Repasamos a continuación las bandas sonoras más destacadas para nosotros de este año 2020. Como hacemos habitualmente, nuestra primera lista incluye las bandas sonoras editadas durante los tres primeros meses del año. Esta es nuestra selección de lo mejor que hemos escuchado hasta la fecha.
El compositor francés viene desarrollando en los últimos años una estrecha colaboración con la industria cinematográfica china, participando en producciones como Shaolin (Benny Chan, 2011), Mountain cry (Larry Yang, 2015) o Hidden man (Wen Jiang, 2018). Por tanto, no es de extrañar su último trabajo para la película Adoring (Larry Yang, 2019), una comedia coral sobre la relación entre varios personajes y sus mascotas que se convirtió el pasado mes de diciembre en número de la taquilla en China. La coralidad de la historia permite al compositor desplegar una variado ramillete de temas que pueden caer en algún momento en la sensiblería, pero en general se trata de hermosas composiciones que de alguna manera nos recuerda a algunas de las bandas sonoras del maestro Joe Hisaishi. Destacan especialmente temas como "Daughter and father pt. 1", que establece un diálogo entre guitarra y piano, o el más dramático "Lot of pain", con la utilización del violonchelo como elemento de desolación, pero también con la introducción de la guitarra como instrumento principal, en general muy presente en toda la banda sonora. Nicolas Errèra demuestra una gan sensibilidad en este trabajo, no solo en los momentos más sentimentales, sino también en la incursión directa en la comedia, como en el hermoso y divertido "Opening", con cierto aire a la música para comedias italianas de Luis Bacalov.
Pablo Pico es un compositor francés cuya trayectoria profesional se ha ligado especialmente a proyectos de dibujos animados como Adama (Simon Rouby, 2015) o Un homme est mort (Olivier Cossu, 2018). Para esta historia sobre las andanzas de una pequeña perra que por diversas circunstancias va cambiando de dueño, el músico ha creado una hermosa y alegre partitura que contrasta con la complicada vida del protagonista. Es la música la que nos acompaña junto a su trayectoria por una ciudad poco amable ("The city") con ciertos aires africanos, o en su primer encuentro con el acróbata Manole (Manole's show"), que introduce una suave voz femenina y acordes de percusión. La técnica de animación, nada realista y con cierto poético, ayuda a que la historia se apoye mucho en la música, por lo que el trabajo de Pablo Pico destaca especialmente. Su música se hace más electrónica y fría cuando describe a otro de los dueños de Marona, el trabajador de la construcción ("Istvan"), pero al mismo tiempo encuentra la ternura ("Love Istvan"), con la introducción del piano. Pero es el tema principal, "Memories", en el que el compositor construye una composición de singular belleza que reúne buena parte de las ideas temática de la banda sonora. Se trata sin duda de un destacable trabajo de un compositor al que prestaremos atención.
El director australiano Justin Kurzel afronta su última producción regresando en cierto modo a sus orígenes, contando una historia criminal basada en hechos reales, como en Los asesinos de Snowtown (Justin Kurzel, 2011), su debut como director. En este caso se acerca a la trayectoria del delincuente australiano Ned Kelly, convertido en el más buscado por la policía a finales de 1800, que ya fue llevada a la pantalla en Ned Kelly (Gregor Jordan, 2003), protagonizada por Heath Ledger. Como es habitual, el director se acompaña en la parte musical por su hermano, Jed Kurzel, para subrayar musicalmente esta crónica policial que se asienta en buena medida, como suele ser habitual en el realizador, en una puesta en escena visual impactante. El paisaje australiano juega también un papel fundamental, y Jed Kurzel utiliza instrumentos de cuerda con sonoridades graves y dramáticas para subrayar cierto carácter oscuro del personaje, como en "The butcher", que establece una cierta cadencia de suspense mediante la introducción del punteo de violonchelos, presente también en otros pasajes como "Harry Power". Pero el tema principal es un apagado acorde con cuerdas que ofrece una visión melancólica en creaciones musicales como "Home" o, más desarrollado, en "Opium".
Metamorphose 17 / 1 / 2020
El remake alemán de la película española La isla mínima (Alberto Rodríguez, 2014) cuenta con un trabajo musical de Cristoph Schauer que sigue en algunos momentos una línea estilística similar a la de la interesante banda sonora de Julio de la Rosa, ganadora del Premio Goya. Temas como "Die nacht" tienen esa cadencia misteriosa y lánguida que tenían en aquella composiciones como "Carmen y Estrella". Si bien el trabajo del compositor español es más complejo que el que realiza Christoph Schauer, a éste le concedemos la capacidad de crear un entorno ambiental que mantiene la esencia de la historia original, aquí trasladada a la Alemania del Este de 1992, posterior a la caída del muro de Berlín, hecho histórico esencial que en la película española tenía conexión con la España franquista. El compositor utiliza los sintetizadores para elaborar una ambientación lúgubre, melancólica y enigmática, con temas como "Die dunkelheit", y percusiones electrónicas que subrayan los momentos de suspense, como en el muy logrado "Die verfolgung". E introduce un elemento interesante, distinto al trabajo musical de Julio de la Rosa: la presencia de una voz solista masculina en "Freies land" que nos introduce en ese paisaje inhóspito que será, como en La isla mínima, parte fundamental de la trama, y que aquí se despliega como si estuviéramos a punto de ver un thriller ambientado en la América profunda.
Aunque esta película peruana es una producción de 2017, hasta este mes de enero no se ha editado la música compuesta por Harry Escott para Retablo (Álvaro Delgado Aparicio, 2017), una historia de secretos guardados en una pequeña población que está protagonizado por Magaly Solier, con diálogos en quechua. Se trata de un EP que contiene solo 12 minutos de música, pero cargadas de profundidad psicológica en torno a unos personajes que mantienen en silencio secretos que si salieran a la luz acabarían con todo su entorno vital. Para esta breve aportación a la película, Harry Escott utiliza como instrumento solista el charango, instrumento de cuerda característico de la música andina, para crear un hermoso tema principal, "Innocence and experience", que en versión original tiene cierto aire misterioso, pero que se despliega posteriormente en "Noe y Segundo", una composición mucho más abierta, menos opresiva, que establece la relación entre padre e hijo. Por su parte, en "Dream" se introducen los violines como elemento de distorsión, reflejo de ese ambiente asfixiante que se vive en la pequeña población andina, y funciona casi como preámbulo del drama que está a punto de vivirse. Un trabajo sencillo pero efectivo y hermoso que demuestra de nuevo la excelente capacidad creativa de su autor.
Metamorphose 17 / 1 / 2020
La nueva adaptación de la novela de Charles Dickens dirigida por Armando Iannucci, creador de las series Veep (HBO, 2012-2019) y Avenue 5 (HBO, 2020-), cuenta con la música de su habitual colaborador, el británico Christopher Willis, que también fue el responsable de la excelente banda sonora de su debut como director, La muerte de Stalin (Armando Iannucci, 2017). En este caso, el joven compositor desarrolla una banda sonora de corte clásico, como corresponde a la historia, con un adecuado tema principal, "My own story", y pasajes de gran contundencia como "The Murdstones" o "The bottling factory". Si en la primera parte de la película la música se sostiene principalmente en los solos de violonchelo, la segunda parte resulta más colorista, para mostrar el crecimiento y la madurez del personaje principal, y da más importancia al resto de los instrumentos de cuerda, que toman protagonismo en temas desbordantes como el magnífico "David's writings", uno de los pasajes musicales más hermosos que hemos escuchado en lo que llevamos de año. Se diría en cierto sentido que la banda sonora de Christopher Willis tiene entidad por sí misma, intrínsecamente pegada a las imágenes, pero con una estructura narrativa que está muy cercana a las piezas para concierto. Y es, sin duda, el mejor trabajo de Christopher Willis hasta el momento.
L'R du Tresor 24 / 1 / 2020
El compositor japonés Jun Miyake, que trabajado en otras producciones europeas como el documental Pina (Wim Wenders, 2011), es el encargado de dar vida musical a este thriller en torno a nueve traductores confinados en un búnker con el objetivo de traducir las últimas páginas de un best-seller cuya historia se mantiene en secreto. Su condición de trompetista de jazz permite a Jun Miyake desarrollar su trabajo en dos vertientes distintas: por un lado, una narrativa más cercana a los sonidos jazzísticos, con espléndidos temas como "Les traducteurs - Overture", y por otro lado composiciones que tienen a la orquesta como protagonista, más adheridos a la trama de misterio que contiene la historia, como en "Giallo". Música en dos ambientes. Jazz y thriller. Se dan la mano en el tema "Rose Marie aime la littérature". Uno de los aspectos interesantes de la banda sonora es su capacidad para crear suspense, utilizando instrumentos de percusión como las claves para recrear el sonido de un reloj, destacando la importancia del tiempo, en escenas como "Le recrutement", que contribuyen a crear ese sentido de premura. Estos dos aspectos de los que hablamos antes se dan la mano en pasajes como "Rose Marie aime la littérature", que aúnan el sonido jazzístico con la percepción misteriosa.
Esta conmovedora historia sobre la amistad que se forja entre jóvenes supervivientes de campos de concentración nazis que fueron rehabilitados en la región de Lake District, Inglaterra, cuenta con una clásica y emotiva banda sonora del compositor Alex Baranowski, habitual creador de composiciones para producciones de la BBC. Contando con la prestigiosa London Metropolitan Orchestra para interpretar la música, este trabajo resulta especialmente efectivo en la traslación musical de una historia trasladad a la pantalla con talento. Desde el tema principal, "A new beginning", con la introducción de una voz infantil solista, asistimos a una banda sonora que sigue senderos eminentemente clásicos, pero con una elegancia y delicadeza que resulta conmovedora, especialmente en pasajes como "England is very green" o el desarrollo del tema principal en "The Windermere children", hermoso y cautivador. Hay también, obviamente, referencias a la condición judía de los protagonistas, como la introducción de "Rozhinkes mit Mandlen", una hermosa canción de cuna escrita por el poeta ruso Abraham Goldfaden para la ópera "Shulamis".
Antar Music 7 / 2 / 2020
Uno de los mayores éxitos del cine chileno en lo que va de año es este thriller basado en hechos reales en torno a una sorprendente fuga de 39 presos políticos que usaron solamente un destornillador para cavar un túnel de 80 metros. El autor de la banda sonora es el veterano compositor chileno afincado en Hollywood Juan Cristóbal Meza, que viene trabajando en el cine y la televisión de su país desde los años 80. Grabado entre Bratislava y Los Angeles, estamos ante un excelente trabajo para el género de thriller, en el que se dan la mano las sonoridades orquestales de la Orquesta Sinfónica de Bratislava y la utilización de instrumentos solistas como la guitarra que, por un lado, nos introducen en una ambientación casi de western, pero al mismo tiempo incorpora el elemento más humano a la trama. Destacan especialmente en la banda sonora los temas largos bien desarrollados como "La pelea", o especialmente el intenso "Huevos", una espléndida muestra de música de acción que resulta intensa y contundente. También hay emotivas incorporaciones del piano en temas como "Hacia la libertad", hermoso tributo que realiza el compositor al esfuerzo y las ansias de libertad de los protagonistas.
Back Lot Music 7 / 2 / 2020
Robert Glasper es uno de los más prominentes pianistas de jazz del momento, con excelentes publicaciones como el reciente Fuck yo feelings (2019, Loma Vista recordings), que tiene colaboraciones estelares de Herbie Hancock o Queen Sheba. Sus incursiones en la música de cine han sido hasta el momento escasas, componiendo previamente la banda sonora de Miles ahead (Don Cheadle, 2015), biopic de Miles Davis que supuso el debut en la dirección del actor Don Cheadle. La película, una mirada romántica al mundo de las parejas, cuenta con una banda sonora emocionante, que conecta directamente con los personajes. Es música más reflexiva que descriptiva, juega más a la intensidad psicológica de las situaciones que a la simple ambientación. Temas como "The wake" o "Violet's kitchen" son espléndidos, y llegan hasta la fibra más sensible. En cierto modo, las composiciones de Robert Glasper, y especialmente sus interpretaciones al piano, nos recuerdan a la música para cine de Dave Grusin, otro de los grandes maestros del jazz que tuvieron su etapa de acercamiento al cine. Más contundente es "Michael's theme", el tema que describe a uno de los personajes principales, que introduce el saxo y las percusiones para mostrarnos una personalidad compleja. Robert Glasper es sin duda un compositor que tiene muchas cosas que decir en el terreno de las bandas sonoras.
Long Distance 10 / 2 / 2020
El compositor francés está enfocado en los últimos años al género documental, con especial interés en aquellas producciones que hablan de la relación del hombre con la naturaleza. En esta ocasión, acompaña al naturalista Jean-Michel Bertrand en una aventura que le ha llevado varios años, tratando de entender la forma en que los lobos intentan regresar a sus antiguos territorios o conquistar nuevos lugares donde convivir, alejados de la depredadora acción del hombre. Hace unos años su documental La vallée des loups (Jean-Michel Bertrand, 2016) fue uno de los grandes éxitos del cine francés. Y ahora con Marche avec les loups (Jean-Michel Bertrand, 2019) se continúa esta historia de investigación personal en torno al viaje que inician los jóvenes lobos para encontrar nuevos territorios. Igual que en aquella ocasión, Armand Amar es el encargado de poner música a esta aventura humana. Y lo hace, como es habitual en él, utilizando voces solistas y elementos orquestales para establecer esta relación entre el hombre y la naturaleza. Armand Amar es un especialista en crear magníficos pasajes melódicos, y aquí lo vemos en temas como "Préservation de l'équilibre", o en el uso de instrumentaciones exóticas como el duduk en pasajes como "Le jeune loup en danger". Hay también incorporación de elementos electrónicos que de alguna manera incorporan la expansión masiva e indiscriminada de las ciudades, arrebatando territorios antes habitados por los lobos, como en "Les chevaux". Se trata de una banda sonora que tiene el estilo característico de su autor, y como es habitual funciona perfectamente acopladas a las hermosas imágenes de naturaleza que capta su director, con notables composiciones como "Le vallée des loups", que conecta esta película con aquella otra incursión del director.
Tras una etapa de escasas colaboraciones con el mundo del cine, y de casi nula implicación con comedias, el compositor Howard Shore regresa a sus inicios, recordándonos a trabajos suyos como Big (Penny Marshall, 1988) o Señora Doubtfire (Chris Columbus, 1993). Lo hace para esta comedia familiar que dirige Michel Hazanavicius y protagoniza Omar Sy, dos elementos casi seguros para convertirla en un éxito de taquilla. El éxito de The artist (Michel Hazanavicius, 2011) fue de todo menos tranquilo, con demandas interpuestas entre varios de los responsables, sobre todo por parte del actor Jean Dujardin y el compositor Ludovic Bource contra el productor de la película. Esta serie de disputas provocaron también la enemistad entre el director y el músico, y desde aquella película si relación profesional se cortó. Ahora el director cuenta por primera vez, tras dos proyectos sin compositor, con Howard Shore, con la intención de crear una variada paleta de colores musicales que recordaran en cierta manera a las películas de Pixar. Esto es especialmente palpable en el tema principal, "Le prince oublié", que tiene esa sonoridad a película de animación. Pero Howard Shore demuestra su amplia trayectoria siguiendo un camino propio que está más cerca de su trabajo para La invención de Hugo (Martin Scorsese, 2011), sobre todo en la utilización del acordeón en la descripción de ese mundo de fantasía en el que se desarrolla parte de la historia ("Le monde des histoires"). Estamos un trabajo especialmente logrado del compositor, que atrapa la magia de la historia para introducirnos en un universo musical fascinante y misterioso, pero manteniendo al mismo tiempo el sello inconfundible de su autor, en temas como "La Reina Mère". Echábamos en falta este Howard Shore más ligero.
Ambientada en las montañas nevadas de Suiza, esta comedia que cuenta con una pareja de actores de lujo, encabezada por Julia Louis-Dreyfus, la protagonista de la serie Veep (HBO, 2012-2019) y Will Ferrell, cuenta con una interesante banda sonora del compositor Volker Bertelmann (también conocido como Hauschka) que desarrolla un trabajo sencillo pero efectivo con el que consigue transmitir ese tono desenfadado que pretende la película, presentada en el pasado Festival de Sundance. Remake de la producción sueca Fuerza mayor (Ruben Östlund, 2014), la historia se centra en un matrimonio durante sus vacaciones en los Alpes austríacos. Precisamente lo más interesante del trabajo de Hauschka es el uso de las voces para recrear una cierta ambientación alpina, usando las magníficas dotes vocales de la cantante turco-alemana Alev Lanz, encargada de desarrollar todos los pasajes vocales. Desde el tema principal, "Snow", que realiza una panorámica del tono musical de la banda sonora, hasta sus diferentes variaciones, bien para acompañar a la familia en sus vacaciones ("First family ski run", "Second ski run") o para introducirnos en sus conflictos familiares ("All skied out"), con excelentes hallazgos del uso de la voz y la respiración como instrumento en temas como "Restroom". Hay también interesantes pasajes de acción como "Bobslend run", que tiene maneras clásicas al estilo de Vivaldi. Sin duda, uno de los trabajos más interesantes de Volker Bertelmann.
La última película de la directora danesa Lone Scherfig, responsable de interesantes títulos como Italiano para principiantes (2000) o An education (2009), se acerca a las relaciones humanas a través de las historias entrecruzadas de diversos personajes. Aunque el resultado no termina de ser totalmente logrado, porque no encuentra la cohesión dentro de la dispersión, uno de los elementos que más destacan es el trabajo musical de Andrew Lockington. El compositor crea una banda sonora de corte clásico que se sostiene en un hermoso tema principal, presente en pasajes como "Morning", y desarrollado con hermosa progresión en "Solace", que es una especie de vals con el piano como instrumento solista. Es destacable también la interpretación del tema principal con sonoridad rusa por la utilización de la balalaica en "Palace dinner". Pero el elemento humano, que es en buena parte la principal narrativa temática de la película, está representado aquí por el violonchelo, que utiliza Andrew Lockington como remedo de la voz humana en hermosos pasajes como "Kindred" o "Beautiful boy", que suenan en las escenas en las que la madre protagonista y sus dos hijos encuentran esa "kindness", esa bondad entre personas desconocidas que refleja el título. Estamos ante un trabajo espléndido, hermoso y elegante que nos presenta a un compositor especialmente inspirado.
Hollywood Records 21 / 2 / 2020
El compositor británico vuelve a colaborar con el director de Cómo entrenar a tu dragón (Chris Sanders, 2010) para esta nueva adaptación de la clásica novela de Jack London La llamada de lo salvaje (Chris Sanders, 2020), que ha tenido numerosas traslaciones al cine y la televisión. Desde el punto de vista del trabajo musical, recordamos especialmente la hermosa banda sonora de Lee Holdridge para la tv movie Call of the wild (Michael Toshiyuki Uno, 1993). Pero la incursión de John Powell en esta película de aventuras familiar toma otros derroteros diferentes, y sin duda acertados. El tema principal, espléndido, se inicia desde el principio de la película "Wake the girls", pero aderezado por sonoridades folk con la utilización de instrumentos solistas como el banjo, la guitarra y los violines, que ya de entrada ambientan la historia en los vastos parajes del Yukón, en Canadá. Las sonoridades folk persisten a lo largo de la banda sonora, con la introducción también de la flauta, pero destacan sobre todo los temas que subrayan las escenas de acción, como "Train North", con la introducción de los coros por primera vez, pero especialmente en composiciones espléndidas como "Ice rescue" (majestuosa utilización de las voces corales), porque son los que más alejan a esta banda sonora de otros trabajos de John Powell como Kung Fu Panda (Mark Osborne, John Stevenson, 2008) o la ya mencionada trilogía de Cómo entrenar a tu dragón. Otra de las piezas a destacar en esta lograda banda sonora, es "Buck and Thornton's big adventure", desarrollo del tema principal en formato orquestal con la introducción de los instrumentos solistas principales que está entre las mejores composiciones de John Powell.
Milan Records 28 / 2 / 2020
Una de las más interesantes películas de amor adolescente que podemos ver en el incontable catálogo de este subgénero que se encuentra en la plataforma Netflix es esta historia que para el mercado de habla hispana se ha titulado Violet y Finch (Brett Haley, 2020). La música de Keegan DeWitt consigue plasmar el romanticismo entre estos dos jóvenes marcados por cicatrices emocionales que se complementan en una relación difícil pero emocionante. El tema principal, "All the bright places", que encontramos en diferentes versiones, se va desgranando en pequeñas dosis durante la primera parte de la película, cuando los protagonistas van entablando relación. Son pequeñas pinceladas de un tema en el que dialogan los violines y las flautas para construir un hermoso pasaje musical, hasta que termina desarrollándose y explotando emocionalmente en "Before I die wall/The blue hole", esa especie de premonición con la que se encuentran los dos protagonistas, ya consolidando su relación. En la segunda parte de la película, cuando la historia adquiere tintes más dramáticos, la música también se vuelve más melancólica, como en "Finch", un solo de piano etéreo y doloroso, o en "Saying goodbye", que explora también el dolor, pero con un aire de esperanza. Para una banda sonora que tiene que lidiar con la introducción de las consabidas canciones en este tipo de historias, el trabajo de Keegan DeWitt es emotivo y efectivo en la elaboración de una narrativa musical que nos acerca más a los personajes.
Milan Records 28 / 2 / 2020
Los músicos Dan Romer y Benh Zeitlin han colaborado juntos en varios proyectos, dos de ellos dirigidos por el segundo. Desde aquella exitosa incursión en el universo infantil sureño que fue Bestias del Sur salvaje (Benh Zeitlin, 2012), también han compartido batuta en el aclamado documental Brimstone & Glory (Viktor Jakovlesky, 2017) y en el drama sobre la inmigración Mediterranea (Jonas Carpignano, 2015). Ahora, esta nueva película dirigida por Benh Zeitlin, que le ha costado siete años poner en marcha, conecta directamente con los sonidos creados para su debut en la dirección, utilizando instrumentaciones similares, pero en un tono completamente distinto. Wendy (Benh Zeitlin, 2020) es una vuelta de tuerca a la historia de Peter Pan a través de la historia de uno de sus personajes secundarios. Si en Bestias del Sur salvaje, una pequeña orquesta nos acercaba a las sonoridades del Sur de Estados Unidos, aquí hay más aportación de cuerdas y orquesta tradicional, para crear temas de gran contundencia melódica como el hermoso "Into the night". Percusiones y pizzicatos (características del trabajo conjunto de ambos músicos) se dan la mano con una mayor presencia de instrumentos de cuerda y viento, que conforman un excelente tema principal, "Never grow up", que es al mismo tiempo épico e íntimo. Sobre este tema se construye parte de la banda sonora, con incursiones en escenas de acción bien elaboradas como "Want to fly?", perfecto en la instrumentación.
Milan Records 28 / 2 / 2020
Esta comedia francesa estrenada recientemente se centra en un grupo de mujeres que forman un equipo de fútbol para salvar a un pequeño club del Norte de Francia de la descalificación. En principio, resultaría algo extraña la elección de un compositor como Ibrahim Maalouf, trompetista de jazz de gran éxito en su país, y habitual compositor de bandas sonoras más dramáticas. Pero la realización y el desarrollo de este trabajo musical es singular, original y de gran efectividad. Ibrahim Maalouf opta aquí por componer una banda sonora interpretada exclusivamente por una banda de tambores y e instrumentos de viento, que reflejan la condición futbolística de la historia. Y consigue una de sus mejores incursiones en el mundo del cine, con temas magníficos rítmicamente elaborados como "Por elles", una especie de samba, o el contundente "Une belle équipe", que se sostiene principalmente en el magnífico trabajo de percusión. Corta en su duración, unos 26 minutos, la banda sonora contiene también otros logrados hallazgos como el tema de hip hop "Who's that girl" que interpreta Thaïs Lona, o el magnífico y dinámico "Back to Baskinta", que tiene aires de música étnica, y es uno de los temas que más nos gustan de la producción musical de este primer trimestre.
Universal Japan 4 / 3 / 2020
Resulta difícil escoger las mejores composiciones de esta banda sonora compuesta por Taro Iwashiro, uno de los grandes músicos de cine de los últimos años. Esta película, primera producción japonesa que se centra en el drama de la central nuclear de Fukushima, es una épica historia sobre los técnicos que trataron de contener la desintegración de las instalaciones tras el terremoto. Protagonizada por dos grandes actores japoneses, Ken Watanabe y Kôichi Satô, la banda sonora funciona casi como un requiem en honor del esfuerzo y el sacrificio de estos profesionales, y contiene magníficos pasajes melódicos que en la edición discográfica están estructurados en forma de Suites sinfónicas, con la participación de la Tokyo Philharmonic Orchestra y de un grupo de voces infantiles que otorgan mayor emotividad a las composiciones corales. Hay que destacar especialmente las cuatro suites sinfónicas con las que se abre el album, que desgranan el espléndido y hermoso tema principal en cuatro partes en las que destacan a veces los coros ("2nd Chapter: A gift") y en otras predomina el piano ("3rd Chapter: Operation"). Pero quizás el momento más emotivo de la banda sonora es "In Memorian F", desarrollo del tema principal al piano que pone los vellos de punta. Curiosa es la aparición de la clásica canción irlandesa "Danny Boy" en la banda sonora, interpretada por el coro infantil londinense The Choristers of the Temple Church, aunque es un tema al que Taro Iwashiro recurre a veces, como en la excelente versión que interpreta al piano en su album Behind the stories (2011, Silent). Estamos ante uno de los mejores trabajos de este maestro de la música de cine, y sin duda será una de las bandas sonoras más recordadas de 2020.
Ala Bianca Records 4 / 3 / 2020
Esta película cuenta la historia de Antonio Ligabue, pintor italiano, principal exponente del arte naïf, que tuvo diversas etapas de su vida ingresado en hospitales psiquiátricos, hasta que su talento como pintor comenzó a valorarse en los últimos años de su vida. Volevo nascondermi (Giorgio Diritti, 2020) es un film intimista que muestra la tortuosa trayectoria de un artista con una compleja personalidad, y cuena con un excelente trabajo musical de Marco Biscarini, con la colaboración de Daniele Furiati. La utilización de los instrumentos de cuerda, con el violín como instrumento solista, que refleja la compleja mente del artista en las distintas variaciones del tema "La Paizza I", forman parte de la narrativa musical de este trabajo. Mientras que la introducción de la voz solista de la cantante italiana La Tarma en composiciones algo etéreas como "Grains" o "Roma" ofrecen una perspectiva más humana del personaje. La música de Marco Biscarini es acertadamente compleja, más interesada en introducirnos en la personalidad del protagonista que en subrayar las escenas desde un punto de vista narrativo. Es por eso que puede parecer dispersa en ocasiones, pero esta dispersión también encaja en la poliédrica identidad del protagonista. Destacan también temas como "Toni funambulo", casi en tono minimalista, o el hermoso tema principal, "Invisible", que es escuchamos en versión vocal e instrumental, mucho más emocionante en el segundo caso.
Ala Bianca Records 5 / 3 / 2020
Esta película, también conocida como Alone with her dreams (Paolo Licata, 2020) se centra en la historia de una niña que forjará su personalidad cuando tiene que quedarse a vivir con su abuela, una mujer de carácter difícil, cuando sus padres deciden emigrar a Francia en busca de trabajo a finales de los años sesenta. Se trata de una historia intimista que habla de la dificultad de encontrar un lugar en la sociedad como mujer en una Italia profunda y tradicional. Para ello, el compositor Pericle Odierna ha creado una banda sonora bellísima, repleta de temas melódicos de un gran poder evocador, que está entre las composiciones más hermosas de este año. Intimista y emocionante es el tema principal, "Al mare con Lucia", que encontramos interpretado por el clarinete en este pasaje, y después se desarrolla en otras versiones, como "Sicilia 60", cuando la protagonista, Lucía, es ya una mujer adulta, y por tanto se desarrolla con una cadencia diferente, más compleja, menos inocente. Hermosos también es el tema de la relación entre Lucía y su abuela, que encontramos en "Maria e Lucia", interpretado al piano, que muestra la difícil relación entre ambas pero al mismo tiempo la íntima condición protectora de la abuela. En cierta manera, la banda sonora de Pericle Odierna nos recuerda a los trabajos de la compositora griega Eleni Karaindrou para el director Theo Angelopoulos, especialmente en temas como "Picciridda". Es elegante, de una gran belleza melódica.
Orange Mountain Music 6 / 3 / 2020
En febrero de 2019 se estrenó en los escenarios de Broadway una nueva versión de la obra de William Shakespeare "King Lear", con la particularidad de tener como protagonista a la veterana actriz Glenda Jackson que, a sus 82 años, volvía a los escenarios de Nueva York. Aplaudida por la crítica, la obra obtuvo sin embargo una sola nominación a los premios Tony, no para Glenda Jackson, sino para la actriz Ruth Wilson, a la que recordamos en la serie The affair (Showtime, 2014-2019). La música de la obra teatral está compuesta por Philipp Glass para un cuarteto de cuerda que se incorporó al escenario, participando activamente en el desarrollo de la trama. Estos mismos músicos son los que han grabado la partitura para su edición discográfica este mes de marzo. Con una duración de casi una hora, algo que no es habitual en el teatro, la música de Philip Glass adquiere un papel protagonista en la obra, y acompaña con una estructura casi cinematográfica a la evolución de un personaje psicológicamente complejo. Es una banda sonora introspectiva, que discurre por dos caminos diferentes: la descripción de la gradual evolución hacia la locura del personaje, en temas como "Let me not be mad", y la descripción de las consecuencias de sus actos, como en "Lear and the storm". En "Cordelia's prayer", el cuarteto de cuerda deja paso a una elegíaca composición para violín solista, que resulta conmovedora. Pero especialmente notable es el largo tema final, "Here is my pledge", que en sus 13 minutos desgrana una de los mejores recreaciones musicales sobre la culpa y el remordimiento.
Mon Voisin Productions 6 / 3 / 2020
El compositor francés es uno de los habituales en nuestra lista de las mejores bandas sonoras, gracias a trabajos espléndidos como La tortuga roja (Michael Dudok De Wit, 2016) o La biblioteca de los libros rechazados (Rémi Bezančon, 2018). En este debut de la actriz Sarah Suco como directora, que reflexiona sobre la opresión que ejerce una comunidad religiosa en la vida de una familia, Laurent Pérez del Mar desarrolla una corta pero efectiva banda sonora que tiene como eje principal un magnífico tema principal, emotivo y hermoso, en el que se introducen elementos de distorsión electrónicos que de alguna manera funcionan de igual manera que esa alteración mental que provoca la comunidad religiosa. "Les éblouis" comienza como un emocionante tema con cuerdas pero inmediatamente se introducen estas distorsiones electrónicas que complementan el pasaje melódico. Por su parte, el tema del personaje principal, "Camille", por el que la joven actriz Céleste Brunnquell fue nominada al Premio César, refleja el carácter liberador del personaje. Se trata de una variación del tema principal, pero sin distorsiones. Es desde el punto de vista de esta niña de 12 años desde el que la directora nos cuenta la historia, porque el personaje está basado en su propia experiencia cuando su familia se introdujo en una comunidad religiosa ante cuya experiencia se rebeló. "L'evasion" es otro de esos temas liberadores que contiene la banda sonora, hasta que el clímax, "La libération" es otra variación del tema principal, pero desarrollada como catarsis.
Lakeshore Records 6 / 3 / 2020
La miniserie estrenada por Amazon el pasado mes de enero cuenta por primera vez la historia de Elizabeth Kelly, que fuera novia de uno de los asesinos más sanguinarios de Norteamérica. La música de la compositora Ariel Marx, de la que conocemos otros trabajos interesantes como The tale (Jennifer Fox, 2018), tiene un carácter intimista que está representado por el uso de una pequeña formación de cuerdas que es la principal protagonista de este trabajo musical. Hay temas íntimos como "Boy meets girl", con la introducción del piano como elemento emocional, que aportan ese grado de acercamiento necesario al personaje principal. Pero también hay pasajes más contundentes como "Con man", que apoyan la tensión en los instrumentos de cuerda. Esa personalidad doble del asesino, seductor por un lado y amenazador por otro, la encontramos en temas de mayor suspense como "Predator of kindness", que de nuevo introduce el piano, pero con una cadencia más oscura, casi de película de terror. Estamos ante una banda sonora compleja, que consigue introducirnos en la psicología de los personajes, como ha hecho Ariel Marx en otros trabajos anteriores, utilizando elementos austeros pero de gran efectividad.
Miland Records 13 / 3 / 2020
Presentada en el pasado Festival de Berlín, la última película de la directora británica Sally Potter está protagonizada por Javier Bardem en el papel de un padre que deambula por Nueva York con su hija, tratando de resolver los conflictos y las decisiones que tomó en el pasado. Como es habitual en la realizadora, ella también compone la música original de la película, destacable a pesar de las malas críticas recibidas por su último trabajo. Sally Potter ha compuesto algunas bandas sonoras interesantes como Orlando (Sally Potter, 1992), junto a David Motion, y aquí despliega un interesante acercamiento a la inestable psicología del personaje principal a través de dos caminos diferentes. Por un lado, su trayectoria a través de un día en la ciudad de Nueva York, que es reflejada a través de sonoridades de aire jazzístico, con instrumentaciones como la guitarra eléctrica o el bajo, a la que se incorpora la humanidad del personaje a través de las cuerdas ("Thinking", "Mother's day"). Por otro lado, esa difícil mirada que hace Sally Potter a la mente de un hombre que sufre demencia, aquí mostrada en forma de cuarteto de cuerda en temas como "Another road". Esta característica del personaje, su transformación en otras posibles vidas que pudo haber vivido dentro de su mente, es uno de los elementos mejor subrayados por la música en pasajes de gran melancolía como "Slow gone" o en ese pausado vals, "A slower waltz", que hacen de este uno de los trabajos musicales de la directora.
Moderna Records 13 / 3 / 2020
Primer trabajo como compositor en solitario del músico islandés Snorri Hallgrimsson, este documental acompaña a James Sebastiano, un joven que a pesar de tener éxito desde el punto de vista económico, necesita encontrarse a sí mismo en un viaje por el mundo. La banda sonora es un trabajo introspectivo que tiene buena parte de la sonoridad de los trabajos musicales de Ólafur Arnalds, con el que Snorri Halgrimsson colabora habitualmente, habiendo trabajado también en proyectos audiovisuales del cantante, como la serie Broadchurch (ITV, 2013-2017). Se trata de un trabajo atmosférico pero que al mismo tiempo nos introduce en este viaje físico y también de conocimiento personal a través de pasajes hermosísimos como "Flow" o "Lacuna", temas para piano solista con incorporación de sonoridades electrónicas. La presencia de elementos electrónicos está especialmente presente en composiciones como "Reality", que resulta absorbente e hipnótica. En general, el documental de Mark Waters es una pieza audiovisual introspectiva, y requiere de estas creaciones sonoras envolventes, que resultan indisociables de las imágenes. mención especial para el bello final con el tema "Acceptance", dúo entre el piano que interpreta Snorri Hallgrimsson y el violonchelo de Unnur Jónsdóttir, otra colaboradora habitual de Ólafur Arnalds, que emociona con solo dos notas.
Deutsche Grammophon 27 / 3 / 2020
Estrenada en el pasado Festival de Berlín, Last and first men (Jóhann Jóhannsson, 2020), es también la primera y última película dirigida por el compositor islandés, fallecido en 2018 a causa de una mezcla fatal de medicamentos y cocaína. Este documental, que se edita ahora en blu-ray junto al CD con la banda sonora, toma como base la novela de ciencia-ficción La última y primera humanidad (1930), escrita por Olaf Stapledon, cuyos fragmentos son leídos por la actriz Tilda Swinton mientras vemos imágenes de edificios y construcciones de la denominada "arquitectura brutalista", desarrollada entre los años 1950 y 1970, y muy presente especialmente en los países del Este. La sobriedad de estos edificios, cuya intención grandilocuente y nacionalista se ha perdido entre guerras y crisis económicas, adoptan la forma de una especie de mausoleo que se subraya con el texto de una novela que habla de la desaparición de la raza humana. El dramaturgo español José Enrique Macián y Jóhann Jóhannsson son los autores de la adaptación de la novela original en forma de soliloquios que, en algunos momentos, recuerdan al ejercicio cinematográfico de La jetée (Chris Marker, 1962). La música, con creaciones del compositor junto a Yair Elazar Glotman, funciona como una especie de Réquiem a lo lago de pasajes de sonoridades oscuras, muy al estilo de su autor, como en "Physical description of the last human beings", o en el hermoso "Slow destruction of Neptune", una de las contribuciones de la compositora Hildur Guđnadóttir. Melancólica, triste, oscura, esta banda sonora construye una atmósfera perturbadora e inquietante, que nos habla de un futuro pesimista.
Moviscore Media 27 / 3 / 2020
El biopic sobre una de las figuras míticas de la historia del fútbol (el Dynamo de Kiev le dedicó un homenaje el pasado mes de octubre cuando hubiera cumplido 90 años), es una superproducción rusa que acompaña al protagonista desde sus modestos comienzos hasta convertirse en toda una leyenda. El compositor George Kallis, nacido en Chipre pero residente en Los Angeles, ha creado una banda sonora que potencia el carácter épico de la historia de este futbolista. Si en Une belle équipe (Mohamed Hamidi, 2019) hablábamos de una música con elementos sencillos pero efectivos, aquí estamos ante un trabajo completamente diferente, pero igual de certero. Se trata de una hermosa banda sonora que sigue los parámetros clásicos, construyendo diferentes leitmotiv que acompañan al personaje, mostrando la diversidad de su trayectoria vital. Está el tema de la épica deportiva en "Ballon d'or", el tratamiento romántico en "Lev and Valya" o la condición de leyenda que se desarrolla especialmente en "Alone in the goalpost", que introduce voces corales para subrayar la condición legendaria del protagonista. Nos gusta especialmente la composición "European Champions", que introduce algunos de estos leitmotivs en una creación musical que exalta la épica del deporte y la superación.
Fat Beats Records 27 / 3 / 2020
Una de las películas más polémicas que se proyectaron en el Festival de Sundance de 2019 es Mope (Lucas Heyne, 2019), basada en la historia real de dos jóvenes que trabajan en el mundo del porno amateur y sueñan con convertirse en estrellas, pero cuyos sueños están a años luz de la realidad. La historia de Stephen Clancy Hill, cuyo nombre artístico era Steve Driver, en homenaje a la película Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976), es una de las más trágicas de la historia del cine porno. El compositor y diseñador de sonido Jonathan Snipes adopta en la banda sonora las sonoridades electrónicas de la década de los setenta, y construye un interesante trabajo que funciona en la mayor parte como ambientación perfecta de la música de la época. Empezando por una versión muy sui generis de la "Cabalgata de las Valquirias" de Richard Wagner en el tema inicial "Ride of the Bukkake Boys" que , en su interpretación con sintetizadores y voces corales, también parece un homenaje a Wendy Carlos. La revisión de Richard Wagner también está presente en el "Liebestod" de "Tristán e Isolda" que suena al final de la banda sonora. Hay otros momentos en los que, como en "Welcome to the game", parece haber una referencia clara a la música de Giorgio Moroder. Mope (Lucas Heyne, 2019) funciona, así, como un espléndido homenaje a la música de sintetizadores de los años setenta, pero también tiene entidad en los temas más dramáticos como en la larga suite "We could be stars".
Downhill y The photograph se estrenan en España el 8 de mayo.
True history of the Kelly Gang se estrena en España el 17 de julio.
Une belle équipe se estrena en España el 24 de julio.