LA GRAMINOLA. LA REVISTA QUE SE LEE Y SE ESCUCHA
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Parece que fue ayer cuando comenzaba este nuevo proyecto y ya vamos por el número cuatro de nuestra revista. Hoy, como siempre, viene cargada de muy buena música y de historias para leer atentamente, pero como no hay mejor explicación que una buena portada, aquí os dejo los contenidos que tiene el número de “La Graminola” de hoy.
LA LISTA DE LA GRAMINOLA
Empezamos la revista de hoy como hacemos siempre, poniéndonos al día de lo que se cuece en el panorama musical actual. Nada fuera de lo habitual en cuanto a estilos porque la música latina y las colaboraciones entre artistas siguen predominando sobre cualquier otra circustancia.
La novedad de la semana en forma de nueva entrada es una vieja conocida de la lista. No se trata de una novedad propiamente dicha ya que es el retorno del tema de Jonas Blue & William Singe titulado “Mama”. Ésta es su tercera etapa en nuestro ránking, y dado que en el número 1 de “La Graminola” ya nos hicimos eco de esta canción, hoy simplemente vamos a desearles a Jonas y William que en esta oportunidad aguanten algunas semanas más, ya que entre sus dos anteriores visitas no han llegado más que a siete.
Pero la gran novedad de la lista que estrenamos el pasado 17 de diciembre es el cambio de número uno. Después de nada más y nada menos que 30 semanas, el bueno de Ed Sheeran y su “Shape of You” dan paso a una nueva canción que desde ese día ocupa el lugar más privilegiado de la clasificación.
El nuevo líder de la lista graminoleña de actualidad llega desde Venezuela, país que abandonó hace unos años con motivo de los graves problemas políticos que atraviesa, para instalarse definitivamente en Miami. Un joven cantante que de una manera totalmente artesanal no solamente ha sabido abrirse camino en el mundo de la música sino que se ha convertido en uno de los artistas con mayor proyección.
Inicalmente tomó el nombre de Danny O.C.T., pero tras instalarse en Estados Unidos pasaría a llamarse Danny Ocean. A traves de la plataforma Spotify publicaría una sencilla canción compuesta por él mismo titulada “Me Rehúso”, una canción que compuso para su novia el día de San Valentín y que finalmente no pudo huir con él de Venezuela. Con ella ha conquistado el corazón de toda Latinoamerica y en parte también el de España, al colocarse esta misma semana en lo más alto de la lista.
Supongo que esta tendencia latina cambiaría algún día, pero mientras tanto es lo que hay, es lo que triunfa.
LOS PIONEROS
Ya sabéis que esta sección está concebida para esa música que realmente inspiró a todos los grandísimos artistas que han ido viniendo desde los 60, e incluso antes, hasta nuestros días. Esos pioneros que se dejaron el alma en nadar contra corriente y obsequiarnos con una música que en el momento de su aparición no era comprendida por todo el mundo. Un espacio dedicado a todos esos valientes que abrieron el camino a tantos otros.
En el número de hoy el título tendría que ser más bien el de “El Pionero”, ya que voy a dedicarle la sección en exclusiva al más grande entre los grandes, al que está considerado como el auténtico “Rey del Rock”, el artista más influyente de la historia de la música y con el que han vibrado y del que prácticamente han mamado la casi totalidad de grupos y cantantes que años después se han ido dedicando a este mundo. Por supuesto que me estoy refiriendo a “Elvis Aaron Presley”, simplemente “El Rey”.
Es difícil condensar en tan sólo tres canciones lo que Elvis Presley fue en su momento y sigue siéndolo en la actualidad para el mundo de la música, pero al menos vamos a poder disfrutar de una trilogía de grandísimos éxitos y grandísimos clásicos de la historia del rock. Así pues, todos a escuchar y a mover las caderas.
KING CREOLE
Para empezar vamos a situarnos en el año 1958, apenas dos años después de que este jovenzuelo se convirtiera en todo un fenómeno de masas y revolucionara el mundo de la música con el ritmo contundente de puro rock & roll y una manera de bailar que enloquecía a las chicas. Por si fuera poco tenía una planta impresionante por lo que no es de extrañar que desde el primer momento mostrara a todo el mundo que iba a ser grande, muy grande. Y vaya que lo fue.
Durante los primeros años de su carrera fue muy frecuente que se explotara el filón que él suponía al máximo, por lo que en muchas ocasiones sus canciones eran la excusa perfecta para filmar una película en la que mostrase sus dotes de actor. Creedme si os digo que lo que mejor se le daba era cantar y bailar, aunque su reclamo era suficiente para que la película triunfara a lo grande. Ese año publicaría un disco que comprendía la banda sonora de una película que él mismo protagonizaba y que llevaría el título de “King Creole”.
El argumento de la película era muy recurrente. Elvis interpretaba a un joven problemático que utilizaba como escape la música y que gracias al amor conseguía sentar la cabeza definitivamente. Lo mejor del largometraje, como no puede ser de otra manera, son las escenas en las que interpreta sus canciones, siendo la más especial la que abre el film y nos presenta al “Rey Criollo”.
Por aquel entonces Elvis ya era una auténtica figura y un acontecimiento de primer nivel, pero vamos a retrotraernos un par de años para viajar al momento en el que empezó todo, allá por el año 1956.
HOUND DOG
Podría decirse que todo comenzaría realmente ese año con esta canción. Estoy hablando de “Hound Dog”, uno de los clásicos más representativos de la historia del rock y que vería la luz en el año 1952 de la mano de Big Mama Thorton. Esta versión original tenía un aire más cercano al blues, pero cuatro años después Elvis iba a convertirla en pura dinamita.
Todos sabemos que en muchas ocasiones, y más en aquellos tiempos, un pequeño escándalo no venía nada mal para que un artista se diera a conocer definitivamente. Pues bien, cuando Elvis interpretaba esta canción, efectuando su característico movimiento de caderas, eran muchos lo que lo consideraban una auténtica provocación. Sí, yo también me hago de cruces. Pues bien, esas “críticas” por parte de los más puritanos llevarían su popularidad a cotas inimaginables en aquel momento y Hound Dog se convertiría en el clásico con el que cerraría todas sus actuaciones en vivo.
RETURN TO SENDER
Y para cerrar la sección “pionera” de hoy vamos con la canción que a mí más me gusta de Elvis, para lo cual avanzamos un poco en el tiempo y nos paramos en el año 1962. Otro tema relacionado estrechamente con el mundo del cine.
La canción de la que os hablo no es otra que “Return to Sender”, en la que una chica recibe una carta de su novio y la rechaza despechada “devolviéndola al remitente”. Una composición ideal para el argumento de la película “Girls, Girls, Girls” protagonizada por el propio Elvis y que suena en la misma. Uno de los mayores éxitos de Elvis, una de sus canciones más maravillosas.
Está música tiene prácticamente 60 años y hace ya la friolera de 40 que Elvis nos dejó. Sin embargo, sus canciones siguen teniendo vigencia y su figura sigue siendo venerada en todo el mundo siendo considerado como fuente de inspiración hasta para los artistas más jóvenes que acaban de surgir. Un pionero entre los pioneros, el más grande de todos los grandes.
LISTA DE LOS AÑOS 60
Nos adentramos en los mágicos años 60, que aunque quedan ahora muy lejanos nos dejaron música que marcaría el camino de los que irían viniendo después. La lista que estrenamos el 17 de diciembre de 1967 vendría con dos grandes novedades de la mano de dos grupos que dieron mucho que hablar en aquella época, sobre todo uno de ellos que asaltaba ese día el número uno por segunda vez en la historia del ranking graminoleño.
Como lo normal es empezar por el principio eso es lo que vamos a hacer, comenzar con la canción que iba a colocarse ese día en el número uno de la clasificación. Venía de la mano de uno de los grupos más grandes del pop español de los 60 que viviría su mayor esplendor en el periodo comprendido entre los años 1966 y 1968, estoy hablando de “Los Bravos”.
Con el alemán Mike Kennedy a la cabeza y su inconfundible voz, lograrían encadenar éxito tras éxito cantando unas veces en español y otras veces en inglés. Su clásico “Black Is Black” fue su primer gran pelotazo y el primer tema en llegar al número uno de la lista, pero en 1967 repetirían la jugada con una canción que daba título a una película protagonizada por ellos mismos: “Los Chicos con las Chicas”.
Los Bravos están considerados como uno de los mejores grupos de la historia del pop español. Fueron los primeros en ser capaces de triunfar más allá de nuestras fronteras y de permitirse el lujo de grabar en los mejores estudios de Londres. Dicen las malas lenguas que cuando grabaron allí no fueron ellos los que tocaban sino que lo hicieron músicos de estudio junto a Mike Kennedy que los dejaría totalmente impactados. Pero esa es otra historia que ya os contaré en otro momento.
Por cierto, esta canción permanecería en la lista durante casi un año, concretamente 51 semanas, de las cuales en 8 estaría asentada en su cima.
La otra novedad sería la entrada en lista vendría de la mano de un grupo con una trayectoria bastante corta pero que sería el antecedente del inicio de la carrera en solitario de una jovencísima artista que triunfaría a lo grande en la década de los 70. Vamos con su historia.
Allá por el año 1965 se formaría un grupo llamado Brenner’s Folk cuya manera de hacer música recordaba en gran media a la que se hacía en algunas iglesias. No llamarían demasiado la atención y apenas tendrían éxito. Un par de años después, entraría a formar parte de la banda una joven de tan sólo quince años de edada llamada Anne Dimech que le daría un lavado de cara total al grupo y de manera inesperada iba a llevarles a lograr un éxito inimaginable para sus compañeros.
Esta jovencita no es otra que Jeanette (efectivamente la del “Soy Rebelde”) y provocaría el cambio de nombre del grupo nada más entrar en él que pasaría a denominarse Pic-Nic. Atrás quedarían esas canciones al más puro estilo del folk religioso para adentrarse en melodías más modernas, moviéndose a la perfección con su voz casi de niña sobre todo en las baladas, como la que entraría en lista en diciembre de 1967. Se trata de “Cállate Niña”, su canción más conocida y la de mayor éxito de su corta carrera juntos.
Lo curioso del caso es que la carrera del grupo se vería paralizada drásticamente, ya que la madre de Jeanette no la permitió que siguiera dedicándose al mundo de la música hasta que finalizase sus estudios. Años después, concretamente en el año 1971, iniciaría su exitosa carrera como solista, pero siempre quedará en el recuerdo que con 15 años llevaría a Pic-Nic a permanecer en la lista durante 49 semanas de las cuales 4 de ellas ocuparía el número uno. No está nada mal.
LISTA DE LOS AÑOS 70
Dos son las novedades que presentaría la lista de la semana que estrenábamos el 18 de diciembre de 1977 y ambas son versiones de dos canciones de otros artistas, aunque con una pequeña diferencia que ahora os explicaré. Vamos con la primera de ellas.
Ese año 1977 se estrenaría una de las películas de mayor trascendencia en la historia del cine. Uno de esos largometrajes que iba a iniciar una saga que todavía continúa en nuestros días y que mueve a millones de personas que manifiestan auténtica devoción por todo lo que rodea al mundo que ese film creó. Estoy hablando claramente de “Star Wars. La Guerra de las Galaxias”.
El tema central de la película sería obra del grandísimo John Williams y en unas semanas aparecerá por aquí, ya lo veréis, pero la primera entrada en lista de la semana iba a ser una versión muy especial de ese tema elaborada por un auténtico forofo de la película.
Domenico Monardo, productor musical norteamericano, asistiría al estreno de la película y ese fin de semana la vería todavía cinco veces más. Quedaría cautivado por todo lo que veía pero también por el tema central del film y decidiría hacer su propia versión del mismo en plan discotequero, poniéndose de inmediato manos a la obra publicando el álbum “Star Wars and Other Galactic Funk”.
Su nombre artístico era Meco y lograría un grandísimo éxito con su versión bailable de “Star Wars Theme”, con el que entraría en lista este día. Lo más peculiar del caso es que lograría entrar en la lista antes de que lo hiciera la versión original de Williams. En esta oportunidad la copia sería superior al original.
La otra entrada tiene en común con la que acabamos de paladear que también es una versión discotequera de en este caso un auténtico clásico de la música moderna versionado hasta la saciedad, aunque ahora os diré cual es mi favorita.
Un grupo franco-norteamericano llamado Santa Esmeralda, apoyado básicamente en su cantante Leroy Gómez, publicaría un disco en pleno auge de la música disco con versiones de grandes clásicos de la música grabados con un aire más bailable. Entre estas canciones se encontraba la que les iba a encumbrar y llevar a la cita del éxito. No es fácil que grandes canciones de grandes artistas vinculados al rock, versionadas en plan discoteca consigan un éxito demasiado claro, pero en esta oportunidad “Don’t Let Me Be Misunderstood”, rompería totalmente esa regla no escrita.
El bueno de Leroy aguantaría únicamente un año en el grupo y desaparecería sin dejar rastro, lo que llevaría al resto de componentes a seguir sus pasos poco después pese a intentarlo con un nuevo cantante. Por cierto, la versión original de esta canción es de Nina Simone pero si yo tengo que quedarme con una de las decenas que se han hecho, apuesto por la grandísima obra de Eric Burdon & The Animals.
Hasta aquí el repaso de la actualidad de los 70. La semana que viene retomamos el tema.
EL ÁLBUM DE LA SEMANA
Llegamos a uno de los momentos más esperados de la revista, a esa sección en la que desgranamos y analizamos todo lo que rodea a uno de esos discos que siempre tendrán un lugar destacado en nuestra colección. Hoy no nos vamos muy lejos, ya que nos quedamos en Madrid, en el distrito de Fuencarral, para disfrutar de la música de uno de los mejores discos de heavy que se han publicado en España en los últimos años y que es la primera entrega de una trilogía de lujo. Ellos son Mago de Oz y su obra emblemática no es otra que “Gaia”.
La época dorada del rock duro español llegó en los 80 y se extendió de alguna manera a los 90, pero a partir de ahí este estilo empezaría a perder fuelle hasta el punto de que si no era en programas radiofónicos especializados en la materia era verdaderamente complicado conocer las últimas novedades que iban surgiendo. Sin embargo, en el año 2003, con un aire de frescor y renovación, Mago de Oz, quienes ya se habían hecho un hueco entre los grupos españoles más destacados, publicarían el disco que iba a lanzarles a la fama, la primera entrega de la trilogía “Gaia”.
Pero lo primero que hay que saber es que quiere decir “Gaia” en concreto. Varias serían las teorías que encajarían con lo que relata el disco, incluso alguna de ellas científicas. Lo cierto es que “Gaia” es la Diosa griega de la Tierra y existe una tesis que afirma que nuestro planeta en sí, es un ser vivo gigantesco y autónomo, que siente y padece y en este sentido “Gaia” sería una especie de alma del planeta azul. Como vemos no son de extrañar los ramalazos ecologistas que tiene este disco y sus dos continuaciones.
El líder del grupo, Txus de Felatio, escribió una especie de novela ambientada en un primer momento en la América del descrubrimiento para contar la historia de como nos destruimos unos a otros y nos cargamos el planeta. De hecho todos se trasladarían unas semanas a Sudamérica para empaparse de su ambiente y poder introducir algunos ritmos latinos en sus canciones. La mezcla saldría perfecta y con la impresionante voz de José Andrea llenándolo todo no es de extrañar que dejaran un disco tan impresionante.
Pero pongámonos ya a escuchar la grandísima música que contiene el álbum de esta semana. De entrada, nos encontramos con “Obertura MDXX”, una introducción orquestal con sonidos de barcos navegando hacia América y un espectacular coro. Una voz en off nos cuenta la base del disco: La Tierra vivía en todal armonía, con unos ríos que eran sus arterias, con unos bosques que eran su piel y disfrutando de los aspectos más vitales que podamos imaginarnos hasta que un día saltó todo roto en pedazos con la llegada del ser más egoista y destructivo que existe: el hombre.
Sin solución de continuidad nos adentramos en una canción de más de once minutos de duración que nos narra la historia que va a conducir todo el relato. Para ello dan un salto en el tiempo hasta el año 2003, momento en el cual Alma Echegaray está a punto de ser ejecutada injustamente en la silla eléctrica en Estados Unidos. La mujer no entiende el porqué de su situación y por ese motivo poco antes de morir advierte que se vengará desde el más allá.
La canción es una auténtica sinfonía, con un inicio tranquilo y pausado con el sonido del piano arropando la voz calmada de Andrea. Más adelante, coincidiendo con el momento de mayor furia de Alma, la intensidad crece, las guitarras lo rompen todo acompañadas del sonido de las flautas y un Andrea que exprime hasta el último suspiro su impresionante voz que poco a poco volverá a tornarse calma, con la música descendiendo de intensidad coincidiendo con la muerte de la protagonista de la historia. Todo esto es “Gaia”, el tema que da nombre al disco.
El Gobernador que ha ordenado la ejecución de Alma atiende al nombre de Joe Hamilton y cuando vuelve a su casa se encuentra con un e-mail remitido por ella en el que narra el viaje de Hernán Cortés hasta las costas de México y como uno de los miembros de su ejército, llamado Pedro de Alcázar, se da cuenta nada más desembarcar de que los indios que allí habitan les tienen miedo y con razón, ya que las atrocidades que van a cometerse van a empezar de inmediato.
Todo esto se cuenta en “La Conquista”, tercera canción del disco, en la que el grupo se muestra en todo su esplendor, con un sonido heavy bien identificable y en la que cada uno sus miembros tiene su momento de exhibición en las partes instrumentales. Una especie de presentación en sociedad de cada uno de los componentes de la banda.
A continuación llegamos con el que para mí es el mejor tema de todo el disco. Continuando con la narración, Pedro de Alcázar conoce a una joven indígena llamada Azaak, de cuya belleza queda prendado de manera inmediata. Junto a ella se encuentra un grupo de ancianas que inician un canto para salvar la vida de un niño de cuatro años que está gravemente enfermo. Se trata del primer contacto propiamente dicho entre dos culturas radicalmente distintas.
La canción en sí es espectacular. El ritmo es trepidante y el acompañamiento de violines y flautas así como una parte central apoyada por el órgano la convierten en única. Sin duda alguna “Alma” es una de las más grandes canciones de Mago de Oz.
Como vemos el disco es de esas obras que hay que escuchar en su conjunto y en el orden adecuado para ir sintiéndonos atrapados por la historia que cuenta. Continuando con su narración, llega ahora el momento de la canción más significativa del álbum, publicada como primer sencillo y una de las más representativas de la carrera de Mago de Oz.
Se trata de “La Costa del Silencio”, una de las canciones más destacadas del año 2003 y en la que Azaak habla de como los humanos destruyen el mar con su comportamiento y profetiza una catrástrofe en las costas de Galicia. Como vemos, el grupo aprovecha la narración de su relato para hacerle un guiño al desastre ecológico que desencadenaría el naufragio del Prestige frente a las costas gallegas. El contraste del rtimo trepidante y festivo de la música y la tragedia que narra es brutal.
La ambición de los conquistadores no tiene límites y deciden abandonar por la noche a escondidas el poblado llevándose todo el oro y demás riquezas que los nativos poseen. Son descubiertos y se desata una batalla descarnada en la que Hernán Cortés cae herido y apoyado en el tronco de un árbol rompe a llorar. Alcázar lamenta en su interior en lo que se ha convertido mientras se da cuenta de que está perdidamente enamorado de Azaak, a la que ha convertido en su esclava.
“El Árbol de la Noche Triste” es la composición más dura y cañera de todo el disco, sin ningún tipo de arreglo folk ni ningún artificio añadido. Rock puro y duro para lanzar al viento un lamento por la manía que tiene el hombre de invadir lo que no es suyo y por desatar guerras sin fin, suspirando por un mundo en el que todos seamos hermanos y en el que el mestizaje y la paz reinen por encima de todo.
Es bastante habitual que las grandes bandas de rock duro sean capaces de dejar verdaderas obras maestras cuando se proponen componer una balada. Mago de Oz no son ninguna excepción en este sentido y con la siguiente canción de “Gaia” dejarían bien a las claras que con sencillez también eran capaces de hacernos vibrar.
A estas alturas de la historia, Alcázar ya se ha dado cuenta de que el camino que están llevando no es el correcto y se lo comunica a Cortés. Éste le arresta por traición pero no le ajusticia ya que su intención es volver al poblado para hacerse con todas sus riquezas. Detenido y desesperado, Alcázar es consolado por Azaak que le relata como deben ser los principios que hay que seguir en la vida.
La balada “La Rosa de los Vientos” es otra de las grandes genialidades que contiene este disco. La voz de Andrea suena con una dulzura extrema acompañado únicamente por la música del piano, el violín y la flauta. Además, es el único tema en el que Txus deja a un lado su eterna amiga la batería para cantar una de sus estrofas. Una canción única que además sería el segundo sencillo en salir al mercado.
Una de las características más marcadas de Mago de Oz ha sido que sus músicos siempre han mostrado una profesionalidad y una calidad excepcional. Por este motivo nunca faltan en sus discos canciones totalmente instrumentales en las que todos y cada uno de los miembros de la banda pueden mostrar su destreza. Canciones verdaderamente mágicas como la que viene a continuación.
El relato escrito por Txus no da puntada sin hilo. Si Alcázar es el conquistador que se da cuenta de que no están teniendo un comportamiento adecuado y sucumbe a los encantos de una de las conquistadas, existe un personaje que ha seguido el camino inverso. Se trata de Malinche, una indígena que ha abrazado el cristianismo y se ha convertido en la pareja de Cortés. La discusión que ambas mantienen es la excusa perfecta para “La Leyenda de la Llorona”, una pieza instrumental que irradia ritmos celtas por los cuatro costados. De esos temas para escuchar con los ojos cerrados y dejarse llevar.
La destrucción es inevitable y las tropas de Cortés asedian Tenochtitlán, ése es el poblado, durante 80 días y 80 noches en una lucha cruel para destruir a los indígenas, algo que consiguen además de con sus armas con un inesperado aliado. Los españoles llevan a México algunas enfermedades totalmente novedosas para sus habitantes cuyos organismos no son capaces de soportar. La muerte llena cada rincón del poblado.
Una de las composiciones más intensas del disco es “Van a Rodar Cabezas”, un auténtico lamento en la voz de Azaak que clama por ver su pueblo destruido. La belleza que Tenochtitlán poseía es ya historia por culpa de la mano del invasor hombre blanco que llegó un día procedente del otro lado del mar.
Hernán Cortés finalmente se sale con la suya y arrasa el poblado haciéndose con sus riquezas. Azaak huye con Alcázar con el objeto de ayudar a otras tribus cercanas que corren serio peligro de seguir la misma suerte que la suya. La ambición del hombre blanco no tiene fin y ellos lo saben.
Alcázar siente grandes remordimientos de conciencia por todo lo sucedido y su amada le regala entonces un amuleto que vigilará sus sueños mientras duerme y alejará las pesadillas y los malos pensamientos. El amuleto es “El Atrapasueños”, tercer y último sencillo que se publicaría.
Nos encontramos ante una canción espectacular. Andrea juega con su voz como quiere, empezando con unos tonos suaves y melódicos para romper de repente con su mayor potencia. La canción incluye un coro casi fantasmal del resto de los miembros del grupo y continuas entradas de instrumentos con tonos de folk rompiendo finalmente con unos arreglos de música latina que la convirten en verdaderamente única.
Como os comentaba antes, cuando Mago de Oz se desenvuelven en el terreno de las baladas suelen hacerlo con una calidad excepcional. Además suelen proporcionar a este tipo de canciones unas letras preciosas que interpretadas por Andrea resultan pequeñas obras de arte, como la que viene a continuación.
La historia está llegando a su fin y es el momento en el que Alcázar le manifiesta a Azaak el amor que siente por ella. Ya no es capaz de vivir sin su compañía y si ella no estuviera a su lado no le merecería la pena seguir existiendo. Os recomiendo escuchar de principio a fin la maravillosa letra de este pedazo de balada que se titula “Si Te Vas”.
Una obra maestra como ésta se merece un final como Dios manda y ellos se lo supieron dar. Es bastante habitual que Mago de Oz cierre sus discos conceptuales con canciones más largas de lo habitual que condensan todo lo que ha ido aconteciendo en el relato. En esta ocasión crearían un epílogo dramático con una composición de algo más de once minutos.
Cuando el Gobernador Hamilton termina de leer el relato se encuentra con que Alma Echegaray ha vuelto reencarnada en Gaia, el alma de la naturaleza y tomará cumplida venganza como ya le anunció poco antes de morir. Un broche de oro final tanto musicalmente como en lo relativo al relato relatado en la magnífica “La Venganza de Gaia”, una auténtica sinfonía con cambios constantes de ritmo. Otra genialidad más
“Todo Mal que hagas, a tí te lo harás – La venganza de Gaia tendrás”.
Recuerdo que cuando me hice con este disco no había tarde que no lo escuchara de arriba a abajo en casa. Me maravillaba la historia que contaba. Me encantaban todas y cada una de sus canciones. Me sentía atraído una y otra vez por sus letras. Sin duda alguna es uno de mis discos preferidos de siempre, una obra maestra. Eso sí, tengo que ser sincero: Mago de Oz es uno de mis grupos favoritos, aunque creo que esto ya lo habréis notado.
“Gaia” es el primer disco de una trilogía que se completaría con los discos “Gaia II: La voz Dormida” y “Gaia III: Atlantia”, dos álbumes dobles igualmente atrayentes pero que en mi modesto entender están un poco por debajo del primero. Eso sí, no seré yo quien descarte que en un futuro más o menos lejano retome la historia, quién sabe.
LISTA DE LOS AÑOS 80
El repaso a las novedades de la lista ochentera de hace 30 años va a ser un tanto breve en el día de hoy, ya que solamente asistiríamos a una nueva entrada en la que estrenamos el día 20 de diciembre de 1987. Eso sí, se trata de una canción que viene de la mano uno de los grupos punteros del momento y con una colaboración muy especial.
Pet Shop Boys ya eran uno de los grupos de mayor éxito en aquel momento y ese año habían publicado su álbum “Actually” con el que estaban arrasando en todo el mundo, colocando cada sencillo que iba apareciendo en los primeros puestos de las listas. La lista graminoleña no iba a ser una excepción.
Ese 20 de diciembre entraría en nuestra lista “What Have I Done to Deserve This?”, permeneciendo en ella durante 21 semanas y alcanzando el top 21. Una canción en la que contarían con la especialísima colaboración de la veterana cantante Dusty Springfield, quien le daría con su voz un aire muy especial.
La carrera de Springfield estaba totalmente estancada en esos instantes. Tras haber sido una de las artistas destacadas de la música de los 60 y los 70 prácticamente había desaparecido del mapa. Gracias a esta colaboración, el público redescubriría su talento y volvería a interesarse por ella, producto de lo cual publicaría en el año 1990 un nuevo disco titulado “Reputation”, en el que se incluirían dos canciones compuetas por los propios Pet Shop Boys que lograrían cierto reconocimiento, aunque este retorno a la senda de la popularidad duraría muy poco tiempo.
La música de los 80 nos dice hasta la semana que viene, pero seguimos con muy buenas canciones, ahora de la mano de la década no menos atrayente de los 90. Vamos a por ella.
LISTA DE LOS AÑOS 90
Dos son las novedades que presentaría la lista de hace 20 años, concretamente la que estrenábamos el 21 de diciembre de 1997. Nos acercábamos a velocidad de crucero al nuevo siglo, al año 2000 y la música estaba experimentando muchos y profundos cambios, lo que no era impedimento alguno para que una de las bandas más grandes y carismáticas de las historia siguiera publicando discos, obteniendo éxitos e ingresando canciones en nuestras listas. Me estoy refiriendo a los míticos y grandiosos Rolling Stones.
En el año 1997 publicaban su disco “Bridges To Babylon” en el que la canción más destacada sería “Anybody Seen My Baby?”, un tema con un tono algo oscuro e intimista pero con su siempre inconfundible sello. Ese 21 de diciembre tendríamos el honor de asistir a su entrada en el ranking graminoleño donde permanecería durante 42 semanas aunque no pasaría del puesto número 7.
La otra entrada en la lista de esa semana viene de la mano de un artista italiano, asiduo a la misma durante toda la década de los 90, que en ese año 1997 publicaba un recopilatorio de grandes éxitos con dos canciones inéditas entre las que se encontraba la que viene a continuación. Estoy hablando de Eros Ramazzotti.
El recopilatorio llevaría el título de “Eros” y contenía como tema nuevo este “Cuanto Amor Me Das”, que obtendría unos resultados bastante discretos en comparación con lo logrado hasta ahora, ya que solamente alcanzaría el puesto 25 tras 15 semanas en la lista. La competencia era cada vez mayor y su éxito ya no era el de antaño.
LISTA DEL NUEVO MILENIO
Vamos a cerrar las listas correspondientes a otros tiempos con la correspondiente al 16 de diciembre de 2007, la cual presentaría dos novedades en forma de entrada aunque con dos canciones que no tendrían un recorrido demasiado destacable. La primera nos llegaría desde Inglaterra con el solista de uno de los grupos más destacados de la música pop.
Cuando Depeche Mode publicó dos años atrás su disco “Playing the Angel” presentaría la novedad de que tres de sus canciones estaban escritas por primera vez en su carrera por el vocalista del grupo Dave Gahan. Con esta aportación le llegaría el gusanillo compositor por lo que en el año 2005 publicaría su segundo álbum en solitario, de título “Hourglass”, que contendría única y exclusivamente canciones escritas por él mismo.
El disco presenta un sonido muy similar al de los últimos tiempos de Depeche Mode, por lo que se hace bastante complicado diferenciar donde acaban ellos y donde empieza Gahan. La canción más destacada del álbum sería “Kingdom” que entraría en la lista ese día permaneciendo en ella durante 6 semanas alcanzado el puesto 31 como mejor posición. Unos resultados discretos para la única oportunidad en la que el británico ha formado parte de nuestra lista graminoleña en solitario … hasta ahora.
Hay ocasiones en las que no se explican algunas de las habituales colaboraciones que surgen entre los artistas. La otra entrada de la semana es una de estas situaciones. Por más que intento entenderlo no acabo de ver la conexión ni que tienen en común el solista italiano y el grupo español que nos obsequiarían con una canción incluida en el nuevo disco del primero ese año 2007.
Filippo Nevian publicaba un disco titulado “En el Cuarto 26” y … Ah, que no sabéis quien es este señor. Bueno empiezo de nuevo. Nek publicaba un nuevo disco titulado como ya os digo en el que se incluiría una canción titulada “Para Ti Sería” en la que contaría con la colaboración especial de El Sueño de Morfeo. Sé que puedo resultar repetitivo, pero nunca he acabado de ver la conexión. Seguramente que seré yo, pero no la veo.
Lo cierto es que la colaboración, sin ser un éxito de esos para recordar sí que obtendría unos resultados más que decentes ya que permanecerían en lista durante 25 semanas alcanzando el top 22. Para algo inexplicable no está nada mal.
En siete días, más música del nuevo milenio y ahora más de la otra música.
TAMBIÉN ES MÚSICA
Nos adentramos ahora en ese impactante e inesperado mundo de la música especial, de la otra música, de esa que siempre nos sorprende. Y hoy me váis a permitir que me ponga un poco sentimental ya que las tres muestras de esta semana vienen de la mano de tres series de animación que pude disfrutar cuando era muy niño. Posiblemente estas series de dibujos animados sean grandes responsables de mi amor por la música. Vamos a por ellas.
THE BEATLES
Para hablar de The Beatles hay que ponerse de pie. Su importancia en el mundo de la música fue tal que de haber tenido lugar su carrera en los días en que vivimos no quiero puedo imaginarme la transcendencia que estarían teniendo. Pues bien, en su época de mayor esplendor tendría una serie televisiva de dibujos animados que yo seguía con verdadera devoción.
La serie se emitió en Estados Unidos entre los año 1965 y 1969, a España llegaría un poquito más tarde, y constaría de 39 episodios. Recuerdo como me quedaba eclipsado viéndola por la tele y no por las aventuras que vivían, yo era demasiado pequeño para seguir debidamente el argumento, sino por la música. Puedo asegurar que fueron mi primer grupo de cabecera y a pesar de que yo apenas tendría cinco a seis años disfrutaba un montón con la música de John, Paul, George y Ringo.
Cada episodio llevaba el título de una de las canciones del grupo y se basaba en sus letras. A España llegarían con el habitual doblaje latino de aquella época y en unos episodios la música sonaba en su versión original y en otras con versiones en español interpretadas por otros artistas. He intentado encontrar alguna en la que se escuchara la voz de los auténticos Beatles pero no la he encontrado, así que como muestra os ofrezco a cambio este “Love Me Do” interpretado en Español. Puede pasar.
THE JACKSON FIVE
Con la separación de The Beatles la serie no tendría continuidad pero muy poco tiempo después sería sustituida por otra con similares características pero inspirada en uno de los grupos que en aquel momento estaban empezando a adueñarse de la incipiente música-disco. Estoy hablando de The Jackson Five.
Inspirada en la banda compuesta por los cinco hermanos Jackson, Jackie, Tito, Jermaine, Marlon y, por supuesto un jovencito Michael que contaba en aquel momento con tan sólo doce años de edad, sería emitida en Estados Unidos entre los año 1971 y 1973 constando de 23 episodios.
La recuerdo también con mucho cariño y se me viene a la memoria la pareja de ratoncitos que les acompañaba a todos sitios. Os dejo a continuación la cabecera de la serie en la que aparecían las fotografías de los auténticos Jackson y su caricatura animada, todo ello al ritmo de uno de sus temás más significativos: “A B C”.
Para cerrar la sección de hoy, dedicada a grupos que tuvieron su serie de animación, vamos con el efecto contrario, es decir, una serie de animación inspirada en un cómic de los años 40 que daría lugar a un grupo musical que obtendría bastante éxito a finales de los 60 y principios de los 70.
THE ARCHIES
The Archies llevaban funcionando como personajes de un cómic desde hacía casi 30 años cuando dieron el salto a la televisión en forma de serie de dibujos animados. En ella Archie, Carlos, Betty, Verónica y el siempre divertido e inexplicable Torombolo, daban vida a un grupo de amigos que vivían divertidas aventuras mientras estudiaban y que además integraban un grupo musical.
La música que estos personajes animados interpretaban en sus episodios corría a cargo de unos músicos de estudio, bastante buenos por cierto. Fue tanto el éxito que la serie cosecharía y tanta la aceptación por parte del público hacia las canciones que aparecían en ella que finalmente el grupo tendría continuidad al margen de la serie constityéndose una banda real con distintas formaciones a lo largo de su trayectoria y que nos dejaría algunos éxitos muy recordados, sobre todo uno de ellos.
Sería en el año 1969 cuando lograría su mayor éxito con una canción que sería número uno tanto en Estados Unidos como en Europa, convirtiéndose en todo un clásico de la historia del pop. Por supuesto que me estoy refiriendo al mágico “Sugar, Sugar”.
Como podemos comprobar, hasta en unos simples personajes de cómic o de animación podemos encontrar buena música. Dentro de siete días, más de esas canciones … diferentes.
LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA
NOS HA DEJADO
El pasado 6 de diciembre nos ha dejado uno de los artistas más grandes del pop-rock francés, Johnny Halliday. Considerado por sus compatriotas como una especie de “Elvis a la francesa” vivió siempre al límite y ha sido hasta el día de su desaparición uno de los mayores ídolos de la música francesa. Ahora ya es un mito.
A los franceses siempre se les ha considerado chovinistas y engreidos, pero lo cierto es que en cierto modo yo siempre les he admirado por defender lo suyo por encima de cualquier otra cosa. En esta ocasión el chovinismo es totalmente falso porque si hay una figura dentro de la música francesa que merece la calificación de icono, ése es Johnny Halliday, fallecido hace unos días víctima de un cáncer de pulmón.
Paradójicamente su popularidad se iniciaría en el mundo del cine. Ya había publicado algún sencillo pero sin demasiado éxito hasta que apareció en una película y su imagen y forma de interpretar cautivarían al público. De ahí a ser telonero de otro de los grandes de la música francesa, Sacha Distel, y a partir de ese instante a iniciar una exitosa carrera discográfica hasta convertirse en el cantante francés más grande de todos los tiempos.
Por si fuera poco, protagonizaría uno de esos matrimonios que tanto gustan en el mundo de la música. Se casaría con otra mítica cantante francesa, Sylvie Vartan, con la que mantendría una tormentosa relación amorosa con continuos altibajos y enfrentamientos. Mientras permanecieron juntos tuvieron continuas separaciones y reconciliaciones, un intento de suicidio por parte de Johnny y varios accidentes de tráfico, uno bastante grave que casi les cuesta la vida y que dejaría la cara desfigurada a Sylvie, hasta que en el año 1980 decidieron separarse.
Podría considerarse un auténtico pionero y es un artista admirado y fuente de inspiración en todo el mundo. Sin ir más lejos, en nuestro país, Loquillo siempre ha manifestado que ha sido su auténtica musa. Fruto de esa admiración llegaría una espectacular colaboración doble entre ambos en el año 2008. Ese año Hallyday publicaba su disco “Le Coeur d’un Homme” en la que se incluía un dueto con el barcelonés titulado “Sarmacade”. Como compensación, el francés colaboraría con Loquillo en uno de los temas de su nuevo álbum titulado “Balmoral”, una joya hecha música como es “Cruzando el Paraíso”.
EFEMÉRIDE
El recuerdo del día va para uno de los cantantes más grandes de la música francesa. Un personaje con una personalidad arrolladora y un talento descomunal: el señor Gilbert Becaud.
El 18 de diciembre de 2001 fallecía víctima también de un cáncer de pulmón a los 74 años de edad Gilbert Becaud, uno de los talentos más grandes de la música francesa. Sus inicios musicales fueron en su juventud componiendo canciones para artistas tan grandes como Edith Piaf o Yves Montand, hasta que a mediados de la década de los 50 tomó la decisión de cantar sus propias creaciones, un grandísimo acierto.
Su mayor éxito llegaría en el año 1961 con una de esas canciones que tienen un aire especial y una letra contundente y mágica. Para componerla se basaría en la historia de la actriz Elga Andersen, amiga suya, que tras romper con su novio se preguntaría “¿y ahora que voy a hacer? Había nacido una de las canciones más populares de la “chanson” francesa, esta maravillosa “Et Maintenant”.
MEJOR EN DIRECTO
Si ha habido una actuación en directo que siempre que se ha producido ha sido un espectáculo total, esa no es otra que la de los chicos de Pink Floyd poniendo en escena su maravilloso “The Wall”.
Hay grupos que parecen estar concebidos para hacer su música en directo. Hay álbumes que cuando son interpretados sobre un escenario acaparan elogios por doquier. Hay espectáculos musicales en vivo que son casi insuperables. Los protagonistas de esta sección en el día de hoy unen las tres características de una manera contundente.
En el año 1979 Pink Floyd publicaban un disco que está considerado como una auténtica obra maestra. Se trata de “The Wall”, un álbum conceptual y en gran medida autobiográfico en la figura de Roger Waters, que supuso una auténtica revolución estética en sus conciertos y que daría lugar pocos años después a una película del mismo título. Estaba claro que cuando Roger Waters y David Gilmour dejaban a un lado su batalla de egos y navegaban en la misma dirección eran capaces de dar a luz auténticas genialidades.
Este disco es uno de mis preferidos de siempre y “Another Brick in the Wall” una canción que siempre me ha cautivado. El sonido de su guitarra con la voz grave de Waters del principio, para dar paso a ese estribillo tan demoledor y al coro de niños contrastando a lo grande, con el final del solo de guitarra de Gilmour me parece una auténtica obra maestra. Si a eso le sumamos unos efectos visuales espectaculares con helicópteros sobrebolando el escenario, marionetas gigantes moviéndose junto a los músicos y un juego de luces maravilloso … pues eso, que a ver quien supera esto.
NOVEDAD
Cerramos la lista de hoy con un auténtico lujo. Bryan Adams acaba de publicar un nuevo recopilatorio y en él se incluyen dos temas inéditos. Disfrutemos con ellos.
Son muchos los recopilatorios de grandes éxitos que Bryan Adams ha publicado a lo largo de su carrera, pero es lo que sucede cuando se llevan tantos y tantos años en el candelero, que al final se te caen los éxitos de los bolsillos.
El disco lleva el título de “Ultimate” y recoge sus grandes canciones desde el año 2000, incluyendo además dos temas inéditos, uno de los cuales es “Please Stay”, una balada que ha sido escogida para promocionar este último trabajo.
El disco viene acompañado de su correspondiente gira donde se interpretarán todos esos grandes éxitos de estos últimos años, así como sus clásicos de siempre. A buen seguro que el otro tema inédito, “Ultimate Love”, será uno de los que más celebre el público. Una canción que a mí me encanta, posiblemente porque suena al Bryan Adams de sus mejores tiempos, al genuino, al auténtico, al más rockero.
Dejamos caer el telón por hoy. Espero que la revista os haya gustado y os espero en tan sólo siete días. Que no falte ningún graminoleño.
JUAN JOSÉ GOMARIZ