Recordando la Música de los '60s (Parte 8)

Seguimos con los especiales que, a lo largo de todo este año 2013, rescataremos del olvido grandes discos conocidos o no, de la prolífica década de los sesenta.
BOB DYLAN - Bringing It All Back Home 1965

Título clave en la discografía de Bob Dylan, pues en este trabajo electrifica por primera vez su sonido y ensancha (a pesar de las críticas de los puristas del género) su sonido folk a otras latitudes como el rock'n'roll y el blues. Asimismo, expandió el significado de sus letras, influenciado a todos los grupos y solistas de su generación (y siguientes).

Este disco fue el inicio de una trílogía de discos imprescindibles: "Bringing It All Back Home", "Highway 61 Revisited" y su gran obra maestra "Blonde On Blonde".

Una primera carga de predominio eléctrico se encuentra en sus temas iniciales con materias que van desde una críptica imaginería surrealista a retazos humorísticos, irónicos y amorosos. Se exponen sus textos en piezas clásicas de melodías repetitivas como "Subterranean Homesick Blues", "She Belongs To Me", "Maggie's Farm", "Love Minus Zero" (la canción más bella del álbum) o "Bob Dylan's 115th Dream" (la más surrealista).

La cara B es totalmente acústica y en ella se encuentran cuatro grandes canciones (probablemente de las mejores de un disco acusado de eléctrico), entre las que destacan la sensacional "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)", repleta de comentarios sociales y políticos, "Mr. Tambourine Man", posteriormente un éxito para los Byrds, y la sensacional "It's All Over Now, Baby Blue", otro de sus temas más populares y versionados.

Entre los músicos de sesión que utilizó Dylan se encontraba tocando el bajo John Sebastian, futuro líder de Lovin' Spoonful.Fuente: http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article432.html

THE FLYING BURRITO BROTHERS - The Gilded Palace Of Sin 1969

Gram Parsons exhibiendo su talento para crear narraciones agridulces en formato country-rock con retazos folk, blues e incluso gospel, trayectos plagados de matices emocionales y apuntes sociales.

Los temas están escritos casi en su mayoría junto a su ex compañero de los Byrds, el bajista Chris Hillman, ocupado aquí en la guitarra rítmica y en la mandolina y dejando las cuatro cuerdas para Chris Ethridge, antiguo miembro de la International Submarine Band, primera formación de Parsons, con el que compone dos de sus canciones más celebradas, "Hot Burrito #1" y "Hot Burrito #2".

En el recorrido lírico de Hillman/Parsons nos topamos con infames personajes femeninos (la magnífica "Christine's tune"), otras salvadoras ("Juanita"), ciudades corruptas y vendidas al capitalismo ("Sin city"), evocaciones antibélicas ("My uncle"), huidas libertarias en motocicletas ("Wheels") e irónicas miradas a los movimientos culturales de la época ("Hippie Boy").

Junto a Etheridge, Parsons escribe las referidas y magníficas "Hot Burrito #1" y "Hot Burrito #2" y con el bluesman Barry Goldberg la triste "Do you know how it feels", pesarosa descripción sobre la soledad.

Dos versiones sobre canciones de Dan Penn ("Do right woman", junto a Chips Moman, y "Dark end of the street", co-escrita con Spooner Oldham) compactan el tono afligido y sensible que suele acompañar toda la obra de Gram Parsons.Fuente: http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article529.html

DONOVAN - Sunshine Superman 1966

Las admirables melodías, los arreglos o su encantadora voz son algunos de los rasgos musicales de Donovan, subestimado cantante y compositor folk y pop psicodélico que con este soberbio "Sunshine Superman" logró su cima como cantautor.

El álbum oferta cánticos hippies de amor y paz con sonoridad llena de ornamentos, recuerdos a músicas pretéritas con sonidos inventivos en los que participó gente como Jimmy Page a la guitarra eléctrica, A. Friend al violín o Sheila Phillips al sitar.

Las magníficas canciones, producidas por Mickie Most, incluyen su gran éxito en single "Sunshine Superman" y glorias como "Season of the witch", "Guinevere" "The Fat angel" (dedicada a Mama Cass de Mamas & The Papas) o "Bert's blues" (el Bert del título es el músico de folk escocés Bert Jansch), aunque es una pérdida de tiempo decir títulos, ya que todo el álbum es pura delicia.Fuente: http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article503.html

BB KING - Live At The Regal 1965

No podía ser fácil aprender a tocar la guitarra eléctrica criándote en un pueblo sin electricidad, pero en el momento en que BB King llegó a Chicago desde Indianola, Mississippi para tocar en el Regal Theater en Noviembre de 1964, había pasado treinta y nueve años de su vida intentándolo. Viendo cómo tomaba el escenario esa noche con más de veinte singles bajo su ancho cinturón, una célebre guitarra Gibson llamada "Lucille" colgada a la espalda y una verdadera legión de mujeres balanceándose en los anfiteatros, se puede decir que había conseguido su objetivo.

Sin lugar a dudas, estamos ante uno de los álbumes clave, no solo del blues, sino de la música en general. En este álbum tenemos a un BB King en todo su esplendor dando rienda suelta a su técnica exquisita y estilo de puntear como nunca su guitarra "Lucille".

Ya desde el primer corte nos damos cuenta de ello, en el que arranca con esa impresionante versión del clásico de Memphis Slim "Everyday I have the blues", en el que se puede apreciar como el excelente bluesman conecta con su público, guiándolos por la sala como un predicador del delta, extrayendo gemidos y sollozos, y seduciéndolos con un intercambio a tres bandas entre él, y su Lucille.

Diez temas que ya son historia e influenciaron a colosos como Jeff Beck o Eric Clapton entre otros. Ahí es nada. Temas básicos de su propio puño y letra como "You Upset me baby", "It’s my own fault" o "Woke up this morning (my baby's gone)", se entremezclan con versiones de infinita belleza como la antes citada, y que ayudó a coronar a BB King al estatus de "Rey del Blues".Fuentes:
http://rockland70.blogspot.com.es/2012/11/bb-king-live-at-regal-1965.html
Reseña de Matthew Oshinsky (MO) de "BB King Live at the regal" para el libro 1001 Discos que hay que escuchar antes de morir de Robert Dimery.

NINA SIMONE - Wild Is The Wind 1966

Nina Simone podía cantar blues como Billie Holliday, o jazz como Ella Fitzgerald. El hecho de que, estilísticamente hablando, no fuera tan consistente como ningna de ellas dos fue un gran obstáculo en su carrera que hizo que muchos críticos la suestimasen. Pero a mediados de los '60 se había demostrado a sí misma que podía sentirse igual de cómoda en los mundos del jazz, Broadway, el gospel, el pop, y el folk, y era capaz de crear una música satisfactoria, a la par que desconcertante, allí donde iba.
Pese a estar registrado a partir de sesiones de estudio y grabaciones en directo comprendidas entre 1964 y 1965, "Wild is the wind" es el mejor ejemplo de cómo el eclecticismo de Simone podía enajar en una obra musical cohesiva. El disco exhibe una asombrosa variedad, en el que los once temas introducen al oyente en un viaje sinuoso, pero siempre convincente, por distintos y emociones.
Simone está exultante en el temade apurtura "I love your lovin' ways", que hace que el melancólico corte que le sigue, "Four Women", resulte todavía más devastador.
"Why keep on breaking my heart" y "Eiher way I lose" parecen destinadas a satisfacer al público de pop masivo que había convertido la versión de Simone de "I loves you, Porgy" en un gran éxito de 1959. Pero la cantante mejora su interpretación cuand se preocupa principalmente por satisfacerse a sí misma. Destaca el ema que da nombre al álbum, que es un "tour de force" que dura casi siete minutos y constituye una canción de amor que se cuenta entre lo mejor de su repertorio.Fuente: Reseña escrita por Jim Harrington de "Nina Simone Wild is the wind" para el libro 1001 discos que hay que escuchar antes de morir de Robert Dimery.

Fuentes:Imágen de la portada extraída del dibujo "Mundo Submarino II" creado por Susana para su recomendado blog "Sirena sin mar" (Adaptada por Oscar Vela).
http://sirenasinmar.blogspot.com.es/2013/06/mundo-submarino.html