermaid (1989), La bella y la bestia (1991), Aladdin (1992), El rey león (1994), Pocahontas (1995), Hércules (1997), y Tarzán (1999), todo lo cual se benefició de una amplia promoción tie-ins tales como ropa y juguetes. Al mismo tiempo, otro estadounidense también emprendió estudios de animación horarios pesados ​​de producción de animación de largo metraje, así como pantalones cortos para televisión. El cable de red Nickelodeon, otro importante productor de animación estadounidense, lanzó una serie de programas originales en la década de 1990, incluyendo la serie controversial pero muy popular The Ren & Stimpy, creada en 1990 por el artista canadiense John Kricfalusi.
La importancia creciente de las nuevas tecnologías en la industria de la animación se ejemplifica en el trabajo de animador estadounidense John Lasseter, quien en 1986 comenzó a trabajar para Pixar, uno de los estudios de animación más importantes de un ordenador en los Estados Unidos. Muy aclamada película de Lasseter Luxo Jr. (1986) fue uno de los primeros cortometrajes de animación por ordenador para representar a un personaje con una personalidad muy parecida a la humana. En 1989 ganó un premio de la Academia por su animada por computadora Toy corto Estaño película (1988), un precursor de la primera película completamente animada por computadora, dirigida por el Lasseter Toy Story (1995). El lanzamiento de Toy Story de Disney-que se formó una producción y reparto de la distribución con Pixar, señaló que en tres dimensiones técnicas de animación por ordenador ha sido plenamente aceptado por los estudios de animación comercial para crear largometrajes. Otras películas de animación digital pronto siguieron y fueron éxitos importantes: Bichos (1998), Antz (1998), Toy Story 2 (1999), Dinosaurio (2000), Monsters, Inc. (2001), Shrek (2001), Edad de Hielo (2002), y Buscando a Nemo (2003). En 2001, una nueva categoría, "mejor película de animación," fue creado para los premios de la Academia, el Oscar va a Shrek.
Animación generada por computadora ha tenido un impacto significativo en la industria de la animación. En años recientes, la animación generada por computadora se ha centrado mucho la atención en la creación de aspecto realista figuras humanas, así como el fuego, el agua, la piel, los entornos naturales y otros retos. Es poco probable, sin embargo, que otras técnicas de animación se desvanecerá por completo. Como en el pasado, los animadores independientes seguirán creando innovadoras expresiones personales utilizando una variedad de enfoques, el desarrollo de nuevos métodos y la ampliación de la definición de la animación como una forma de arte.