Behemoth
Desde sus primeros días, Behemoth ha sido conocido por su enfoque único y distintivo del metal extremo, fusionando elementos del black metal, death metal y elementos de música clásica y ritualística. A lo largo de los años, han lanzado una serie de álbumes aclamados por la crítica y los fanáticos, incluyendo «The Satanist» (2014), «Demigod» (2004) y «I Loved You at Your Darkest» (2018), que les han valido múltiples premios y nominaciones.
La música de Behemoth se caracteriza por su brutalidad sonora, combinada con una gran atención al detalle en la instrumentación y la composición. Sus letras exploran temas oscuros y filosóficos, a menudo inspiradas en la mitología, la religión y la literatura. La voz distintiva de Nergal, que oscila entre rugidos guturales y cánticos ritualísticos, añade una capa adicional de intensidad a su música.
Además de su música, la banda es conocida por sus espectáculos en vivo altamente elaborados y teatrales, que incluyen escenografías elaboradas, vestimenta elaborada y elementos de performance que crean una experiencia inolvidable para los espectadores.
A lo largo de su carrera, Behemoth ha sido objeto de controversia debido a su enfoque provocador y sus letras blasfemas, lo que ha llevado a prohibiciones de conciertos y críticas por parte de sectores conservadores. Sin embargo, la banda ha defendido firmemente su derecho a la libertad de expresión y ha mantenido una base de seguidores leales en todo el mundo.
Behemoth es una de las bandas más influyentes y respetadas en el ámbito del metal extremo, conocida por su música poderosa, letras profundas y espectáculos en vivo impactantes. Su legado en la escena del metal sigue siendo relevante hoy en día, y continúan siendo una fuerza dominante en el mundo del metal extremo. Solo por ellos ya merece pagar la entrada del Leyendas, por supuesto es una de las bandas que mas ganas tenemos de volver a encontrarnos en directo.
Amon Amarth
Amon Amarth, cuyo nombre proviene del sindarin, una lengua ficticia creada por J.R.R. Tolkien y que significa «Montaña del Destino», se formó originalmente bajo el nombre Scum en 1988. La alineación inicial incluía a Johan Hegg (voz), Olavi Mikkonen (guitarra), Ted Lundström (bajo), Anders Hansson (guitarra) y Nico Mehra (batería). En 1992, tras un cambio de nombre y la llegada de nuevos miembros, la banda adoptó el nombre Amon Amarth y comenzó a definir su sonido característico.
Su musica es una mezcla potente de death metal melódico con influencias vikingas, creando una atmósfera épica y majestuosa que resuena con las historias de los antiguos guerreros nórdicos. Sus letras, escritas principalmente por Johan Hegg, están llenas de referencias a la mitología nórdica, las sagas vikingas y batallas históricas, transportando a los oyentes a una era de dioses, héroes y conflictos épicos.
La banda lanzó su primer álbum de estudio, «Once Sent from the Golden Hall», en 1998 bajo el sello Metal Blade Records. Este álbum estableció las bases de su sonido, caracterizado por riffs poderosos, melodías pegajosas y la inconfundible voz gutural de Hegg.
Amon Amarth ha ganado una gran cantidad de seguidores en todo el mundo gracias a su estilo único y su dedicación a la mitología vikinga. Han sido elogiados por su habilidad para crear álbumes conceptuales que cuentan historias cohesivas y emocionantes, así como por sus enérgicos y teatralizados espectáculos en vivo. La banda ha realizado giras extensivas, llevando su épica música a audiencias globales y participando en numerosos festivales importantes de metal.
Su influencia se extiende más allá de la música, ya que han contribuido a popularizar y revitalizar el interés por la mitología y la cultura vikinga en el mundo del metal. Amon Amarth ha demostrado que el death metal melódico puede ser tanto brutal como melódico, y que las historias antiguas pueden resonar fuertemente en la música contemporánea.
Dokken
La historia de Dokken comienza en 1978 cuando Don Dokken, el vocalista y fundador, decidió formar una banda que reflejara sus influencias musicales del hard rock y el heavy metal. La alineación clásica de la banda se consolidó en 1983 con Don Dokken en la voz, George Lynch en la guitarra, Jeff Pilson en el bajo y Mick Brown en la batería. Este cuarteto es responsable de los mayores éxitos y del sonido característico de Dokken.
El primer álbum de la banda, «Breaking the Chains» fue lanzado en 1981 en Europa y luego en Estados Unidos en 1983. Aunque inicialmente no tuvo un gran éxito comercial, el álbum ayudó a establecer la banda y presentó su potencial musical. Canciones como «Breaking the Chains» mostraron la habilidad de la banda para combinar riffs de guitarra afilados con melodías vocales memorables.
El verdadero éxito llegó con su segundo álbum, «Tooth and Nail» (1984), que incluía éxitos como «Into the Fire» «Just Got Lucky» y «Alone Again» Este álbum fue un gran éxito comercial y consolidó a Dokken como una fuerza prominente en la escena del glam metal de los 80.
Dokken continuó su racha de éxitos con el lanzamiento de «Under Lock and Key» en 1985, que incluía los sencillos «In My Dreams» y «It’s Not Love» Este álbum consolidó aún más su estatus y fue seguido por «Back for the Attack» en 1987, que se destacó por el sencillo «Dream Warriors» una canción escrita para la banda sonora de la película «A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors.»
Durante estos años, Dokken se convirtió en una de las bandas más populares del glam metal, llenando estadios y apareciendo en los principales festivales de rock. Su música, caracterizada por la voz poderosa de Don Dokken y los solos de guitarra virtuosos de George Lynch, resonaba con una gran base de fanáticos.
Dokken es una banda emblemática del glam metal y hard rock de los 80, conocida por su música poderosa y sus dinámicas actuaciones en vivo. A pesar de las tensiones internas y los cambios en la alineación, la banda ha demostrado una notable capacidad de resistencia y adaptación. Con un legado que sigue inspirando a nuevas generaciones de músicos y fanáticos, Dokken continúa siendo una fuerza influyente en el mundo del rock y metal.
Brothers of metal
La formación de Brothers of Metal es un testimonio del poder del metal para unir a las personas. La banda fue fundada por siete amigos que compartían una pasión por la música épica y las historias de la mitología nórdica. La alineación incluye a Joakim Lindbäck Eriksson (voz), Ylva Eriksson (voz), Mats Nilsson (voz), Pähr Nilsson (guitarra), Mikael Fehrm (guitarra), Emil Wärmedal (bajo) y Johan Johansson (batería). Desde el principio, el objetivo del grupo fue claro: crear música que evocara la grandeza y el heroísmo de los antiguos mitos nórdicos.
El estilo musical de Brothers of Metal es una mezcla vibrante de power metal y heavy metal tradicional, con influencias del folk y elementos sinfónicos. Sus canciones están cargadas de riffs poderosos, solos de guitarra electrizantes y coros que invitan al canto. Pero lo que realmente distingue a la banda es su enfoque en la narrativa. Cada canción es una historia épica que transporta a los oyentes a un mundo de dioses, héroes y batallas titánicas.
Las letras de Brothers of Metal están profundamente arraigadas en la mitología nórdica. Sus canciones hablan de figuras legendarias como Thor, Odin y Loki, así como de temas de honor, valentía y la lucha eterna entre el bien y el mal. Esta combinación de música poderosa y narrativa épica ha capturado la atención de los fanáticos del metal en todo el mundo.
El debut discográfico de Brothers of Metal, «Prophecy of Ragnarök» fue lanzado en 2017 y rápidamente ganó reconocimiento por su energía contagiosa y su épica narrativa. El álbum incluye temas destacados como «The Mead Song» «Yggdrasil» y la canción principal «Prophecy of Ragnarök» que se convirtieron en himnos para los fanáticos de la banda. El éxito del álbum permitió a Brothers of Metal ganar una base de seguidores devotos y realizar giras por Europa, llevándolos a festivales de metal prominentes.
En 2020, la banda lanzó su segundo álbum, «Emblas Saga» que continuó explorando las ricas historias de la mitología nórdica. Canciones como «Njord» «One» y «Brothers Unite» consolidaron aún más su reputación como maestros del metal épico. «Emblas Saga» fue elogiado tanto por los críticos como por los fanáticos por su producción impecable, su composición creativa y su capacidad para transportar a los oyentes a un mundo de fantasía heroica.
Su enfoque único en la mitología nórdica, combinado con su talento musical, ha creado una identidad distintiva que los separa de otras bandas del género. Han demostrado que el metal puede ser no solo poderoso y agresivo, sino también narrativo y evocador.
Brothers of Metal ha emergido como una de las bandas más emocionantes y distintivas de la escena del metal contemporáneo. Con su poderosa música, sus letras épicas y su compromiso con la narrativa mitológica, han creado una experiencia única que continúa ganando seguidores en todo el mundo.
Crisix
La historia de Crisix comienza en 2008 cuando cinco amigos con una pasión compartida por el thrash metal decidieron formar una banda. La alineación original incluía a Juli Bazooka (voz), Busi (guitarra), Requena (guitarra), Dani Ramis (bajo) y Javi Carrión (batería). Inspirados por las bandas clásicas de thrash de los 80 como Metallica, Slayer y Exodus, así como por grupos contemporáneos, Crisix rápidamente se distinguió por su feroz compromiso con la autenticidad del género.
El primer gran hito en la carrera de Crisix fue ganar el concurso internacional Wacken Metal Battle en 2009, que les permitió tocar en el prestigioso festival Wacken Open Air en Alemania. Esta victoria no solo les dio exposición internacional, sino que también les brindó la oportunidad de grabar su primer álbum, «The Menace» lanzado en 2011. El álbum fue recibido con entusiasmo, destacándose por su agresividad, precisión técnica y letras socialmente conscientes.
Crisix ha lanzado varios álbumes de estudio, cada uno mostrando una evolución en su sonido y una madurez en su composición.
- «The Menace» (2011): Su álbum debut, que incluye temas como «Ultra Thrash» y «Brutal Gadget» estableció a Crisix como una fuerza a tener en cuenta en el thrash metal.
- «Rise… Then Rest» (2013): Este álbum consolidó su estilo, con canciones como «Bring ‘em to the Pit» y «Frieza the Tyrant» que muestran un enfoque más pulido y una producción mejorada.
- «From Blue to Black» (2016): Con este álbum, Crisix demostró su capacidad para combinar la ferocidad del thrash con una narrativa más compleja. Canciones como «Conspiranoia» y «Psycho Crisix World» reflejan un sonido más maduro y diverso.
- «Against the Odds» (2018): Este álbum fue un tributo a su perseverancia y dedicación al metal. Temas como «Get Out of My Head» y «Leech Breeder» destacan por su intensidad y su mensaje de resistencia.
- «Crisix Session #1: American Thrash» (2019): Un álbum de versiones que rinde homenaje a las bandas que influenciaron su estilo, mostrando su respeto y gratitud hacia los pioneros del thrash metal.
El estilo musical de Crisix está firmemente enraizado en el thrash metal clásico, pero con un toque moderno que los distingue. Sus canciones están llenas de riffs rápidos, solos de guitarra afilados y una sección rítmica implacable. Las letras de Crisix abordan una variedad de temas, desde problemas sociales y políticos hasta referencias a la cultura pop y los videojuegos. Su enfoque directo y su energía inagotable han sido clave para conectar con una amplia audiencia.
Una de las mayores fortalezas de Crisix es su presencia en vivo. La banda es conocida por sus actuaciones intensas y enérgicas, que capturan la esencia del thrash metal. Han tocado en numerosos festivales importantes, incluyendo el Resurrection Fest en España y el Summer Breeze en Alemania. Su habilidad para involucrar a la audiencia y mantener una atmósfera eléctrica en cada show es una de las razones por las que tienen una base de fanáticos tan leal.
Crisix ha tenido un impacto significativo en la escena del metal, no solo en España, sino en todo el mundo. Han demostrado que es posible mantener la esencia del thrash metal clásico mientras se adaptan a las sensibilidades modernas. Su dedicación y pasión han inspirado a una nueva generación de bandas y fanáticos, asegurando que el legado del thrash metal continúe vivo y vibrante.
Born of Osiris
Born of Osiris es una banda estadounidense que ha dejado una huella profunda en la escena del metal moderno. Formada en 2003 en Palatine, Illinois, la banda ha sido una fuerza innovadora en el metal progresivo y el subgénero djent, combinando complejas estructuras musicales con una intensidad implacable. Con su enfoque único y su habilidad para fusionar diferentes estilos musicales, Born of Osiris ha ganado un seguimiento fiel y ha influido en innumerables bandas emergentes.
La historia de Born of Osiris comenzó en la escuela secundaria, cuando los miembros fundadores Lee McKinney (guitarra) y Joe Buras (teclados y voz) se unieron para crear música que desafiara las convenciones del metal tradicional. Inicialmente conocida como Diminished y luego como Your Heart Engraved, la banda finalmente adoptó el nombre Born of Osiris en 2007, inspirado en la mitología egipcia. Con la adición de miembros clave como Cameron Losch (batería), David Da Rocha (bajo) y Ronnie Canizaro (voz), la alineación se consolidó y comenzó a desarrollar su sonido característico.
El primer EP de la banda, «The New Reign», lanzado en 2007, capturó rápidamente la atención de la escena metalera. Con su combinación de breakdowns pesados, solos técnicos y teclados atmosféricos, el EP estableció a Born of Osiris como una banda a seguir. Temas como «Empires Erased» y «Abstract Art» mostraron su habilidad para fusionar agresión con complejidad melódica.
En 2009, Born of Osiris lanzó su primer álbum de estudio completo, «A Higher Place», a través de Sumerian Records. El álbum fue bien recibido por su evolución sonora y su enfoque más maduro en la composición. Canciones como «Now Arise» y «Exist» consolidaron su reputación como innovadores del metal progresivo y djent.
El estilo de Born of Osiris se caracteriza por su mezcla de metal progresivo, djent y deathcore, con una fuerte influencia de la música electrónica y sinfónica. Las complejas estructuras de sus canciones, los intrincados solos de guitarra y los breakdowns devastadores son rasgos distintivos de su música. Además, los teclados atmosféricos y los efectos electrónicos añaden una capa adicional de profundidad y sofisticación.
Líricamente, la banda explora una amplia gama de temas, desde la introspección personal y las luchas emocionales hasta conceptos filosóficos y espirituales. La banda a menudo utiliza metáforas y narrativas complejas para transmitir sus mensajes, lo que invita a los oyentes a una experiencia auditiva profunda y reflexiva.
Una de las mayores fortalezas de Born of Osiris es su capacidad para llevar su compleja música al escenario. Sus actuaciones en vivo son conocidas por su energía inagotable y su precisión técnica. La banda ha tocado en numerosos festivales importantes y ha realizado giras extensas por todo el mundo, ganando una reputación por su entrega apasionada y su habilidad para conectar con el público.
Con cada lanzamiento, Born of Osiris continúa demostrando que están en constante evolución y no tienen miedo de explorar nuevos horizontes. Los fanáticos pueden esperar más música innovadora y actuaciones electrizantes en el futuro. La banda sigue trabajando en nueva música y planeando giras, asegurando que su legado en la escena del metal siga creciendo.
The New Roses
The New Roses, la banda alemana de rock que ha capturado la esencia del rock clásico con una energía renovada, sigue ganando adeptos alrededor del mundo con su sonido potente y auténtico. Formada en Wiesbaden en 2007, esta banda ha emergido como uno de los nombres más destacados en la escena del rock contemporáneo, combinando influencias del hard rock, el blues y el rock sureño para crear una experiencia musical que es tanto nostálgica como fresca.
The New Roses se formó cuando el vocalista y guitarrista Timmy Rough, junto con el guitarrista Norman Bites, el bajista Hardy, y el baterista Urban Berz, decidieron unir fuerzas para revivir el espíritu del rock clásico. Inspirados por bandas icónicas como Guns N’ Roses, AC/DC, y Lynyrd Skynyrd, The New Roses empezó a tocar en pequeños locales y a desarrollar un estilo propio que pronto atrajo la atención de una base de fanáticos en crecimiento.
El primer gran avance de la banda llegó con el lanzamiento de su álbum debut, «Without a Trace», en 2013. Este álbum presentó al mundo su combinación única de riffs contundentes, melodías pegajosas y una energía cruda que evocaba el espíritu del rock de antaño. Temas como «Hot Blood» y «Whiskey Nightmare» se convirtieron rápidamente en favoritos entre los fanáticos, estableciendo a The New Roses como una banda a tener en cuenta en la escena del rock.
El reconocimiento internacional llegó con su segundo álbum, «Dead Man’s Voice» (2016), lanzado bajo el sello Napalm Records. Este álbum consolidó su reputación con éxitos como «Thirsty» y «Dead Man’s Voice» que mostraban la capacidad de la banda para escribir canciones memorables y emotivas. La gira de promoción del álbum llevó a The New Roses a escenarios más grandes y les permitió compartir cartel con bandas legendarias como ZZ Top y The Dead Daisies.
A lo largo de los años, The New Roses ha continuado lanzando álbumes que han mantenido su sonido fresco y relevante.
- «One More For The Road» (2017): Este álbum mostró una evolución en el sonido de la banda, incorporando elementos más melódicos y una producción más pulida. Canciones como «Quarter to Twelve» y «Life Ain’t Easy (For a Boy With Long Hair)» reflejan la madurez creciente de la banda tanto en la composición como en la ejecución.
- «Nothing But Wild» (2019): Con este álbum, The New Roses alcanzó nuevas alturas. La combinación de rock clásico y letras sinceras resonó profundamente con los fanáticos y críticos por igual. Temas como «Down by the River» y «Glory Road» destacan por su poder emocional y su habilidad para conectar con el público.
El estilo de The New Roses se caracteriza por su fidelidad al sonido del rock clásico, infundido con un toque moderno. Las guitarras pesadas, los solos apasionados y las letras sinceras son elementos clave de su música. La influencia de bandas como Aerosmith y The Black Crowes es evidente, pero The New Roses también aporta una frescura que los distingue, combinando el rock de raíces americanas con una sensibilidad europea.
La reputación de The New Roses como banda en vivo es formidable. Sus conciertos son conocidos por su energía eléctrica y la interacción apasionada con el público. Cada actuación es una celebración del rock, donde la banda deja todo en el escenario y los fanáticos se sumergen en una experiencia musical inolvidable. Han tocado en algunos de los festivales más grandes de Europa, incluyendo el Wacken Open Air y el Hellfest, consolidando su posición como una de las bandas más emocionantes en la carretera hoy en día.
All For Metal
All For Metal es una banda emergente en la escena del heavy metal, conocida por su sonido potente y su énfasis en el metal épico. Desde su formación, han capturado la atención de los fanáticos con su energía contagiosa, letras inspiradoras y una propuesta musical que honra las raíces del metal clásico mientras infunde una frescura contemporánea.
All For Metal se formó en Alemania, un país con una rica tradición en el heavy metal. La banda fue fundada por músicos apasionados por el género, quienes se unieron con la visión de crear una música que no solo fuera poderosa, sino que también narrara historias épicas y resonara con los fanáticos de todo el mundo. Desde el principio, su objetivo fue claro: rendir homenaje a los gigantes del metal mientras desarrollaban un sonido propio y distintivo.
El estilo musical de All For Metal es una mezcla vibrante de heavy metal tradicional, power metal y elementos épicos. Influenciados por bandas legendarias como Manowar, Judas Priest y Iron Maiden, All For Metal incorpora riffs contundentes, solos virtuosos y coros grandiosos en sus composiciones. Sin embargo, lo que realmente distingue a la banda es su habilidad para tejer narrativas heroicas y temas de lucha, honor y gloria en sus letras, creando una experiencia auditiva inmersiva y poderosa.
La reputación de All For Metal como banda en vivo es impresionante. La banda se esfuerza por ofrecer una experiencia visual y auditiva inolvidable, utilizando efectos de luces dramáticos, trajes inspirados en guerreros y una interacción apasionada con el público. Han tocado en varios festivales importantes y han compartido escenario con bandas consolidadas, ganando elogios por su entrega y profesionalismo.
A pesar de ser relativamente nuevos en la escena, All For Metal ya ha dejado una huella significativa. Han logrado captar la atención de críticos y fans por igual, quienes aprecian su dedicación al género y su habilidad para revitalizar el metal épico. La banda ha sido destacada en varias publicaciones especializadas y ha recibido apoyo en la radio y plataformas de streaming, ampliando su base de seguidores de manera constante.
All For Metal es una banda que ha logrado combinar lo mejor del metal clásico con una perspectiva contemporánea y épica. Su música no solo celebra las tradiciones del heavy metal, sino que también ofrece una nueva y emocionante propuesta que resuena con la pasión de los fans de todo el mundo.
Royal Hunt
Royal Hunt fue fundada por el tecladista André Andersen en Copenhague, Dinamarca. Andersen, un músico con formación clásica y una gran pasión por el rock y el metal, decidió formar una banda que pudiera fusionar la complejidad y la sofisticación del rock progresivo con la energía y la melodía del hard rock. La formación original incluía, además de Andersen, a Henrik Brockmann en la voz, Jacob Kjaer en la guitarra, Steen Mogensen en el bajo y Kenneth Olsen en la batería.
El álbum debut de Royal Hunt, «Land of Broken Hearts» (1992), introdujo al mundo su sonido único. Con canciones como «Running Wild» y «Age Gone Wild,» la banda demostró su capacidad para escribir melodías memorables y estructuras complejas. El álbum recibió una cálida acogida y estableció las bases para su futuro éxito.
Su segundo álbum, «Clown in the Mirror» (1993), continuó desarrollando su estilo y consolidó su reputación en la escena europea. Pero fue con su tercer álbum, «Moving Target» (1995), y especialmente el cuarto, «Paradox» (1997), que Royal Hunt alcanzó un reconocimiento más amplio. «Paradox» un álbum conceptual que explora temas filosóficos y espirituales, es considerado por muchos como su obra maestra. Con pistas como «River of Pain» y «Message to God» el álbum mostró la habilidad de la banda para combinar letras profundas con arreglos musicales complejos y emotivos.
A lo largo de los años, Royal Hunt ha experimentado varios cambios en su alineación, pero André Andersen ha permanecido como el núcleo creativo de la banda. La llegada de D.C. Cooper como vocalista en 1995 marcó un período de gran creatividad y éxito. Aunque Cooper dejó la banda en 1998, regresó en 2011, revitalizando la formación y contribuyendo a nuevos éxitos.
Álbumes como «The Mission» (2001), inspirado en la novela «Las Crónicas Marcianas» de Ray Bradbury, y «Show Me How to Live» (2011) demostraron que Royal Hunt no tenía intención de descansar en sus laureles. Cada nuevo lanzamiento ha mostrado una evolución en su sonido, incorporando elementos sinfónicos y explorando nuevos territorios musicales sin perder su identidad central.
El estilo de Royal Hunt es una mezcla sofisticada de metal melódico y progresivo, caracterizado por complejos arreglos de teclado, guitarras virtuosas y poderosas líneas vocales. Las influencias de bandas como Deep Purple, Rainbow y Queen son evidentes.
La banda ha tocado en algunos de los festivales de metal más prestigiosos del mundo y ha realizado giras extensas por Europa, Asia y América del Norte. Su habilidad para reproducir la complejidad y la emoción de sus grabaciones en un entorno en vivo ha sido un factor clave en su éxito continuo.
El impacto de Royal Hunt en el mundo del metal progresivo y melódico es innegable. Han influenciado a innumerables bandas y músicos con su enfoque innovador y su dedicación a la excelencia musical. La capacidad de la banda para mantenerse relevante y continuar produciendo música de alta calidad ha asegurado su lugar en la historia del metal.
Con más de tres décadas de carrera y una base de fans leales, Royal Hunt sigue siendo una fuerza vibrante en la música. La banda continúa trabajando en nueva música y planeando futuras giras, asegurando que su legado siga creciendo.
Cryptopsy
Cryptopsy es una banda canadiense que ha dejado una marca indeleble en el género del death metal. Conocidos por su estilo brutal y técnico, han sido una influencia significativa en la escena del metal extremo desde su formación a principios de los años 90. A lo largo de su carrera, Cryptopsy ha lanzado varios álbumes que han redefinido los límites del death metal, destacándose por su complejidad musical y su agresividad implacable.
Cryptopsy se formó en 1992 en Montreal, Quebec, inicialmente bajo el nombre de Necrosis. Poco después, cambiaron su nombre a Cryptopsy y comenzaron a forjar su camino en el emergente escenario del death metal técnico. La formación original incluía a Mike DiSalvo en la voz, Steve Thibault en la guitarra, Dave Galea en la batería y Kevin Weagle en el bajo. Sin embargo, no fue hasta la incorporación del baterista Flo Mounier y el vocalista Lord Worm que la banda realmente encontró su sonido distintivo.
El álbum debut de Cryptopsy, «Blasphemy Made Flesh» (1994), fue un punto de inflexión para la banda. Este lanzamiento estableció su reputación en la escena underground del death metal, destacándose por su velocidad vertiginosa, sus intrincadas estructuras rítmicas y los guturales extremos de Lord Worm. Canciones como «Defenestration» y «Abigor» mostraron la habilidad de la banda para combinar la brutalidad con la técnica musical.
Sin embargo, fue su segundo álbum, «None So Vile» (1996), el que realmente puso a Cryptopsy en el mapa del death metal. Este álbum es ampliamente considerado un clásico del género, conocido por su feroz intensidad y complejidad técnica. Temas como «Slit Your Guts» y «Phobophile» se convirtieron en himnos del metal extremo, demostrando la maestría de Flo Mounier en la batería y la capacidad de la banda para crear atmósferas sofocantes y dinámicas.
A lo largo de los años, Cryptopsy ha experimentado numerosos cambios de formación, lo que ha llevado a una evolución constante de su sonido. La salida de Lord Worm en 1997 marcó el comienzo de una nueva era para la banda. Fue reemplazado por Mike DiSalvo, cuya voz más directa y agresiva trajo un cambio en la dinámica vocal de la banda. Con DiSalvo, lanzaron «Whisper Supremacy» (1998) y «And Then You’ll Beg» (2000), álbumes que continuaron explorando la complejidad técnica y la brutalidad de su música.
En 2005, Lord Worm regresó para grabar «Once Was Not», un álbum que mezcló elementos de sus primeros trabajos con nuevas influencias, demostrando que Cryptopsy seguía siendo una fuerza innovadora en el death metal. Sin embargo, Lord Worm dejó la banda nuevamente, y su lugar fue tomado por Matt McGachy en 2007. Con McGachy, Cryptopsy lanzó «The Unspoken King» (2008), un álbum que introdujo elementos de deathcore, lo que generó una respuesta mixta entre los fans.
A pesar de las controversias y cambios de formación, Cryptopsy logró un resurgimiento con el lanzamiento de su álbum homónimo «Cryptopsy» en 2012. Este álbum marcó un retorno a sus raíces más extremas y técnicas, recibiendo elogios tanto de críticos como de fanáticos por su brutalidad y precisión.
Su último EP, «The Book of Suffering – Tome II» (2018), continúa esta tendencia, demostrando que Cryptopsy sigue siendo relevante y poderoso en la escena del death metal técnico. El EP muestra una banda revitalizada y enfocada, con composiciones que combinan su agresión característica con una producción moderna y pulida.
Cryptopsy ha dejado un legado duradero en el mundo del death metal. Su enfoque técnico y brutal ha inspirado a innumerables bandas y músicos dentro del género. Flo Mounier, en particular, es considerado uno de los mejores bateristas de metal extremo, conocido por su increíble velocidad y precisión.
La banda ha influido en la evolución del death metal técnico, estableciendo un estándar para la complejidad musical y la intensidad. Aunque han pasado por varios cambios de formación y explorado diferentes estilos a lo largo de los años, Cryptopsy ha mantenido una consistencia en su calidad y su compromiso con el metal extremo.
Cryptopsy es una banda que ha logrado mantenerse en la vanguardia del death metal técnico a lo largo de tres décadas. Con su enfoque implacable y su habilidad para innovar dentro del género, han ganado un lugar destacado en la historia del metal.
Dymytry
Dymytry se formó en 2003 en Praga, República Checa, con la visión de crear una banda de metal que no solo fuera musicalmente potente sino también visualmente impactante. Desde el principio, se propusieron diferenciarse a través de una combinación de pesados riffs de guitarra, influencias sinfónicas y una fuerte presencia escénica.
La formación original incluía a Jan «Protheus» Macků en la voz, Jiří «Dymo» Urban y Milan «Mildor» Matoušek en las guitarras, Artur «R2R» Mikhaylov en el bajo y Miloš Meier en la batería. Con el tiempo, la banda ha experimentado algunos cambios en su alineación, pero ha mantenido una estabilidad que les ha permitido evolucionar sin perder su esencia.
El sonido de Dymytry es una mezcla única de metal sinfónico, industrial y groove metal, con influencias de bandas como Rammstein y Slipknot, combinadas con un toque distintivo checo. Sus canciones a menudo presentan riffs pesados, secciones rítmicas complejas y arreglos orquestales que añaden una dimensión épica a su música.
Las letras de Dymytry abordan una variedad de temas, desde introspecciones personales y luchas internas hasta críticas sociales y políticas. Cantando principalmente en checo, la banda ha logrado conectar profundamente con su audiencia local, al mismo tiempo que atrae a oyentes internacionales gracias a su sonido universalmente atractivo y a la fuerza de su mensaje.
Dymytry ha lanzado varios álbumes de estudio a lo largo de su carrera, cada uno de los cuales ha contribuido a consolidar su reputación en la escena del metal. Su álbum debut, «Neser!» (2012), fue bien recibido por la crítica y los fanáticos, estableciendo las bases de su sonido característico.
Uno de los aspectos más destacados de Dymytry es su poderosa presencia en vivo. La banda es conocida por sus conciertos enérgicos y visualmente impactantes, que a menudo incluyen elaborados efectos de iluminación y elementos teatrales. Han tocado en numerosos festivales importantes, tanto en la República Checa como en otros países europeos, ganando una reputación por su profesionalismo y su capacidad para conectar con el público.
En los últimos años, Dymytry ha comenzado a expandir su alcance internacional, realizando giras en Europa y ganando nuevos seguidores fuera de su país natal. Esta expansión ha sido facilitada por la creciente popularidad del metal checo y la capacidad de la banda para ofrecer actuaciones que trascienden las barreras del idioma.
Dymytry sigue siendo una de las bandas más innovadoras y emocionantes de la escena del metal checo. Con cada nuevo lanzamiento, continúan desafiando las expectativas y empujando los límites de su música. Su compromiso con la calidad y su deseo de evolucionar han asegurado que seguirán siendo una fuerza dominante en el metal durante muchos años más.
Fuck Off
Después de lanzar algunos demos, Fuck Off lanzó su álbum debut, «Another Sacrifice», en 1988. Este álbum se destacó por su velocidad, agresividad y técnica, elementos que se convirtieron en el sello distintivo de la banda. Canciones como «Embrion» y «Maniac» mostraron su habilidad para combinar riffs rápidos y complejos con letras intensas y provocativas. Este lanzamiento fue crucial para establecer a Fuck Off como una fuerza a tener en cuenta dentro de la escena del metal español.
En 1990, Fuck Off lanzó su segundo álbum, «Hell On Earth». Este disco consolidó su reputación como una de las bandas de thrash metal más importantes de España. «Hell On Earth» mostró una maduración en su sonido y composición, con temas como «Whom You Have Never to Say His Name» y «Suicide» destacando por su complejidad y energía.
Durante estos años, la banda sufrió algunos cambios de formación, pero Pep Casas se mantuvo como el motor creativo y fuerza impulsora detrás de Fuck Off. La banda continuó ganando seguidores gracias a sus intensas presentaciones en vivo y su incansable dedicación al thrash metal.
Después de algunos años de actividad constante, Fuck Off entró en un período de inactividad a mediados de la década de 1990. Sin embargo, la demanda de sus seguidores y el creciente interés por las bandas clásicas de thrash metal llevaron a la banda a reunirse en 2010. Este regreso fue marcado por la reedición de sus álbumes clásicos y una serie de conciertos que reavivaron su popularidad.
En 2013, Fuck Off lanzó «Smile As You Kill», su primer álbum de material nuevo en más de dos décadas. Este disco mostró que la banda no había perdido su toque, combinando la furia y velocidad del thrash metal clásico con una producción moderna. Canciones como «Azor» y «Gardens of Stone» demostraron que Fuck Off seguía siendo relevante y capaz de crear música poderosa y apasionada.
Fuck Off es considerada una banda pionera y fundamental en la historia del thrash metal español. Su influencia se puede ver en muchas bandas más jóvenes que han seguido sus pasos, inspiradas por su compromiso con el género y su espíritu indomable. La banda ha jugado un papel crucial en llevar el thrash metal a un público más amplio en España y continúa siendo una referencia dentro del género.
A día de hoy, Fuck Off sigue activa, participando en festivales y eventos de metal en España y Europa. Con su legado asegurado, la banda continúa creando música y manteniendo viva la llama del thrash metal. Su historia es un testimonio de perseverancia y pasión por el metal, y su impacto en la escena musical es innegable.
Opera Magna
Opera Magna se formó a finales de los años 90 con la visión de crear un sonido que combinara la intensidad del metal con la majestuosidad de la música sinfónica. La formación inicial de la banda incluía a músicos con una sólida formación musical y una pasión compartida por ambos géneros. El grupo fue fundado por el guitarrista Enrique Mompó y el bajista Alejandro Penella, quienes más tarde se unieron a Fernando Asensi (voz), Adrián Romero (batería), y los guitarristas Rubén Casas y Enrique Parreño.
Después de varios años de perfeccionar su sonido y ganar experiencia en la escena local, Opera Magna lanzó su primer álbum, «El Último Caballero», en 2006. Este debut fue recibido con entusiasmo, destacándose por sus complejas estructuras musicales y arreglos orquestales. Canciones como «Horizontes de Gloria» y «El Último Caballero» mostraron la capacidad de la banda para combinar la fuerza del metal con melodías sinfónicas intricadas.
En 2010, la banda lanzó su segundo álbum, «Poe», una obra conceptual basada en los relatos de Edgar Allan Poe. Este álbum consolidó a Opera Magna como una de las bandas líderes del metal sinfónico en España. «Poe» fue elogiado por su ambición artística, con cada canción narrando una historia diferente del célebre autor estadounidense. Temas como «La Dama Negra» y «El Corazón Delator» destacaron por su narrativa emocional y su complejidad musical.
Uno de los proyectos más ambiciosos de Opera Magna ha sido «Del Amor y Otros Demonios», una trilogía de EPs que exploran temas de amor, pérdida y redención. El primer EP, lanzado en 2014, recibió críticas muy positivas por su enfoque lírico y sus poderosos arreglos. La trilogía continuó con los EPs lanzados en 2015 y 2019, cada uno de los cuales fue meticulosamente elaborado para mantener una cohesión narrativa y musical.
El estilo de Opera Magna se caracteriza por su fusión de elementos del metal sinfónico con influencias de la música clásica, el power metal y el metal progresivo. Sus composiciones suelen incluir complejos arreglos orquestales, coros operísticos y solos de guitarra virtuosos. Las letras, a menudo en español, abordan temas épicos y emocionales, desde historias de fantasía y mitología hasta exploraciones introspectivas de la condición humana.
En 2024 han lanzado «Heroica», su ultimo trabajo
Opera Magna es conocida por sus electrizantes presentaciones en vivo, donde la banda lleva su compleja música de estudio al escenario con una precisión impresionante. Han tocado en numerosos festivales importantes y han compartido escenario con bandas reconocidas tanto a nivel nacional como internacional. Su habilidad para reproducir sus arreglos sinfónicos en directo les ha ganado una reputación como uno de los actos más impresionantes del metal sinfónico en vivo.
A lo largo de su carrera, Opera Magna ha dejado una marca indeleble en la escena del metal sinfónico. Han logrado no solo mantener la integridad artística en sus álbumes, sino también evolucionar y expandir los límites del género. La banda ha sido una inspiración para muchos músicos jóvenes y ha contribuido a elevar el perfil del metal sinfónico en España y más allá.
Rise to Fall
La banda se formó en 2006 en Bilbao, cuando los guitarristas Hugo Markaida y Dann Hoyos, junto con el vocalista Dalay Tarda, decidieron unir fuerzas para crear un proyecto que fusionara la brutalidad del death metal con melodías envolventes y emocionales. La formación original se completó con el bajista Iñigo Lopez y el baterista Xabi López. Desde el principio, el objetivo de Rise to Fall fue crear música que no solo fuera pesada y técnica, sino que también tuviera un fuerte componente melódico.
Después de varios años de ensayos y conciertos locales, Rise to Fall lanzó su primer álbum, «Restore the Balance», en 2010. Este disco fue bien recibido por la crítica y los fans, destacándose por su producción de alta calidad y su habilidad para mezclar riffs pesados con melodías pegajosas. Canciones como «Redrum» y «Unknown Presence» mostraron el potencial de la banda para sobresalir en la escena del melodic death metal.
El éxito de su álbum debut permitió a Rise to Fall realizar giras por toda España y Europa, compartiendo escenario con bandas de renombre y ganando una base de seguidores leal. En 2012, la banda lanzó su segundo álbum, «Defying the Gods», que consolidó aún más su reputación. Este disco presentó una producción más madura y compleja, con temas como «Whispers of Hope» y «Burning Signs» que evidenciaron un crecimiento en su composición y ejecución.
En 2015, Rise to Fall lanzó su tercer álbum, «End vs. Beginning», con el cual lograron una mayor proyección internacional. Este disco continuó la evolución de su sonido, incorporando elementos electrónicos y sintetizadores que añadieron una nueva dimensión a su música. La banda siguió perfeccionando su estilo, mezclando la furia del death metal con la accesibilidad melódica, lo que les permitió ampliar su audiencia y participar en festivales importantes.
El cuarto álbum de la banda, «Into Zero», lanzado en 2018, recibió elogios por su sofisticada producción y su capacidad para mantener el equilibrio entre la agresión y la melodía. Este disco fue una declaración de la madurez alcanzada por Rise to Fall, mostrando un dominio absoluto de su estilo y una clara visión artística.
En 2023, Rise to Fall lanzó su quinto álbum, «The Fifth Dimension», consolidando aún más su posición en la escena del metal. Este álbum presentó una exploración más profunda de sonidos electrónicos y estructuras compositivas más complejas, sin perder la esencia del melodic death metal que los caracteriza.
El estilo de Rise to Fall se caracteriza por la fusión de riffs potentes, ritmos contundentes y melodías pegajosas. Las influencias del death metal melódico sueco son evidentes, pero la banda ha logrado desarrollar una identidad propia que se distingue por su uso de elementos electrónicos y una producción pulida. Las letras de sus canciones abordan temas introspectivos, emocionales y existenciales, añadiendo una capa de profundidad a su música.
A medida que Rise to Fall continúa evolucionando y explorando nuevos horizontes musicales, su influencia en la escena del melodic death metal sigue creciendo. La banda sigue trabajando en nueva música y planeando futuras giras, con el objetivo de llegar a una audiencia aún más amplia y consolidar su legado en el mundo del metal.
Obscure
En 1990, Obscure lanzó su primer demo, «Curse the Course», que rápidamente llamó la atención en la escena underground. Este demo presentó un sonido crudo y agresivo, caracterizado por riffs rápidos, una batería contundente y voces guturales. Su éxito en el circuito underground les permitió grabar su segundo demo, «Necro Ritual», en 1991. Ambos trabajos fueron fundamentales para establecer a Obscure como una de las bandas más prometedoras del death metal español.
En 1992, Obscure lanzó su primer EP, «Union of Flesh and Machine», que consolidó su reputación en la escena del metal. Este EP destacó por su producción más pulida y su enfoque en la técnica y la composición. Canciones como «Sacrifice to the Wind» y «Disembodied» mostraron la capacidad de la banda para mezclar la brutalidad del death metal con una ejecución precisa y compleja.
A lo largo de los años 90, Obscure continuó tocando en numerosos conciertos y festivales, compartiendo escenario con importantes bandas internacionales. Sin embargo, la banda entró en un período de inactividad en la segunda mitad de la década debido a cambios en la formación y desafíos personales. Durante esta pausa, los miembros se enfocaron en otros proyectos musicales, pero la influencia de Obscure en la escena del metal extremo español continuó siendo significativa.
En 2015, la banda anunció su regreso a la escena del metal con una formación renovada. La banda lanzó el EP «Back to Skull» en 2016, que fue recibido con entusiasmo tanto por críticos como por fanás. Este lanzamiento marcó una evolución en su sonido, incorporando elementos más modernos sin perder la esencia brutal y técnica que los caracterizaba.
En 2019, Obscure lanzó su primer álbum de larga duración, «Darkness Must Prevail», a través de Xtreem Music. Este álbum representó un hito importante en la carrera de la banda, mostrando un sonido maduro y refinado. Temas como «End Destination» y «Into Utter Darkness» destacaron por su complejidad rítmica y sus elaborados solos de guitarra, mientras que la producción cristalina permitió que cada instrumento brillara. El álbum recibió críticas muy positivas, consolidando a Obscure como una fuerza revitalizada en la escena del death metal.
El estilo de Obscure se caracteriza por estructuras de canciones complejas y una batería implacable. Sus influencias van desde los pioneros del death metal como Death y Morbid Angel, hasta elementos del thrash y el metal extremo europeo.