Wade Guyton

Cualquiera puede elegir una imagen interesante, porque las imágenes ya parecen estar cargadas de significado. Quizás sea más difícil encontrar algo que tenga más potencial y no esté lastrado con tanto equipaje.

La obra de Wade Guyton (nacido en 1972 en Hammond, Indiana aunque actualmente vive y trabaja en NY) es posiblemente una de las más originales de cuantas se pueden encontrar en el panorama artístico actual y una de las referencias del arte estadounidense de su generación junto a artistas como Kelley Walker, Seth Price y Josh Smith. Tras finalizar sus estudios en la Universidad de Tenesee y en el Hunter College de NY se interesó por los movimientos de vanguardia del siglo XX, y sus repercusiones en el minimalismo y en el arte conceptual, centralizando sus investigaciones en las creaciones del constructivismo de la Bauhaus, los trabajos de Franz Kline, Ad Reinhart, Barnett Newman, Agnes Martin, la Rothko Chapel y las obras de la etapa de los Black Paintings de Frank Stella. Su obra se enmarca en un estructuralismo abstracto que recoge influencias de los artistas y movimientos pictóricos anteriormente mencionados, para integrarlos como referentes dentro de una producción que huye de la grandilocuencia que parece inundar la creación moderna actual, donde parece primar la originalidad, la cultura de la imagen y la estética artificial frente a otros criterios como la coherencia y la integridad dentro de la producción artística.

Del mismo modo en el que los artistas de la Escuela de Nueva York, encabezados por Jackson Pollock confiaban en el acto físico de pintar y en los efectos aleatorios que producirían los goteos y derrames de pintura en el cuadro, Guyton confía y se “apropia” de la reproducción mecánica/pictórica de una impresora como proceso artístico. Los resultados son creaciones ingeniosas y elegantes que recogen todas las fases del proceso conceptual al que el artista somete sus obras. Su estilo post-minimalista y su método de trabajo visionario parecen haber convencido no sólo a los coleccionistas y galeristas, sino también a los críticos y teóricos del arte, quienes ven a Guyton  como a alguien que juega con el hecho de que la abstracción ya existe en la reproducción y como reproducción y a su obra como una prolongación del ready-made y de la idea de apropiación propia de Duschamp, augurando la muerte del arte handmade. Prueba de este éxito es el respaldo institucional que las creaciones que Guyton han recibido por parte de los más importantes museos del mundo (PS1-MoMA, Whitney, Musee d’Art Moderne et Contemporain de Geneva, Kunstverein Hamburg…) que no sólo han adquirido numerosas obras de este artista, sino que le han dado un tratamiento privilegiado dentro de sus colecciones. Baste señalar, que en la exposición What is Painting? organizada por el MoMA y curada por Ann Umland, una de las obras de Guyton fue colocada la última sala, junto a artistas de la talla de Sarah Morris o Gabriel Orozco, dando a entender que Guyton viene a ser, para el S. XXI lo que Georges Seurat fue para el S.XIX y Frank Stella para el S. XX. Y lo cierto es que en cierto sentido no le falta razón: si entendemos el uso del color negro como nexo de unión entre los tres lo único que les diferencia es el modo de utilización del mismo. Mientras que Seurat empleaba el grafito para crear escenas nocturnas y teatrales, Stella en sus Black Paintings pinta composiciones lineales en negro como precursoras del Minimalismo. La evolución natural de esta tendencia es por tanto Guyton, que se sitúa en otra esfera con respecto a sus predecesores, al no tener ningún contacto físico con la obra ni poder tomar decisiones que determinen el resultado final de su trabajo. Muy al contrario, se limita a observar como la obra surge de la impresora tras haber sido procesada mecánicamente, lo que paradójicamente convierte al artista en el primer espectador de su propio trabajo.Durante los primeros años de su carrera artística Guyton comenzó trabajando con esculturas de corte reduccionista e impresiones sobre pequeñas páginas arrancadas de libros de arquitectura o de monografías y catálogos de arte. Para ello empleaba una pequeña impresora convencional Epson de inyección de tinta, que le permitía plasmar imágenes de un tamaño limitado. Estas imágenes solían ser geometrías sencillas o tipografías del Microsoft Word entre las que destacaban circunferencias y curvas en forma de U. Esta mezcla de fuentes primarias, simbología añadida mecánicamente, y restos dejados por la impresora en el papel (borrones, manchas…) creaba un vocabulario visual único, que permanece indefinido y abierto a la interpretación personal.

El triunfo temprano de Guyton le permitió adquirir, a finales de 2004 una impresora de gran formato en color (Epson Stylus Pro 4000/9600 Ultrachrome) que usa sistemáticamente para realizar nuevas y muy sugerentes aportaciones sobre la tradición de la pintura del siglo XX, centrándose especialmente en la Bahaus y en las pinturas de campos de color de los pintores norteamericanos. La adquisición de esta maquinaria le permitió aumentar ostensiblemente la gama de colores y la escala de su obra, llegando a obtener imágenes que se acercan al metro de altura. Sin embargo, parece que el ancho que admite la impresora (110 cm.) no resulta satisfactorio, por lo que suele montar sus imágenes en dípticos desdoblados. El modo de trabajo resulta bastante sencillo: tras crear un motivo con Photoshop, el artista dobla por la mitad un lienzo con capa de imprimación (normalmente destinados al óleo) para que quepa dentro de la maquinaria. Tras pasar la tela por la impresora un buen número de veces, como atestiguan las diferentes capas de tinta que se amontonan sobre su superficie, y desdoblar el lienzo, el resultado final que se obtiene es un cuadro con una línea o pliegue vertical (que recuerda  a las “cremalleras” de Barnett Newman) que divide el cuadro en dos mitades ligeramente diferentes. Pese a la uniformidad del proceso empleado, los resultados varían en función de consideraciones como la cantidad de tinta disponible o la falta de alineación en la impresión, lo que hace que cada obra sea un testimonio de un proceso de impresión único e irrepetible. Hay telas que reaccionan de distinta forma al recibir la tinta de la impresora, pero esto no es ningún problema puesto que el azar juega un papel muy importante en la obra de Guyton. De este modo, cuando el artista observó que algunas telas absorbían demasiado la tinta en vez de dejarla reposar en la superficie, en un principio prescindió de ellas, pero más tarde, cuando decidió imprimir un rectángulo negro hecho en Photoshop con motivos pertenecientes a trabajos anteriores comprendió que podían serle útiles. Al pasar muchas veces la tela por la impresora se creaban superficies negras de muy distintas intensidades en función de la incidencia de factores externos (las veces en las que retira prematuramente la tela antes de finalizar la impresión, de cómo las arrastró por el suelo entre cada impresión, de cómo cambió las cabezas de la impresora, de la marca de las cabezas sobre la tela, de la cantidad de tinta que se filtra en la tela…) que otorgan aspectos insólitos en las diferentes superficies a través de una cadena de operaciones sencillas. Este fue el modo en el que nació la serie de  Ostensibly Black Monochromes, expuesta durante 2007 con gran éxito en la Friederich Petzel Gallery, en la Galerie Chantal Crousel y en Portikus.El lenguaje visual empleado por Guyton en sus obras más recientes ha sido acertadamente definido por la historiadora del arte Johanna Burton, como “fácilmente atribuible a cualquier contexto, pero, al mismo tiempo no perteneciente a ningún contexto en concreto”, lo que favorece la creación de asociaciones y contextualizaciones internas por parte del espectador:

• Las llamaradas añadidas mediante Photoshop otorgan fuerza, luz y color a los cuadros habitualmente apagados de Guyton. El fuego siempre surge de la parte inferior de los cuadros y trepa  a través del cuadro, dejando trazos de su combustión en su camino. Muchas de estas reproducciones en las que el fuego ocupa un papel primordial, tuvieron una notable presencia en la exposición Color, Power & Style, de la Friedrich Petzel Gallery, y están disponibles a la venta en la Galerie Chantal Crousel
• Las rayas y líneas, tanto verticales como horizontales sirven para ejemplificar el conocimiento que Guyton tiene de la historia del arte del S. XX. Por ejemplo, esta primera obra a rayas (que desgraciadamente no se aprecian) fue la única pintura blanca dentro de la exposición For Immediate Release, en la que el artista presentó sus Ostensibly Black Monochromes en la Friederich Petzel Gallery. En ella el artista deja claras sus preferencias por artistas como Hanne Darboven, Agnes Martin o Jan Schoonhoven.En este collage resultan evidentes las influencias del primer Stella y de Jasper Johns.Y en esta tercera pieza, mucho más reciente y expuesta en la galería Gio Marconi de Milano, recuerda por su composición y por el tratamiento del color a la obra del artista conceptual francés Daniel Buren.
• Las figuras geométricas (sobretodo cuadrados y círculos) son figuras fácilmente reconocibles que dotan de estructura y de ciertos elementos paisajísticos a las composiciones abstractas de Guyton, acercándolo de algún modo a Robert Mangold o incluso a un cierto Victor Vasarely deconstruido.
• Las letras o tipografías (X’s y U’s) Son sin duda una de las señas de identidad de las obras de Guyton. Su presencia es constante y repetitiva en sus cuadros, como si pretendiese comunicar algún mensaje o significación. Existen cuadros con una solitaria X gigantesca que domina la totalidad de su superficie, como si se quisiese tachar el vacío o indicar un punto en concreto del mismo. Al verse obligado a imprimir cada mitad del cuadro por separado, estas obras se subdividen en dos mitades que contienen dos signos matemáticos: > (mayor que…), y < (menor que…), que al combinarse forman la X que nosotros vemos. Esto otorga un matiz algebraico al lenguaje empleado en estas creaciones, pudiendo asimilar la X a un signo de multiplicación (x). De este modo, cada cuadro pasa a ser una “ecuación” privada de variable matemática alguna, que representa el azar, tan esencial en la obra de Guyton.Otros cuadros pueden llegar a tener de 40 a 80 X’s iguales esparcidas aleatoriamente por toda la superficie del lienzo, llegándose a superponer unas sobre otras en una repetición constante y monótona en la que la letra pierde todo su significado linguístico tradicional, para convertirse en un símbolo, en un icono conceptual o en una construcción con su propia lógica interna.Al igual que con la X, la letra U es fácilmente convertida por Guyton en un símbolo o figura geométrica semejante a un semicírculo, que se integra fácilmente en las composiciones pictóricas del artista, con un efecto muy similar a los números, letras y símbolos que forman las creaciones de Jannis Kounellis.

A pesar de que durante estos últimos años Guyton ha adoptado la pintura como forma de expresión principal, su obra escultórica también resulta sumamente interesante y evidencia muchas de las influencias que han ido guiando su trayectoria artística. De este modo, en la obra The Room Moved, the Way Blocked (en la Dikeou Collection) se recoge una tradición escultórica minimalista proveniente de Donald Judd y se tergiversa para crear una instalación site-specific cargada de humor y de ironía, en la que la propia obra, hecha de parquet, imita a la estructura del Colorado Building y bloquea la salida de la habitación en la que se encuentra, impidiendo el paso al visitante.Desde 1998 Guyton viene realizando las denominadas Untitled Action Sculptures, que constituyen auténticos dibujos en el espacio donde los trazos sobre el papel se han trasladado a la tercera dimensión, eliminando no sólo la tradicional dicotomía existente entre dibujo y volumen, sino también aquella que se solía dar entre racionalismo funcional y expresividad. Para ello el artista transforma y modifica finos tubos de metal, sacados de la estructura de las conocidas sillas Breuer, obteniendo con ello delicadas y elegantes estructuras que parecen armazones o esqueletos desnudos a la intemperie, esperando algún tipo de revestimiento que nunca llegará.Guyton se refiere frecuentemente a sus esculturas como dibujos en el espacio, con lo que emplea los mismos motivos y figuras en ambas disciplinas. De este modo, encontramos gigantescas e inquietantes X’s negras que se apoyan en paredes a modo de vigas, bloquean ventanas (tal y como sucedió en la exposición Objects Are Much More Familiar en la Power House de Memphis) o cuelgan del techo de la sala de exposiciones y U’s sobre un pedestal o en el suelo realizadas en acero inoxidable con un revestimiento pulido a modo de espejo, que parecen elevar irónicamente el símbolo al status de categoría o de icono conceptual, de modo que la letra se puede leer y contemplarse al mismo tiempo. Esta escultura ofrece otra lectura interesante, puesto que en fonética inglesa la U se lee como you (tú), de modo que se podría entender como una alusión directa al espectador que contempla la obra, quien además puede ver su imagen reflejada en la escultura, integrándose como parte de ella.Consciente de la importancia que tienen las colaboraciones con otros artistas, Guyton ha venido colaborando muy activamente con el artista Kelley Walker, en obras que imitan o parodian el movimiento del Pop Art de Andy Warhol y Robert Rauschenberg. Para su debut conjunto en el LAXART de Los Angeles, manipularon digitalmente una serie de imágenes provenientes de las más variadas fuentes del mass media, con los que decoraron 250 botes de pintura, mostrando cómo la tecnología puede subvertir y expropiar el poder las marcas a través de la apropiación.

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