LA GRAMINOLA. LA REVISTA QUE SE LEE Y SE ESCUCHA
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Si te gusta la música te gustará “La Graminola”, una revista semanal que da un pequeño repaso a las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Empezaremos por la lista actual de cada semana y seguiremos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.
Junto a estas listas distintas secciones a cada cual más ecomendable. En “Los Pioneros” rememoraremos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro poster, a doble página en el centro desmenuzará cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le daremos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada será el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música en directo.
Echándole un vistazo a la portada de cada día os podréis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Espero que todos estos cambios os gusten y, como siempre, estoy abierto a vuestras sugerencias y críticas. Un abrazo a todos los Graminoleños.
NUESTRA PORTADA
LA LISTA DE LA GRAMINOLA
Iniciamos el repaso a las distintas listas que conforman la revista como hacemos siempre, con la más actual, con la de ahora, con la que acabamos de estrenar el día 10 de diciembre. Eso sí, se cumple lo de “días de mucho, vísperas de nada”, porque si la semana pasada eran hasta cuatro las novedades que presentábamos en este apartado, hoy no tenemos ni una sola que llevarnos a la boca.
Pero tranquilos, que no os voy a dejar sin música de actualidad. Como siempre la lista está repleta de reggaetón, música latina o música electrónica y es bastante complicado encontrar otro estilo distinto, pero buscando buscando creo que he encontrado la canción ideal para el día de hoy.
Viene de la mano de un grupo norteamericano que lleva desde el año 2004 intentado abrirse camino en el mundo de la música y tras muchos y muchos intentos lo consigue ahora. Su nombre es “Portugal. The Man” y están pegando fuerte en todo el mundo con su tema “Feel it Still”, que lleva en nuestra lista desde el pasado 5 de noviembre. Al menos hacen una música algo más fresca y muy distinta de lo que llena todo el panorama musical actual.
Así pues, hoy la lista de actualidad de “La Graminola” nos deja un repaso bastante breve, es lo que tiene la falta de imaginación, creatividad y talento de la mayoría de los artistas del momento. Eso sí, siempre hay algo que merece la pena, por lo que prometo volver las semana que viene con más música de la que se escucha ahora por ahí.
LOS PIONEROS
Ya sabéis que esta sección está concebida para esa música que realmente inspiró a todos los grandísimos artistas que han ido viniendo desde los 60 hasta nuestros días. Esos pioneros que se dejaron el alma en nadar contra corriente y obsequiarnos con una música que en el momento de su aparición no era comprendida por todo el mundo. Un espacio dedicado a todos esos valientes que abrieron el camino a tantos otros.
Además hoy vamos a hablar de una cierta rivalidad que dos artistas norteamericanos mantendrían a finales de los años 50 y que se vería extendida en la década de los 60. Dos auténticos iconos de la música juvenil de aquella época que triunfaron a lo grande y que de algún manera gracias a esa rivalidad lo que lograría básicamente es beneficiarse mutuamente. Vamos con ellos y con dos canciones con nombre de mujer realmente clásicas.
PAUL ANKA / DIANA
A finales de los 50 y principios de los 60 era bastante habitual que triunfaran cantantes con unas características bien marcadas. Buena voz, pinta de ser buenos chicos, románticos, guapos y con un pelazo espectacular. Paul Anka encajaba a la perfección en este perfil y durante muchos años sería el ídolo de las jovencitas norteamericanas y europeas.
Muchos de estos jóvenes ídolos se irían quedando por el camino según fueron cumpliendo años, pero el caso de Paul Anka fue muy distinto ya que supo ir evolucionando y continuaría triunfando hasta bien entrada la década de los 70, aunque su mayor éxito, su mejor canción y la más conocida llegaría en sus primeros años, concretamente en el año 1957.
Se trata de, nada más y nada menos, que de ese maravilloso tema que es “Diana”, una canción con toques de calypso y que a mí personalmente me parece una maravilla, con una interpretación por parte de Anka espectacular. Por cierto, la canción está dedicada a una niñera que cuidó de él durante su infancia y pubertad y de la que estuvo platónicamente enamorado.
Durante su época de mayor esplendor mantendría una sana rivalidad con otro artista que trinfaba con el mismo estilo. Eso sí, menos guaperas pero con una voz igual de espectacular y una romanticismo en sus canciones que le llevaría a crecer como la espuma en un espectacular mano a mano entre ambos. Vamos con él y con su mayor éxito también con nombre de mujer.
NEIL SEDAKA / OH CAROL
Ese éxito llegaría en el año 1961 de la mano de una canción en la que declaraba todo su amor a la chica de sus sueños. Me estoy refiriendo a la superconocida y superromántica “Oh Carol”, su canción más reconocida y con la que llegaría al número uno en todo el mundo. Por cierto, la Carol de la canción tiene nombre y apellidos y es una de las cantautoras más populares de los 60 y 70 en Estados Unidos. Me estoy refiriendo a Carole King.
Cambiamos de tercio radicalmente con otro pionero de lujo, para lo que viajamos hasta Jamaica.
DESMOND DEKKER & THE ACES / ISRAELITES
El ska fue en la década de los 60 uno de los estilos músicales mas novedosos e innovadores del momento. Procedente de Jamaica, mezclaba el sonido acompasado de música para bailar con ciertas reminiscencias de sonidos africanos. Con el paso del tiempo sería exportado a Europa y sobre todo en el Reino Unido se convertiría en uno de los estilos con más aceptación.
Sin embargo, al final de la década el ska iba a evolucionar hasta convertirse en un esitlo diferente y muy atrayente de la mano de un joven llamado Desmond Dekker que junto a su grupo iba a crear una música que se convertiría en santo y seña del sonido de Jamaica, el reggae.
Manteniedo las bases del ska, pero con un ritmo un tanto más lento y cadencioso iba a arrasar con un éxito que se convertiría en el primer gran hit de la historia del reggae. Desmond Dekker & The Aces, que así es como se denominaban artísticamente, se convertirían en los auténticos pioneros de este nuevo estilo e inspirarían a artistas de la talla de Bob Marley o Peter Tosh. Así pues, “Israelites” se puede considerar como la canción con la que empezó todo en la música más representativa de Jamaica.
Una curiosidad sobre esta canción. En el Reino Unido conseguiría colocarse en el número uno de las listas de éxitos, pese a que por allí reconocián que el acento jamaicano de Desmond era tan marcado que no entendían casi nada de lo que decía en ella.
De lo que no cabe ninguna duda es que si hay algo que define a Desmond Dekker es la palabra pionero, ya que de su mano el ska no solamente se transformaría hasta crear un nuevo estilo sino que a partir de ese momento los dos ritmos se disgregarían para públicos y artistas diferentes. A partir de este momento el ska pasó a ser música para blancos y el reggae para negros. Afortunadamente, con el paso del tiempo ambos se convertirían en universales.
Y aquí cerramos por hoy esta sección dedicada a los grandes “padres” de la música. En una semana más, mucho más.
LISTA DE LOS AÑOS 60
Retrocedemos en el tiempo hasta los años 60. Concretamente hasta el 10 de diciembre de 1967 con la publicación de la nueva lista graminoleña que traería importantes novedades, destacando sobre todas ellas el cambio en el número uno. Tras cinco semanas de ocupar la cima, Procol Harum y su “A Whiter Shade of Pale” daban paso a una nueva composición que se situaría al frente de la clasificación.
Nos encontrábamos en la época de máximo apogeo del movimiento hippie y esto se trasladaba también al mundo de la música. Muchas de las canciones que triunfaban en aquel momento estaban impregnadas de esas letras que hablaban de paz, de amor y de libertad y que tantos buenos momentos iban a dejarnos.
Uno de los grupos más representativos del movimiento hippie fue sin duda “The Mamas & The Papas”, no solamente por sus propias interpretaciones sino por la influencia que tuvieron sobre otros muchos artistas. Además, algunas de las composiciones de otros que triunfaron por aquella época llevarían también su sello como sucedería en el caso que nos ocupa ya que la canción que se colocó en el número uno el 10 de diciembre de 1967 había sido compuesta por John Phillips,uno de los dos miembros masculinos del citado grupo.
El gran afortunado en recibir esta canción sería Scott McKenzie y lograría un rotundo éxito no solamente en nuestro país sino en todo el mundo gracias a la inolvidable “San Francisco”.
Lo curioso del caso es que éste sería el único éxito de la carrera de Scott MCkenzie, pese a lo cual está considerado como uno de los auténticos himnos del movimiento hippie. En nuestra lista ocuparía el liderato únicamente durante esa semana y permanecería en ella durante 37.
Vamos ahora con las dos novedades que presentaría en forma de entradas en la lista de ese 10 de diciembre de 1967. La primera de ellas es un auténtico lujo y viene de la mano de uno de los mejores cantautores españoles de todos los tiempos, un personaje polifacético y que creo que nunca hemos valorado en su justa medida: Luis Eduardo Aute.
Si cualquier país que se precie tuviese un artista que fuese cantautor, músico, director de cine, actor, escultor, pintor, escritor y poeta y que dominase el español, el francés, el inglés, el italiano y hata el tagalo y además poseyera un talento descomunal sería considerado como un auténtico mito. Pues estas premisas las cumple con creces Aute, aunque la segunda parte de mi apreciación no se cumple como debiera.
Ese día ingresaría en nuestra lista una canción que sin ser de las más representativas de su carrera y cosechar un éxito demasiado grande sí que tendría cierta repercusión. Se trata de “Mi Tierra, Mi Gente”, una canción con un clarísimo aire folclórico, algo no demasiado habitual en su trayectoria. Permanecería 12 semanas en lista alcanzando el top 26.
Con la publicación de esta canción hubo quien quiso encasillarle en la denominada “Canción del Pueblo”, en la que se incluían a todos aquellos artistas cuya música se empapaba del folclore nacional e intentaba sortear la censura con letras comprometidas. Sin embargo, este tema es una excepción dentro de su carrera ya que como iría demostrando año tras año, él era mucho más que eso.
La segunda entrada en la lista de esa semana nos llega desde Inglaterra, o quizás habría que decir más correctamente que desde la India, porque allí es donde nacio cuando todavía era una colonia británica el señor Engelbert Humperdinck, una de las figuras más destacadas del panorama musical británico de los 60.
Este artista está englobado dentro del término que se utilizaría para denominar a los cantantes de aquella época que poseían una voz grave y que interpretaban baladas siempre acompañados de una orquesta. El término en cuestión es “crooner” y no cabe ninguna duda de que la canción que viene a continuación encaja perfectamente en esta definición.
Se trata de “The Last Waltz” y con ella permanecería en la lista durante 21 semanas alcanzando como mejor registro el puesto 17. Fue el debut de Engelbert Humperdinck en el ránking graminoleño, después vendrían más éxitos como iremos viendo en su momento.
Y aquí acaba el repaso a las novedades más destacadas de la lista que estrenamos el 10 de diciembre de 1967. Ahora llegan más listas y más música, así que a seguir leyendo, escuchando y disfrutando.
LISTA DE LOS AÑOS 70
La lista estrenada el 11 de diciembre de 1977 no tuvo demasiadas novedades. Las cercanas fiestas navideñas daban la impresión de que tenían todo un poquito parado a la hora de que nuevas canciones se abrieran sitio en el ránking. Sin embargo, esa fecha hay que escribirlas con letras doradas porque iba a suponer el debút en la clasificación graminoleña de uno de los grupos más grandes que podemos encontrar: Supertramp.
Ya llevaban bastante tiempo en la carretera cuando en el año 1977 publicaron “Even in the Quietest Moments”, pero las listas españolas se les atragantaban un poco. Sin embargo, su gran momento iba a llegar de la mano del primer sencillo de este maravilloso álbum, uno de los discos imprescindibles en cualquier colección musical que se precie.
Así pues, “Give a Little Bit” se convertiría en el estreno en nuestra lista de esta espectacular banda. Tardaron en hacerlo pero merecería la pena la espera. Grandísima canción, grandísimo álbum. Os dejo una versión en directo de esta canción ya que Supertramp eran tan grandes que eran capaces de sonar en vivo como si la música estuviese grabada en un estudio con todos los adelantos.
La “rivalidad” que mantuvieron Lennon y McCartney en The Beatles ha sido habitual en el mundo de la música y en Supertramp sucedería algo parecido. Rick Davies y Roger Hodgson firmaban como autores al unísono de todas las canciones que aparecían en sus discos. Sin embargo cada uno componía la mitad de ellas aunque en los créditos figuraran ambos. Si yo he de quedarme con uno de ellos prefiero a Hodgson. Su talento me parece descomunal y su inconfudible voz le da un aire especial a todas sus canciones, Como la que acabamos de escuchar, producto de su puño y letra.
La semana que viene más música setentera, os lo prometo.
EL ÁLBUM DE LA SEMANA
Tarde o temprano tenía que pasar por esta sección, pero la desgraciada desaparición de Malcolm Young hace unos días ha precipitado que lo hagan ahora. Los australianos AC/DC son los grandes protagonistas del póster desplegable de esta semana con uno de sus discos más emblemáticos y con algunos de los temás más contundentes de la historia del rock, su mítico “Back in Black”.
Cuando el disco salió al mercado hubo bastantes dudas sobre cual iba a ser la acogida que iba a tener, habida cuenta de que era el primer álbum que publicaban tras la muy reciente muerte de su vocalista Bon Scott. A principios del año 1980, Scott fue encontrado muerto en su domicilio ahogado en su propio vómito tras haber llegado a un coma étilico después de una de sus habituales noches de juerga. De la manera más ridícula e inesperada se marchaba el cantante de una de las bandas más importanes del rock del momento y de la historia.
Como no podía ser de otra manera, el disco tenía que ser un homenaje a su compañero desaparecido y con esta intención aparecería en el mercado a finales de ese mismo año el que es posiblemente el disco más representativo de toda la carrera de AC/DC, el mítico “Back In Black”.
El álbum se abre con una canción que para mí es de las mejores de toda su trayectoria. Se trata de “Hell Bells”, las famosas campanas del infierno, una composición dedicada e inspirada en Scott y que tiene una estructura sencillamene sublime. Un inicio con el sonido de seis campanadas que dan paso a la guitarra de Angus Young, que posteriormente es acompañado por su hermano Malcolm hasta que entra el resto del grupo y la voz del solista. Una canción que en directo se convertía en indispensable para abrir muchos de sus conciertos.
Como ya os cuento, éste era el primer trabajo con nuevo vocalista y lo cierto es que la tarea de buscar a alguien con garantías suficientes para sustituirle y que no pusiera en peligro el prestigio del grupo y fuese del agrado del público fue bastante complicada. Prácticamente al día siguiente de la trágica desaparición de su compañero iniciarían las audiciones encaminadas a encontrar al hombre que iba a convertirse en la nueva voz de AC/DC.
El número de cantantes que realizaron las audiciones fue interminable y al final el elegido lo sería de la manera más inesperada. Un vocalista que no había tenido una trayectoria demasiado brillante y que poseía una voz desgarrada y casi sin aliento realizaría una audición cuando el grupo tenía ya casi elegida a la persona que iba a sustituir a Scott. Este personaje atendía al nombre de Brian Johnson y su prueba estuvo marcada por dos circunstancias que en un primer momento podrían haber ido en su contra y finalmente ejercieron un efecto totalmente favorable.
Johnson llegaría dos horas tarde a la audición y para la misma cantaría un tema que nada tenía que ver con el hard-rock, al elegir el clásico de Ike & Tina Turner titulado “Nutbush City Limits”. Sin embargo, estas dos circunstancias fueron consideradas como favorablemente por los chicos de AC/DC que vieron en Johnson una persona con un carácter repleto de personalidad y su forma de cantar iba a convertirles en únicos e incomparables, ya que los vocalistas del resto de grupos de rock duro que triunfaban en el mundo encajaban en un perfil radicalmente opuesto.
Pronto se pondría de manifiesto que la complicidad entre el grupo y su nuevo vocalista era total y además la imagen de éste último, siempre ataviado con su clásica gorra empezaría a hacerse muy popular. La comunión artística entre todos era muy grande dejándonos canciones tan buenas como “What Do You Do For Money Honey”.
La calidad del disco es excepcional y los agoreros que anunciaron que sin la presencia de Bon Scott lo mejor que podían haber hecho era dejarlo tuvieron que tragarse sus palabras, ya que con la llegada de Johnson darían el salto definitivo para ser considerados como la auténtica banda de referencia del hard rock mundial. El resto de las bandas de rock duro de todo el mundo los consideraría desde ese instante como el grupo en el que debían reflejarse.
Las críticas hacia el disco serían excepcionales y sería considerado como el mejor trabajo de toda su carrera. De hecho, según los especialistas, en Back In Black se incluye la que pasa por ser la mejor composición que el recientemente desaparecido Malcolm Young jamás haya creado. Se trata de “Shoot To Thrill” otra intensa canción de puro hard-rock.
Este videoclip se grabo en el año 2010 con motivo de la inclusión de esta canción en un recopilatorio de grandes éxitos que además coincidía con la banda sonora de la película Iron Man 2. La intensidad de la música y del film encajan a la perfección, dejando un fondo musical verdaderamente inigualable.
Es difícil quedarse con una única canción de este disco porque la verdad es que son todas muy buenas, pero por aquello que es la que da título al álbum y por su conocidísimo y superimitado riff de guitarra del principio, de tener que quedarme con una yo lo haría con “Back in Black”.
Desde este instante, la figura de Angus Young se convertiría en la imagen del grupo. Su vestimenta con uniforme colegial, sus pantalones cortos, su manera de moverse sobre una sola pierna sobre el escenario y, sobre todo, su inconfundible manera de tocar la guitarra le convertirían en un auténtico icono del hard rock a nivel mundial.
El disco tiene de todo y, como no podía ser de otra manera, no podía faltar alguna que otra canción con polémica incluida. Cualquier grupo de rock duro de aquella época que se preciase parecía estar obligado a provocar al público y lo harían con otra de las canciones de este sensacional álbum.
La polémica canción llevaría el título de “Givin’ the Dog a Bone” y habla claramente del sexo oral. Muchos la consideran como la composición de Malcolm más machista y denigrante para la mujer. A todos esos puritanos que este verano vetaron en algunos sitios el “Despacito” de Luis Fonsi, les invito a escuchar la letra de esta canción para darse cuenta del ridículo que han hecho. Esto si que es polémica, aunque también buena música.
El éxito de este disco fue descomunal y las ventas que obtuvo serían exageradas, convirtiéndose en el disco más vendido de su carrera. El tirón que lograrían con este álbum traería consigo la reedición de sus anteriores trabajos que empezaron a venderse como rosquillas. No cabía ninguna duda de que en ese instante podían considerarse como la banda más conocida y reconocida de todo el mundo.
Si a eso le sumamos que entre las canciones que lo integran hay hasta tres de esas que con el paso del tiempo pasan a considerarse como auténticos himnos del hard-rock, no es de extrañar que Back In Black sea uno de esos discos de obligada tenencia para cualquier aficionado a la buena música que se precie.
En este sentido, cabe destacar “You Shook Me All Night Long”, otro de sus clásicos y uno de esos temas que no ha faltado jamás en ninguna de sus giras. Una de esas canciones con la que vibran tanto sus nuevos fans de apenas 20 años como los que les siguen desde sus principios con una edad cercana a la jubilación. Grandísima canción.
El disco estaba formado por diez canciones, en aquella época casi ningún albúm superaba ese número, y lo cierto es que cualquiera de las diez tiene potencial para haber sido publicada como sencillo. Evidentemente unas son algo mejores que otras, pero no hay ni una sola de ellas que pueda considerarse como “relleno”, manteniendo en este aspecto una gran uniformidad.
He de reconoceros que la primera vez que pude escuchar este disco caí inmediatamente cautivado por él. Me pareció mágico, de esos discos que te va atrapando cada vez más según lo vas escuchando. Una de las cosas que más me atrajo fue ese sonido pesado que en ocasiones eran capaces de crear. Esos ritmos cansinos que parecen pausados pero que de repente explosionan y lo rompen todo. Creo que el máximo exponente de esto que estoy diciendo es “Let Me Put My Love Into You”.
Decir que este fue el disco del año 1980 creo que se ajusta a la realidad. Su calidad, la intensidad de su música y ese pequeño bofetón en la cara a los que pensaron que con la muerte de Scott todo había saltado por los aires influye a la hora de hacer esta consideración. Pero es que como digo cualquiera de sus canciones es una auténtica joya.
Sin ir más lejos, una de las canciones que menos promoción tuvo y que en cualquier otro disco de cualquier otro artista solamente habría sido una más para completar el álbum, a mí me parece de un nivel superior. Me estoy refiriendo a “Have a Drink on Me”, un tema que con el paso del tiempo se convertiría en una canción que ayudaba a recibir el nuevo año en las fiestas de fin de año que se celebraban en los garitos más rockeros de Norteamérica.
Por si fuera poco, después de ir disfrutando con cada canción del disco, después de sumergirnos en la magia del sonido de las guitarras de AC/DC, llega un broche de oro con la canción que cierra el álbum y que además de ser magnífica es un tema reivindicativo con el que defienden las críticas que por parte de los sectores de siempre recibía el estilo de música en el que se movían.
Se trata de “Rock ‘N’ Roll Ain’t Noise Pollution” y con su letra vienen a decir que el rock & roll no es ruido, ni mucho menos. Cuando escuché por primera vez esta canción, después de haber escuchado las nueve anteriores que conforman el disco me dije a mí mismo que acababa de escuchar algo grande de un grupo muy grande.
Lo mejor de todo es que aunque han pasado casi 40 años desde la publicación de este disco, cualquiera de sus canciones siguen de actualidad y el sonido que realizan hoy en día no difiere lo más mínimo de este espléndido “Back In Black”, sin duda alguna el trabajo que marcaría definitivamente su carrera.
Yo no sé vosotros, pero yo voy a seguir leyendo “La Graminola” de hoy y después voy a ponerme este disco para escucharlo y disfrutarlo por enésima vez. Seguro que a vosotros os apetece hacer lo mismo.
LISTA DE LOS AÑOS 80
Estábamos acercándonos a las fiestas navideñas del año 1987 y parece que esto provocó un cierto parón en nuestra lista de éxitos. La que estrenamos el 13 de diciembre de ese año vino bastante sosa ya que no se produjo en ella novedad alguna, sin ninguna canción nueva que se atreviera a formar parte del ranking graminoleño.
Pero por supuesto que no voy a perder la oportunidad de que nos podamos deleitar con una de las canciones que formaba parte de esta lista. Concretamente nos vamos a centrar en uno de los grandes temas de ese año y que había ocupado el número uno durante dos semanas. Un tema que tiene una curiosa historia que contar.
Europe eran un grupo sueco que llevaba en la carretera desde el año 1979. En su país natal tenían cierto éxito pero eran unos perfectos desconocidos en el resto de Europa. En el año 1981 su vocalista Joey Tempest había compuesto un simple riff de teclado que había quedado en el olvido. Sin embargo en el año 1987, con motivo de la publicación de un nuevo disco, decidirían componer una canción basada en ese riff. Poco podían imaginar que iba a convertirse en uno de los grandísimos exitos del hard-rock de finales de los 80.
La canción en cuestión no es otra que “The Final Countdown” que gracias a ese riff a base de sintetizadores y la contundencia del sonido rockero de las guitarras, junto con la voz de Tempest, iba a proporcionarnos uno de los himnos más famosos de la historia del rock que además enseñaría el camino a seguir a muchas y muchas bandas emergentes. Por primera vez en la historia una composición de heavy triunfaba incluso en las discotecas.
Curiosamente, en un primer momento esta canción no estaba concebida para ser publicada como sencillo, sino que la intención del grupo, por ese riff inicial, era que se convirtiera en la canción que abriera todos sus conciertos. Esta segunda premisa se cumpliría, pero con el añadido de que triunfaría en todo el mundo y llegaría al número uno de las listas de casi toda Europa. En la nuestra, como ya os comento lo haría durante dos semanas permaneciendo en ella durante 46.
En fin, que la actividad de la lista ochentera de la revista de hoy ha sido breve, pero intensa, eso sí. Ahora seguimos con la lista de la siguiente década.
LISTA DE LOS AÑOS 90
Avanzamos en el tiempo una década y nos situamos en el 14 de diciembre de 1997, momento en el cual aparecía la nueva lista graminoleña que traía como principal novedad el cambio en el número uno. Tras 3 intensas semanas, U2 cedía el puesto de privilegio que había ocupado con “Staring at the Sun”, dando paso a uno de nuestros artistas más prestigiosos y de mayor talento.
Tras finalizar el periplo con Radio Futura, don Santiago Auserón iniciaría su carrera en solitario bajo el nombre artístico de Juan Perro. Si con el considerado mejor grupo del pop español de la historia, en sus últimos años de carrera se convirtió en un defensor del mestizaje musical, en su nueva etapa iba a transformarse en el auténtico rey de este estilo, y con su segundo álbum iba a lograr el reconocimiento generalizado de público y crítica en este aspecto.
En el año 1997 publicaría “La Huella Sonora”, el álbum fundamental de su carrera, no solamente por su calidad y por sumergirse definitivamente en esa faceta de mezclar el pop español con cualquier ritmo latino o africano, sino porque daría lugar a la creación de su propia productora que tomaría el mismo nombre. Evidentemente la “huella” de este disco es bastante profunda.
Entre las canciones más destacadas de este disco se encontraba “A la Media Luna”, con la que sucedería a Bono y los suyos al frente de la clasificación, permaneciendo en lo más alto durante 6 semanas. Fue grande con su grupo y ha resultado ser igual de grande en solitario.
No sería ésta la única novedad que traería la lista del 14 de diciembre de 1997. También iba a producirse la entrada de una nueva canción con una peculiar historia detrás de ella. Un caso posiblemente inédito y único en la historia de la música, ya que lograría un descomunal éxito en todo el mundo pero no le reportaría ni un euro de ganancias al grupo que la creó. Os lo cuento.
Los ingleses The Verve eran un grupo que ya llevaba algunos años en la carretera pero sin haber consegido despegar del todo, en gran medida a las relaciones tan problemáticas que siempre habían tenido sus miembros. El líder el grupo era su cantante Richard Ashcroft, un personaje que tenía tanto talento como egocentrísmo, lo que producía una mezcla verdaderamente explosiva.
En el año 1997 publicaron su tercer álbum bajo el título de “Urban Hymns” dentro del cual se incluía una canción para cuya composición habían solicitado permiso para incluir un sample de 5 notas de una versión orquestal del tema de los Rolling Stones titulado “Tha Lat Time”. Hasta ahí todo estaba en orden.
Sin embargo, los problemas llegarían de inmediato. Las iniciales cinco notas se convertirían en algunas más y de manera inmediata vendría la denuncia por parte de la Andrew Loog Oldham Orchestra, que era la propietaria de los derechos. The Verve no se plegarían a ningún acuerdo y el litigio continuaría adelante, siendo finalmente condenados a cerderle a esta orquesta y su productora el 100% de las ganancias que consiguiera. El título de esta canción no es otro que “Bitter Sweet Symphony”.
Es curioso que una de las mejores canciones de la década de los 90 y el mayor éxito de la carrera de The Verve no les reportara ningún tipo de beneficio y finalmente fuera el detonante para el fin del grupo. Tras la resolución legal, Richard Ashcroft sufriría una crisis de ansiedad y se vería sumido en una profunda depresión, decidiendo disolver definitivamente la banda.
La canción venía acompañada de un vídeo inolvidable y muy conocido en el que Ashcroft aparece caminando por la calle llevándose por delante a todo el que se cruza con él, mientras va cantando. Una melodía espectacular de la que pudimos disfrutar durante 39 semanas y que llegaría algún mes después al número uno, como no podía ser de otra forma.
La semana que viene más música de los 90.
LISTA DEL NUEVO MILENIO
Dos fueron las entradas que celebraríamos en la lista que entró en vigor el 9 de diciembre de 2007 y la dos por parte de grupos españoles, uno ya veterano y curtido en estas lides y otro más nobel y que estaba revolucionando la música española con un rotundo cambio de estilo. Vamos con ellas.
La entrada más fuerte de esa semana vendría de la mano de Hombres G, un grupo del que no hay que decir demasiado porque prácticamente todo está dicho. David Summers, Rafael Gutiérrez, Daniel Mezquita y Javier Molina no podían ni imaginarse el éxito y la repercusión que el grupo iba a tener en la década de los 80. Fueron capaces de convertirse en un fenómeno de masas a pesar de convivir con La Movida y son innumerables los éxitos que nos han ido regalando a lo largo de su carrera.
Lo dejaron en el año 1992 pero resultó ser un simple “hasta luego”, ya que diez años después volverían a publicar un disco. Lo harían por probar, para conocer si su público se acordaba de ellos y si eran capaces de llegarle a las nuevas generaciones, eso sí con una música más madura y menos enloquecida que la de sus momentos de gloria.
Y resultó que sí, que su público les recordaba. Y resultó que sí, que los jóvenes también aceptaban su música. Así que fueron llegando más discos y retomaron su carrera para publicar en el año 2007 su décimo álbum de estudio que se titularía, como no podía ser de otra manera, “10”. Dentro de este disco se econtraba la canción que entraría ese día en lista, cuyo título es “Me Siento Bien” y con la que permanecerían en ella durante 12 semanas para alcanzar el top 24. Música más madura, mejores arreglos, menos gritos, menos locura.
Aunque aún hoy en día siguen teniendo tirón ya no es lo de antes. De hecho éste es él último sencillo que ha entrado en nuestra lista, hasta el momento. Son ya diez añitos en los que sus canciones no triunfan como antes, aunque sus giras siguente llenando recintos.
La otra entrada de la semana viene de la mano de otro grupo español, que sorprendería a propios y extraños en el año 2006 con un giro rotundo a su estilo. Las Hermanas Amparo y Cristina Llanos decidirían dejar el sonido contundente de sus guitarras y ese rock desgarrador que había sido su seña de identidad hasta entonces para abrazar la música electrónica. Estoy hablando de Dover y la revolución que significaría su álbum “Follow the City Lights”.
La sorpresa fue monumental pero fue bien recibida por gran parte del público que propiciaría unas ventas grandiosas batiendo todos los records de su carrera. Sin embargo, el cambio pillaría con el pie cambiado a sus fans de siempre, muchos de los cuales abandonarían el carro. No se podía tener todo.
Lo cierto es que poco a poco fueron perdiendo fuelle una vez asimilada la novedad del giro dado a su carrera. Tras el tremendo éxito cosechado por “Let Me Out”, los siguientes sencillos que fueron apareciendo no lograron ni acercarse a sus resultados, como le sucedería a esta segunda entrada de la semana, “Keep On Moving”, que únicamente permanecería en lista durante dos semanas alcanzando solamente el puesto 38.
Como vemos, estos aires “made in Madonna” les proporciaron un inesperado éxito en un principio, pero desgraciadamente pasada la sorpresa no volverían a repetirlo. De alguna manera se les iría la mano y buscarían seguir sorprendiendo en sus siguientes discos con fusiones latinas, canciones en japonés o ritmos africanos, algo que les llevarían a su autodestrucción.
Hasta aquí llega hoy el repaso a las listas de otros tiempos. Ahora queda disfrutar de “la otra música” y ponernos al día rematando la faena con la contraportada.
TAMBIÉN ES MÚSICA
En esta sección ya sabéis que le echamos un vistazo a canciones cuyo denominador común será la originalidad. Lo disparatado, lo étnico, lo bochornoso, lo divertido, lo impredecible, la música infantil y cualquier canción que se salga de lo habitual tiene cabida en este apartado. Pero recordad que siempre hablamos de ese maravilloso regalo que es el sonido de la música. Vamos con la trilogía de hoy.
Si buscamos el lado disparatado de la música, el grupo de humoristas que viene a continuación encaja a la perfección en el perfil. Monty Phyton son sinónimo de carcajadas y disparates enlazados uno detrás de otro y hablar de ellos es hablar de su inimitable película del año 1979 “La Vida de Brian”.
Después de tenernos llorando de risa durante hora y media, la película se cierra con una escena sublime y genial. En ella aparece el protagonista, el famoso Brian, crucificado con otros cuantos facinerosos y de repente uno de los crucificados comienza a entonar una cancioncilla que incluye un estribillo con silbidos y todo. Una canción al más estilo “Disney” para cerrar con broche de oro una película disparatada cuyo título es “Always Look on the Bright Side Of Life”.
Esta canción tuvo bastante éxito y la escena en sí es genial. Ver a los crucificados cantar y silbar mientras mueven sus piernas al compás es un momento único de la historia del cine. Además las ocurrencias del grupo de cómicos nunca han tenido fin. Dado que la selección de fútbol Inglesa cosechaba desencantos uno tras otro en cualquier competición internacional en la que participara, ellos declararían esta canción como el himno oficial de la selección, animándoles a ver el lado bueno de la vida y no rendirse nunca. Genio y figura.
El personaje que viene a continuación seguró que será recordado por todos aquellos que sois de mi generación. Se trata de un joven que se haría muy popular gracias a un programa de televisión y que tendría una imagen y una forma de presentar bastante peculiar. Estoy hablando del malogrado Nacho Dogan y su famoso saludo: “Hola, amigo marchoso”.
Hijo de Kurt Dogan, quien regentó durante gran parte de la década de los 70 la ilustre sala “Florida Park”, se fue abriendo paso poco a poco como DJ y presentador musical. Su gran oportunidad le llegaría en el año 1979 cuando José Luis Uribarri le ofrecefría presentar una sección dentro de aquel maravilloso programa que fue “Aplauso”. A aquellos que no lo conozcáis os diré que por él pasaron todos y cada uno de los grandísimos artistas internacionales y nacionales que triunfaban en aquel momento. Para que os hagáis una idea, el programa se emitía los sábados de seis a ocho de la tarde y la juventud comenzaría a salir de marcha más tarde porque antes había que ver el programa.
La sección que él presentaba se llamaba “La Marcha de Nacho” y en ella presentaba las últimas novedades en lo referente a música para bailar. Lo hacía con la cara pintada de blanco, un sombrero de copa, bastón de mando y con una voz casi en falsete que le convertirían en uno de los personajes más populares de aquella época. Esa popularidad le llevaría a publicar un par de sencillos, uno de los cuales fue una versión de la canción de los alemanas Trio, su famoso “Da Da Da”, que con su manera de desenvolverse quedaría así de … vosotros juzgáis.
Para que nos hagamos una idea de las “influencias” que llegó a tener baste decir que esta canción contaría con la producción de Carlos García Vaso del grupo Azul y Negro, corriendo los coros a cargo de la argentina Ruby de los reconocidos Ruby y los Casinos. Lamentablemente, un infarto acabaría con su vida a los 37 años de edad en el año 1990.
Para cerrar la sección dedicada a “la otra música” vamos con un caso bastante interesante ya que se trata de un trío que alcanzaría gran popularidad y mucho éxito con una música simplemente demencial, pero cuyas raices procedían de uno de los mejores grupos españoles de los 70. Me explico.
Luis Gómez Escolar, Honorio Herrero y Julio Seijas habían formado parte de uno de los mejores grupos folk españoles llamado Aguaviva. En el año 1979, tras disolverse la banda, fundarían su propio grupo, un proyecto que en un primer momento se denominaría “El Rosario de la Aurora” con el que se dedicaron a componer canciones del tipo “Saca el Guisqui, Cheli” o “Que Pasa Contigo, Tío”.
Dado que estos temas lograrían un considerable e incomprensible éxito, tomarían la decisión de componer para ellos mismos y cantar sus canciones para lo que adoptaron el nombre artístico de “La Charanga del Tío Honorio”. Interpretaban sus temas vestidos al más puro estilo del paleto de la España profunda y su música era … pues eso, cateta hasta más no poder.
Menos mal que tendrían un recorrido bastante corto, aunque les daría tiempo a dejarnos dos “joyas” de las suyas. La más conocida es “Hay Que Lavalo” pero esa ya os la pondré en su día porque aunque parezca mentira llegaría a entrar en nuestra lista en el año 1976. Pero para que conozcáis a estos ejemplares aquellos que no tengáis el plácer, aquí os dejo otro de sus “exitos”: “El Oni”, que según ellos significa “Ojeto Nasoluto Identificao”. Sin comentarios.
Una imagen vale más que mil palabras, incluso para la música. En fin, que para intentar superar el impacto de esta sección en el día de hoy vamos con una contraportada de las de lujo, como siempre.
LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA
Todo lo que empieza tiene que acabar y nuestra revista no es una excepción. Así que vamos con la contraportada del número de hoy que nos trae noticias y buena música como despedida.
TRÁGICO FINAL
A los 21 años de edad ha fallecido víctima de los excesos una de las figuras emergentes más destacadas del hip-hop. Lil Peep, otro de los muchos juguetes rotos del mundo de la música
Gustav Ahr, cuyo nombre artístico era Lil Peep, ha sido uno de esos jóvenes intérpretes que surgen de la nada para convertirse prácticamente de la noche al día en un fenómeno musical gracias a internet. Un caso más de un artista que difunde su música y su talento a traves de YouTube y otras plataformas similares y que de manera inmediata empieza a sumar miles y miles de vistas.
Su manera de hacer rap y su imagen con un rostro lleno de tatuajes, le llevarían a lograr la aceptación del público y el respeto de la crítica especializada. Desgraciadamente, asimilar la fama adquirida de una forma tan vertiginosa no es fácil y él no ha podido con ello. El pasado 15 de noviembre fallecía como consecuencia de una sobredosis de hongos y marihuana, cortando en seco su vida y su prometedora carrera de artista.
Hace unos meses salió al mercado su único álbum bajo el título de “Come Over When You’re Sober, Pt. 1”, siendo su canción más representativa y de mayor éxito este “Gucci Gang”.
MEJOR EN DIRECTO
El concierto homenaje a Freddie Mercury celebrado en el Estadio de Wembley en Londres el 20 de abril de 1992 nos dejó momentos mágicos como del que vamos a disfrutar en la revista de hoy.
La desaparición de Freddie Mercury víctima del sida a finales del año 1991 fue un auténtico mazazo para todos los que amamos la música. Nos dejaba uno de los cantantes más grandes y atrayentes de la historia. Como no podía ser de otra manera, sus tres amigos de Queen organizarían cinco meses más tarde un concierto homenaje que reuniría a 72.000 espectadores y sería retransmitido en directo por radio y televisión para más de 70 países. El acontecimiento lo merecía y no defraudaría absolutamente a nadie.
El concierto contaría con la presencia de los artistas más destacados del panorama musical internacional, dejándonos en la retina y en los oídos momentos auténticamente mágicos. Uno de ellos correría a cargo de George Michael que iba a convertirse casi sin quererlo en la gran atracción del día con una apoteósica versión junto a Brian May, John Deacon y Roger Taylor de uno de los grandes clásicos de Queen.
Nada más salir al escenario George Michael pudo comprobarse que algo grande iba a suceder a continuación. Cuando llegó el momento de interpretar “Somebody To Love” podría decirse que el mundo se paralizaría para asistir a un episodio único, en el que la complicidad de Michael con el grupo fue total y la comunión con el público irrepetible. Recuerdo que estuve viendo el concierto en directo por televisión y este momento me emocionó particularmente. Bueno éste y otros cuantos porque seguró que por las páginas de “La Graminola” aparecerán más momentos de este estratosférico acontecimiento.
La canción ya de por sí es un espectáculo. Los tres miembros de Queen lo bordan. El coro al más puro estilo góspel le da un aire mágico al tema. Pero es que además, ese día George Michael cantó como nunca lo había hecho. Llevaba años sin grabar nuevos temas por su famoso enfrentamiento con su discográfica y fue tal la conexión que el grupo sentiría con él ese día que se especuló con que pudiese convertirse en la nueva voz de Queen, aunque finalmente todo quedaría en eso, una especulación. Una pena porque visto lo visto y escuchado lo escuchado la mezcla podría haber salido pero que muy bien.
EFEMÉRIDE
Mike Scott, uno de los cantantes más importantes de la década de los 80 en Escocia al frente de su banda The Waterboys, celebra su cumpleaños esta semana. Le caen “solamente” 59 castañas.
El 14 de diciembre de 1958 venía al mundo en Edimburgo Mike Scott, quien iba a escribir una etapa dorada de la música de su país al frente de su banda, los siempre originales The Waterboys. Desde aquí le mandamos un tirón de orejas.
En el año 1985 publicarían su disco “This Is The Sea” en el que se incluía una canción que inicialmente pasó totalmente desapercibida pero que cinco años después, ya en la década de los 90, obtendría un éxito grandísimo. Se trata de “The Whole of the Moon” y de alguna manera demostrarían con ella que su música se había adelantado unos cuantos años a su tiempo.
NOVEDAD
Seguimos en Escocia con un grupo que fue muy grande en sus comienzos pero que con el paso del tiempo se fue diluyendo. Se trata de Texas, y lo cierto es que con su nuevo álbum no recuperan el terreno perdido.
Cuando publicaron su primer disco allá por el año 1989 he de reconoceros que se convirtieron de inmediato en uno de mus grupos favoritos. Su sonido limpio, de calidad, la voz y la personalidad de su cantante, Sharleen Spiteri y una fuente de inspiración bastante amplia les llevarían a cosechar un éxito bastante notable.
Después vinieron los experimentos, el intento de hacer una música más acorde con los tiempos que iban corriendo y todo desembocaría en un parón y en el intento de que Sharleen triunfara con su carrera en solitario, algo que no se produciría.
Han estado de giro días atrás en nuestro país presentando su nuevo trabajo titulado “Jump on a Board” y cuyo sencillo de presentación es “Let’s Work It Out” y que queréis que os diga, que ni fu ni fa. Creo que en esta oportunidad el famoso dicho de “cualquier tiempo pasado fue mejor” les encaja a la perfección.
Por hoy esto ha sido todo. Como siempre espero que os haya gustado la revista de esta semana. Nos encontramos de nuevo en siete días. Os espero a todos, Graminoleños.
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JUAN JOSÉ GOMARIZ