La inauguración del festival se ha visto empañada por el ataque hace unos días que protagonizó Abdelmasih H. contra varios niños que se encontraban en Le Pâquier d'Annecy, un parque situado junto al lago en el camino hacia el Palacio Imperial. Sus víctimas fueron seis niños de entre 22 meses y 3 años que sufrieron varias puñaladas, cinco de los cuales ingresaron en el hospital en estado grave, aunque ya se encuentran fuera de peligro. Según se indica en el periódico Le Monde (10/6/2023), el atacante es un refugiado sirio cristiano que tenía protección subsidiaria hasta 2025 en Suecia, pero que no consiguió nacionalizarse debido a su pasado en el ejército. Tras solicitar asilo sin éxito en Italia y Suiza, Francia fue el último país que le denegó la solicitud el pasado 4 de junio por contar con protección en Suecia. La noticia ha conmocionado a la localidad de la Alta Saboya que habitualmente es una ciudad tranquila y que se preparaba para acoger a un récord de 14.000 invitados para el Festival de Annecy. Ahora que se está hablando tanto de Inteligencia Artificial, MIFA es también una ventana a las nuevas tecnologías, en la que no solo se presentan productoras y distribuidoras sino empresas cuyo trabajo sirve para incorporarse a las técnicas de animación. Por ejemplo, la recién creada Dynalips, una empresa que utiliza los últimos resultados en la investigación de la síntesis de voz audiovisual y la producción de voz articulada para desarrollar una herramienta de sincronización precisa y automática de los labios de un personaje 3D con el habla, que se enfocará sobre todo a películas de animación y videojuegos. Dynalips es una startup nacida en la localidad francesa de Lorraine que está compuesta por jóvenes investigadores e ingenieros, y se basa en las investigaciones del Laboratorio de Investigación en Informática y sus Aplicaciones (LORIA), el Instituto Nacional de Investigaciones en Ciencia y Tecnología Digital (INRIA) y la Universidad de Lorraine (Francia). Esta tecnología se puede incorporar a una línea de animación 3D, de forma que los animadores ahorran el tiempo de trabajar en la sincronización de los labios de los personajes.
Art College 1994
Jian Liu, 2023 | Competición Oficial | ★★★☆☆
Técnica de animación: Dibujo sobre papel
El director Jian Lu (1969, China) consiguió un notable éxito internacional con su película Have a nice day (2017), una expresiva muestra de cine negro animado que tenía referencias muy claras al estilo de Quentin Tarantino, y que logró competir en la sección oficial del Festival de Berlín. La muestra cinematográfica alemana volvió a acoger este año dentro de la competición a la nueva propuesta del director, un recorrido que tiene elementos autobiográficos, protagonizado por un grupo de estudiantes de la Academia de las Artes del Sur de China, que hablan constantemente sobre sus aspiraciones, hacen reflexiones filosóficas y debaten sobre la condición de artista. Art College 1994 (Jian Lu, 2023) se inicia con una cita tomada de la novela de James Joyce Retrato del artista adolescente (1916, Ed. Alianza Editorial) que deja claras las intenciones de la historia: "Vivir, errar, caer, volver a crear la vida con materia de vida". Esta forma de reconstruir momentos de su experiencia juvenil mientras exploraba las técnicas pictóricas define la manera en que la historia se acerca a un autorretrato a través del personaje de Zhang Xiaojun (Dong Zijian) y su compañero de estudio Rabbit (Chizi). Si James Joyce hablaba en su libro de la eclosión del artista envuelto en un entorno de tradición católica y agitación nacionalista, en esta película Jian Lu ofrece una representación de un ambiente efervescente de conocimiento artístico que sin embargo está marcado por una formación tradicional alejada de incursiones más simbolistas y expresionistas. El veinteañero Xiaojun está dedicando su tiempo a una obra que, según él, le abrirás las puertas del mercado artístico, con la colaboración de Rabbit, que adopta una postura menos ambiciosa como estudiante de arte. La obra sin embargo es destrozada por Lin Weiguo (Bai Ke), un rival en la escuela que se vanagloria de tener una novia occidental de ojos azules. Art College 1994 está llena de conversaciones en torno al mundo del arte, de referencias literarias y musicales, incluyendo fondos en los que están representados algunos iconos de la cultura popular como Michael Jackson y Kurt Cobain, mientras refleja ese aperturismo que vivió China en la década de los noventa hacia el consumo capitalista. Y por tanto las reflexiones y las discusiones que se plantean los estudiantes chinos también tienen un paralelismo con las que puedan llevarse a cabo en las escuelas de arte de cualquier país. Sobre todo respecto a la comercialización del arte, la aceptación de un premio como reflejo de la sumisión al mercado, la convivencia de una firma personal con la representación de una marca como una expresión de la decadencia capitalista... A medida que la película se desarrolla, el enfoque se abre a otros personajes y otras miradas no masculinas, como Hao Lili (Zhou Dongyu), una estudiante de piano que está enamorada de Xiaojun, y su amiga Gao Hong (la comediante Papi Jiang), que es una aspirante a cantante que actúa en un club nocturno y de alguna manera se sitúa en medio de la posible relación entre su amiga y el estudiante de arte. Jian Lu no esconde sus influencias, hasta el punto de hacerlas explícitas con la incorporación en las voces de dos directores: Jia Zhangke (1970, China), representante de la llamada Sexta Generación de cineastas chinos, que ha dirigido películas como Naturaleza muerta (Still life) (2003), Un toque de violencia (2013) y Más allá de las montañas (2015), y Bi Gan, responsable del drama Largo viaje hacia la noche (2018). Utilizando su habitual animación 2D marcada por líneas sencillas y fondos muy detallistas, mayormente creada a partir de dibujos manuales, pero a veces con algunas aportaciones de ordenadores, Art College 1994 se desarrolla con un ritmo pausado que se sostiene en largas conversaciones entre los estudiantes que reflexionan sobre conceptos filosóficos más o menos simples, lo que hace que la película en ocasiones sea difícil de digerir, sobre todo por una duración demasiado larga de dos horas. Hay aspectos interesantes sobre el capitalismo en una convivencia compleja con la tradición cultural china, la ambición de la juventud y la incertidumbre del futuro en el mundo del arte, una especie de vibración que recuerda a Richard Linklater pero que resulta mucho menos apasionante entre las reflexiones de los estudiantes de la Escuela de Arte.Linda veut du poulet!
Sébastien Laudenbach, Chiara Malta, 2023 | Competición Oficial | ★★★★☆
Técnica de animación: 2D por ordenador
La película inaugural de la selección ACID en el Festival de Cannes fue esta producción francesa que ahora se presenta en la sección competitiva de Annecy 2023, una historia humana que habla de la infancia y de la relación entre una madre y una hija que se han separado emocionalmente tras la muerte del esposo/padre años atrás. Linda (Mélinée Leclerc) es una niña rebelde que a veces se mete en problemas por su carácter independiente, especialmente con Paulette (Clotilde Hesme) quien sobrelleva con dificultad su papel como madre en solitario. Cuando su anillo de bodas desaparece, la madre considera que Linda es culpable y la castiga, para darse cuenta poco después que ha cometido un error. Tratando de compensarla, le permite a Linda pedir lo que más desee, y ella decide que quiere comer pollo con pimienta, una receta que ha permanecido como memoria emocional de su padre Giulio (Pietro Sermonti) cuando ella era un bebé. Paulette está decidida a no decepcionar a su hija, pero encontrar un pollo resulta especialmente difícil en una Francia paralizada por una huelga general, un guiño que no solo sirve como reflejo social de un país envuelto en constantes conflictos laborales, sino como un trasfondo fundamental para el desarrollo de la historia. El pollo funciona en realidad como una especie de McGuffin que se utiliza para iniciar una aventura en la que madre e hija se acercarán progresivamente, y conseguirán seguir adelante dejando la memoria del padre desaparecido como un recuerdo. Pero Chicken for Linda! (Sébastien Laudenbach, Chiara Malta, 2023) es sobre todo una celebración de la rebeldía, mostrando a los personajes más subversivos con cierta empatía, lo que se refuerza también en el contexto de las manifestaciones sindicales en el país. Mientras que supone el debut en la animación para la directora Chiara Malta (1977, Italia), quien anteriormente dirigió el largometraje de ficción Simple women (2019), se trata de la segunda película de Sébastien Laudenbach (1973, Francia), quien ganó el premio a la Mejor Película Francesa en Annecy por su largometraje La jeune fille sans mains (2017). De hecho, el estilo de animación 2D, con personajes delineados en un tono minimalista, es parecido al de aquella, pero en este caso se subraya el uso de los colores primarios como distintivos de las diferentes personalidades: Linda es predominantemente amarilla, su amiga Carmen (Alenza Daus) es verde, su madre Paulette es anaranjada y la policía se representa en azul. Mientras que los fondos dibujados por la artista Margaux Duseigneur, establecen un diseño que parece simple pero que remarca esencialmente el sentido de comunidad en un pequeño barrio. Es un diseño muy hermoso que permite una dinámica en los personajes casi etérea, pero la película no necesita caer en los habituales viajes a mundos fantásticos para reflejar la psicología de los personajes. La parte central es una divertida aventura que implica a un policía y un camión de sandías que se dirige a Barcelona, y en las secuencias finales hay una persecución de la autoridad contra un grupo de niños traviesos. En cierta manera, dentro de su narrativa clásica, se trata de una historia que defiende la anarquía y el caos, incluso para algunos personajes adultos como Paulette, que tiene un carácter demasiado impulsivo para su hermana Astrid (Laetitia Dosch). Chicken for Linda! es una película hermosa visualmente, con un tono muy familiar y un encanto especial que se apoya en una excelente banda sonora de Clément Ducol (1981, Francia), quien compone algunas canciones que no resultan forzadas dentro del entorno realista. El músico francés colaboró en las canciones que interpretó su esposa, la cantante Camille, en la banda sonora de Hans Zimmer y Richard Harvey para la película de animación El principito (Mark Osborne, 2015). Pero a pesar de esta aparente simplicidad, el proceso de producción está estructurado de una forma muy sólida, con Sébastien Laudenbach centrado en la concepción gráfica y los dibujos, mientras que Chiara Malta se enfoca en el diseño de sonido y la grabación de las voces. La utilización de un espacio más abierto que un estudio de grabación ha permitido grabar los diálogos como si se tratara de una película real, dándole la posibilidad a los jóvenes actores de moverse e incluso improvisar. De esta forma, se consigue crear una naturalidad que se refleja a lo largo de esta entretenida aventura sobre el crecimiento y la ausencia.
Toldi - The movie
Marcell Jankovics, Lajos Csákovics, 2022 | Competición Contrechamp | ★★★★☆
Técnica de animación: 2D por ordenador
PREMIOS CINEMATOGRÁFICOS DE HUNGRÍA: MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
La última película del reconocido director de cine de animación Marcell Jankovics (1941-2021, Hungría) es una versión cinematográfica de una serie que se estrenó en Hungría en diciembre de 2021, meses después de su muerte. Se trata de uno de los nombres fundamentales en la historia del cine húngaro, responsable de la primera película de animación que se realizó en su país, Juan, el paladín (1973), al que siguió el estreno de Fehérlófia (1981). Pero sus mayores reconocimientos internacionales los consiguió con cortometrajes como Sísifo (1974), que fue nominado al Oscar, y Fight (1977), que logró la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Sus proyectos suelen ser adaptaciones de relatos históricos y reinterpretan la tradición cultural de su país, como la serie Leyendas de la historia húngara (1986) o su proyecto más ambicioso, el largometraje épico La tragedia del hombre (2011). En el caso de Toldi (Marcell Jankovics, Lajos Csákovics, 2022), se trata de una versión de la trilogía escrita por el autor húngaro János Arany (1827-1882), que contaba la historia del héroe del siglo XIV Nicolás Toldi, que durante mucho tiempo se creyó que era un personaje ficticio. La primera de las tres obras, Toldi (1846) está dividida en doce cantares y un prefacio, estructura que se mantuvo en la serie Toldi (2021) estrenada en la televisión húngara. Y en cierto modo se pueden reconocer estos diferentes cantares que muestran la historia de Toldi en la versión cinematográfica, en la que se han realizado cambios no muy significativos, porque los episodios eran aproximadamente de diez minutos. Miklós Toldi es un joven campesino que cuenta con una fuerza sobrenatural. Cuando regresa a la casa de sus padres, encuentra a su hermano György, un caballero cercano a la corte del rey, que solo quiere llevarse la mitad de la producción de la casa. Tras una discusión, Miklós mata en un enfrentamiento a uno de los soldados que acompañan a György, por lo que debe huir y convertirse en un proscrito, iniciando una aventura para recuperar su honor. A lo largo de esta historia de transformación y restitución personal, el protagonista se convertirá en un héroe gracias a una lucha final con un caballero checo, pero en el camino tendrá que enfrentarse también a una manada de lobos, a un toro que se ha escapado y a hordas de soldados, a los que hace frente gracias a su extraordinaria fuerza, que en la película está representada con una transformación que recuerda a los personajes de los anime japoneses. Una de las decisiones más arriesgadas de Marcell Jankovics fue la de mantener en buena parte el texto original, escrito en forma de poemas que declama un narrador principal. De esta forma, la película cuenta únicamente con la voz del actor Tamás Széles, que actúa como narrador y también interpreta las voces de algunos personajes cuando se establece un diálogo. Es una forma de contar la historia que puede resultar más efectiva para episodios de diez minutos que para un largometraje de más de una hora y media, pero al final no acaba siendo tan problemática como pudiera parecer en principio. Toldi fue terminada por Lajos Csákovics, uno de los colaboradores de Marcell Jankovics, que no pudo ver concluida ni la serie ni la película, pero mantiene el estilo característico de su director, con una técnica de animación 2D tradicional, en la que se mezclan diferentes estilos y una inventiva realmente sobresaliente. Mientras que los personajes principales están dibujados de una forma realista, sus pensamientos y las referencias al pasado histórico se representan con el estilo del Codex Manesse, un manuscrito medieval del año 848, que estaba dedicado a Wenceslao II y que recoge diversas canciones de amor. El narrador está mostrado como la representación del autor de la trilogía original János Arany, con un dibujo simple. Y hay algunas secuencias especialmente logradas, como la visita de György al rey, que está planificada con el reflejo constante de la mezcla de colores que provienen de una vidriera, o la escena en la que un pueblo está aterrorizado por un toro que se ha escapado, que se muestra a través de casas con forma de rostros humanos temblorosos. Esta diversidad de técnicas y estilos suaviza la narración unidireccional de una sola voz, y convierte a la película en un auténtico espectáculo, que está muy bien sostenido por la banda sonora, de tono clásico y con referencias medievales, escrita por el veterano compositor húngaro György Selmeczi (1952, Rumanía). Como curiosidad, tanto él como otros de los responsables de la película, entre ellos los directores Marcell Jankovics y Lajos Csákovics, están representados en los doce caballeros que aparecen al final de la película. La película consiguió el pasado sábado el premio al Mejor Largometraje de Animación en la ceremonia de entrega de los Premios Cinematográficos de Hungría 2023.
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Flóra Anna Buda, 2023 | Competición Cortometrajes | ★★★★★
Técnica de animación: 2D por ordenador
El cortometraje ganador de la Palma de Oro en el Festival de Cannes ha sido esta coproducción entre Hungría y Francia que aborda un momento de crecimiento personal en una joven que acaba de cumplir 27 años, pero todavía vive en casa de sus padres. La historia tiene algunos tintes autobiográficos de la guionista y directora Flóra Anna Buda (1991, Hungría), quien había ganado anteriormente el premio Teddy en el Festival de Berlín por su cortometraje Entropia (2019), a través de su propia experiencia al no poder independizarse hasta los 27 años. Esta situación común en muchos países europeos explora la comprometida situación que significa para una joven que ya es adulta tener que vivir con su familia, enfrentándose a algunos momentos embarazos en la exploración de su sexualidad, por ejemplo. El cortometraje comienza precisamente con una fantasía de Alice (Natass Stork) en la que practica un trío con una pareja de policías (Franciska Farkas, Simon Szabó) que le han pedido la documentación en un parque, después de preguntarle dónde están sus padres. Esta sensación de no llegar a ser considerada una adulta hasta que no se abandona el caparazón del hogar familiar provoca un desorden emocional en Alice que solo se libera cuando sale de fiesta. La animación 2D creada por ordenador tiene una textura de acuarela marcada por tonos anaranjados que predominan en la figura de la protagonista, con fondos delineados en formas geométricas. Comenta la directora que el proceso de coloreado fue uno de los aspectos técnicos más complicados para encontrar los tonos adecuados, especialmente cuando parte de la historia se desarrolla en escenarios nocturnos. La aceptación de Alice de que está absorbida por una situación marcada por una tensión constante, provoca una catarsis emocional que desemboca en un accidente con su bicicleta y en la probable decisión de que necesita salir de la casa de sus padres; de hecho, el título provisional durante el desarrollo del proyecto era My last day at home. En 27 (Flóra Anna Buda, 2023), se plantea una interesante reflexión sobre la generación millennial y su falta de recursos para emanciparse, al mismo tiempo que se propone una exploración de la sexualidad femenina a través de las fantasías de la protagonista, como si se tratara de una aproximación al porno pero con un enfoque social. Y tiene mérito haber conseguido una obra tan sólida en un contexto tan complicado como el cine húngaro. El Instituto Nacional de Cine le negó a la directora la ayuda estatal en tres ocasiones, de forma que la opción más adecuada para desarrollar el proyecto fue la coproducción internacional.
Fox tossing
Zénó Mira, 2023 | Competición Cortometrajes Graduación | ★★★★☆
Técnica de animación: 2D por ordenador
Estos días se celebra también la 51 edición del Festival Internacional de Cine de Huesca, en cuyo Concurso Internacional de Cortometrajes compite Fox tossing (Zénó Mira, 2023), que en Annecy ha sido seleccionado para una nueva sección dedicada a obras de graduación de escuelas y facultades de arte. El cortometraje de ocho minutos fue presentado como trabajo de final de carrera del director en la Universidad de Arte y Diseño Moholy-Nagy de Budapest en 2020, pero no se ha concluido hasta este año porque el concepto, los dibujos y la animación han sido realizados en solitario por Zénó Mira. El título hace referencia a una diversión que se convirtió en habitual en las cortes europeas del siglo XVII y XVIII, y que consistía en soltar a zorros dentro de un espacio acotado para que no pudieran escapar y lanzarlos por los aires con unas tiras de tela que eran sostenidas en cada extremo por cada una de las parejas participantes, de forma que el lanzamiento que llegara a mayor altura resultaba ganador. Ni qué decir tiene que el destino de los zorros era trágico, porque si sobrevivían a las caídas, eran rematados a palos. En una de las competiciones, celebrada en Dresde por el rey Augusto II de Polonia, murieron cientos de zorros, liebres y tejones. Con una técnica inspirada en los grabados de la época que mostraban este salvaje pasatiempo, Zénó Mira presenta una animación con dibujos a tinta en blanco y negro que solo están coloreados en tonos marrones en la representación de los zorros y de la sangre. Sin introducir diálogos, únicamente con la música de los conciertos de Tomasso Albinoni, el cortometraje refleja la vida hedonista de los aristócratas en una auténtica muestra de desprecio hacia los animales que usan para su divertimento. El director no evita algunos de los momentos más violentos en la caída de los zorros al suelo, pero también refleja la rebelión de uno de ellos frente a los humanos. A lo largo de los ocho minutos, se mezcla la diversión festiva con un grado más brutal de placer, elevando el nivel de crueldad de forma progresiva. La liberación es la única salida de los animales que sufren la perversión del ser humano. ______________________________________Películas mencionadas: Un toque de violencia, Más allá de las montañas y Largo viaje hacia la noche se pueden ver en Filmin.El principito se puede ver en Filmin y Movistar+.