Del fracaso a la gloria, Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais

Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais- Del fracaso a la gloria

Eugenia Maria Paşca

Universidad Nacional de las Artes "George Enescu", Iaşi, Rumania

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Proponemos presentar cómo el contexto socio-político puede influir en el éxito / reconocimiento o fracaso de una criatura, así como en el valor de un artista, en este caso el dramaturgo Pierre-Augustun Caron de Beaumarchais. Su existencia y actividad creativa tuvieron lugar durante la Ilustración francesa, un período con muchos cambios ideológicos y estéticos. Si, a través del orden social, parte de su creación fue prohibida y aceptada después de varias revisiones, el éxito completo fue a través del control y la transfiguración en el trabajo de la creación. Nos referimos especialmente a las bodas y peluqueros de Figaro de Sevilla, comedias que han sido traducidas a las páginas de ópera por los compositores Wolfgang Amadeus Mozart, Gioacchino Antonio Rossini y Giovanni Paisiello.
Palabras clave:

Ilustración, dramaturgia, ópera

1. Introducción

La iluminación constituyó un importante giro en el desarrollo espiritual de la humanidad, como una importante victoria de la razón sobre las mentalidades místico-religiosas en la Edad Media. Surgido en varios países, en diversos períodos de tiempo, este movimiento fue producto de un entorno sociohistórico bien definido. La Enciclopedia representa un punto de unión del espíritu iluminado, o de la Era de la Razón, como se llamaba. Con el centro en París, el movimiento adquirió un carácter internacional a través del hecho de que también se extendió a otras culturas europeas. La filosofía teórica en la Era de la Luz se duplica por la filosofía práctica, sociopolítica. En las obras de este campo, se abordan cuestiones naturales, aspectos relacionados con la soberanía de los pueblos, la igualdad de los ciudadanos o la manera de gobernar. Una síntesis sobre la mentalidad iluminada y para comprender la visión artística del dramaturgo que seleccionamos: la razón es específica del hombre; el hombre iluminado reconoce la igualdad de todos los hombres, el monarca es el primer sirviente del estado preocupado por la seguridad de sus súbditos, la sociedad debe estar estructurada sobre la base de un contrato social entre el hombre y sus semejantes, negando la jerarquía social feudal, el monarca ilustrado Representa el ideal político de la época, dotado de una capacidad para comprender los mecanismos de la sociedad y para mediar y armonizar las relaciones entre las clases sociales.

Iluminación surgió en el 17 º siglo en Inglaterra que representa una nueva ideología opuesta a la feudal. El evento que marcó el inicio de esta tendencia es la revolución burguesa en Inglaterra (1688). Desde un punto de vista social, la Ilustración corresponde a la aparición de la burguesía, una clase que encuentra en las ideas iluminadas una expresión de su propia filosofía. La aparición de la Ilustración se sintetiza a través del dinamismo y el espíritu revolucionario de la burguesía. En el 17 ºSiglo, Europa tuvo ciertos momentos de equilibrio debido a la monarquía, que desempeñó el papel de un árbitro entre la nobleza y la burguesía ascendente. En el siglo siguiente, Europa estuvo marcada por una gran agitación política, causada por las monarquías absolutas que emprendieron guerras de conquista bajo varios pretextos.

La Era de la Luz constituyó un momento importante en el desarrollo espiritual de la humanidad, una victoria significativa de la razón sobre la mentalidad mística-religiosa en la Edad Media. Surgido en varios países, en diversos períodos de tiempo, este movimiento ideológico fue producto de un entorno social e histórico bien definido. Surgió como una consecuencia necesaria para el desarrollo de las relaciones de producción capitalistas (un hecho que también determinó su universalidad), de la introspección de las contradicciones entre los burgueses que intentan afirmarse y el feudalismo en el proceso de disolución, entre los explotados, en por un lado, y los explotadores, por otro lado.

Ciertamente, factores internos muy variados también generaron una cierta especificación de la Ilustración de un país a otro. Pero este fenómeno de diversificación natural no elimina la existencia de un patrimonio común de ideas, resultado de los problemas fundamentales de la era en sí. En todas las manifestaciones concretas, la Ilustración se presenta bajo el aspecto general de ideología y filosofía, que busca lograr nuevas formas de vida política, social y espiritual, con una naturaleza predominantemente racionalista y antifeudal (Gheorghiu y Cucu, 1966: pp. 10-15) . Desde un punto de vista ideológico, esta tendencia se cristaliza en Francia en el siglo XVIII.Siglo, marcado por el surgimiento de una gran obra colectiva (17 volúmenes y 11 volúmenes de bocetos): La Enciclopedia, redactada bajo la coordinación de Jean Jaques Rousseau. La Enciclopedia sintetizó todo el conocimiento humano acumulado desde los tiempos más antiguos hasta ese momento.

Al final de la 18 ª siglo, que aclara en Alemania logró una mayor participación subjetiva de los artistas a través del impulso demostrativa y notas pre-románticos, presentes en los representantes de la tendencia Sturm und Drang. La estética iluminada alemana, fundada por Alexander Gottlieb Baumgarten y Johann Joachim Winckelmann, destaca la naturaleza popular del arte, así como los representantes de Sturm und Drang: Johann Gottfried von Herder, Johann Christoph Friedrich von Schiller, Johann Wolfgang Goethe. En la segunda mitad de la 18 ªSiglo, junto con su adhesión, la burguesía constituyó un público nuevo y más amplio, que impuso también su gusto por la música. La cruzada de la burguesía contra la aristocracia y el absolutismo también se manifiesta desde un punto de vista cultural al cultivar la música en nuevos círculos, separados de las cortes reales o principescas y de la iglesia (Pascu y Boțocan, 2003: pp. 181-189) .

En Inglaterra, el realismo crítico de Daniel Defoe se distingue con Robinson Crusoe, Jonathan Swift y Guliver's Travels, Henry Fielding, Jonathan Dryden, Anthony Ashley Cooper, David Hume y los pintores William Hogarth, Joshua Reynolds. En Alemania, Gotthold Ephraim Lessig con Laocoon, Nathan el Sabio, y en Italia Metastasio (Pietro Antonio Domenico Trapassi), Giovanni Battista Vico, Carlo Goldoni cu The Tyrants, Hostess (Gheorghiu & Cucu, 1966: pp. 16-27) .

2. La iluminación francesa

En la segunda mitad del siglo 18, una nueva tendencia filosófica y literaria de los ilustrados se impone en Francia, y es impulsada por los burgueses, ansiosos por imponer el derecho a la cultura y al gobierno. Si algunos pensadores adoptaron la teoría del monarca ilustrado, capaz de eliminar los principios del régimen absolutista, otros critican el sistema aristocrático, considerándolo una desviación perjudicial del orden normal, imaginando el reemplazo con una "república ilustrada". La fe de los filósofos en el poder de la razón universal se basó en el progreso y los éxitos de la ciencia, fomentada por la burguesía y en la confianza ilimitada en la fuerza del hombre, separada de la comunicación con lo divino. Al abolir la monarquía y por los choques dados a la Iglesia Católica, la Revolución Francesa sacudió no solo a la sociedad francesa,

La Ilustración francesa va a lo largo de su evolución a través de varios períodos. Sus premisas están preparadas por un período de transición (1688-1715), teniendo como representante a Pierre Bayle, famoso por el escepticismo anti-metafísico y anti-teológico. El segundo es el período de la Vieja Ilustración (1715-1750), con figuras representativas como Voltaire (Lettres philosophique, Essai sur les moeurs, Brutus, Zadig, Candide, Traité sur la tolerancia, Dictionnaire philosophique) y Montesquieu (Système des Idées, Lettres persanes, La damnation éternelle des païens, De l'esprit des lois, Los cahiers de Montesquieu. Mes pensées) y que, desde un punto de vista filosófico, no superan las posiciones del deísmo. (Zamfirescu, 1973: pp. 274-277) . Además, en este período el pensamiento crítico de Jean-Jaques Rousseau (Les Muses Galantes, Pygmalion, Daphnis et Chloé, Dissertation sur la musique modern, Discours sur les sciences and les arts, Discours sur l'origine et les fondements de l'inégalité Parmi les homes, Discurso sobre economía política, Julie, ou la nouvelle Héloïse, Émile, ou de l'éducation, Du contrat social, Les Confessions) también se afirma.

Mencionamos varias ideas fundamentales de la mentalidad de los enciclopedistas franceses: racionalismo, espíritu laico, tolerancia religiosa, emancipación a través de la cultura y la educación de la gente. También se promovieron conceptos como estos: igualdad y derecho natural, soberanía popular, sistema de gobierno a través de la monarquía ilustrada (el monarca como un hombre filosófico ilustrado con el papel de armonizar los intereses de las clases). A través de la iluminación, la tolerancia, la cultura, la comprensión y el trabajo, el hombre puede lograr una percepción racional y universal y un autocontrol. Tuvo un eco resonante en la época de poner a disposición un importante instrumento de conocimiento y desarrollar el espíritu crítico y el gusto por la ciencia del público. Por lo tanto, la Ilustración se extendió en todos los países europeos, usando formas específicas para cada uno.

La estética iluminada rechazó lo que era formal en el clasicismo, el uso del tema mitológico, ya que los personajes emergieron como modelos abstractos, fuera de contacto con la vida, en lugar de ser modelos vivos, tomados de la vida cotidiana. No abandona el modelo de cultura antigua, pero los personajes ya no eran idealizados. En busca de lo verídico y lo natural, los Iluminados tendían a hacer del arte una imitación de la naturaleza y tomar varios temas de la vida real. En el teatro, como en la ópera, surgirán nuevos géneros realistas: antic, comic y singspiel. Al igual que en la ópera antigua o cómica, los temas ya no eran mitológicos ni tomados de la vida de la aristocracia, el espíritu noble disminuyó su influencia en el arte, pero no desapareció, ya que algunos filósofos creían que la reforma de la sociedad era posible a través de monarcas ilustrados. (Gheorghiu y Cucu, 1966: pp. 31-38) .

La vida cultural está dominada por el clasicismo, que se manifiesta en la literatura francesa en la segunda mitad del siglo XVII.siglo. En el centro de las creaciones clásicas está el hombre, el tipo clásico tiene una belleza ideal, sin particularidades individuales. Los personajes son ideales, en circunstancias ideales, llenos de virtudes y sin una evolución interna, siendo impulsados por la razón y no por las pasiones. La estética clásica tiende hacia la simplicidad y la claridad de la expresión, hacia la lógica de tratar temas, evitando contrastes fuertes y excesos de detalles, considerándose el universo como un todo armonioso. Si la ley del equilibrio y la armonía es la base de la construcción de monumentos arquitectónicos, la acción de las obras dramáticas sigue la regla de las tres unidades: el lugar, el tiempo y el espacio. El tema de las creaciones dramáticas debe ser unitario, llevado a cabo en el mismo lugar y durante un día (Pascu y Boțocan, 2003: pp. 179-180) . Fundada en el racionalismo cartesiano y en las reminiscencias del Renacimiento, la estética clásica también estuvo determinada por las condiciones espirituales impuestas por la corte. La perfección de la forma, el equilibrio de los medios de expresión y el culto de la virtud son dominantes, pero también hay ciertas notas artificiales y retóricas, típicas del espíritu noble.

En música, la ópera napolitana, las obras de Jean Philippe Rameau, responden a los requisitos de la estética clásica, pero la más clásica es la obra de Cristoph Willibald Gluck (La clemenza di Tito, Orfeo ed Euridice, Alceste, Iphigénie en Aulide, Ippolito, Armide, Iphigénie en Tauride). Como efecto del espíritu racionalista, en su trabajo se puede sentir la expresión minuciosamente redactada para corresponder al significado del texto (Ștefănescu, 1996: pp. 45-46) . El clasicismo dio importantes valores en la literatura, la arquitectura, la pintura, la escultura y la música. La lengua francesa está ilustrada por nombres de renombre, como: Pierre Corneille (Médée, Le Cid, La Morte de Pompée, Tite et Bérénice, Œdipe), Jean Racine (Andromaca, Britannicus, Bérénice, Iphigénie, Phèdre) Molière (Les Précieuses ridicules, L 'École des maris, L'École des femmes, Le Misanthrope, L'Avare, Le Bourgeois Gentilhomme, Les Fourberies de Scapin, Les Femmes savants, Le Malade imaginaire, L'Amour médecin), Jean de la Bruyère (Les Caractères ou Les Les Mœurs de ce siècle), Charles Perrault (Le Siècle de Louis de Grand, Ma Mère l'Oye), Montesquieu (Carta persa), Voltaire, Denis Diderot, Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais con Sevilla Barber și Boda de Figaro. En arquitectura, se distinguen los siguientes: Ange-Jacques Gabriel, (Gheorghiu y Cucu, 1966: pp. 16-27) .

3. Pierre Augustin Caron De Beaumarchais y sus comedias con carácter Figaro

Pierre - Augustin Caron de Beaumarchais (1732-1799), espíritu aventurero, empresario con increíbles recursos espirituales, se destaca con motivo de un juicio cuando, para defenderse, publicó Memoirs, que mostraba cualidades literarias insospechadas. En teatro, logró dar dos obras de teatro que lo hicieron famoso: Sevilla Barber y Figaro's Wedding, obras impregnadas de un cómic fuerte y sabroso, como nunca se había hecho en la historia francesa desde Molière(Sadoveanu, 1973: pp. 24- 27) . Pero este escritor dotado con el genio del cómic, expresó su preferencia por el drama burgués. Su primera obra, Eugénie, es un drama de este tipo y, después del gran éxito de Figaro's Wedding, regresó al teatro serio con The Guilty Mother. En ella, ciertamente debemos ver la gran influencia de Diderot, por quien tuvo una gran admiración. Beaumarchais formuló su concepción sobre el teatro en el prefacio de Eugenia, que lleva el título de Intento en el género dramático serio (1767). Afirma que el teatro debe perseguir la moralización del público. El juego cómico, que causa risa, no es apropiado para este propósito, mientras que el drama habla al corazón sobre ciertas miserias injustas y su efecto es más profundo y más duradero. Respecto a las reglas clásicas, manifestó la misma hostilidad que los otros dramaturgos contemporáneos, afirmando que las reglas podrían haber evitado que algunos genios se manifestaran, pero nunca podrían haberlos creado. Logró el drama burgués que Beaumarchais estimó tanto en tres obras: Eugenia, Los dos amigos y, al final de su actividad, La madre culpable. Esto último significó otra desviación de la posición progresiva en la Boda de Figaro.

Los tres dramas demuestran que su autor no tenía las cualidades necesarias para este tipo de teatro. La lección moral que quería dar, así como la acción social que quería ejercer, se lograrán mucho mejor en la comedia. Aunque lo consideraba un género menor, no obstante, logró dar dos creaciones eternas: Sevilla Barber y Figaro's Wedding. Apoyará la afirmación de los valores de la cultura y el arte burgués, convirtiéndose, en el apogeo de su carrera literaria, en uno de sus defensores más brillantes y más representativos. Bajo estas circunstancias, Beaumarchais se convirtió en el héroe de la época: en 1773 escribió contra el concejal Goëzman las cuatro Memorias que logran lo que los dramas no podían, a saber, presentar al genio de un autor auténtico y al mismo tiempo relatar un gran dramaturgo. .

Hizo su aparición con la obra Eugenia que se jugó en Théatre Français. La obra está inspirada en una complicación que ocurrió en la familia Caron: cierto Clavijo, ciudadano español, no respetó sus compromisos matrimoniales con una de las hermanas de Beaumarchais; por lo tanto, como un hermano bueno y cariñoso, se va a España para arreglar las cosas. De este hecho, Eugenia de repente nació, el drama de una mujer joven seducida por un noble que al final admite con remordimiento su culpa. En 1770, surge otro drama: Deux amis (Los dos amigos) sobre un comerciante plagado de destino, que finalmente se salva con la devoción de un verdadero amigo.

Ambas obras fueron recibidas de forma reticente por el público y ninguna de ellas, ya que ni el último drama escrito en 1792, La mére coupable (La madre culpable) podrá administrar, no excederá el límite de la mediocridad y concluirá la carrera de dramaturgo. La obra, que iba a ser la última de una trilogía de Figaro (precedida por Sevilla Barber -1775 y Figaro's Wedding - 1781), tiene el tema de un drama: el hipócrita Bégarss (en el que el público encuentra un enemigo conocido de Beaumarchais - un El infame abogado Bergasse se presenta en la familia Almaviva con el propósito de destrozarlo. Un intendente, Figaro, más bien convencionalmente, supera sus planes. Aparte del hecho de que es un personaje tedioso a través de su planitud, también aparece en la posición de un hombre reformado que declara que su pago no es otro que el de morir, un siervo fiel, (Beaumarchais, 1967: pp. 22-25) . También sin llamar la atención de la audiencia, escribió en 1796 una obra conmemorativa: Mes six époques (Mis seis épocas). Su primera comedia, Sevilla Barber, revivió un viejo tema, tratado varias veces, entre otros por Molière. El viejo Bartholo, el tutor de Rozina, quería quedarse con Rozina para que ella pudiera convertirse en su esposa; Pero el conde Almaviva, ayudado por su ingenioso ayuda de cámara, Figaro, la secuestra. El triunfo de la juventud y el amor está asegurado por el ingenio de un valet. El autor fue un innovador. A diferencia de los autores de comedias hasta ese momento, Beaumarchais entendió que relacionaba estrechamente la naturaleza de los personajes, como Diderot había solicitado, con su condición social; para que el público pueda encontrar en Bartholo a la persona reaccionaria que odia todas las ideas progresistas de su época; En el conde Almaviva, el mundo podía ver, sin embargo, lo difícil. aristocracia abusiva y corrupta; y en Figaro, el representante de las masas populares en la "tercera escena".

Al mismo tiempo, Beaumarchais se esfuerza por no sopesar la comedia con las ideas moralizantes de la pequeña burguesía, sino por imprimir un pronunciado dinamismo escénico, un ritmo inusualmente rápido, un diálogo brillante, que responde en su mayor parte solo de dos a tres líneas, un Ácido satírico destructivo y un humor extremadamente voluble. Finalmente, el autor usó en sus comedias diferentes tipos de situaciones, de modo que a través de ellas podía criticar ciertos vicios individuales y abusos sociales repugnantes, con una violencia que no se había encontrado en las comedias hasta ahora (Beaumarchais, 1967: pp. 26-28) . Así, en la escena del teatro real, un autor se atrevió a poner en primer plano a un hombre de las masas que afirmaba que la nobleza se imaginaba que era buena cuando no la dañaban a uno directamente, que los sirvientes tienen cualidades morales que sirven a sus intereses. Maestros, que en la sociedad dada uno puede llevar a cabo cualquier abyección, sin ser castigado, si uno tiene un título o una posición oficial.

En su segunda comedia, Figaro's Wedding, la acción en su primera comedia continúa. Figaro ayudó al Conde a casarse con Rosina, pero ahora el Conde se aburría de ella y quería evitar que su criado se casara con Susana, la criada de Rosina, a quien le gusta el frívolo Conde. Figaro's Wedding se estrenó solo cinco años antes del estallido de la revolución en 1789. En esta comedia, toda la revuelta de la "tercera escena" se centró en las clases privilegiadas. A través de Figaro, ya no se trataba de un criado, sino del propio autor; y aquí se simboliza la masa pobre y humilde, quien, por primera vez en el escenario, enfrenta con orgullo, decisión y vehemencia los abusos del régimen feudal-absolutista. Así, esta comedia fue considerada como el "preludio dramático de la Revolución Francesa", y Napoleón definió la Boda de Figaro como la "revolución en acción". (Pandolfi, 1971: p. 266) .

Publicada en 1784, una obra maestra de la dramática creación de Beaumarchais, en Figaro's Wedding junto con Sevilla Barber tenemos una acción completa y continua. Así, a menudo se dice que a través del criado, Figaro, la misa está hablando, representa el espíritu de revuelta de las personas privadas de justicia y tratadas indolentemente por la clase privilegiada. La Boda de Figaro es más original que Sevilla Barber, su sátira es más profunda, más directa. Desde el punto de vista de ciertos comentaristas del trabajo de Beaumarchais, nos encontramos nuevamente en esta obra prestada por Scarron y Molière, de Marivaux y Voltaire, y la lista puede continuar. Del genio de Beaumarchais, uno puede excluir la imitación y admite solo el establecimiento de ciertas apreciaciones por encima de las cuales su personalidad y originalidad son, ante todo, obvias.

En realidad, en Boda de Figaro encontramos su primera obra, Sevilla Barber, pero con un ánimo más inflexible. No se trata de los asuntos sentimentales del conde, sino de los suyos propios; entonces, no aparece como un inferior, pero, incluso con Almaviva, se encuentra ahora como un rival y lo trata en el mismo nivel. Incluso superior al conde. Ciertamente, asistimos a una comedia en la que uno llama a todos los procedimientos y recursos del género cómico. La intriga, por otro lado, parece inocente. Pero, ¿cómo se dicen muchas cosas de esta intriga amorosa, y, sobre todo, ¿cuántos graves, perturbadora, tema aguda para la 18 ª siglo, se superponen ella. Figaro aparece aquí como un verdadero fiscal que se opone al despotismo -la libertad y los privilegios- a la igualdad (Hugh, 2006: pp. 7-8) .

La boda de Figaro se destaca, marcando uno de los momentos críticos del teatro francés. Expresa, de la manera más directa, algunas de las posiciones principales de la "tercera escena". El subtexto es extremadamente rico en ideas, la mayoría de las cuales se declaran de manera alusiva. Algunos de ellos imponen un énfasis. En primer lugar, el hecho de que aquí, el conde Almaviva, siendo una vez más una premisa para la acción, solo lo desencadene, por lo que tiene el papel de valet en las antiguas comedias. Al mismo tiempo, se coloca en una posición negativa, en comparación con él mismo: mientras que en Sevilla Barber mantiene el amor por encima de los prejuicios sociales, aquí invoca un privilegio de antigüedad, el derecho a la primera noche, en el que supuestamente Renunció. Es la principal antinomia de la comedia. En el polo opuesto al conde, emerge la pareja de Fígaro: Susana, quien, desde un punto de vista moral, Es superior al conde; Y Almaviva aparece en la escena solo para ser derrotado. Pero hasta su derrota, que es a la vez simbólica y tiene el significado de un pronóstico, de una advertencia política, todo es cuestionado, todos los vicios, todo el fracaso del régimen feudal. (Pandolfi, 1971: pp. 271-274) .

4. Transliteración a la ópera Música de las comedias Boda de Figaro y Sevilla Barber

De las tres obras de teatro en la trilogía dramática de Beaumarchais, que tienen como personajes comunes a Figaro, el Conde Almaviva y Rosina, escritas hacia el final del siglo XVIII.Siglo, el más famoso es la boda de Figaro. Beaumarchais introduce en el texto dramático temas desde el punto de vista de ideas ilustradas tales como: emancipación de la mujer, igualdad de clases sociales (el personaje principal es el valet Figaro, no cuenta Almaviva). Los personajes e implícitamente, la acción en la creación del dramaturgo, reflejan el cambio en las actitudes sociales antes, después y durante la Revolución Francesa. Figaro y Almaviva emergieron por primera vez en Le Sacristán, que escribió en 1765 y que cambió de nombre como "interludio que imita el estilo español". Sevilla Barber tiene un tema: el amor entre el conde Almaviva y la joven Rosina, que termina con su boda. La segunda comedia tiene más acción. Figaro encuentra a sus padres que se casan en su boda con Susane. La Madre Culpable es un drama en el que encontramos a Rosina,

Sevilla Barbero fue lanzado en 1775. La continuación de la boda de Figaro aprobó inicialmente la censura en 1781, pero su representación fue inmediatamente prohibido por Ludovic el 16 º, después de haberlo leído personalmente. El rey no estaba contento con la forma en que la obra ridiculizaba a la aristocracia. En los siguientes tres años, Beaumarchais lo revisó varias veces, para poder superar el censor. El rey levantó la prohibición en 1784. La obra fue lanzada en ese año y fue extremadamente popular entre los aristócratas también. La ópera de Mozart fue estrenada dos años después. La última obra de Beaumarchais, La Mère coupable, se lanzó en 1792 en París. Para rendir homenaje al gran dramaturgo francés Molière, que escribió el título original de la obra, Beaumarchais pasó a llamarse La Mère coupable to L'autre Tartuffe. Figaro representa la voz de las masas, de la "tercera escena" que critica a ciertas instituciones sociales: la justicia se presenta como abusiva y corrupta, Con ganas de inmenso enriquecimiento y uso de los medios más crueles para este fin, la administración abusiva y absurda en sus medidas de opresión. El ataque principal está dirigido contra el régimen de los privilegios feudales. El carácter de Figaro se contrasta con el noble inmoral. El conflicto subliminal entre Fígaro y el conde Almaviva debe entenderse desde un punto de vista social, en línea con las diferencias entre las clases privilegiadas y la masa. A través del monólogo de Figaro, el dramaturgo habla claramente de la cuestión social, ya que el mensaje que transmite puede considerarse el preámbulo de las Notas de Quejas de Bourgeois en 1789. El conflicto subliminal entre Fígaro y el conde Almaviva debe entenderse desde un punto de vista social, en línea con las diferencias entre las clases privilegiadas y la masa. A través del monólogo de Figaro, el dramaturgo habla claramente de la cuestión social, ya que el mensaje que transmite puede considerarse el preámbulo de las Notas de Quejas de Bourgeois en 1789. El conflicto subliminal entre Fígaro y el conde Almaviva debe entenderse desde un punto de vista social, en línea con las diferencias entre las clases privilegiadas y la masa. A través del monólogo de Figaro, el dramaturgo habla claramente de la cuestión social, ya que el mensaje que transmite puede considerarse el preámbulo de las Notas de Quejas de Bourgeois en 1789.

El tema ideológico fundamental es el del estatus de las mujeres en la sociedad burguesa. Sin embargo, el movimiento por la emancipación de la mujer comienza con timidez en el 18 º siglo, junto con la difusión de las ideas de libertad e igualdad de los filósofos ilustrados. Entre el 16 ° y el 18 ° siglo, la mujer casada vivía en un aislamiento estricto de los hogares. Los matrimonios se concluyeron solo dentro del mismo círculo social, el espíritu de casta prevalecía en todas partes. Las niñas, cuya educación espiritual era casi inexistente, se criaron en el aislamiento doméstico más estricto. Toda la alegría de la vida fue reprimida bajo una pila de reglas de conducta que mataron al espíritu. Al final de la 18 ªSiglo, el tema de los derechos de las mujeres se convirtió en el punto central de los debates políticos tanto en Francia como en Gran Bretaña. En ese período, una parte del representante de la Ilustración, quien defendió los principios democráticos de igualdad y cuestionó la idea de que solo un pequeño número de personas privilegiadas debe liderar a la gran mayoría de la población, creyó que estos principios deberían aplicarse solo a Los del mismo sexo y raza. Volviendo al logro musical de estas creaciones dramatúrgicas, podemos mencionar lo siguiente: el reconocimiento y la gloria del dramaturgo están estrechamente relacionados con la música de Wolfgang Amadeus Mozart, Giovanni Paisiello y Gioacchino Rossini(Wood, 1964: pp. 26-28) .

Le Nozze di Figaro (título original) de Wolfgang Amadeus Mozart es una ópera donde la inocencia y el erotismo flotan. Somos testigos de un largo y lento derrocamiento de situaciones, y el equilibrio está en un movimiento continuo: aparentemente, los machos tienen el control; sin embargo, al final de la historia, el género femenino es el que prevalece (Ștefănescu, 1996: pp. 223-226) . Las bodas de Fígaro fue lanzado el 1 de mayo st, 1786 en el Burgtheater, en Viena. Incluso Mozart presidió este lanzamiento, que demostró ser un éxito fenomenal. Después del lanzamiento siguieron una serie de nueve representaciones. Sin embargo, el éxito del lanzamiento no puede compararse con lo que ocurrió un año después en Praga. En la primavera de 1787, Figaro's Wedding se presentó en Praga, la segunda capital del Imperio de los Habsburgo, también bajo el liderazgo musical de Mozart y encontró un verdadero triunfo. La entrega de la perfección formal, la ópera italiana en el 18 ºCentury se centra en su belleza y en la ejecución simétrica de la música, descuidando la correspondencia de la música con el texto. Sin separar la música del drama, Mozart le da prioridad a la música en el retrato del personaje y las situaciones dramáticas. Utiliza imágenes generalizadas de música instrumental en el tipo de ópera, siendo típicas a este respecto las arias de Cherubino en la Boda de Figaro. Aunque la obra de Beaumarchais había sido prohibida, al principio, en Viena, debido a la sátira de la aristocracia, considerada peligrosa en los años anteriores a la Revolución Francesa, la ópera se convirtió en una de las obras más exitosas de Mozart, siendo la primera de las tres. Colaboraciones que Mozart tuvo con Lorenzo da Ponte.

Mozart ejecutó la ópera con la ayuda del libretista Lorenzo da Ponte, quien transformó la comedia en un libreto en seis semanas, reescribiéndola en italiano y eliminando todas las referencias políticas. Especialmente Da Ponte, reemplazó el discurso de Figaro contra la nobleza, con un aria enojado contra esposas infieles. Además, en contraste con la obra teatral, la ópera cómica de Mozart tiene solo cuatro actos, y se cambió el nombre de varios personajes, Fanchette, la hija del jardinero, se convirtió en Barbarina y el juez Don Gusman Brid'Oison se convirtió en Don Curzio; también renunció a varios personajes pequeños (Ștefănescu, 1996: pp. 223-226) . La simbiosis entre acción, personajes, adaptación del libreto y la música demuestra la perfección de la composición. La capacidad de ser cantado de las arias, duetos y conjuntos, apoyado por el aparato de la orquesta, tratado como un personaje colectivo y comentarista que acompaña a toda la acción, nos ofrece la imagen de una transliteración musical que logra la perfección. Analizando la comedia de bodas de Figaro, descubrimos un personaje complejo con un sentido maduro y común del hombre simple. Muy natural y convincente son los comentarios de Figaro. Figaro debe entenderse como un filósofo sutil del tiempo, que ofrece una interpretación de la condición dual de la condición humana, del estatus social privilegiado, Almaviva, y del sujeto a ser sometido, Figaro. La fortaleza moral de Figaro es evidente por las estrategias que usa para salvar el honor de Suzana y, implícitamente, rosina. Toda su imaginación, todo su esfuerzo, se pone al servicio de la dignidad humana, de las relaciones de sentido común que tiene el hombre simple de la gente, pero de quienes renuncia a la burguesía. (Sbîrcea, 1964: p. 121) .

"Sevilla Barber" fue adaptado dos veces para la ópera, la primera vez por Giovanni Paisiello, en 1782 bajo el título Sevilla Barber, ovvero precauzione inutile, luego por Gioacchino Antonio Rossini, en 1816, bajo el título de Sevilla Barber. La comedia de Beaumarchais contiene cuatro actos. Una de las más famosas obras de Sevilla Barber o Useless Precautions es la compuesta por Giovanni Paisiello, en un libreto de Giuseppe Petrosellini. Surgió un serio conflicto entre Paisiello y el joven Rossini, cuando el primero vio a su exitosa creación "amenazada" por la nueva ópera del segundo y, aunque Rossini tenía que ganar en términos de posteridad, la ópera de Paisiello también es extremadamente atractiva. La ópera se presentó por primera vez el 26 de septiembre., 1782 en la corte imperial, san petersburgo. La historia esencialmente sigue la comedia de Beaumarchais. Las creaciones de Paisiello y Rossini son similares con diferencias sutiles. El libreto de Petrosellini enfatiza la historia de amor en primer lugar y menos el contexto político-social subliminal (Pascu y Boțocan, 2003: pp. 191-203) . Varias adaptaciones de Sevilla Barber precedieron a la versión de Paisiello, pero su ópera cómica fue la primera que alcanzó el éxito a gran escala. La ópera demostró ser el mayor éxito de Paisiello. Incluso después de la liberación de Gioacchino Antonio Rossini el día 20 Febrero º, 1816 (Teatro "Argentina" en Roma), Paisiello continúa siendo más popular. Sin embargo, con el paso del tiempo, la situación cambió. Como versión, Rossini ganó popularidad, y la de Paisiello disminuyó.

Opera Sevilla Barber (Almaviva o Precauciones inútiles) de Gioacchino Antonio Rossini se compuso en solo 13 días y es un ejemplo convincente de la evolución de la música de ópera. La versión más exitosa es la de Rossian, sobre el libreto de Cesare Sterbini debido a todas las características psíquicas y sociales con las que Beaumarchais había investido al personaje principal. Figaro ya no es el insinuator de viejos trucos, pero una persona astuta y activa, representante de la ascendiendo burguesa petite, en el 18 º siglo (Ştefănescu, 2002: pp. 30-36) .

5. Conclusión

Más allá de las ideologías y preferencias, Figaro's Wedding y Sevilla Barber de Pierre August Caron de Beaumarchais, así como las transliteraciones musicales ejecutadas a través de las óperas creadas por Wolfgang Amadeus Mozart y Gioacchino Antonio Rossini, siguen siendo las obras maestras de la cultura universal con cientos de representaciones en todo teatro y ópera. etapas en el mundo A través de los medios de comunicación masivos, estos se promueven permanentemente, y llegan a una gran audiencia, como un factor de educación e ilustración, una petición para una verdadera educación cultural-artística.

Estas obras maestras de arte reflejan con sagacidad los problemas sociales de la época, se refieren al nuevo pensamiento liberal, a los derechos humanos en general y al derecho de las mujeres a emanciparse, en particular. El arte se convierte en un medio de revuelta social, progreso y optimización a nivel individual y colectivo. El genio de estas creaciones a partir del período de la Ilustración consiste en discutir aspectos y cuestiones de organización social, libertades individuales y modernización de las formas de liderazgo político. Hasta hoy, estas cuestiones se siguen discutiendo y mejorando continuamente (Weinenberg, 1962: p. 151) .

La producción teatral y musical fue también una intención de resaltar el impacto cultural, y no educativo, que tuvieron con el tiempo, las comedias y las obras que tuvieron como protagonista al famoso Figaro, siempre contemporáneo. Una influencia positiva en la época con respecto al estatus de la mujer en la sociedad, el análisis pertinente de la realidad del tiempo es un signo de que las artes han podido determinar los cambios sociales. En el presente estudio destacamos el contexto sociopolítico, ideológico y estético en el que una producción artística puede tener reconocimiento o, por el contrario, ser censurada. Por medio de una creación alternativa, el producto artístico puede obtener el reconocimiento de valor, en este caso la creación de Beaumarchais.

Conflictos de interés

El autor declara no tener ningún conflicto de intereses con respecto a la publicación de este documento.

Cita este papel

Paşca, EM (2019). Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais: Del fracaso a la gloria. Psicología, 10, 1176-1187. https://doi.org/10.4236/psych.2019.108076

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