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Ya sabéis que la base de la revista es dar un pequeño repaso con las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.
Junto a las listas distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro póster, a doble página en el centro desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música española.
Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Y recordad que siempre estaré abierto a cualquier crítica, consejo, sugerencia o petición que vosotros, Graminoleños, me hagáis.
NUESTRA PORTADA
LISTA DEL NUEVO MILENIO
Poco a poco la actividad habitual de la lista de actualidad se va recuperando y comienza a reaparecer el movimiento habitual. Tan habitual como que la música que va entrando en nuestro ránking es más de lo mismo. Seguimos con los ritmos latinos y las colaboraciones, es lo que hay.
Dos van a ser las canciones que vamos a degustar en el día de hoy. Por un lado tenemos cambio en el número uno y por otro una nueva entrada en lista. Así que como lo suyo es empezar por el principio vamos con el tema que regresa al puesto más alto de la clasificación, ya que es una canción que ya ha ocupado anteriormente esa posición durante siete semanas.
Se veía venir. Desde el momento en que Luis Fonsi y Demi Lovato cedían el testigo en el puesto más alto de la lista a Aitana Ocaña y Ana Guerra daba la sensación de que era simplemente un impás y que en cuanto el verano fuera avanzando la situación podría revertirse y así ha sucedido. Las triunfitas han aguantado el tirón durante 3 semanas para volver a colocarse a rebufo de una de las canciones de este verano, el popular e superescuchado “Échame la Culpa”, de nuevo número 1 de la lista graminoleña desde el pasado día 26 de agosto.
El sofoco que la buena de Ana Guerra se habrá llevado con motivo de abandonar el número uno queda de algún modo compensado con su protagonismo en la única nueva entrada que presenta la lista de actualidad de esta semana. En esta ocasión su acompañante no es otro de los participantes en Operación Triunfo sino el que en su momento fue considerado como el “Rey del Electrolatino” y que en la actualidad ha pasado a ser un “listo” que sabe arrimarse a la sombra que más cobija. Esto os lo explico más detalladamente en un momento.
Está claro que los “triunfitos” se han dado cuenta en que aguas han de moverse para lograr el éxito. El ritmo latino ha sido el que les ha proporcionado el éxito con este escuchadísimo “Lo Malo” que incluso ha llegado a ocupar el número uno de nuestra lista. Así que Ana ha pensado que para qué cambiar y se ha hecho acompañar del señor Juan Magán para obtener como resultado un tema titulado “Ni la Hora” con el que quien sabe si serán capaces de repetir posición. El paso del tiempo será quien dicte sentencia.
En su momento, Juan Magán hasta me parecía curioso. En sus primeros años de carrera dejó algún que otro tema que era escuchable, pero con el paso del tiempo ha demostrado tener muy poca imaginación. Recientemente he leído unas declaraciones suyas en la prensa en las que afirmaba que en la actualidad si no haces reguetón no te comes una rosca. Si todos los músicos de la historia hubieran pensado como él y no se hubieran lanzado a apostar por lo que realmente querían hacer y por arriesgar con nuevos estilos la música se habría muerto de inmediato. Y en parte es lo que le pasa en la actualidad, que gente como Magán están asesinándola poco a poco.
Está claro que este señor dejará siempre a un lado sus creencias musicales si es que realmente las tiene y ahora no ha visto mejor oportunidad que sumar un sonido reguetonero a una colaboración con una de las chicas de mayor éxito de Operación Triunfo. Un tipo listo, además de con muy poca personalidad.
LOS PIONEROS
Hay artistas muy grandes que pese a ello no llegan a todo el público por diversos motivos. Sin embargo, hay otros que son tan especiales dentro de su grandeza que a pesar de moverse en un estilo muy marcado durante toda su carrera se hacen acreedores de la admiración y el reconocimiento del público en general y de la crítica en su totalidad gracias a su descomunal talento. Aretha Franklin es una de esas artistas.
Acaba de dejarnos hace unos días y es obligado rendirle el tributo que merece, por lo que el número de hoy de “La Graminola” va a estar principalmente protagonizado por su música y por su historia. En la sección de “Los Pioneros” vamos a disfrutar de tres de sus primeros grandes éxitos, pero el resto de la revista va a contar también con su presencia porque cuando un artista como ella es tan grande, en cualquier década es capaz de hacernos disfrutar con su talento. Así pues, para abrir boca vamos con tres de sus canciones más “pioneras”.
I NEVER LOVED A MAN (THE WAY I LOVE YOU)
Sus comienzos musicales estuvieron vinculados al mundo del góspel que comenzó a interpretar junto a sus dos hermanas en el coro de la Iglesia de la que su padre era predicador. Pero estaba muy claro que su voz y su manera de entender la música estaban muy por encima de esa labor. El soul la atraparía de inmediato y en esas aguas se movería a la perfección hasta el extremo de ser conocida como “La Reina del Soul”.
Tras enfrentarse a su padre por querer dedicarse al mundo de la música y además haciendo soul, Aretha lograría en el año 1967 su primer contrato discográfico que le granjería los primeros problemas de su carrera. En un primer momento fue catalogada por su sello discográfico como artista perteneciente al jazz, cuando realmente no era ese el terreno en el que se movían sus canciones. Mujer de grandísimo carácter no dudaría en enfrentarse a la multinacional y terminar rompiendo su contrato casi antes de empezar.
Ya con nueva discográfica iba a debutar a lo grande regalándonos la primera joya de su carrera. Para ello iba a contar con un acompañamiento de lujo que iba a llegar de la mano de una banda de música llamada Muscle Shoals Rhythm Section que estaba dando también sus primeros pasos en el mundo de la música. Juntos iban a mostrar tal compenetración que en el futuro que este grupo de músicos seguiría acompañando a la diva tanto en la grabación de sus discos como en sus actuaciones en vivo.
La canción de la que os estoy hablando llevaría el título de “I Never Loved a Man (The Way I Love You)” e iba a demostrar que el mundo del soul había subido de nivel con la irrupción en escena de una descomunal artista como ella.
Llamaría poderosamente la atención que Muscle Shoals Rhythm Section estuviera formado por hombres blancos, algo que por aquel entonces era un auténtico tabú en el mundo del soul. Lo cierto es que la personalidad arrolladora de Aretha terminaría convenciendo a todos de que el color no importa, algo por lo que peleó durante toda su vida defendiendo los derechos de los negros de manera ferviente.
RESPECT
Su carrera está plagada de grandes composiciones y de grandes momentos, pero creo que la canción de la que nos vamos a ocupar a continuación va todavía más allá. Su calidad es excepcional, su interpretación emotiva y entregada, pero la trascendencia que tendría socialmente hablando superaría con creces cualquier aspecto relacionado con ella. De nuevo Aretha iba a demostrar que era muy grande no solamente cuando cantaba.
La popularidad que lograría con esta canción sería descomunal, aunque curiosamente era una versión de otro gran artista como es Otis Redding. Lo curioso del caso es que un tema con una letra repleta de ramalazos machistas, debidamente corregida por Aretha pasaría a convertirse en uno de los primeros cantos abiertamente feministas de la historia de la música. Os cuento un poco la historia.
Redding compuso esta canción después de regresar a su casa tras una larga gira y sentir que su mujer no le recibía con el entusiasmo que él creía merecer. Pensaba que ya que él era el que llevaba el dinero a casa tenía que lograr a cambio el entusiasmo adecuado de su esposa que se limitaba a esperarle tranquilamente en su domicilio. Evidentemente esta letra en nuestros días habría levantado muchas ampollas.
La versión que de esta composición haría Aretha cambiaría de arriba a abajo el sentido de esa letra. Ella la transformaría en un canto feminista en el que la mujer que esperaba pacientemente en casa la vuelta de su marido, mientras se encargaba de educar y cuidar a sus hijos y de realizar todas las labores del hogar merecía un respeto y que si el hombre quería reconocimiento tendría que ganárselo. Magistral.
A estas alturas supongo que todos os habréis dado cuenta de que me estoy refiriendo a “Respect” que pasa por ser la canción más importante de toda su carrera y la que mostraría bien a las claras de la pasta de la que estaba hecha. El significado de su versión se convirtió en un auténtico hito pero es que además su interpretación sería magistral. El deletreo de la palabra “respect” (respeto) que introdujo al final de la composición marcaba aún más su significado.
Para rematar la faena en esta canción, los coros correrían a cargo de sus hermanas Carolyn y Erma, quienes también se dedicarían en solitario al mundo de la música pero siempre en un nivel inferior eclipsadas por el talento de su hermana.
(YOU MAKE ME FEEL LIKE) A NATURAL WOMAN
Durante toda su carrera no dio puntada sin hilo, y cada una de sus canciones tenía un significado muy claro. Nunca lo tuvo fácil, con una niñez y una juventud bastante complicadas. Su padre la impartió una educación tremendamente estricta, aunque él no predicaba con el ejemplo, lo que la convertiría en una tremenda rebelde. Por si fuera poco, con tan solamente 12 años de edad fue madre por primera vez y dos años después daría a luz a su segundo hijo, ambos de padres diferentes. Con 19 contrajo su primer matrimonio que duró muy poco porque su marido la maltrataba. Como vemos una juventud marcada por la tragedia.
Con todas estas premisas está claro que siempre fue una luchadora y una mujer auténtica, algo que de algún modo quería contarle a todo el mundo con otra de las canciones de sus primeros tiempos que destacaría sobremanera. Una canción que curiosamente fue compuesta por una joven cantante y compositora por aquel entonces tan alejada del soul como era Carole King.
Se trata de “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman” con la que iba a contar que era una mujer auténtica y natural. De eso no cabía ninguna duda, pero de que era una artista de los pies a la cabeza, tampoco.
Estas canciones son solamente tres ejemplos de lo que fue su carrera. Son tres canciones de sus primeros tiempos con las que conquistaría a público y crítica de manera inmediata mostrando que había una trayectoria repleta de éxitos en ciernes. Esto era simplemente el principio, porque luego vendrían más momentos inolvidables, de los que vamos a seguir disfrutando en las distintas secciones que conforman cada semana “La Graminola”. Así que no os queda otra que seguir leyendo y seguir escuchando.
LISTA DE LOS AÑOS 60
El repaso de las listas de otros tiempos debería comenzar con alguna de las novedades que debería registrar la que se estrenaba el 26 de agosto de 1968. Sin embargo en esa semana no habría ninguna nueva entrada por lo que para compensar vamos a deleitarnos con otro de los temas más especiales de la carrera de nuestra gran protagonista de hoy, Aretha Franklin.
ARETHA EN LOS 60
Cuando una artista es tan grande como ella y tiene una carrera tan larga y prolífica, es inevitable que se vayan produciendo distintas colaboraciones con otros artistas cada vez que publicaba un nuevo álbum. Como no podía ser de otra manera, sus colaboradores eran casi tan grandes como ella.
En el año 1968 publicaba un nuevo disco bajo el título de “Lady Soul”. Dentro de este álbum se encuentran otro de los grandes clásicos de su carerra como “Chain of Fools”, pero yo quiero centrarme en una canción en la que contaría como acompañante de lujo con un guitarrista excepcional que en aquel momento estaba dando sus primeros pasos pero demostrando ya el tremendo talento que poseía y que iba a convertirle en un auténtico mito en muy poco tiempo.
Me estoy refiriendo a “mano lenta” Eric Clapton que por aquel entonces todavía formaba parte del grupo Cream y no había iniciado la que iba a ser superexitosa carrera en solitario. En aquel momento fue requerido para que pusiera su guitarra y su talento al servicio de Aretha en un tema titulado “Good To Me As I Am To You” con unos resultados excepcionales, como no podía ser de otra manera.
Para que nos hagamos una idea de lo que sucedía cuando Aretha se introducía en el estudio de grabación y rompía a cantar con su descomunal voz, os contaré que Clapton tuvo que subir el sonido de uno de los altavoces por los que salía el sonido de su guitarra para que no quedara tapado por el de la voz de la diva. Impresionante.
LISTA DE LOS AÑOS 70
Nos situamos ahora en la década de los 70, más concretamente en el 26 de agosto de 1978, para disfrutar de la única nueva entrada que se producía en la lista graminoleña que se estrenaba en ese momento. Una canción que se convertiría en historia de nuestro rock de la mano de uno de los grupos españoles más importantes dentro de este estilo. Podemos asegurar que gracias a ellos el rock & roll español despegaría definitivamente perdiendo esa vitola de maldito que tenía hasta ese momento.
Cuando Ariel Rot y Alejo Stivel abandonaron su Argentina natal con motivo de la situación política que vivía su país en aquel momento, poco podían imaginarse que junto a los españoles Julián Infante, Felipe Lipe y Manolo Iglesias iban a dar cuerpo al grupo de rock español más importante de aquella época. Hasta ese instante el rock hecho en nuestro país no tenía la promoción ni la repercusión adecuada, pero desde la aparición en escena de Tequila las cosas iban a cambiar considerablemente.
Su manera de entender la música era sencilla, divertida y, sobre todo, rockera. Eran tiempos en los que el rock en sus distintas variantes estaba asentándose en España. Grupos de rock duro, rock sinfónico, rock urbano y demás modalidades hacían disfrutar a los jóvenes, pero faltaba una modalidad en la que alguien se convirtiera en un auténtico estandarte, el puro y más esencial ROCK & ROLL, así, con mayúsculas.
De manera inmediata, su manera de hacer música y su desparpajo encima de un escenario llamarían la atención del sello más rockero de nuestro país: “Chapa”, que contaría con ellos para incluir una de sus canciones en un recopilatorio llamado “Rock del Manzanares (Viva el Rollo)”. El tema elegido sería “Necesito un Trago” y pocos sospechaban que iba a convertirse en un auténtico acontecimiento triunfal. Sería su debut en nuestra lista y con él permanecerían en la misma durante 8 semanas para alcanzar el top 34. Unos números discretos para una descomunal canción, pero es que lo mejor estaba por venir … pero ésa es otra historia.
Es curioso que precisamente ellos se convirtieran en uno de los más claros exponentes del que se dio en denominar “fenómeno fans” en nuestro país. Este aparatado estaba prácticamente copado por grupos y solistas más románticos y cuyo denominador común solía ser que lo de menos fuera cantar bien, con ser guaperas bastaba. Algunos de sus más destacados exponentes son Pecos, Pedro Marín o Iván, que como sabemos nada tienen que ven con la música de Tequila.
ARETHA EN LOS 70
La década de los 70 también fue protagonizada por Aretha Franklin cuya música nos emocionó durante esa época, aunque todo hay que decirlo, diversas circunstancias harían que a finales de la misma sufriera una pequeña desaceleración en su carrera. Muchos lo achacan a las nuevas músicas que estaban llegando, pero lo cierto es que el divismo que adquirió pudo ser la causa que mayor factura le causara en este aspecto al no ser debidamente asimilado.
Pero situémonos a principios de la década, uno de los momentos de mayor esplendor de su carrera. En el año 1970 publicó un álbum titulado “This Girl’s In Love With You” que estaba compuesto por versiones de canciones de otros artistas llevadas al terreno del soul más puro que ella era capaz de ofrecer. Entre esas canciones había una excepción, un tema compuesto por la propia Aretha y que es el que os ofrezco a continuación.
El acompañamiento orquestal de este disco corrió a cabo de nuevo de The Muscle Shoals Rhythm Section pero precisamente en la canción a la que me estoy refiriendo la propia Aretha sustituiría al pianista de la banda. Desde muy niña había aprendido a tocar el piano de manera autodidacta, a pesar de que su padre quiso que tomara las correspondientes clases. Ella se opuso y aprendió por su cuenta a tocar y lo hacía de una manera espectacular, como puede apreciarse en esta maravilla titulada “Call Me”.
EL ÁLBUM DE LA SEMANA
Llega el momento de acabar el cometido que iniciábamos hace justamente siete días dándole todo el protagonismo de nuestro habitual póster central a ese espectacular artista que es Billy Idol. Como sabéis estamos deleitándonos con la música de su recopilatorio “Greatest Hits” y queda por disfrutar de las ocho últimas canciones de las que consta. Así que sin más dilación vamos con ellas.
BILLY IDOL / GREATEST HITS (2ª PARTE)
TO BE A LOVER
Comenzamos el repaso a las canciones que nos quedan del recopilatorio dejando atrás el tremendo éxito que había significado su álbum “Rebel Yell”. Estaba claro que iba a ser muy complicado igualar los resultados obtenidos por este trabajo, por lo que su siguiente larga duración, aún cosechando buenas críticas y buenas ventas, estaría un tanto por debajo, dejándonos un disco un tanto irregular aunque muy recomendable.
El nuevo álbum aparecería en el mercado en el año 1986 bajo el título de “Whiplash Smile” y como carta de presentación iba a publicarse un primer sencillo en el que Idol volvía a demostrar que cuando versionaba algún tema de otro intérprete no solamente lo hacía a la perfección sino que siempre dejaba su propia impronta.
El tema elegido en esta ocasión sería una composición del año 1968 compuesta por Booker T. Jones e interpretada por William Bell titulada inicialmente “I Forgot To Be Your Lover”. Se trata de una canción que en su versión original tiene un claro sonido de balada y que fue versionada en repetidas ocasiones y con distintos estilos. Habría que esperar a que Billy Idol realizara la suya propia para que triunfara a lo grande.
Una vez pasada por su tamiz llevaría el título de “To Be A Lover”, convirtiéndose en la canción de mayor éxito de su nuevo álbum, ofreciendo una espectacular versión en la que el teclado del piano se hace notar y de nuevo los coros femeninos la dotan de un ambiente muy especial.
DON’T NEED A GUN
Como ya os comento nos encontramos ante un disco que no es tan “redondo” como “Rebel Yell” pero que contiene un puñado de buenas canciones. Idol ya había adquirido el prestigio adecuado como para ser considerado una figura y su calidad llevaba consigo que no defraudara a nadie. Podía estar a mayor o menor nivel, pero nunca por debajo del notable.
Otra de las canciones destacadas de este álbum, con entidad suficiente como para ser incluida en el recopilatorio, es un tema que a mí personalmente me encanta y que me deja una percepción que no sé sí vosotros compartiréis conmigo. Cerrando los ojos me suena a un grupo que por aquel entonces estaba empezando a dar sus primeros coletazos. Me estoy refiriendo a Simple Minds.
Esta similitud no es pura casualidad, como veremos cuando analicemos la última canción del recopilatorio y único tema novedoso del mismo, pero eso os lo contaré en su momento. Lo cierto es que “Don’t Need A Gun” es una excepcional canción con un inicio calmado y a un ritmo muy distinto del habitual pero con una parte central con el rock cañero de siempre.
SWEET SIXTEEN
Escuchando este disco se notaba cierta evolución en su manera de hacer música, pudiendo decirse que se estaba dulcificando un tanto. Aquellos temas tan potentes y contundentes empezaban a dejar paso a otros más melódicos y algunos medios tiempos, que si bien seguían llevando su sello, no dejaban de sonar algo diferentes.
Entre esa nueva manera de manejarse destaca sobremanera una balada que a mí personalmente me encanta y que esconde tras de sí una curiosa historia. Se trata de una canción en la que Idol se inspiró en una historia real para componerla. La historia la protagonizó un caballero llamado Edward Leedskalnin, un letón que dejó su país natal tras llevarse el disgusto de que su prometida rompió su compromiso con él justo unos días antes de celebrarse la boda. Emigró hasta los Estados Unidos y construyó en Florida la famosa estructura de piedra denominada “Coral Castle” en homenaje a su amada. Seguía enamorado de ella a pesar de todo.
Toda esta historia inspiraría a Idol para regalarnos esa auténtica joya que es “Sweet Sixteen”, descubriéndonos a un artista capaz de ser sensible y romántico si se lo proponía.
Hasta ese momento, podría decirse que Idol había tenido habitualmente a los críticos especializados en la materia a sus pies y lo cierto es que con esta balada volvería a sorprenderlos y a ganarse la admiración de todos ellos. Además el videoclip grabado en blanco y negro encaja a la perfección con ese sonido más calmado y acústico de lo habitual.
CRADLE OF LOVE
Seguimos con las canciones que se contienen en este magnífico recopilatorio y para ello nos trasladamos ahora hasta el año 1989, momento en el que aparecía en el mercado el siguiente álbum de Billy Idol. Con él iba a quedar bastante claro que sus mejores tiempos habían quedado atrás. Además, si con su anterior disco mostró una pequeña evolución en su sonido, con “Charmed Life” iba a intentar retornar a sus raíces.
Además, un desgraciado suceso marcaría el devenir de los acontecimientos con la promoción de este nuevo disco. Billy siempre ha sido un grandísimo aficionado al mundo del motor y justo nada más grabarlo sufriría un accidente de moto en el que casi pierde una pierna. Finalmente pudo salvarla pero las secuelas le restarían movilidad a partir de ese momento. Su energía sobre el escenario y sus habituales movimientos en los videoclips ya no serían los mismos.
Llama la atención que justo en el instante en el que recuperaba su tono más rockero y su estilo más intenso era justo cuando había perdido movilidad y no podía manejarse con su habitual intensidad sobre el escenario. Aunque sus movimientos no fueran los de antes, este “Cradle of Love” suena como uno de los temas más duros y potentes de su carrera.
L. A. WOMAN
Como ya os digo, el sonido de este disco volvería a la senda contundente de sus primeros años, como puede comprobarse en el tema que aparece a continuación en el recopilatorio. Se trata de una versión de un gran clásico del mítico grupo The Doors que si ya de por sí es bastante contundente en su versión original, interpretado por Idol lo es todavía más.
Se trata de “L. A. Woman”, en cuyo videoclip pueden comprobarse perfectamente las secuelas de su accidente, ya que en él aparece la mayor parte del tiempo sentado y cuando camina lo hace apoyado en un bastón. Además hubo que grabar sus escenas fotograma a fotograma porque lo cierto es que apenas podía caminar.
De cualquier forma, Idol volvía a demostrar que se desenvuelve a la perfección a la hora de versionar temas de artistas emblemáticos y deja el listón muy alto con una versión contundente y rockera por los cuatro costados.
SHOCK TO THE SYSTEM
A pesar de que la música que seguía haciendo era más que recomendable, su tirón había ido perdiendo fuelle paulatinamente y, como suele suceder en estos casos, la publicación de sus discos comenzó a espaciarse cada vez más en el tiempo. El siguiente trabajo no llegaría hasta el año 1993, cuatro después de la aparición de su anterior álbum.
Lo cierto es que con ese nuevo disco iba a llegar el primer fracaso de su carrera. Idol se estaba dando cuenta de los cambios que se estaban produciendo en el mundo de la música y se le fue la mano con su intención de ser más moderno que nadie. De esta manera grabaría un disco como un ambicioso proyecto que llevaría el título de “Cyberpunk” y en el que volcaría todo su empeño, pero sin conseguir su propósito. Un disco conceptual y futurista, con un sonido marcado por la utilización de sintetizadores y la más avanzada tecnología musical del momento pero que fue un auténtico chasco tanto económica como popularmente. El estancamiento era más que evidente.
La única canción de este albúm que tendría cierta trascendencia, y la única que aparece en el recopilatorio, es “Shock to the System”, un tema repleto de intensidad y violencia, algo que no es de extrañar ya que para componerla Idol se fijaría en los incidentes que se produjeron en la ciudad de Los Ángeles en el año 1992 con motivo de la absolución por un jurado de cuatro policías que maltrataron de forma más que evidente durante su detención a un ciudadano de raza negra. Vamos, más de lo de siempre por aquellos lares.
REBELL YELL (EN VIVO)
Nos vamos acercando yaal final del disfrute de este imprescindible disco de grandes éxitos y lo hacemos con las dos canciones que lo cierran, que podrían considerarse como las guindas al pastel. Dos temas con la etiqueta de “nuevos” aunque estrictamente hablando no lo sean.
La primera de estas dos canciones es simplemente la versión en directo del que puede considerarse como el tema más representativo de toda su carrera. Así pues no hace falta decir nada más sobre él de lo que ya se ha dicho y simplemente toca disfrutar de la tremenda intensidad de “Rebel Yell” interpretada en directo.
DON’T YOU FORGET ABOUT ME
Vamos ya con la última canción incluida en el recopilatorio que tiene una curiosa historia detrás y es una especie de de intento de sacarse la espina por parte de Idol en relación a un grave error que cometió en su momento de cuya decisión siempre se ha arrepentido.
Antes os comentaba una pequeña relación que había entre el sonido de Billy Idol en algunos de sus temas con respecto al de Simple Minds. Pues no es una casualidad. En el año 1985 se rodó una película titulada “El Club de los Cinco” y le ofrecieron a Idol que cantase el tema principal de su banda sonora. Él declinó el ofrecimiento y finalmente la interpretación de la canción correría a cargo de los escoceses, convirtiéndose en su canción más emblemática, conocida y exitosa. Efectivamente, Billy le dijo no, nada más y nada menos que a “Don’t You Forget About Me”.
Lo cierto es que nadie supo ver el verdadero potencial de esta melodía. La película en cuestión pasó en un primer momento con más pena que gloria pero con el paso del tiempo se terminaría convirtiendo en una película de culto y la escena final con el tema interpretado por Simple Minds en un momento mágico, lo que proporcionaría a los escoceses un éxito inesperado que supondría su lanzamiento definitivo en el panorama musical de la época. Está claro que Idol se tiró de los pelos al observar esta repercusión y no pudo resistir la tentación de realizar su propia versión años después como tema inédito para este recopilatorio. Eso sí, si yo he de escoger entre las dos me quedo en esta oportunidad con el original.
Errores al margen, de lo que no cabe ninguna duda es de que nos encontramos ante un disco indispensable para el que quiera tener una colección de discos en condiciones. Cierto es que a partir de este instante Idol se nos iría perdiendo poco a poco en intentos innovadores y en discos con una repercusión bastante menor, dilatando las publicaciones entre unos y otros en exceso, algo no demasiado bueno porque al final la gente termina olvidándose de estos artistas. Se dejó arrastrar de algún modo por corrientes facilonas llegando incluso a publicar un disco de villancicos. Como suele decirse, a pesar de todo esto yo le sigo queriendo y le considero un artista descomunal. ¿Qué opináis vosotros?
LISTA DE LOS AÑOS 80
Superado el ecuador de la revista de esta semana, toca proseguir con el repaso habitual a las listas graminoleñas de otros tiempos y para empezar viajamos hasta el año 1988, más concretamente hasta el 28 de agosto del mismo, para hacernos eco de la única nueva entrada que se producía en aquel momento. Nos llegaba de la mano de uno de los grandes de la historia de la música de nuestro país, Víctor Manuel.
En aquel momento publicaba un nuevo álbum bajo el título de “Qué te Puedo Dar” en el que mostraba todo su habitual repertorio de recursos que tan buenos resultados le han dado siempre. Melodías emotivas, letras contundentes y su interpretación llena de entusiasmo tan característica. El tema estrella de este trabajo es concretamente la canción que pasaba a fomar parte de nuestra lista aquel día.
Se trata de “La Madre”, una triste canción con una durísima letra que cuenta la historia basada en hechos reales de las penas y situaciones desesperantes que tienen que atravesar las madres de los jóvenes que terminan viéndose atrapados en el siempre deprimete y oscuro mundo de las drogas.
Esta cruda canción permanecería en nuestra lista favorita durante 40 semanas para alcanzar el puesto número 3 como mejor registro.
ARETHA EN LOS 80
La década de los 80 nos mostró a una Aretha que se empapó un tanto de las distintas evoluciones que la música estaba afrontando en aquellos momentos e incluso se dejó llevar por la música disco, terreno en el que demostró no tener la misma destreza de siempre. Sin embargo las mayores alegrías durante esos diez años se la darían las colaboraciones con otros artistas, entre las que se encuentra una que además está íntimamente relacionada con el mundo del cine, sinónimo de éxito en la mayoría de las ocasiones.
En el año 1986 se estrenaba una película titulada “Jumpin’ Jack Flash” protagonizada por Whoopi Goldberg, Stephen Collins y John Wood cuyo tema central de su banda sonora no era otro que la famosa canción del mismo título de los míticos Rolling Stones. En los créditos finales de este largometraje se escuchaba como fondo otra versión de esta canción que, curiosamente, fue la que se convirtió en un auténtico éxito superando con creces a cualquiera de los demás temas que en esa banda sonora aparecían, incluyendo el original de los Rolling.
Tampoco debería extrañarnos este éxito ya que esa versión estaría protagonizada por la propia Aretha con el acompañamiento a la guitarra del propio Keith Richards, dando como resultado una descomunal canción. Es lo que pasa cuando una voz tan impresionante como la de Aretha interpreta una composición tan espectacular como ésta.
LISTA DE LOS AÑOS 90
Damos ahora el habitual salto en el tiempo de diez años para situarnos en el 30 de agosto de 1998, momento en el que se estrenaba nueva lista graminoleña que nos traía como regalo una nueva entrada con un sonido latino por los cuatro costados que demostraba bien a las claras que hubo un tiempo en que la música hecha en Latinoamérica no tenía porque ser sinónimo de mediocridad y sonar toda igual como sucede en nuestros días. Sé que me repito mucho, pero más se repite el mismo sonido y las mismas letras en las canciones que, inexplicablemente, tanto triunfan en nuestros días.
El portorriqueño Ricky Martin acababa de publicar “Vuelve”, uno de sus trabajos más aclamados y de mayor éxito del que iban apareciendo distintos sencillos que de inmediato se situaban en los primeros puestos de las listas de éxitos de ambos lados del Atlántico. La canción que viene a continuación no iba a ser una excepción.
Se trata de “La Bomba” un tema que nos muestra a un Ricky en su más pura esencia con un sonido latino reconocible y agradable, rodeado de un espectacular acompañamiento orquestal. Con esta composición peramencería en lista durante 44 semanas para alcanzar el top 2. En esta ocasión se puede aplicar a la perfección aquello de “cualquier tiempo pasado fue mejor”.
ARETHA ENLOS 90
La década de los 90 nos mostró a una Aretha que para muchos empezaba a estar de retirada. La publicación de sus discos comenzó a espaciarse algo más, en ellos era cada vez más habitual contar con colaboradores de lujo y versionar canciones de otros artistas y sus actuaciones en directo empezaron a circunscribirse únicamente a los Estados Unidos, algo que tenía su explicación y que yo os cuento a continuación.
Durante uno de sus viajes en avión dirigiéndose a un nuevo concierto, se llevó un gran susto con un incidente provocado por una pequeña avería en la aeronave. Desde ese momento se negó a viajar en avión y únicamente lo hacía por carretera por lo que sus viajes al Viejo Continente dejaron de producirse y sus giras y actuaciones en vivo comenzaron a ser menos frecuentes.
Durante los 90 contaría con la colaboración de artistas tan destacados como Elton John, Whitney Houston, James Brown, Kenny G, Michael McDonald y una larga lista de cantantes tan importante como éstos. Además se dejaría atrapar por estilos un tanto distintos al soul pero sin perder su verdadera esencia, como sucede con el tema que viene a continuación.
Se trata de un tema que data del año 1991 y que lleva el título de “Everyday People” y con el que muestra un tono más discotequero y cercano a la música para bailar, eso sí, desplegando su voz y su manera de interpretar como siempre lo ha hecho.
LA LISTA DEL NUEVO MILENIO
El inicio del nuevo milenio estuvo marcado musicalmente hablando por una nueva forma de hacer música para bailar. Se produciría una auténtica revolución cuando los DJs pasaron de pinchar la música de otros artistas, cada uno a su manera, cada uno con sus métodos, a ser ellos mismos los que crearan sus propias composiciones y buscaran si lo consideraban oportuno vocalistas de cierto nivel para poner voz a sus creaciones. Lo que comenzó como una innovación ha terminado convirtiéndose en una tendencia.
Os doy esta charla simplemene porque una de las dos entradas que presentaba la lista graminoleña que estrenábamos el 24 de agosto de 2008 tenía estas características, además de otra que también se ha ido convirtiendo en bastante habitual como es que esas creaciones contaran con la colaboración de varios DJs. Así pues, habemus entrega extra de música electrónica en el día de hoy.
En esta oportunidad el protagonismo corre a cargo de cuatro DJs formados en nuestro país que han ido corriendo distinta suerte en cuanto a éxito se refiere a partir de ese momento. Sus nombres de guerra son Tikaro, J. Louis, Ferrán & Kaysee y nos regalaron para nuestra lista un tema titulado “Real Things” con el que nos acompañarían durante 23 semanas para alcanzar el top 26. Con escuchar esta composición está todo dicho …
Por cierto, la vocalista de esta canción es Rebeka Brown, marcando el hito de que ésta era la primera ocasión en la que un tema de música electrónica hecho en nuestro país contaba con un acompañamiento vocal.
Menos mal que para compensar la otra entrada que se producía en nuestra lista favorita aquel 24 de agosto de 2008 venía de la mano de esa espectacular banda que son The Cure. Pasen los años que pasen siguen ofreciéndonos música de calidad e indispensable.
Siguiendo esa norma que se autoimpusieron con motivo de la publicación de su álbum “4:13 Dream” de que durante cuatro meses consecutivos fueran apareciendo en el mercado cuatro sencillos los días 13 de cada uno de ellos, le llegaría el turno a “Sleep When I’m Dead”, un tema con un sonido que podríamos definir como “los Cure del nuevo siglo”. Al igual que el del anterior es excepcional.
Por cierto, este tema tiene una peculiaridad: a pesar de que desde hacía unos cuantos años no contaban con un teclista en su formación, en esta oportunidad el acompañamiento de piano se haría notar, dándole un sonido muy especial. Muy grandes.
ARETHA EN EL NUEVO MILENIO
Los años no pasan en balde para nadie y para Aretha tampoco lo hacían. Si a eso le sumamos que con la llegada del nuevo siglo el panorama musical internacional sufrió una transformación atroz en cuanto a promoción de la música, internet manda, y en cuanto a estilos musicales, electrónica y ritmos latinos lo empezaron a inundar todo, la actividad de Aretha empezó a ser cada vez menos frecuente. Es ley de vida.
Aún así nunca, cesaría definitivamente su actividad. Las publicaciones de sus discos se empezaron a producir con cuentagotas pero seguía sobre los escenarios manteniendo su habitual caché. Los discos que iban apareciendo en el mercado eran en su mayoría recopilatorios y similares en los que siempre se incluía algún tema inédito como reclamo, pero su grandeza y aura no había disminuido ni un ápice.
Uno de esos discos aparecería en el mercado en el año 2007 bajo el título de “Jewels in the Crown of the Queen”, un álbum de duetos con artistas de la talla de Whitney Houston, George Michael, George Benson, Luther Vandross o Mary J. Blige, colaboraciones que se habían ido produciendo en años anteriores, y algunas canciones inéditas con la presencia de artistas jóvenes que en esos momentos empezaban a adquirir protagonismo en el panorama musical internacional y que encajaban a la perfección con la manera de interpretar de Aretha.
Una de esos nuevos talentos que colaboraría con ella sería John Legend, un artista que se movía a la perfección en ese terreno ya que los primeros pasos de su carera los dio precisamente colaborando con artistas como Kanye West, Alicia Keys o Lauryn Hill. Con estas premisas no es de extrañar que el resultado de la compenetración vocal entre Aretha y Legend fuera esta mágica “What Y’All Come To Do”.
TAMBIÉN ES MÚSICA
El verano sigue avanzando y desde “La Graminola” continuamos con nuestro pequeño relato de lo que ha sido la música realizada en esa época en otros años dando lugar a una especie de institución en su momento como fue ese título honorífico de “canción del verano” Hoy nos llegan tres nuevos ejemplos de los que hay de todo como en botica, así que procedamos a veranear musicalmente.
MEDITERRÁNEO / ORGÍA DE NEPTUNO
La primera canción veraniega del número de hoy no esta exenta de calidad. Nos la traía en el año 1981 un grupo alicantino que en sus primeros tiempos se había movido en otra forma de hacer música muy distinta a la que finalmente les daría cierta popularidad y que en aquel verano rompería con todo con una canción llena de ritmo y encanto. Se hacían llamar Mediterráneo.
Este grupo tomó cuerpo en el año 1977, publicando al año siguiente su primer álbum bajo el título de “Estrechas Calles de Santa Cruz”, en el que se movían en las aguas del rock progresivo pero introduciendo su propia impronta con ciertos toques latinos y unos arreglos un tanto especiales. Si bien el disco no tuvo excesiva repercusión sí que serviría para ponerlos en circulación y mostrarles cual iba a ser el camino a seguir a partir de ese instante para convertirse en un grupo bastante elogiado por la crítica.
A partir de ese instante decidieron dar un giro total a su carrera y en el año 1980 publicarían un nuevo disco que se convertiría en uno de los trabajos más interesantes y creativos de ese año y que llevaría el título de “Nº 1 en USA”, con el que lograrían cierto éxito y el reconocimiento prácticamente unánime por parte de los críticos especializados de nuestro país.
Unos cuantos meses después, coincidiendo con el verano del año 1981, saldría al mercado como sencillo una canción con un sonido eminentemente latino y en el que todos los miembros del grupo mostraban que eran unos grandes músicos y con la que ganarían ese galardón de “canción del verano”. Se trata de “Orgía de Netptuno”, un tema que sonaría hasta la saciedad en todas las emisoras de radio y que nos pondría a todos a cantar aquello de “Verás que bien que te lo vas a hacer / Con este ritmo tú vas a enloquecer …”
Como podemos comprobar, el llevar la vitola de “canción del verano” no quiere decir que siempre se trate de canciones facilonas y sin calidad. Éste es un claro ejemplo.
HERMANAS GOGGI / ESTOY BAILANDO
Retrocedemos en el tiempo dos años para recordar otro de los temas que pueden ser considerados como “canción del verano”. Un tema que nos llega desde Italia de la mano de dos hermanas que lograron bastante éxito, el único de su carrera juntas, con una canción en la que si os soy sincero, más que cantar nos gritan desaforadamente, sobre todo en la parte del estribillo.
Loretta Goggi era una cantante que había adquirido cierta popularidad en su país natal y que buscando impulsar la carrera de su hermana Daniela decidió formar con ella un dúo que, como no podía ser de otra manera, iba a tomar el nombre de Hermanas Goggi. En el año 1979 iban a publicar un sencillo con el que iban a lograr bastante éxito en Europa gracias a su ritmo bailable.
Se trata de “Estoy Bailando”, una canción con un sonido muy identificado con la música disco que triunfaba en aquella época, pero hecho a la italiana. De verdad, escuchad con atención la parte del estribillo. ¿No os da la impresión como a mí de que más que decirnos que bailan nos están regañando?
Los esfuerzos por parte de Loretta por ayudar a Daniela a progresar en su carrera musical fueron en balde. El dúo se disolvió poco después y mientras la primera siguió con su carrera en solitario cosechando bastante éxito en su país especializándose en espectaculos musicales, la segunda desapareció totalmente de la circulación.
MARÍA JESÚS Y SU ACORDEÓN / EL BAILE DE LOS PAJARITOS
Estoy seguro de que cuando hace un par de meses os anuncié que la sección de “También es Música” iba a estar protagonizada durante la época estival por algunas de las canciones más representativas del verano se os vinieron a la cabeza de inmediato una serie de temas que encajaban a la perfección en este aspecto. Apuesto lo que sea a que la que viene a continuación es una de ellas.
Y es que hay canciones, que por sencillas que sean, por disparatado que nos parezca, de la manera más tonta terminan tendiendo una trascendencia tan grande que se convierten en auténticos fenómenos sociales. Eso es lo que sucedería en el año 1981 en nuestro país con la versión que una acordenoista española haría de una canción que databa del año 1957 y que fue compuesta en aquella época por el suizo Werner Thomas.
La canción en cuestión en un primer momento era totalmente instrumental y llevaría el título de “Der Enterntanz” que traducido viene a significar “El Baile del Pato”. Adquiriría cierta popularidad gracias a su llamativo sonido de acordeón y a una coreografía muy popular ideal para bodas, banquetes, comuniones, fiestas de jubilados y similares. Supongo que a estas alturas todos sabréis ya a que canción me estoy refiriendo.
Efectivamente estoy hablando de “El Baile de los Pajaritos” que lo coparía todo en el año 1981 en la versión que realizaría “María Jesús y Su Acordeón” a la que añadiría la correspondiente letra para convertirse en la canción más popular del momento y que todos y cada uno de los españolitos hemos cantado y bailado en alguna ocasión, mal que nos pese reconocerlo. Para que os hagáis una idea del boom que supuso os diré que incluso se llegó a estrenar una película del mismo nombre protagonizada por la propia Maria Jesús. Sin comentarios.
La historia de María Jesús es bastante curiosa. Desde que tenía tan sólo ocho años se hizo popular en la zona de Valencia tocando el acordeón por los bares y terrazas de sus playas para ganar algo de dinero, llegando a ser conocida como “La Niña de la Malvarrosa”. De ahí dio el paso a aparecer en algunos programas radiofónicos y televisivos tras ganar un concurso pudiendo costearse de esta manera sus estudios de música. El éxito total tardaría en llegarle pero cuando por fin apareció lo hizo como un auténtico tornado.
ARETHA TAMBIÉN PROTAGONISTA EN “TAMBIÉN ES MÚSICA”
Que nadie se asuste. No es que Aretha cayese en algún momento de su carrera en la tentación de componer e interpretar una canción que hablara de las playas, del sol y de los amores de verano y la pusiera una música facilona para triunfar en los meses estivales, no. Simplemente he querido que todas las secciones que habitualmente dan cuerpo a “La Graminola” tuvieran su espacio para la música de esta genial artista.
Evidentemente lo más difícil ha sido encontrar qué canción encajar en el apartado de “También Es Música” que durante las últimas semanas estamos dedicándole a las canciones más veraniegas de la historia de la música. Finalmente creo que he encontrado una que encaja en cuanto a diversión y espectacularidad aunque se trata de un tema reivindicativo hasta decir basta.
Se trata de una canción que fue publicada en el año 1968 y que se convirtió en un auténtico himno feminista y en uno de los más grandes clásicos de la carrera de la diva. Esta canción sería incluida en una espectacular y disparatada película que se estrenaría en el año 1980 con unas escenas musicales maravillosas alguna de ellas protagonizadas por la propia Aretha.
La película no es otra que “The Blues Brothers”, en España “Granujas a todo Ritmo”, protagonizada por John Belushi y Dan Aykoryd y por la que van desfilando artistas tan descomunales como James Brown, Cab Calloway, Ray Charles, John Lee Hooker y, por supuesto, Aretha Franklin.
Así pues para cerrar este pequeño y merecido homenaje hacia la indiscutible Reina del Soul os dejo la mágica escena de esta película en la que podemos disfrutar de esa espectacular canción que es “Think”.
Aquí temina este pequeño homenaje que he querido rendirle a esa emblemática figura que es Aretha Franklin. Siempre recordaremos su música, pero no podemos olvidar en absoluto lo que significó socialmente mostrándose como una gran luchadora y una de esas personas que es imprescindible conocer. Gracias por todo, Aretha.
LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA
Hemos llegado casi sin darnos cuenta y a base de disfrutar de muy buena música al final del número de “La Graminola” de hoy. Como siempre llega el turno de nuestra efeméride, de la edad de oro de la música española y de recomendar una novedad. Que no se mueva nadie que esto sigue.
EFEMÉRIDE
El protagonista de la efeméride de esta semana es un batería que pasó por distintos grupos mostrando su talento aunque ninguno de ellos rompió definitivamente. Su nombre es Martin Jackson.
Hay músicos a los que yo denomino “de cabecera” porque podría decirse de ellos que están para todo. Son esos músicos que durante su carrera van pasando por diferentes grupos, a cada cual más distinto en cuanto a estilo, y que terminan con un currículo más que decente y un prestigio considerable. El protagonista de la efeméride de hoy es uno de estos casos.
El 30 de agosto de 1955 nacía Martín Jackson un batería que pasaría por grupos como Magazine, The Chameleons o Swing Out Sister a lo largo de su carrera, dejando en todos ellos su impronta de músico de calidad y de una capacidad de adaptación bastante grande ya que los estilos de estas bandas son muy pero que muy distintos.
Si he de escoger una de sus etapas yo me quedaría con la que protagonizó a principios de los 80 en el grupo británico The Chameleons, una banda considerada de culto dentro de los amantes de la new wave ya que si bien no lograron unos éxitos demasiado reconocidos, a excepción del tema que os voy a ofrecer, sí que tuvieron bastante incidencia en el resto de bandas que convivieron con ellos, muchas de las cuales reconocieron que se fijaron en ellos como referencia.
Como ya os digo no tuvieron éxitos de esos que puedan considerarse auténticos bombazos, aunque en el año 1983 lograrían los mejores resultados de su carrera gracias a un tema titulado “Up the Down Escalator” que puede considerarse como uno de los cláisicos de la new wave de los 80.
LA EDAD DE ORO DE LA MÚSICA ESPAÑOLA
El protagonismo de la música hecha en nuestro país llega de la mano de uno de esos muchos cantautores que con talento suficiente como para lograr una fructífera carrera se quedan en el camino injustamente. Su nombre es Montoto.
En muchas ocasiones la industria discográfica es injusta y en los momentos actuales lo es todavía más. No, traquilos, prometo no daros un nuevo mitín sobre la música que se hace ahora, simplemente viene esta reflexión a que son muchos los artistas españoles que ponen todo su empeño en abrirse camino, que tienen talento suficiente para convertirse en importantes y sin embargo se topan con la realidad de que nadie apuesta por ellos y terminan difuminándose y quedándose en el camino. El protagonista de la música española de la contraportada de hoy es uno de los casos más representativos.
Se trata de un cantautor llamado Montoto que es de esos artistas baqueteados en locales de aforo reducido en los que muestra todo su talento y que gracias al boca a boca va adquiriendo poco a poco cierta relevancia hasta llamar la atención de alguien que decida darle su primera oportunidad. Un músico sencillo, que habla de las cosas cotidianas de la vida en sus canciones y cuyas melodías nos llevan a un pop de otros tiempos con reminiscencias de las décadas de los 70 y los 80.
Su gran oportunidad le llegaría en el año 2006 cuando Carlos Chaouen se fijó en él y le ayudó a publicar su prirmer y único álbum bajo el título de “De Regreso a mi Planeta”, en el que muestra un sonido de fácil escucha y unas canciones pegadizas y prometedoras, como por ejemplo este “Mi Forma de Hablar”, una de sus composiciones más conocidas aunque sin los resutlados que realmente merecería.
Como poderoso caballero es Don Dinero y a pesar de la buena pinta que tenía, dado que los resultados de ventas de ese disco no fueron demasiado llamativos, su promoción se pararía en seco y su intento de crearse una carrera larga, duradera y exitosa terminó casi antes de empezar. Un caso más.
NOVEDAD
La recomendación de esta semana es un recopilatorio que recoge los mejores momentos de la carrera de uno de los grupos más representativos del indie español como son Lori Meyers. Un recorrido indispensable de la mano de la banda que posiblemente más ha influido en esos valientes que se atreven a seguir haciendo pop en nuestro país. Un disco verdaderamente imprescindible.
Muchas veces no nos damos cuenta de lo rápido que pasa el tiempo y esa percepción la he sentido cuando he descubierto que uno de los grupos más importantes del pop nacional actual ha publicado un recopilatorio para conmemorar su 20 aniversario. Y a mí que me parecía que Lori Meyers poco menos que acababan de iniciar su carrera y resulta que ya llevan dos décadas en la carretera.
Bromas aparte, los granadinos acaban de publicar un doble disco titulado “20 Años, 21 Canciones” en el que se recogen todas las piezas importantes que nos han ido regalando desde el año 1998 cuando aparecieron en el mercado discográfico español como un soplo de aire fresco para terminar convirtiéndose en uno de los grandes referentes del indie-pop hecho en nuestro país.
Si hay algo que ha caracterizado la carrera de Lori Meyers es el reconocimiento generalizado de todos los grupos indie españoles que han ido apareciendo con posterioridad. Todos y cada uno de ellos, en mayor o menor medida, han bebido de sus fuentes hasta terminar siendo considerados como el principal grupo español pop de nuestro páis, a pesar de que no vendan millones de discos o llenen grandes recintos. Son los mejores y punto. Es mi opinión personal, que conste. Ya sabéis, para gustos … colores.
Así pues nos encontramos ante un disco repleto de buena música, en el que se recogen todos los temas más representativos de su carrera y algunas canciones inéditas como por ejemplo “70”, un tema que a pesar de ser compuesto en el año 2012 no había visto la luz hasta el momento y que nos muestra a los Lori Meyers de toda la vida.
Por cierto, su nombre artístico lo toman de una canción del grupo norteamericano NOFX, una de sus auténticas referencias.
Hasta aquí llega el número de “La Graminola” de esta semana, en el que además de la música que correspondía hemos podido disfrutar a lo grande con esa magnífica diva que ha sido nuestra querida Aretha Franklin.
En siete días, volvemos a encontrarnos. Hasta entonces, Graminoleños.
JUAN JOSÉ GOMARIZ
Puzzle Bobble
Karate Blazers
Puzzle De Bloques
Magical Cat Adventure