Aunque la película parece más un remiendo que toma elementos de algunos clásicos del cine de terror espacial como Alien (Ridley Scott, 1979), lo cierto es que en ocasiones consigue crear una atmósfera de desasosiego y contiene buenas escenas de acción, que poco aportan en cuanto a creatividad, pero al menos construyen un aceptable entretenimiento. En todo caso, estamos ante uno de esos ejemplos en los que la música contribuye a elevar la categoría emocional de una película. Espléndido trabajo del compositor sueco Jon Ekstrand en su segunda incursión en el cine de Hollywood, tras el thriller El niño 44 (Daniel Espinosa, 2015), y su sexta colaboración con el director sueco de origen chileno. Desde el minuto uno, la banda sonora atrapa al espectador introduciéndolo en una historia más oscura de lo que parece al principio, y remite en ocasiones, pero para bien, a los sonidos de Jerry Goldsmith en sus incursiones en la ciencia ficción. Estamos ante un trabajo poderoso y contundente, que se desarrolla entre la vertiente más sosegada y casi contemplativa, que funciona como elemento ambiental del espacio en el que se desarrolla la historia. Pero es en la parte más cercana al horror en la que encontramos los mejores resultados, quizás no especialmente originales, ni siquiera en el uso de las voces, pero sí logrados en sus reminiscencias al universo de Alien. La contribución del veterano Nicholas Dodd en las orquestaciones y dirección de la orquesta sin duda es esencial en el sonido temperamental que impregna toda la banda sonora.
La película de Nacho Vigalondo es una de las propuestas más singulares que han llegado a nuestras pantallas, y aunque va desde ciertos momentos ridículos a grandes hallazgos visuales, su irregularidad es también una de sus principales virtudes, porque consigue reinterpretar el cine de catástrofes manteniendo una mirada muy personal del director. Sin duda, el trabajo de Bear McCreary ha sido complejo, y se refleja bien en una banda sonora ecléctica que sabe combinar con inteligencia los pasajes más espectaculares con esa otra envoltura de comedia romántica que elabora Vigalondo. McCreary resuelve la difícil papeleta con ese bagaje completo que le ha dado su extenso trabajo en televisión, pero también con ese talento que le ha convertido en uno de los compositores más interesantes del momento. Quizás podríamos esperar de Bear McCreary que nos sorprendiera algo más, y pasajes excelentes como "The most irresponsible thing" camina por sendas que nos parecen más interesantes que el habitual despliegue de gran orquesta que compone buena parte de la banda sonora, que tiene su mayor despliegue en el también recomendable "The Colossal Part 1". Estamos por tanto frente a una muy inteligente elección por parte del director español para su primera incursión en el cine de Hollywood.
El acordeonista francés Ludovic Beier se incorpora por primera vez al mundo del cine con la banda sonora del debut en la dirección de Fabrica Benchaouche, que se desarrolla en la ciudad argelina de Timgad, una zona casi despoblada y catalogada como Patrimonio Histórico, pero entre cuyas ruinas milenarias tratan de sobrevivir sus pocos habitantes, sobre todo los niños protagonistas, que encuentran en el fútbol una vía de escape a la realidad que les rodea. Ludovic Beier, posiblemente por indicación del director, hace suya la banda sonora, creando una pegadiza y absorbente melodía principal en torno a la que pilota el resto de las composiciones. Podría parecer un trabajo poco desarrollado, pero la fuerza emocional del tema principal y las espléndidas revisiones que encontramos a lo largo del disco, en magníficas interpretaciones jazzísticas como "La Juventus de Timgad, pt. 2" y "La Juventus de Timgad, pt. 3", pero también se distancia en ocasiones para abrazarse con sonoridad árabes, presentes a lo largo de todo el trabajo, en temas como "Timgad training". El gran valor de la primera incursión en el cine de Ludovic Beier es transmitir el optimismo que desprende la irregular película de Benchaouche, y acaba dejándote un estado de ánimo positivo y alegre que se agradece.
La compositora Laura Karpman ha desarrollado una intensa labor como concertista, pero sus trabajos en el cine son escasos, principalmente en el campo del documental y la televisión. este año sin embargo ha dado un giro a su carrera involucrándose en proyectos más reconocidos, como la banda sonora de la serie Underground (WGN, 2016-) o participando en los arreglos musicales de la última película de Sofia Coppola, La seducción (Sofia Coppola, 2017), ganadora del premio al Mejor Director en el Festival de Cannes. Otra de sus colaboraciones recientes ha sido esta composición exquisita y hermosa para el film París puede esperar (Eleanor Coppola, 2016), debut en la dirección de la madre de Sofia. Aunque no ha conseguido buenas críticas, sí es especialmente destacable el trabajo de Laura Karpman, que se impregna de los sonidos afrancesados de esta aventura que transcurre entre Cannes y París en forma de postal algo pagada de sí misma. Pero Karpman consigue atrapar, a base de acordeón, de voces femeninas y de sonoridades exquisitas, ese aire campestre, pero al mismo tiempo esa cadencia jazzística del París más iconoclasta. En ocasiones, la música suena a algunos de los momentos más gloriosos de clásicos como Michel Legrand, en temas como "First course", pero en general podemos decir que estanos ante una deliciosa banda sonora que nos envuelve convenientemente con sus aires de easy jazz.
También presente en el Festival de Cannes, pero en la Quincena de Realizadores, Cuori Puri (Roberto De Paolis, 2017) es una historia de amor apasionada entre un hombre de 25 años y una adolescente de 17 que nos devuelve cierto aire de ese neorrealismo que parecen querer volver a adoptar algunos de los jóvenes directores italianos que se han incorporado a la producción. Recibida con 7 minutos de aplausos en su primera presentación en Cannes, la película cuenta entre sus principales valores con un espléndido trabajo del compositor italiano Emanuele De Raymondi, creador de sonoridad electrónicas que comparte la pasión del romanticismo que viven la pareja formada por Stefano y Agnese, pero al mismo la envuelve de un cierto tono de irrealidad, de etérea incredulidad, que contrasta con ese aire realista que tiene la película. En este sentido, el principal mérito del compositor es el de crear su música casi en contraposición con las propias imágenes, pero consigue de esta forma dotar de una envoltura mágica a esta historia de amor, y por tanto volverla más apasionada si cabe. Es la gran destreza de los músicos que trabajan a contracorriente sin por ello desligarse de la propia historia. Se trata de uno de los trabajos más hermosos que hemos escuchado este año, con maravillosos pasajes como ese "Preghiera" que nos produce emociones diversas.
Si cuando hablábamos del trabajo de Laura Karpman decíamos que había conseguido impregnarse de las sonorizadas francesas, podemos decir algo parecido de esta otra compositora que nos presenta una delas bandas sonoras más grandiosas de esta temporada. De hecho, se puede definir esta historia de amor que renace entre una pareja ya veterana con referencias al cine francés, en especial a François Truffaut y Eric Rohmer, y por eso quizás la propia música, deliciosa composición de aire clásico e instrumentaciones de cuerda, nos hace pensar en grandes músicos como Georges Delerue o Paul Misraki. Aunque la propia Mandy Hoffman confiesa que quien realmente le ha inspirado es la música de Alberto Iglesias para las películas de Pedro Almodóvar. Buena parte de la banda sonora pivota en torno a los compases del vals, y en especial se manifiesta en ese magnífico "The Lovers - Finale & Credits", que es toda una declaración de principios de la esencia de esta espléndido trabajo de Mandy Hoffman, compositora curtida en el cine independiente pero que por fin ha podido dar el salto a un sistema de producción con mayor repercusión comercial. Y su trabajo para The lovers (Azazel Jacobs, 2017) nos la presenta como una de las mejores promesas del actual panorama musical.
El director Avi Nesher se adentra en uno de los temas más emocionales en la conciencia colectiva israelí: la mirada al pasado y la búsqueda de información en torno a la experiencia real de sus ascendentes durante la 2ª Guerra Mundial. Basada en una historia real, la película acompaña a dos hermanas que deciden investigar el pasado en Polonia de su padre, envuelto en un misterio que nunca han podido descifrar. Para acompañar a este viaje personal y emocional, el compositor francés Cyrille Aufort ha creado una lírica banda sonora que se detiene sobre todo en el carácter de las dos hermanas protagonistas: una intrépida periodista y una compositora introvertida. Hay en el trabajo de Cyrille Aufort una especial capacidad para dotar a los pasajes más emocionales de una cierta tonalidad oscura que los envuelve en el misterio, y ese es uno de sus principales valores. La banda sonora contiene además un tema compuesto por Ella Milch-Sheriff, una de las protagonistas reales, que se convierte en el eje central de la pieza de concierto con la que se abre y se cierra la película, y también una composición del joven músico contemporáneo israelí Avner Dorman, que desarrolla su labor principalmente en los Estados Unidos, y que aporta una contundente interpretación en "The Concert", con voz solista, percusión, guitarras y orquesta.
Aunque cada vez menos presente en la factoría Disney, de la que Randy Newman fue durante algunos años el principal compositor, pasando posteriormente la batuta al prolífico Michael Giacchino. De hecho, Cars 3 (Brian Fee, 2017) supone también el regreso de Newman a la serie de películas protagonizadas por estos coches habladores, puesto que la segunda entrega tenía música de Giacchino. En este sentido, Randy Newman es fiel a sí mismo y crea una muy reconocible partitura que, al contrario de resultarnos ya conocida, nos devuelve un estilo clásico que resulta refrescante. Y se agradece que, manteniéndose fiel a sí mismo, Randy Newman no haya caído en la recreación de sus composiciones para la primera entrega, sino que prácticamente renueva sus aportaciones con temas nuevos y nos regala una de sus mejores bandas sonoras para el universo Disney. Nos da la impresión de estar escuchando una de esas clásicas composiciones de las películas de animación de toda la vida, gracias a magníficos temas como "Through the Pack" o "Victory Lane", donde desarrolla el espléndido tema principal, e incluso aporta ese sonido folk que le caracteriza en sus grabaciones autónomas en algunos momentos, como en "If this truck could talk". Sin duda, un trabajo marca de la casa que nos resulta emocionante.
Aaron Zigman es uno de esos compositores que es capaz de adaptarse a cualquier género sin perder su personalidad propia. Para este drama protagonizado por Bryan Cranston sobre un hombre que sufre un ataque de nervios y acaba abandonando a su mujer y encerrándose en su ático, el músico californiano nos ofrece un espléndido trabajo que en algunos aspectos se plantea con un cierto tono oscuro que le acercan al género del thriller, sobre todo en su tema principal "Main Title Wakefield", uno de los más contundentes que ha creado en los últimos años. De hecho, la directora Robin Swicord, con la que Aaron Zigman trabaja por segunda vez tras Conociendo a Jane Austen (Robin Swicord, 2007), estableció la música de Vértigo (Alfred Hitchcock, 1958), como uno de los principales parámetros en los que se tenía que apoyar el compositor, y la película contiene secuencias que hacen referencia también a La ventana indiscreta (Alfred Hitchcock, 1954). Pero la banda sonora, extensa, contiene también hermosos pasajes líricos como el "End Title" que cuenta con la colaboración del pianista Jean-Yves Thibaudet y anotaciones jazzísticas en magníficos homenajes al universo de Bernard Herrmann como "Declare yourself". Sin duda estamos ante una de las más complejas bandas sonoras creadas por Aaron Zigman, que le confirma como uno de los grandes compositores del momento.