#Músicaparaelencierro. Roberto I. Quesada nos trae más minimalismo, ahora con el compositor y multiinstrumentista Terry Riley, un autor que Callenep ya nos había presentado en "The Minimalists" de Orkest De Volharding, un autor adelantado en el tiempo, un verdadero inventor de las reiteraciones evolutivas e hipnóticas, usando loops y sonidos electrónicos, desarrolló una obra inspiró a gente como Mike Oldfield, Brian Eno, Robert Fripp, el vampiro Klaus Schulze, y prácticamente toda la Escuela de Berlín, en un disco que incluso inspiró a los Curved Air su propio nombre. Como dice un blog: "verdadera influencia para todo bicho viviente que estaba por llegar. Su marca está en el Kraut, el Canterbury más avanzado, el R.I.O. el rock de cámara y progresivo en general". Cultor viviente de la vanguardia, "A Rainbow in Curved Air" fue su tercer trabajo experimental, sexto en su discografía, cerca del ambient y del estilo de su maestro John Cage. Una forma revolucionaria de entender la música, que inspiraría toda la próxima psicodelia, aparece en el blog cabezón comentado por el señor Quesada.
Artista: Terry Riley
Álbum: A Rainbow in Curved Air
Año: 1969
Género: Minimalismo 7 Ambient / Experimental
Duración: 40:26
Referencia: Discogs
Nacionalidad: EEUU
Interesado también en las nuevas formas de jazz, cita a John Coltrane, Miles Davis, Charles Mingus, Bill Evans y Gil Evans, como parte influyente de su estilo en proceso. Sin olvidar al maestro de la vanguardia, John Cage.
Toda la música de esta grabación la toca Terry: toca el órgano eléctrico, el harpsihord eléctrico, el rocksihord, el dumbec y la pandereta; "Poppy Nogood And The Phantom Band" es para saxo y órgano eléctrico. Si en la primera cara asistimos casi al parto de la Berlín School, en la segunda lo hacemos del Rock in Opposition. Tal es la importancia clave de éste fabuloso álbum. Aquí, presentado por Roberto I. Quesada.
El Minimalismo en si, no es más que un término que se acuño en los 60 por Michael Nyman (algunos dicen que por Tom Johnson) para definir a la música de vanguardia- principalmente la que se hacía en los EEUU-de compositores como Philip Glass, La Monte Young, Steve Reich, Morton Feldman y Terry Riley, precisamente es este último quien compusiera una de las obras más imponentes de este movimiento, su obra maestra "In C" (En Do) de 1964.
Las repeticiones constantes y/o simultaneas de un motivo musical, escalas limitadas, el uso de elementos mínimos, variaciones rítmicas mínimas, asi como los patrones de notas de una tonalidad en particular que se repiten ad infinitum son el núcleo principal de la música minimalista.
Hay también mucho uso de loops o cintas que se repiten, sonidos que se escuchan simultáneamente pero que están desincronizados como en la técnica del "Phasing" de Reich, existen también las famosas vibraciones musicales (yo le llamo el efecto resorte), vibraciones que se perciben a la hora de escuchar este tipo de música. Si de lo progresivo o rock arte se trata citar a Brian Eno, Robert Fripp, Klaus Schulze, John Cale y Harold Budd o a grupos como Kraftwerk, Can y Neu! quienes se han influenciado por esta corriente musical, concretamente de Terry Riley.
Riley es originario de California y la primera pieza que compuso fue "mescalin mix" circa 1960. Este individuo grabo bastantes obras interesantes, por supuesto señalar la del motivo de mi reseña, "un arco iris en el cielo curvo" que es una de sus más conocidas y que en tan solo dos temas se puede apreciar la belleza de la reiteración rítmica y el uso primigenio de loops. Una característica notoria en los temas es que su sonido precedió a lo que hiciera el tandem Fripp/Eno en "No Pussyfooting", de hecho, Riley uso algo que el llamaba "time lag accumulator" (acumulador de retraso temporal) que basicamente era un sistema de "reel to reel" con una grabadora Revox, igual a la que usara Fripp para producir sus frippertronics.
Temas:
1.- A Rainbow in Curved Air, for electric piano, dumbak & tambourines (partially improvised) (18:48):
Un comienzo extraordinario con puras pulsaciones repetitivas e hipnóticas de teclados y sonidos acelerados de piano eléctrico con ciertos ciclos ritmicos bastante diversos; a los 6:40 se empieza a "curvear" la melodía para que podamos distinguir la timbricidad variada de algunos instrumentos de percusión, así como algunos efectos de órgano que le dan al tema un matiz medio electrónico y exótico terminando con un motivo en donde se percibe algo de influencia hindú.
2.- Poppy Nogood and the Phantom Band, for soprano sax, electronic keyboard & tape delay (partially improvised; from "Dorian Reeds") (21:38)
Aquí Riley hace uso del "time lag accumulator" a todo lo que da y prácticamente no existe ritmo ni melodía solo una textura sonora mántrica continua, algo así como una capa de sonido fantasmagórica creada por los loops. El saxo soprano poco a poco se va convirtiendo en una especie de flauta encantadora de serpientes produciendo un motivo de jazz modal repetitivo-inspirado en "my favorite things" de Jonh Coltrane-con un drone de órgano "sostenido" para terminar con una escalada descendente en su hermosa coda.
Discos similares:
- No Pussyfooting (Fripp/Eno)
- Evening Star (Fripp/Eno)
- Mirage (Klaus Schulze)
Para los que quieran adentrarse al minimalismo sin duda alguna empezar por este disco o con "Music For 18 Musicians" de Steve Reich.
Roberto I. Quesada
Compuesta en 1967 y publicada un par de años después, se trata de una composición interpretada íntegramente por su autor, quien se encarga de tocar el órgano eléctrico, las percusiones y multitud de cachivaches electrónicos. Sólo tenemos que escuchar los primeros segundos de la pieza para darnos cuenta de su influencia en un gran número de estilos musicales que iban a surgir en los años siguientes, especialmente toda la rama de la música electrónica conocida como "Escuela de Berlín". Sin la ayuda de los aún inexistentes secuenciadores, Riley nos deja una pieza de auténtico espíritu "berlinero" si se nos permite la expresión, sobre la cual improvisa sus complejos arpegios y progresiones que terminaron por constituir la esencia del género minimalista. Son 18 minutos de música pero su influencia ha llenado decenas y decenas de discos desde su publicación.
EL disco se completa con otra composición de corte radicalmente distinto titulada "Poppy Nogood and the Phantom Band". En este caso tenemos a Riley interpretando el saxofón sobre un fondo de sonidos de órgano, loops de cintas y demás recursos electrónicos (que son la banda fantasma a la que alude el título de la pieza).
La grabación, publicada por CBS en su momento, se convirtió en una referencia fundamental para un buen número de músicos de todo tipo e incluso en una bandera del movimiento psicodélico. Las notas de la edición original eran un sencillo poema de espíritu "hippie" que pasamos a reflejar:
"Y todas las guerras acabaron.
Todo tipo de armas fueron prohibidas y las masas, amablemente las llevaron a grandes fundiciones donde fueron destruidas y sus restos devueltos a la tierra.
El Pentágono se pintó de violeta, amarillo y verde.
Todas las fronteras desaparecieron.
La carnicería de animales fue prohibida.
El bajo Manhattan de convirtió en una pradera en la que se permitió a los indigentes del Bowery vivir todas sus fantasías bajo el Sol y fueron sanados.
La gente nadaba en refulgentes ríos bajo un cielo azul, vestidos sólo con el incienso que producían las nuevas fábricas.
La energía de las antiguas armas nucleares suministraba luz y calor para todos de forma gratuita.
La salud del planeta fue restaurada.
Gran cantidad de verduras, frutas y cereales crecieron de forma salvaje en las antiguas autopistas.
Todas las banderas se unieron para crear inmensas carpas de circo en las que se permitía a los políticos representar inofensivas obras teatrales.
Nadie recordaba el concepto de trabajo."
Mike Shooter Se llega al tercer álbum de estudio de Terry Riley como al final de una peregrinación a lo largo de la filogenia de la música electrónica: un proceso hacia el origen, hasta la forma basal del género. Eso queda en evidencia ante todo en las secuencias aceleradas que hacen al fondo de los 18:51 (divididos en algo así como los tres movimientos típicos de un concierto: un segmento de tempo rápido hasta los seis minutos y medio, otro más lento hasta los once y, finalmente, otro rápido) que dura la pieza que da nombre al disco, sobre las que Riley improvisa en teclados y percusión, con una atención especial al derbake (algo así como una versión árabe del tabla indostaní) en el tercer movimiento.
Todavía faltaban algunos años para que Tangerine Dream y Cluster elaboraran sobre el procedimiento (o para que The Who lo empleara en "Baba O'Riley"), de modo que en 1969 "A rainbow in curved air" debió sonar como música de otro universo. Por supuesto que había maneras de decodificarlo: saltaba a la vista que Riley había tocado todos los instrumentos y que, por tanto, el disco sólo podía existir en el contexto del estudio. En esa línea de lectura -que tendría algo así como su cenit en "Tubular bells"-, "A rainbow in curved air" podría ser pensado como la culminación de un proceso que había encontrado en The Beatles una visibilidad extraordinaria: aquel que volvía al "álbum", a la música grabada, algo completamente diferente al registro de una actuación en vivo: un objeto sónico que no representaba nada sino que era una cosa en sí. Evidentemente, "A rainbow in curved air" podría ser reconstruido por un grupo de músicos, pero en su concepción, en su origen, en su expresión primera, digamos, está la separación de algo que pueda sonar en el momento, de la sensación instantánea de la música. Pero, a la vez, esa respuesta al instante de una sensibilidad musical aparece, bajo la forma de un proceso improvisacional, de la idea de que Riley o la sensibilidad de Riley "respondió" en la grabación a las sucesivas capas de sonido. Y eso lo convierte, por cierto, en una pieza conceptual compleja.
Las secuencias podrían entenderse como loops especialmente acelerados, lo cual ofrece otra línea de lectura del disco, dada en conexión con más obras de Riley y el minimalismo musical. De hecho, la otra composición del disco (la que ocupa el lado B, titulada "Poppy Nogood and The Phantom Band") es más reconocible dentro de esa estética, y, en sus repeticiones creadas con loops de cinta, guarda una notoria semejanza con el procedimiento generador de "In C" (1963), otra de las piezas más famosas de Riley.
La belleza de "Poppy Nogood and The Phantom Band" es simplemente sobrecogedora, y quizá ofrece el contrapunto oscuro e inquietante a la luminosidad del lado A. Uno de sus mejores momentos está hacia 7:27, cuando se traban entre sí diferentes loops de saxofón, sobre un pulso grave de órgano, o en 15:24, cuando los ecos aprecen multiplicarse de pronto, en un juego asombroso con el tiempo que podría ilustrar a la perfección -sónicamente, es decir- la novela "El mundo de cristal", de J.G.Ballard
Ramiro Sanchiz
Lista de Temas:
1. A Rainbow In Curved Air
2. Poppy Nogood And The Phantom Band
Alineación:
- Terry Riley / Todos los instrumentos