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Ya sabéis que la base de la revista es dar un pequeño repaso con las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.
Junto a las listas distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro póster, a doble página en el centro desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música española.
Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Y recordad que siempre estaré abierto a cualquier crítica, consejo, sugerencia o petición que vosotros, Graminoleños, me hagáis.
NUESTRA PORTADA
LA LISTA DE LA GRAMINOLA
La lista de actualidad de “La Graminola” de esta semana presenta como novedad más destacada la única incorporación de un nuevo tema que nos llega de la mano de una de las habituales colaboraciones que se producen en el panorama musical internacional. Uno de los productores más originales y creativos del momento y una joven cantante que desde hace tres años ha ido creciendo poco a poco son sus protagonistas.
De todos es sabido que desde hace unos cuantos años la importancia de los productores musicales ha ido creciendo de manera exponencial hasta terminar siendo parte activa de la interpretación de las canciones de los distintos artistas que triunfan por ahí. Antes eran unos perfectos desconocidos para el público en general, salvo los más grandes, y ahora aparecen en los créditos de los discos como si de un intérprete más se tratase.
Con estas premisas, no es de extrañar que haya una serie de productores con los que todo artista que se precie esté deseoso de trabajar ya que es sinónimo de éxito. Uno de ellos, posiblemente el más especial en la actualidad, es el norteamericano Marshmello, que además de ofrecer muy buenos resultados en su labor tiene detrás de si un halo de misterio bastante grande toda vez que siempre aparece en público con su cara cubierta con una especie de máscara desconociéndose su aspecto e incluso cual es su verdadera identidad. Originalidad y talento en una sola dosis.
Una de las afortunadas de contar con su producción es la inglesa Anne Marie, una joven cantante que llevaba dando guerra desde el año 2015 colaborando con otros artistas y que el año pasado publicaba su primer álbum bajo el título de “Speak Your Mind”, del que se extrae el tema que forma parte de nuestro ránking desde el pasado 10 de junio.
El resultado de esta colaboración es un tema titulado “Friends” que si bien no ofrece nada nuevo la verdad es que se deja escuchar.
LOS PIONEROS
Hoy vamos a ponernos tiernos, románticos y sensibles en la sección pionera. Y es que no solamente de nuevos estilos o clásicos del rock ha vivido el mundo de la música. Cualquier tendencia siempre ha tenido algunas figuras que han sido icónicas en su momento y que han ido inspirando y abriendo camino a muchos artistas que han ido llegando más tarde. El territorio de las baladas no es una excepción a esta regla no escrita.
El que podíamos denominar “pionero romántico” que protagoniza la sección de hoy era popularmente conocido como “El Príncipe Polaco”, por su ascendencia polaco-lituana a pesar de haber nacido en Pensilvania. Una de sus especialidades sería la de conseguir que canciones que en tiempos precedentes pasaron con más pena que gloria se convirtieran en auténticos clásicos cuando él los interpretaba. Estoy hablando de Bobby Vinton, uno de los auténticos héroes de las baladas y que nos deja a continuación tres de los temás más representativos de su legado.
BLUE VELVET
Vinton siempre apuntó muy alto y sus primeros pasos dentro de su carrera musical los inició al frente de su propia orquesta de la que era su director, por lo que es fácil entender que su formación musical era más que considerable. Sin embargo este primer proyecto no produciría los resultados esperados y sus pretensiones variarían de alguna manera, encaminando su futuro a simplemente cantar, algo que se le daba bastante bien.
El éxito no acababa de llegar pero él no cejaría en su empeño y en el año 1963 iba a darle la vuelta a la tortilla gracias a la versión que se sacaría de la manga, o mejor dicho de su talento, de un tema que databa del año 1934 y que había pasado con más pena que gloria en manos de distintos artistas, siendo el que más se acercó a lo que se podía llamar algo de éxito Tonny Bennet en el año 1951, aunque realmente sería producto más que nada de su voz, carisma y popularidad que por la aceptación que pudiera tener entre el público la canción en cuestión.
En el año 1963 Vinton rescataría esta composición, la daría un toque muy personal y gracias a su manera de cantar y apoyándose en su atractivo físico iba a conseguir el primer gran éxito de su carrera y a crear tendencia a la hora de interpretar música romántica. Una canción que se ha convertido en un tremendo clásico y cuyo título es “Blue Velvet”.
Esta canción volvería a ponerse de moda en el año 1990 cuando David Lynch la utilizó como tema central de la banda sonora de su icónica película del mismo título, convirtiéndose en uno de esos temas que permanece de actualidad por mucho que pasen los años.
MR. LONELY
Aunque una de sus especialidades siempre fue la de lograr grandes resultados con versiones de temas antiguos de otros artistas, también mostraría su poderío como compositor logrando buenos resultados con algunas de las canciones que fueron producto única y exclusivamente de su talento. La canción que viene a continuación es la más representativa de esta faceta.
Vinton sirvió en el ejército durante los años 50 y en aquella época compuso una canción que hablaba de un soldado que se encontraba en una misión en el extranjero y no podía comunicarse con su familia sintiéndose muy solo. En aquel momento todavía no había iniciado su carrera musical de manera propiamente dicha y esa composición quedó aparcada en aquel momento. Poco podía imaginarse que unos cuantos años después iba a significar su espaldarazo definitivo en el mundo de la música.
Con el estallido de la guerra del Vietnam, la letra de la canción encajaría a la perfección con las sensaciones que los soldados destinados en el frente manifestaban en aquellos momentos y en el año 1964 decidiría sacarla al mercado convirtiéndose en un tremendo éxito y en una de las canciones preferidas por el público norteamericano por razones evidentes. La preciosa melodía, lo desgarrador de su letra y la sensibilidad y sentimiento con la que Vinton la interpretaría con una parte en la que ofrece un falsete estremecedor le otorgarían definitivamente el calificativo de figura internacional. Por si fuera poco su título no podía ser más acertado: “Mr Lonely”.
Lo curioso del caso es que su discográfica no había confiado demasiado en él hasta ese momento y no tenían ninguna esperanza en que su recorrido mereciera la pena, opinión equivocada a todas luces ya que Bobby Vinton se convertiría en el solista que más discos vendería en Estados Unidos durante la década de los 60.
SEALED WITH A KISS
Para cerrar la sección pionera del día de hoy dedicada al romanticismo de Bobby Vinton, vamos con otro de sus éxitos más rotundos en el que nuevamente vuelve a dejar de algún modo en evidencia a otros artistas ya que lo lograría con su particular versión de una canción con la que otros no fueron capaces de triunfar. Como ya os comentaba ésta era una de las especialidades de la casa.
La canción data de finales de los 50 y en las voces de artistas como Brian Hyland o The Four Voices no lograrían apenas repercusión. Habría que esperar al año 1972 cuando Vinton decidió recuperarla, darla un lavado de cara y convertirla en otro de los grandes éxitos de su carrera.
Estoy hablando de “Sealed With A Kiss”, otra preciosa y sentimental balada con unos arreglos especiales que la diferencian de las versiones realizadas con anterioridad y cuyo sonido de bongos del principio es parte ya de la historia de la música moderna.
Como hemos podido comprobar, el mundo de las baladas y las canciones románticas también ha tenido sus pioneros, siendo Bobby Vinton uno de sus máximos representantes. Aunque su actividad ha ido decreciendo con el paso del tiempo nunca ha abandonado definitivamente su carrera. Durante unos cuantos años fue el propietario del “Bobby Vinton Blue Velvet Theatre” en Branson donde dio rienda suelta a esa ilusión que siempre tuvo por interpretar su música apoyado por una gran orquesta.
Vendería el teatro en el año 2002 y la única condición que impondría para llevar a cabo dicha venta sería la de que una vez al año pudiera volver para interpretar sus canciones durante una noche acompañado de una orquesta, algo que repite incluso en nuestros días. Genio y figura.
LISTA DE LOS AÑOS 60
No nos alejamos demasiado del momento que hemos vivido en nuestra sección pionera de hoy ya que continuamos en la década de los 60 con el objeto de iniciar el repaso a las canciones que triunfaron en otros tiempos y que formaron parte de las listas graminoleñas. Para empezar nos trasladamos hasta el 10 de junio de 1968 para degustar las dos entradas que se producían aquel día, protagonizadas ambas por dos grupos caracterizados por las sincronizaciones vocales de sus miembros. Vamos con ellas.
La primera nos llega desde nuestro propio país de la mano de un grupo que surgió en el año 1963 bajo el nombre de Los Àngeles Azules pero que despegaría definitivamente en el año 1966 pasando a denominarse simplemente Los Ángeles. A partir de ese momento serían considerados como una de las mejores bandas españolas del momento gracias a sus armonías vocales que calaron claramente entre público y críticos.
Se convirtieron en uno de los grupos pioneros en traer a España sonidos y estilos que triunfaban en los países anglosajones, que eran los que marcaban las pautas a seguir en el panorama musical internacional, y rápidamente adquirieron un gran prestigio. Fueron asiduos durante bastante tiempo a nuestra lista y aquel 10 de junio de 1968 colocaban en la misma su tema más conocido y exitoso y con el que iban a lograr los mejores registros graminoleños.
Se trata de “Mañana Mañana” una melódica composición en la que la compenetración coral es excepcional y con la que consiguierons los mejores resultados de su carrera, al igual que en nuestra lista donde permanecerían durante 37 semanas para alcanzar el top 8.
La andadura del grupo finalizaría trágicamente en el año 1976 cuando dos de sus miembros, Alfonso Gonzáles (Poncho) y José Luis Avellaneda fallecían en un desgraciado accidente de tráfico, llevándose por delante a uno de los mejores grupos vocales que ha dado la música de nuestro país.
La segunda entrada de aquella semana estaba protagonizada por uno de los grupos de mayor éxito a nivel internacional que presentaba también la característica de una compenetración vocal excepcional entre los tres miembros que realizaban esas labores. Estoy hablando de Bee Gees, que como ya sabéis, por aquella época eran un quinteto ya que a los tres hermanos Gibb había que sumar la labor del guitarrista Vince Melouney y el batería Colin Petersen.
La canción que colocaban en nuestra lista aquel día es una de las mejores baladas de su carrera, al menos de su época como quinteto y alejados del falsete que les llevaría al estrellato, y fue compuesta por Barry Gibb tras una discusión con sus hermanos, algo bastante habitual en aquellos tiempos y que incluso provocaría la salida provisional del grupo por parte de Robin.
Estoy hablando de “Words”, una canción que curiosamente no fue incluída en ninguno de sus álbumes y que únicamente aparece en sus recopilatorios, algo que desconocían los propios hermanos Gibb que reconocieron que su actividad era tan frenética en aquella época y tantos los sencillos que publicaban que no eran capaces de controlar donde aparecía cada uno de ellos. Donde sí aparecerían sería en nuestra lista durante 13 semanas para alcanzar el puesto 23 como mejor registro.
LISTA DE LOS AÑOS 70
Dos son también las entradas que presentaba la lista graminoleña que estrenábamos el 10 de junio de 1978. Podríamos decir aquello de “mujeres al poder” ya que ambas están protagonizadas por carismáticas féminas que se encontraban en por aquel entonces en uno de los mejores momentos de su carrera. Vamos a empezar por la que para mí es la mejor de las dos y que puede considerarse como una de las mejores baladas que nos deparó la década de los 70.
La galesa Gaynor Hopkins acababa de publicar su segundo disco tras un prometedor comienzo con su primer álbum. Lo que no esperaba nadie es que una de las canciones que conformaban ese nuevo trabajo iba a lanzarla de manera fulminante hacia el estrellato y convertirse en una de las figuras más populares del momento. Como supongo que la mayoría de vosotros no sabréis de quien estoy hablando os dire que se trata de la carismática Bonnie Tyler.
Lo que más llamaría la atención de esta artista sería su manera de cantar ya que su voz rasgada se convertiría en su principal atractivo, llegando a ser comparada con Rod Stewart por este motivo. Lo cierto es que esa característica voz no era natural sino que llegó provocada por una operación de unos nódulos que tenía en las cuerdas vocales que tuvo lugar meses antes de la grabación del disco. Sea como fuere, los resultados serían fundamentales para que se convirtiera en una de las principales artistas de aquella época.
Como os podréis imaginar la canción que nos regalaba en la lista de aquella semana no es otra que “It’s a Heartache”, una de las composiciones más emblemáticas de la década de los 70, un tremendo éxito en todo el mundo y la canción más representativa de toda la carrera de Tyler. Un auténtico lujo que nos acompañó durante 48 semanas para quedarse al borde de lograr el número 1 teniendo que conformarse con el número 2. Una grandísima canción, una grandísima artista.
Al mismo tiempo, la norteamericana Juice Newton grabó una versión de este tema y aunque su calidad es tambien bastante grande, quedaría eclipsada por el original grabado por Tyler.
La segunda entrada de la semana setentera también tiene protagonismo femenino aunque en esta ocasión se trata de un dúo español que en aquel momento alcanzaba cotas de popularidad tremendas no solamente en nuestro país sino que también en el resto de Europa. No es de extrañar esta circunstancia ya que para poder abrirse camino en el mundo de la música abandonaron nuestro país para instalarse en Alemania desde donde darían su salto definitivo, historia que ya os he contado no hace mucho. Estoy hablando de Baccara.
Su popularidad era tan grande y su éxito en el centro de Europa tan rotundo que aquel año 1978 llegarían a participar en el festival de Eurovisión representando a Luxemburgo e interpretando una canción en frances que atendía al título de “Parlez Vous Français?”. Volvían a ser una vez más profetas lejos de nuestras tierras antes que en su propio país.
Los resultados que obtendrían en el festival sería más que dignos, acabando en séptima posición y en cuanto a las ventas que lograrían de esta canción se repetiría la tónica bastante habitual de lograr mejores registros en algunos países europeos que en nuestro país. En cuanto a nuestra lista, nos acompañarían durante 22 semanas para alcanzar el top 21, unos resultados más que aceptables.
EL ÁLBUM DE LA SEMANA
El mundo de la música y el del cine siempre han ido cogiditos de la mano como hemos podido comprobar en muchísimas ocasiones. Para los que sois de mi generación, para los nacidos en las decadas de los 60 y de los 70, hay una película que sin lugar a dudas marcaría un antes y un después en cuanto al cine musical. Una de esas películas que habremos visto un sinfín de ocasiones y con la que seguimos vibrando al escuchar su banda sonora.
Además, en estas fechas se cumplen ya 40 años de su estreno y que mejor manera que rendir un merecido homenaje a esa película, fundamental para entender lo que supone el cine musical, que darle todo el protagonismo del póster central de “La Graminola” de esta semana. Así que todos preparados para disfrutar con la música, los bailes y todas las historias que rodearon al rodaje de la inolvidable “Grease”.
Cuando se estrenó la película en España venía acompañada ya de los ecos de su tremenda acogida en Estados Unidos, pero para nosotros la mayoría de sus intérpretes eran unos perfectos desconocidos, a excepción de Olivia Newton John que tenía cierta popularidad en su faceta como cantante. Así pues gente como Stockard Channing, Jeff Conaway, Barry Pearl, Michael Tucci, Kelly Ward, Didi Conn, Jamie Donnelly o Dinah Manoff eran actores que nada nos decían.
Pero el gran atractivo de esta película era la presencia de John Travolta quien había adquirido una tremenda popularidad un año antes con su papel de Tony Manero en otra de las emblemáticas películas musicales de la historia del cine como es “Saturday Night Fever”. Si con ella se puso en circulación, con Grease daría el salto definitivo en su carrera como actor, aunque su intento de abrirse camino también en el mundo de la música no fuese tan fructífero.
Todos nos sabemos de memoria sus canciones, todos conocemos sus diálogos, todos recordamos perfectamente y al milímetro cada una de sus coreografías, pero lo cierto es que es una película que está llena de anécdotas y noticias que quizás no sean conocidas por todos. Desde la página central de “La Graminola” del día de hoy vamos a intentar contaros todo lo que rodeó al rodaje de esta película que hasta la llegada de “Mamma Mía” fue el musical cinematógrafico de mayor recaudación de la historia. Empecemos pues a llenarnos de brillantina.
“Grease” nacería en forma de musical en el año 1971 de la mano de Jim Jacobs y Warren Casey, produciéndose su estreno en un pequeño teatro de Chicago. El éxito cosechado en su puesta de largo les llevaría a estrenarlo en Broadway tan sólo un año después, convirtiéndose en uno de los musicales preferidos por el público norteamericano. Su salto al cine era cuestión de tiempo.
Sería en el año 1978 cuando de la mano del director Randal Kleiser la obra llegó al cine convirtiéndose en la película musical del año y batiendo todos los records habidos y por haber en recaudación. Además de inmediato se convertiría en una de las películas de referencia de la juventud de aquella época, tanto por su música como por sus personajes y coreografías.
La mayoría de las canciones que integran la banda sonora y aparecen en la película están interpretadas por los propios actores, pero hay algunas excepciones en las que son grandes músicos vinculados a las décadas de los 50 y 60 los que realizan este cometido. Esto sucede con la canción que abre la película y que toma su título, que sería intepretada por Frankie Valli, el que fuera líder del grupo The Four Seasons. Se trata de un tema completamente nuevo que no pertenece al musical teatral y que fue compuesta nada más y nada menos que por Barry Gibb. De inmediato se convertiría en una de las dos canciones de la banda sonora que llegaría al número uno en Estados Unidos.
Curiosamente las opiniones de los críticos especializados fueron bastante malas cuando se produjo su estreno. Calificaron la película de insufrible, con una música deplorable, unos actores nefastos y unos número musicales carentes de originalidad. Vamos que se lucieron, porque la película caló de inmediato en el público de todo el mundo y reventó taquillas allá donde se estrenaba. Su música se oía una y otra vez en las emisoras de radio y todos querían ser Danny o Sandy, imitando sus movimientos y sus coreografías.
Una de las características que más llamaría la atención sería la forma de caminar que tenían los protagonistas masculinos, los famosos “Thunder Birds”. Pues bien, todo tiene una explicación. Resulta que Jeff Conaway, que interpretaba a Kenickie, el inseparable amigo de Danny Suko (John Travolta), era más alto que este último por lo que para que no se notara demasiado al director se le ocurrió la idea de que caminara de esa manera tan especial.
La película está repleta de momentos espectaculares como el que nos ofrecen los “Thunder Birds” y las “Pink Ladies” por separado indagando sobre las vacaciones de verano que vivieron Danny y Sandy sin saber lo cerca que estaban de reencontrarse, a los compases de la mágica “Summer Nights”.
De los actores que se eligieron para actuar en la película, únicamente Olivia Newton John tenía experiencia como cantante y, curiosamente, fue la que más dudó en tomar parte en la película. Con anterioridad el papel de Sandy había sido ofrecido a diferentes actrices, entre la que se encontraba Carrie Fisher, la Princesa Leia en la saga de “La Guerra de las Galaxias”. Tras muchas dudas, la capacidad de convicción de John Travolta conseguiría que Olivia se decidiera a interpretar a Sandy.
Una de las cosas que más llamaría la atención es que aunque los protagonistas de la película eran estudiantes de instituto, todos los actores superaban con creces la edad que deberían tener esos protagonistas. El caso más llamativo sería el de Stockard Channing, que interpretaba el papel de Rizzo, quien superaba incluso la treintena. Está claro que lo que realmente importaba era la música porque pensar que ella podía aparentar ser una adolescente de instituto … pues como que no lo acabo de ver.
La rivalidad entre Rizzo y Sandy es patente durante toda la película. El personaje de la primera estaba basado en Marilyn Monroe y el de la segunda en Sandra Dee, lo que llevaría a uno de los momentos de lucimiento de Stockard interpretando el tema “Look At Me I’m Sandra Dee”.
Hay bastantes aspectos que cambian en la película con respecto a la obra teatral original. En unas ocasiones canciones o coreografías y en otras pequeños detalles. En esta canción hay un momento en el que se hace referencia a Elvis Presley. Esta referencia se introduciría sobre la marcha ya que durante el rodaje de la película se produciría el desgraciado acontecimiento del fallecimiento del “Rey del Rock”, que estuvo muy cerca de intervenir en la película, pero eso os lo cuento un poco más adelante.
Olivia Newton John tuvo sus momentos de lucimiento en solitario. El más especial llegaría mientras interpretaba la canción “Hopelessly Devoted To You”. Esta canción sería incluída en el ultimo momento y la escena se rodaría cuando la película ya estaba terminada. Curiosamente, y a pesar de haber estado muy cerca de no ver la luz, este tema sería nominado al Oscar a la mejor canción, aunque finalmente no lograría ganar la estatuilla que iría a parar a manos de Donna Summer por su “Last Dance” de la película “Por Fin Es Viernes”.
Una de las escenas más espectaculares de la película es sin duda alguna cuando los chicos están intentando preparar su coche para una carrera contra su banda rival. Es el momento del baile más imitado y más recordado de toda la película al ritmo de “Grease Lightning”. ¿Quién de los de mi quinta no ha meneado ese brazo de derecha a izquierda y de arriba a abajo como hacia Travolta? Sin duda alguna es mi momento preferido.
Esta escena y esta canción tienen su historia. Jeff Conaway había interpretado en el teatro el papel de Kenicky, y en la obra teatral esta canción la interpretaba él llevando el mando de la coreografía ya que le correspondía a su personaje el protagonismo al ser quien iba a disputar la carrera. Sin embargo, Travolta en cuanto vio la coreografía de la escena se enamoró de ella y decidió que tenía que ser suyo el protagonismo más absoluto. Una vez más, su capacidad de convicción le haría salirse con la suya y aunque hubo algún roce entre los dos actores no repercutió lo más mínimo en el rodaje.
En la película hay colaboraciones muy especiales. La más llamativa quizás sea la de Frankie Avalon, otro de los cantantes veteranos que triunfaría en la época en la que la película está ambientada, que interpretaría al Ángel de la Guarda de Frenchie, personaje interpretado por Didi Conn, en la canción “Beauty School Dropout”.
La intención incial era que quien interpretase el papel de angelito fuese el mismísimo Elvis Presley, pero su repentino fallecimiento acabaría con esa posibilidad y el bueno de Avalon viviría un pequeño mal momento cuando fue elevado a las alturas ya que sufría de vértigo y lo pasó bastante mal durante el rodaje de la escena.
La banda sonora no solamente cuenta con la música de las distintas escenas en las que los actores realizan las correspondientes coreografías sino que también cuenta con algunas colaboraciones muy especiales. Me estoy refiriendo a canciones que suenan en segundo plano, como fondo, bien en la cafetería, bien antes de iniciar el baile o en situaciones similares. Vamos con dos de ellas que creo que son dignas de mención y a mí personalmente me encantan.
Louis St. Louis, un curtido y veterano músico colaborador habitual tanto en la obra teatral como en la película, aporta un par de canciones de su propia cosecha. Una de ellas es la titulada “Rock & Roll Party Queen” y es sonido puramente Grease.
La otra gran colaboración llega de la mano de una artista que a mí particularmente me encanta. Una de las cantantes norteamericanas triunfadoras en la década de los 50 y los 60 con los primeros albores del rock & roll. Hablo de Cindy Bullens que nos deja joyas como “Freddy My Love” o mi preferida “It’s Raining On Prom Night”, una preciosa balada que me emociona cada vez que la escucho.
Pero posiblemente la colaboración más especial llega en el momento del concurso de baile que se celebran en el Instituto. La música que los alumnos de Rydell High bailan una detrás de otra corre a cargo de un grupo consagrado en Estados Unidos y en el resto del mundo llamado Sha Na Na, aunque en la película toman el nombre ficticio de “John Casino & The Gamblers”.
De sus gargantas y de sus instrumentos saldrían clásicos del rock & roll como “Blue Moon” de Billy Eckstine, “Tears On My Pillow” de Little Anthony & The Imperials, “Hount Dog” de Elvis Presley (como véis muy presente en toda la película) o su particular y espectacular versión del tema de Danny & The Juniors titulado “Rock & Roll Is Here To Stay”.
La grabación de las escenas del baile fue el momento más duro que los actores y el resto del equipo tuvieron que soportar. Estas escenas fueron rodadas en el gimnasio del Instituto en verano, una vez finalizadas las clases, con todas las ventanas cerradas y sin aire acondicionado alguno, lo que llevaría a que varios de los que allí se encontraban sufrieran pequeños desmayos. Se agradecen esos sufrimientos porque todas las escenas quedaron espectaculares.
Eso sí, el momento culminante del baile, la escena principal de ese instante de la película vendría de la mano del tema titulado “Born To Hand Jive”, en el que Danny comienza bailando con Sandy y termina haciéndolo con Cha Cha di Gregorio tras una habilidosa maniobra de ésta.
John Travolta se convirtió en todo un símbolo tras esta película. Podríamos decir que su personalidad eclipsaría a la del resto de los actores y actrices que intervinieron en ella. De hecho, algunos de sus compañeros de reparto comentarían que cuando él rodaba lo llenaba absolutamente todo. Tras darse a conocer como Tony Manero en “Fiebre del Sábado Noche”, el personaje de Dany Suko le lanzaría definitivamente al estrellato.
Después le tocaría, a base de mucho esfuerzo, demostrarle a todo el mundo que no era únicamente una cara bonita y que detrás de ella había un grandísimo actor. De cualquier modo siempre podemos contemplar sus momentos de lucimiento en la película como es la interpretación de una de sus baladas más exitosas, “Sandy”.
Como os comentaba al principio, las críticas de los “entendidos” fueron atroces al principio aunque con una pequeña excepción. A la mayoría de ellos la aportación de Stockard Chaning, en su pape de Rizzo, era de lo poco que podía salvarse de la película y, por consiguiente, en su opinión el momento estelar musicalmente hablando de Grease venía de su mano.
Ese momento en concreto es su interpretación de la canción “There Are Worse Things I Could Do” y ciertamente interpretar a una adolescente de 18 años cuando en realidad se tienen 33 es un mérito tremento. Bravo por Stockard
Al personaje de Sandy hubo que introducirle algunos cambios para la versión cinematográfica. En la versión teatral se trataba de otra estudiante más del instituto, de nacionalidad norteamericana. Sin embargo, el acento australiano de Olivia Newton John llevaría consigo que en la película Sandy pasase a ser una alumna de intercambio de esa nacionalidad.
Su dulce voz volvería a brillar con luz propia en la interpretación de “Look At Me I’m Sandra Dee (reprise)” tras la carrera de coches en el canal. Por cierto, el rodaje de esas escenas sería otro de los momentos más duros y delicados de la película ya que las condiciones higiénicas del agua estancada que allí había no eran las más idóneas y algunos de los miembros del equipo cogería alguna pequeña infección.
Poco a poco vamos llegando al final de la película y lo hacemos con los dos últimos números musicales que vienen prácticamente entrelazados y son un auténtico broche de oro. Un final simplemente espectacular.
Para empezar llegaría el momento en el que Sandy cambia totalmente de imagen para recuperar a Dany. Para este número a Olivia Newton John le dieron carta blanca para que luciera un aspecto explosivo y sería ella la que decidiría embutirse en sus famosos pantalones de cuero negro. Unos pantalones que le estaban tan ajustados que terminaron reventando y para poder utilizarlos tuvieron que cosérselos a su ropa interior.
Curiosamente, “You’re The One That I Want” estuvo muy cerca de no ser incluida en la película ya que a su director no le gustaba lo más mínimo, la odiaba. Finalmente se convertiría en el segundo número uno de las listas norteamericanas, la canción preferida por la mayoría de sus fans y el verdadero momento estelar de Grease. Así que deleitemos nuestros oidos y ojos.
Sin solución de continuidad llega el número final en el que todos los participantes en la película interpretan una canción que se convierte en un pequeño tributo al rock and roll de la época, además de un canto a la amistad. Estoy hablando de “We Go Together”.
Este número se resultó tan espectacular ya que aprovecharon que durante el rodaje una feria de verdad pasó por allí y pudieron grabar sus escenas a lo grande, convirtiéndose en un maravilloso punto y final a la película. Expresiones como “rama lama ding dong”, “sha na na na”, “boogdie dee boogdie dee”, “change change change de boop duap” o el famosísimo “Uambabuluba balam bambu” que aparecen en esta canción son grandes “gritos de guerra” de algunos de los clásicos del rock de los 50 y los 60.
De cualquier manera, lo que está claro es que Grease fue un fenómeno de masas en su momento y gracias a que sus canciones nunca han pasado de moda y a los distintos momentos en los que se ha ido llevando al teatro en todo al mundo han conseguido que hoy en día continúe muy presente en el panorama musical. Os puedo asegurar que es la película que más veces habré visto en mi vida de la misma manera que estoy convencido que todavía la veré unas cuantas veces más.
Unos años después, concretamente en 1982, se intentaría reeditar el éxito con el estreno de “Grease 2”, pero la película protagonizada por una jovencísima Michelle Pfeiffer y en la que solamente Didi Conn (Frenchie) repetía de la película original, sería un estrepitoso fracaso.
Siempre se ha especulado con una tercera película pero en la que participaran los artistas que protagonizaron la primera. De hecho, el correspondiente guión se les hizo llegar hace algunos años tanto a John Travolta como a Olivia Newton John, pero nunca se han decidido a dar el paso. Además, con el fallecimiento de Annette Charles (Cha Cha di Gregorio) y Jeff Conaway (Kenicky), las cosas ya no serían igual.
En fin, espero que hayáis disfrutado como yo recordando buenos tiempos de la mano de la brillantina más famosa de la historia, que pese a tener ya cuarenta años de edad sigue poniendo a bailar a jóvenes y menos jóvenes sin discriminación alguna.
LISTA DE LOS AÑOS 80
Continuamos nuestro habitual recorrido por las listas graminoleñas de distintas épocas y nos situamos ya en la mágica década de los 80. Concretamente viajamos hasta la lista que se estrenaba el 12 de junio de 1988 que presentaba dos nuevas entradas de dos artistas que se encontraban en un magnífico momento y que nos regalarían dos canciones para recordar.
Pero vamos a empezar on otra novedad todavía más importante que presentaba dicha lista, un trepidante cambio en el liderato de nuestro ránkingfavorito. Digo trepidante porque la rapidez con la que el artista que se colocaba ese día en lo más alto de la lista lo hizo en un tiempo récord ya que lo logró tan sólo cinco semanas después de haber entrado en la misma, cifras nunca vistas ni antes ni después.
Estoy hablando del señor Tino Casal y su maravillosa versión de “Eloise”. Como hace apenas un mes que ya os hablé detenidamente de la historia de esta canción no nos queda otra cosa más que volver a disfrutar de ella para celebrar su más que merecido número uno.
Vamos a continuación con las dos entradas de aquella semana. La primera de ellas nos llega desde nuestro propio país de la mano de uno de los solistas más prestigiosos de nuestra música y que en aquel instante se encontraba en un momento extraordinario. Acababa de publicar nuevo disco, el noveno de su carrera, bajo el título de “XXX”, con el que mostraría una nueva evolución en su sonido y una madurez ya definitivamente asentada. Estoy hablando de “Miguel Bosé”.
Este álbum fue concebido con la idea de que Bosé pudiera introducir su música en el mercado norteamericano, aunque sus resultados no serían lo suficientemente satisfactorios en este aspecto, si bien tanto en nuestro país como en Latinoamérica conseguiría triunfar a lo grande una vez más, siendo considerado por algunos éste album como uno de los mejores de su trayectoria.
El tema que colocaba en nuestra lista aquel 12 de junio de 1988 es una de las canciones destacadas de este álbum. Se trata de “Corazón Infame”, un medio tiempo con el que nos acompañaría durante 22 semanas para lograr como mejor registro el puesto número 7.
La segunda entrada de aquella semana es un auténtico lujo. Nos llega de la mano de una artista de los pies a la cabeza, con una voz cautivadora y una música original y especial que conquistó al público desde su irrupción en el panorama musical internacional cuatro años atrás. Una artista única con una belleza tanto artística como física bastante pronunciada. Estoy hablando de “Sade”.
Lo curioso del caso es que el proyecto inicial nació como una banda y no como una solista, pero fue tanto el protagonisto que su vocalista, la cantante inglesa de ascendencia nigeriana Sade Adu, lograría y tanta la seducción que el público en general experimentó con ella, lo que provocaría un giro total para terminar convirtiéndose en la protagonista absoluta. Ese giro provocaría que los músicos que la acompañaban, Stuart Colin Mattewman, Paul Spencer Denman y Andrew Hale se convirtieran en únicamente su grupo de acompañamiento.
Con sus dos primeros discos logró un éxito total en toda Europa y en el año 1988 publicaba su tercer álbum bajo el título de “Stronger than Pride”, reeditando los buenos resultados cosechados con los dos anteriores, convirtiéndose de esta manera en una de las principales artistas del panorama musical internacional de aquel momento.
Una de las canciones más destacadas de este álbum sería “Love Is Stronger Than Pride”, con la que se colocaría en nuestra lista aquel día para acompañarnos durante 18 semanas y alcanzar el top 14. Auténtica música cinco estrellas.
LISTA DE LOS AÑOS 90
Damos un salto de diez años y nos situamos en la lista graminoleña que se publicaba el 14 de junio de 1998, la cual presentaba como gran novedad la entrada de un tema que con el paso de las semanas alcanzaría incluso el puesto más alto. Nos la trae un artista polifácetico y carismático que ha ido alternando su carrera de actor con la musical obteniendo buenos resultados en ambas.
Will Smith es uno de esos artistas que como vulgarmente se dice parece haber nacido de de pie. Todos los proyectos en los que se ha ido embarcando han terminado siendo un rotundo éxito y la popularidad que adquiriría interpretando el papel principal de la televisiva serie de “El Príncipe de Bell Air” le catapultaría a la fama y le convertiría en uno de los actores más conocidos y carismáticos de Hollywood.
Durante el rodaje de la serie ya apuntaría maneras a la hora de hacer música con su gran amigo Jazzy llegando a publicar un álbum juntos tomando el nombre artístico de “Jazzy Jeff & Fresh Prince”, pero sería precisamente en el año 1998 cuando aparecería en el mercado su primer disco como solista bajo el título de “Big Willie Style”, convirtiéndose en una de las sorpresas musicales de aquel año.
La canción más representativa de este álbum y su primer sencillo de éxito como solista sería “Getting Jiggy With It”, el tema que incluiría en nuestra lista graminoleña del 14 de junio de 1998 y con la que nos visitaría durante 42 semanas para alcanzar como os comentaba antes el número 1 durante 4 de ellas.
Por si fuera poco, el título de la canción utiliza un juego de palabras que ayudaría a que su popularidad fuese todavía mayor. La expresión “jiggy” es una desviación de un término despectivo utilizado para hacer mención a las personas de color, “jigaboo”. Will le daría ese giro para hacer mención a ese don que estas personas parecen tener a la hora de bailar. Además utilizaría un sampler en su melodía de uno de los temas más destacados de la música de los 80: “He’s a Greatest Dancer” de las grandísimas “Sister Sledge”.
LISTA DEL NUEVO MILENIO
Finalizamos ya el repaso en el tiempo que abordamos cada semana con la música que nos traía el nuevo milenio, por lo que nos situamos en el 8 de junio de 2008 para disfrutar de tres grandes canciones, dos nuevas entradas y el cambio en el número uno. Vayamos por orden y empecemos por el tema que se situaba en lo más alto de nuestro ránking.
Se trata de un auténtico lujo, tanto por la canción en sí como por la grandísima artista que la protagoniza, una de las mejores cantantes de la actualidad, poseedora de una espectacular voz, como es Alicia Keys. Si buscamos calidad, en sus discos la encontraremos a raudales.
Las comparaciones siempre se ha dicho que son odiosas, pero en algunas ocasiones se hacen inevitables. Siempre se habló de ella como la nueva Withney Houston, aunque en mi modesto entender está un poco por debajo de ella en cuanto a potencia vocal. Pese a esta manifestación creo que su voz es impresionante y capaz de llegar a cualquier registro que se proponga, dulce por momentos, intensa cuando hace falta.
En el año 2007 publicaba su tercer disco titulado “As I Am”, en el cual se incluía “No One”, nuevo número 1 de nuestra lista desde aquel día, puesto que ocuparía durante 5 semanas, sustituyendo en lo más alto de la clasificación a Juanes y su “Me Enamora”
Vamos ya con las dos entradas que se producían en nuestra lista aquella semana, protagonizadas por dos grupos de gran prestigio y mucho éxito, uno español y otro mexicano, que nos regalaban dos canciones con un largo recorrido que alcanzaron los puestos de privilegio del ránking graminoleño. Empecemos por el producto nacional.
Eva Amaral y Juan Aguirre, o lo que es lo mismo, Amaral, se han convertido en uno de los grupos con mayor protagonismo y de mayor éxito desde su aparición en el panorama musical español allá por el año 1992. Sus discos se venden como auténticas rosquillas y sus giras muestran unas actuaciones en directo con una entrega, calidad e intensidad bastante elogiables. Además, a estas alturas de la película mostraban ya una veteranía y profesionalidad más que evidentes.
Por aquellas fechas acababa de salir al mercado un nuevo álbum bajo el título de “Gato Negro / Dragón Rojo”, un disco doble compuesto por 19 canciones con el que iban a lograr de nuevo un tremendo éxito de ventas y unas críticas bastante buenas por parte de los entendidos en la materia. Un disco arriesgado no solamente por el número de canciones que lo integraban sino por los distintos estilos y sonidos que en él se incluyen.
En esta ocasión muestran un sonido algo más intenso y unas letras más comprometidas de lo habitual, dejando atrás el pop claro y limpio que hablaba del amor y de lo cotidiano que había protagonizado hasta ese instante sus discos. Esta evolución se aprecia claramente en el sencillo que sirvió como presentación del álbum, una canción titulada “Kamikaze” con la que nos acompañarían durante 39 semanas para alcanzar el top 3.
De lo que no cabe ninguna duda es de que nos encontramos antre un disco totalmente innovador dentro de su carrera hasta el punto de que en él se incluye por primera vez una canción interpretada por Juan Aguirre titulada “Es Sólo una Canción” y que a mí personalmente me parece una de las mejores de todo el álbum.
La segunda entrada de aquella semana es una de esas canciones que tiene una curiosa historia detrás de ella. Se trata de un tema que fue compuesto en el año 1984 y que nunca ha perdido actualidad y sobre el que se ha argumentado siempre que su letra estaba inspirada en una vivencia personal de su autor aunque realmente no fuera así. Os cuento la historia al completo pero ya os digo que es más bonita la versión ficticia que la verdadera.
Marco Antonio Soler es uno de los cantantes latinos de mayor prestigio desde hace mucho tiempo. El mexicano es el autor de esta segunda entrada en la lista graminoleña del año 2008 de la que hoy nos estamos encargando aunque versionada por unos compatriotas que no le van a la zaga en cuanto a prestigio musical. El tema en cuestión se ha convertido en un clásico y en un auténtico himno que ha pasado de generación en generación en su país y fuera de él. Estoy refiriéndome a “Si no te Hubieras Ido”.
La versión que se fue extendiendo sobre cual había sido la inspiración de Solís para escribir su letra es la siguiente: Cuando contrajo matrimonio con Beatriz Adriana, ésta ya tenía un hijo de su anterior matrimonio llamado Leonardo con el que congenió bastante bien, manteniendo una relación casi paternal. Aun después de la ruptura del matrimonio, Solís siguió manteniendo relación con el chico y en el año 2000 saltaría la trágica noticia. Leonardo fue secuestrado y cinco días después la policía encontró su cadáver. Según empezó a comentarse, ésta es la motivación de su composición, pero por muy tierno y emotivo que suene no es la realidad.
Lo cierto es que la canción fue grabada por Marco Antonio Solís por primera vez en el año 1999 cuando decidió publicar un disco cantando aquellas composiciones propias que habían sido interpretadas por otros artistas. “Si no te Hubieras Ido” fue compuesta para un disco de una artista mexicana llamada Marisela en el año 1984 y logró bastante éxito, lo que quiere decir que fue grabada con anterioridad al luctuoso suceso de su hijastro. Aclarado queda.
Solís es un grandísimo compositar y esta canción es una maravillosa, pero centrándonos en la lista de la que nos estamos encargando tenemos que viajar hasta el año 2008 momento en el que Maná realizaron su propia versión. Cuando juntas una canción extraordinaria con un grupo versátil y de calidad como los mexicanos los resultados no pueden ser más que excepcionales.
En nuestra lista también demostrarían la calidad de su versión ya que se mantendrían en ella durante 42 semanas para alcanzar el top 5.
TAMBIÉN ES MÚSICA
Los que venís siguiendo “La Graminola” desde el principio sabéis que por esta sección ha sido bastante habitual que hayan pasado artistas vinculados al mundo de los niños, Esos ídolos que todos hemos tenido cuando éramos unos tiernos infantes y que nos han dejado buenos momentos musicalmente hablando. También han pasado por aquí artistas más o menos serios haciendo música muy alejada de la infantil, como en botica hemos tenido de todo. Pues bien, en el día de hoy el protagonismo de la sección lo va a tener un programa televisivo que unía ambas facetas, la infantil y la adulta, y que con el paso del tiempo se ha convertido en una especie de hito dentro de la música y la televisión hecha en nuestro país.
Muchos fueron los momentos musicales que esta serie nos obsequió y muchos los personajes que calarían entre el público infantil por un lado y juvenil por el otro, ya que la versatilidad que sus distintas secciones ofrecía daba para que todos prestásemos atención a lo que nos enseñaba. De lo que no cabe ninguna duda es de que el programa ideado y dirigido por la gran Lolo Rico supuso un soplo de aire fresco, originalidad y creatividad que todos hemos agradecido siempre.
Así pues “La Graminola” va a rendir un pequeño homenaje a este programa que fue emitida por TVE entre los años 1984 y 1988 y para ellos voy a ofreceros tres de las canciones más recordadas del programa. Nos encontrábamos en pleno apogeo de La Movida y de la Transición y el modernismo que a ambos movimientos estaban mostrando se pondría también de manifiesto en la manera de hacer televisión, tan distinta a la de ahora, mucho mejor que la de ahora.
Lo mejor es empezar por el principio y ello nos lleva al tema central de esta maravillosa serie. Una canción interpretada por uno de los iconos más representativos de La Movida y del pop español como era Alaska que además tenía un papel primordial dentro del desarrollo del programa, convirtiéndose de esta manera no solamente en una de las artistas del panorama musical español más importantes sino en un personaje de gran popularidad entre el público infantil.
De los que sóis de mi quinta ¿quién no recuerda aquello de “Te sientas enfrente y es como el cine / todo lo controla, es un alucine / es como un ordenador personal / es la Bola de Cristal”?
El programa estaba presentado por Isabel Bauzá y Gerardo Amechazurra y contaba con colaboradores habituales tales como Pedro Reyes, Miguel Ángel Valero, Fedra Lorente, Enrique San Francisco o Anabel Alonso, así como artistas vinculados a la música como la citada Alaska, Pablo Carbonell, Loquillo, Javier Gurruchaga, Santiago Auserón o Kiko Veneno. Posiblemente ésta sería la clave del éxito del programa, acercar a las figuras que estaban surgiendo dentro de la música española a los más pequeños de la casa.
Pero hablar de “La Bola de Crital” es hablar de un grupo de personajes que se convirtieron en imprescindibles para los más pequeños. Unos muñecos que lograron una tremenda popularidad y cuyos nombres conocíamos todos de memoria. De esta manera “La Bruja Avería”, “La Bruja Truca”, “El Hada Vídeo”, “Maese Cámara” y “Maese Sonoro” deleitaban cada semana a los niños con sus aventuras acercándoles al mismo tiempo al mundo de la cultura y la música. Una jugada muy completa.
De todos estos personajes, el que mayor popularidad adquiriría sería “La Bruja Avería” quien tenía la habilidad de estropear cualquier aparato eléctrico al que se acercase. Tenía su propia canción que era interpretada por otro de los personajes fundamentales de la historia del pop español como era Santiago Auserón, líder indiscutible de Radio Futura y que nos repetía una y otra vez aquello de “no se ría, no se ría, de la Bruja Avería”.
Estos personajes eran ademas unos auténticos revolucionarios, impregnándose de los grandes cambios que estaba viviendo la sociedad española en aquel momento. Su lema era “Viva el mal, viva el capital” y nos obsequiaron semana tras semana expresiones tales como “Soy Avería y aspiro a la Alcaldía”o la más auténtica de todas como era “Desenseña a desaprender cómo se deshacen las cosas”. Geniales.
El programa estaba inicialmente estructurado en tres secciones bien diferenciadas aunque existía una cuarta que en un principio estuvo separada de él y se emitía de manera independiente, que posteriormente se incorporaría al final de las otras tres cada semana. Llevaba el título de “La Cuarta Parte” y estaba dirigida al público adolescente, aunque los peques tampoco se la perdían empapándose de todo lo que se cocía en nuestro país.
Dentro de esta sección se emitían videoclips y actuaciones en vivo de los artistas que estaban protagonizando la música en nuestro país. De hecho puede considerarse “La Bola de Cristal” como el auténtico programa precursor en emitir videoclips musicales hasta el punto de que la mayoría de los artistas más representativos de “La Movida” llegaron a grabar vídeos exclusivos para el programa de los temas con los que triunfaban. Podríamos decir que en este aspecto se convirtió en una auténtica referencia para el público juvenil interesado por la música pop y rock de nuestro país.
Fueron muchas las intervenciones musicales que el programa emitió durante sus casi cuatro años de duración, por lo que hay donde elegir, pero como hay que quedarse con una de ellas voy a hacerlo con un tema de unos jovencísimos por aquel entonces Loquillo y Trogloditas que nos ponían a bailar rockabilly al ritmo de “El Pupitre de Atrás”.
De lo que no cabe ninguna duda es de que “La Bola de Cristal” fue un auténtico hito dentro de la televisión española y se convirtió en una auténtica referencia para los niños y jóvenes españoles. Un programa capaz de sentar ante el televisor tanto a los más pequeños como a los adolescentes disfrutando a lo grande de todos sus contenidos.
Lamentablemente, hace mucho, mucho tiempo que ya no se hacen programas como éste y si a eso le sumamos la obsesión por el reggaetón …
LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA
Llega el momento de echar el cierre por hoy y como siempre vamos a rematar la faena con las tres últimas canciones que nos van a mostrar estilos vastante distintos entre sí y una indudable calidad. Como siempre vamos a empezar con un pequeño homenaje a uno de los grandes compositores de música para el cine, continuaremos con buen pop español y finalizaremos con una novedad de auténtico lujo. Empecemos pues a despedirnos (por hoy).
EFEMÉRIDE
Una vez más música y cine se dan la mano gracias a un compositor especializado en bandas sonoras de películas de todos los tiempos. Él es Henry Mancini y conmemoramos el aniversario de su fallecimiento. Auténtica música cinco estrellas.
Para disfrutar de la efeméride de esta semana nos vamos al cine, porque el músico que la protagoniza es uno de los compositores más reconocidos dentro del séptimo arte ya que desarrolló su carrera en exclusividad para crear las bandas sonoras de algunas de las películas más destacadas de la historia del cine, una de las cuales terminaría siendo una especie de himno para los amantes de las series de dibujos animados como ahora os contaré. Estoy hablando de Henry Mancini que tal día como hoy del año 1994 fallecía dejándonos un legado imborrable.
Desde muy niño mostró su interés por la música y tras aprender a tocar la flauta se dio cuenta de que eso era demasiado poco para él y a la temprana edad de 12 años dominaba ya el piano a la perfección y empezó a componer sus propias obras. En el año 1952 consiguió entrar a trabajar en los estudios Universal y a crear composiciones junto a otros músicos con el fin de que fueran incluidas paulatinamente en las películas que se fueran rodando. Pronto se dieron cuenta de que él no era uno más y su peso empezó a crecer de manera rápida y progresiva.
Asi pues, películas como “Desayuno con Diamantes”, “Días de Vino y Rosas”, “Arabesco”, “Charada”, “Dos En La Carretera” o “Hatari”, entre otras, llevaron su impronta en lo que se refiere a su banda sonora, llevándose la palma y adquiriendo una tremenda popularidad otra de sus composiciones, por la que es claramente reconocido y que todos hemos escuchado miles de veces.
En el año 1963 se estrenaba una película dirigida por Blake Edwars y protagonizada por David Niven, Peter Sellers, Capucine, Robert Wagner y Claudia Cardinale, una comedia que iba a cosechar un tremendo éxito, crear una saga de ocho películas más y dar lugar a una serie de animación infantil televisiva de un éxito y popularidad descomunales. Estoy hablando de “The Pink Panther”, o lo que es lo mismo, “La Pantera Rosa”.
Así pues, desde aquí rendimos un merecido homenaje a la figura de este genial creador de bandas sonoras que fue “Henry Mancini” y de paso recordamos los años más tiernos de nuestra infancia con uno de nuestros personajes favoritos con la música que siempre la acompañaba y que es parte también de la banda sonora de nuestras vidas.
LA EDAD DE ORO DE LA MÚSICA ESPAÑOLA
La sección dedicada a la música española nos la traen hoy unos chicos que aputaban muy buenas maneras pero que como tantos otros se quedaron por el camino. Se trata de Circodelia.
La sección que dedicamos cada semana a la música española nos llega en esta ocasión desde muy cerca en el tiempo de la mano de un grupo que mostró muy buenas maneras cuando irrumpió en el panorama musical de nuestro país pero que poco a poco fue perdiendo fuelle hasta terminar desapareciendo mucho antes de lo que pudiese haberse pensado.
Circodelia es de esos grupos que se lo curraron a la antigua usanza, tocando en garitos de todo tipo hasta que alguien se fijara en en ellos. Y quien lo haría sería nada más y nada menos que Alejo Stivel, el antiguo cantante de Tequila, que se convertiría en el productor de su primer disco, atraído por la forma de cantar y de actuar sobre el escenario de su vocalista Víctor “La Cobra” Pérez, que de algún modo le recordaba a él mismo.
Su primer trabajo, publicado en el año 2002, llevaría el título de “Las Chicas De Las Canciones” y el tema que le daba título lograría una buena acogida y un importante éxito, apoyándose en un sonido fresco y una imagen “stoniana” que les auguraba un futuro cuanto menos prometedor.
Aunque publicarían después un par de dicos más, pronto llegarían las disputas entre sus miembros por aquello de “esta no es la música que yo quiero hacer”, “es muy comercial”, “es demasiado pop” … vamos, lo típico. Por este motivo terminarían separándose y desde ese momento cada uno por separado se ha dedicado a colaborar con otros artistas. Una pena porque sus inicios auguraban buenos momentos.
NOVEDAD
La novedad de la semana nos trae música celta de la mano de Loreena McKennitt que rompe su silencio tras ocho años sin publicar temas nuevos.
Para cerrar el número de hoy vamos a viajar hasta Canadá, vamos a apagar las luces y a crear un ambiente relajado, porque vamos a sumergirnos en las aguas de la música celta y new age de la mano de una de las auténticas divas de este estilo como es la señora Loreena McKennitt, quien después de ocho años sin publicar material nuevo ha decidido regalarnos un nuevo álbum con la habitual calidad de siempre.
Su nuevo disco lleva el título de “Lost Souls” y con su habitual manera de tocar el piano, su inconfundible arpa y su dulce voz, demuestra que a sus 61 años de edad no ha perdido ninguna de sus virtudes y sigue ofreciendo buena música. Si los viejos rockeros nunca mueren, ella, a pesar de no serlo, tampoco.
En esta ocasión, Loreena mezcla temas inspirados en poemas de distintos autores con otros basados en Oriente Medio, no pudiendo evitar hacer referencia a temas bélicos dotándolos de un sonido épico como solamente ella sabe hacer. En estas aguas se mueve el sencillo que se ha elegido como carta de presentación del álbum.
Se trata de “Breaking of the Sword”, una composición dedicada al denominado “Día del Recuerdo” por el que anualmente se rinde homenaje a los miembros de las fuerzas armadas que han desarrollado su labor durante diferentes conflictos bélicos, en especial a los caídos durante la Primera Guerra Mundial. Un evento bastante arraigado en los países anglosajones que podría decirse que a partir de este momento tiene su propia banda sonora con esta espectacular canción obra de la canadiense.
Con este sonido tan épico y espectacular cerramos el número de “La Graminola” de esta semana. Eso sí, en siete día volvemos con más música, con más historias, con más joyas.
Hasta entonces, Graminoleños.
JUAN JOSÉ GOMARIZ