Cuarenta discos que cumplieron los 40 - Parte IV

Y esta es la última entrega dedicada a la revisión de algunos de los álbumes rockeros editados originalmente en 1970. Por los cuatro posts más recientes han desfilado 40 de las obras de significancia en el rock, que hoy podemos seguir disfrutando en CD, box sets de lujo en edición 40º aniversario y con el agregado de innumerables bonus tracks. No nos olvidemos de "Third" (Soft Machine) y "Trespass" (Genesis) ya reseñados oportunamente.

Menuda tarea habrían de cumplir porque, sin proponérselo, el tiempo los consagraría como los pioneros de la era dorada del rock progresivo. Veamos cuáles fueron estas perlas aparecidas en el mercado en el último bimestre de 1970.

Curved Air
"Airconditioning"
Edición original en vinilo: noviembre 1970

Banda por cierto particular a la que le dedicamos una nota no hace mucho, la ignota Curved Air cuyos álbumes fueron conocidos en la Argentina recién a fines de los ’70, hacía su debut discográfico con este LP que muy pronto ganó una posición de honor en los charts ingleses. No era todo. Desde el punto de vista tecnológico "Airconditioning" marcó un hito al producir una tirada de 10.000 copias en fotodisco ("picture disc") es decir, un vinilo que en toda su superficie -y no sólo en la etiqueta, como sería después- reproducía la tapa y contratapa del álbum, creando, como en el caso de "Airconditioning", ilusiones ópticas al girar sobre la bandeja. Fue el primer fotodisco de la tecnología moderna, que aún se encontraba en pañales y no producía sonido de calidad, por lo que el álbum fue editado también en su forma convencional. Novedoso debut, además del que portaba su música en sí, para una banda por cierto distinguida y original.

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Emerson, Lake & Palmer
"Emerson, Lake & Palmer"
Edición original en vinilo: noviembre 1970

No muchos en el rock lograron producir un primer álbum perfecto y trazador sin titubeos del perfil sonoro que pintaría a ELP de cuerpo entero. Porque no se trató de un debut sin rumbo fijo como Yes o Genesis, o de uno enmarcado en un estilo que posteriormente habría de evolucionar en otro, como Pink Floyd, Jethro Tull o el mismísimo King Crimson. Por el contrario, ELP mantuvo siempre una línea distintiva que con más o menos fidelidad -particularmente desde "Works Vol. 1" en adelante- habría de prolongarla en el tiempo. Sin embargo, este primer álbum esconde un secreto diluido en su propia magnificencia: en realidad es una sumatoria de ideas en solitario que en el plano compositivo no reflejan un verdadero trabajo en equipo. Porque principalmente Keith y Greg aún no habían encontrado la manera de funcionar como el dúo creativo que asomaría a partir de "Tarkus" y el aporte de Carl parecía enfocarse únicamente en su destreza percusiva. No es casual que predominen los lucimientos individuales (el lado 2 del disco es la prueba viviente) y tengan buena cabida las composiciones sin lírica. Pero claro, mezclando sabiamente estas peculiaridades con la ayudita del amigo Bartok y el amigo Janacek... y posando la varita mágica sobre una canción escrita por un "Lucky man" a sus 12 años, que de recibir agrias miradas en el estudio pasó a ser un hit perenne... puede llegarse a un disco antológico. De eso se trata precisamente "Emerson, Lake & Palmer".

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Syd Barrett
"Barrett"
Edición original en vinilo: noviembre 1970

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Después de un primer álbum solista surgido amén de tortuosas sesiones que retrasaron su concreción en más de un año, Syd Barrett encaró la producción de su sucesor, aunque una vez más, guiado por el constante apoyo de los miembros de su ex-Pink Floyd más que por convicción propia. Esta vez Wright y nuevamente Gilmour prestaron su colaboración en todos los menesteres en que Barrett jamás se detenía a pensar y trabajando sobre material inédito concibieron sesiones más llevaderas y organizadas. A la postre, el producto terminado vería la luz en mucho menos tiempo de lo que le había costado a su antecesor llegar a esa etapa. El muestrario de canciones típicamente barrettianas prosigue a lo largo de seis temas por cara con sólidos aportes de Wright en teclados, Gilmour en guitarras, órgano bajo, batería y coros, y -a falta de los miembros de Soft Machine en esta ocasión- sesionistas varios. A pesar de los esfuerzos, sin embargo, el disco no posicionó en los charts, lo que terminó por desilusionar a Barrett, el que salvo esporádicas colaboraciones a comienzos de los ’70 abandonaría definitivamente la música.

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George Harrison
"All Things Must Pass"
Edición original en vinilo: noviembre 1970

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Con este álbum, el primer triple grabado por un músico solista, uno comprende hasta qué punto la frustración de George Harrison debe haberse manifestado en el seno de los Beatles, desde el momento en que muchos de sus temas habían sido escritos para la banda en épocas tan lejanas como 1966 e invariablemente habían sido rechazados por el dueto dominante Lennon-McCartney. Si algo positivo emergió pues del desmembramiento de los Beatles, fue precisamente la oportunidad que tendría George de ahí en más de difundir sus propios temas sin que nadie se lo impidiera. No le fue arduo al menor de los Beatles llenar dos discos completos con excelentes temas inéditos y producir un tercer disco ("Apple Jam") compuesto por zapadas varias entre George y amigos. Estos amigazos, algunos también intervinientes en los temas de estudio, eran nada menos que Eric Clapton, Ringo Starr, Billy Preston, Ginger Baker, Gary Brooker (Procol Harum), Alan White (futuro Yes) y hasta un jovencísimo Phil Collins, entre otros. Cuatro de los cortes de este triple saldrían como exitosos simples en 1971, de los cuales el primero, "My sweet Lord" / "Isn’t it a pity" es ya un clásico sin edad. Mientras la historia alrededor del inmortal "My sweet Lord", uno de los temas más versionados del rock, es generalmente conocida, "Isn’t it a pity", el lado "B" del simple, encierra una curiosidad digna de mención: ante el rechazo de John como tema para los Beatles, estuvo a un tris de ser cedida a Frank Sinatra! Disfrutemos esta joya.

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Gentle Giant
"Gentle Giant"
Edición original en vinilo: noviembre 1970

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Banda de sonido explorador, mezcla de rock, blues, jazz y avant-garde, ejecutado por multi-instrumentistas y adornado con buen humor y una lírica extrañamente compleja y excepcional por tratarse de músicos con semejante talento instrumental, Gentle Giant fue durante años otro de los nombres del rock ignotos en la Argentina. En razón de la escasa difusión en su época de vigencia (los ’70) ante la falta de edición de sus discos o siquiera su mención en las revistas rockeras -precisamente por su carácter deliberadamente underground- es hoy objeto de culto en todo el mundo y a 30 años de su separación son pocas las esperanzas que se abrigan de que los hermanos Shulman intenten alguna reunión, por lo que el mito se acentúa aún más. Este disco es el primero de sus 11 álbumes de estudio y presenta un total de 7 temas con un moderado condimento de hard-rock, género que no sería fundamentalmente cultivado en los discos posteriores. En 1974 y ya con uno de los Shulman afuera (Phil) la banda filmó en Bruselas un concierto para el canal alemán de televisión ZDF donde "Funny ways", uno de los temas de este álbum debut, suena en una versión de casi 9 minutos que rescata este video.

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Van der Graaf Generator
"H to He, Who Am the Only One"
Edición original en vinilo: diciembre 1970

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Momento de transición era el que enfrentaba Van der Graaf Generator durante la grabación de su tercer álbum, cuando el bajista Nic Potter abandonó el lineamiento y su puesto fue cubierto voluntariamente por el propio tecladista Hugh Banton para completar la grabación de los temas que faltaban. Sin embargo, el contratiempo no hizo mella en la entrega de un disco de colección, salpicado con las siempre académicas y sugestivas letras de Hammill -al fin de cuentas, no son muchos los que escriben poesía sobre los efectos de la velocidad de la luz en el cuerpo humano y la fusión de elementos químicos para dar lugar a la reacción exotérmica básica de las estrellas! Como si fuera poco, el líder de otro grupo de transición de entonces se daría una vuelta por las huestes de VDGG para adicionar su guitarra (muy personal por cierto) a este corte que vamos a escuchar en el video, dando origen a una serie de colaboraciones mutuas con Hammill: Mr. Robert Fripp.

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Ian McDonald & Michael Giles
"McDonald And Giles"
Edición original en vinilo: diciembre 1970

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Y hablando de Robert Fripp, este disco es una de las razones del momento de transición que vivía King Crimson en 1970. El poderoso dúo McDonald-Giles (o más bien trío, si sumamos la eficiente participación de Peter Giles en bajo) levantaba rancho aparte de la Corte del Rey para llevarse su propia música "más personal y alegre" (dixit) y plasmarla en su primera y única incursión discográfica en conjunto, que editarían en los últimos días del ’70. No faltó el invitado de honor, porque Steve Winwood, que en esos momentos se encontraba también en los Island Studios grabando "John Barleycorn Must Die", estampa sus teclados en "Suite in C". Adicionando la presencia de Pete Sinfield en los textos de la extensa "Birdman" es evidente que la jerarquía del álbum habla por sí sola, por lo que lo convierte en otro clásico de culto de esquivo éxito comercial, que más bien encontró eco sólo entre los seguidores de King Crimson. Compuesto en su mayoría por McDonald, hay sin embargo un único tema de 7 minutos firmado por Michael Giles y es el que escucharemos en el video.

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John Lennon
"John Lennon / Plastic Ono Band"
Edición original en vinilo: diciembre 1970

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Dejando de lado la trilogía de álbumes experimentales editados con Yoko Ono entre 1968-69, en realidad este es el primer disco solista de John Lennon, el que en 1969 había constituido un ensamble conceptual junto a la Plastic Ono Band, de la que supieron formar parte George Harrison, Ringo Starr, Eric Clapton, Alan White, Keith Moon, Nicky Hopkins, Billy Preston y Klaus Voormann, entre otros. Tomando un poco de distancia de la experimentación de antaño y acercándose más al rock’n’roll, este disco refleja en sus letras muchos de los momentos que John vivía por entonces en sus sesiones de terapia primal y presenta 11 temas, de los que salieron clásicos como "Mother" y "Working class hero". Si bien el álbum no alcanzaría los niveles de popularidad del siguiente, "Imagine" (1971), este debut ha sido considerado como uno de los trabajos más depurados de la carrera solista de John y como suele suceder, ganó más reconocimiento con el paso de los años.

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King Crimson
"Lizard"
Edición original en vinilo: diciembre 1970

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Un notable punto de inflexión en la música de King Crimson. Llámese por la renovación casi completa del staff o por el rumbo más jazzy y experimental que Fripp buscaba imprimirle a su música, el sonido de "Lizard" se aparta del patrón épico de los dos primeros álbumes para zambullirse en una línea igualmente creativa pero más libre y desenfadada. Cada corte del álbum encierra su historia y profundo significado, perfilado por los textos de Sinfield. En particular, "Happy family" conlleva un contexto inusual, porque créase o no, la reciente ruptura de los Beatles había inspirado la pluma de Sinfield para pergeñar una lírica alegórica fiel al concepto del álbum, el que proponía un alejamiento del mundo de la imagen y las apariencias. "Sumamente idealizados, por no decir divinizados, cuando los Beatles trataron de mantener su imagen pública como una 'familia feliz' quedaron atrapados en las apariencias, como los Smith y Jones de 'Indoor games'", reza una de las notas en las que Sinfield explica y describe magníficamente sus textos casi estrofa por estrofa. Una inspección a la letra "I" de "Crimson" en la tapa de "Lizard" nos descubrirá a Judas (Paul), Rufus (Ringo), Silas (George) y Jonah (John). Impagable.

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Almendra
"Almendra II"
Edición original en vinilo: diciembre 1970

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Apenas dos álbumes fueron suficientes para forjar la leyenda de Almendra. El debut, mágico, bucólico y poético; el siguiente (¿acaso el primer álbum doble del rock nacional?) rockero, instrumentalmente más avanzado y por lo general con letras más mundanas. Editado en la época de la disolución de la banda, "Almendra II" también da más cabida a los temas no exclusivos de Spinetta, como "No tengo idea", "Aire de amor", "Mestizo" y "Amor de aire" (Molinari), y "Cometa azul", "Carmen" y "Leves instrucciones" (Del Guercio). Así, se mezclan clásicos de todos los tiempos con pequeñas joyas olvidadas que el paso de los años habría de darles brillo. Sin embargo, hubo un exitazo popular salido de este disco -disputable posiblemente con "Mestizo"- que trasciende incólume hasta el día de hoy. Y aunque los textos del Flaco invocan esa banda de muchachos que esperan un chofer ausente para salir de gira, la música permanece siempre presente en nuestras mentes toda vez que nos aventuramos con las manos al volante por las... rutas argentinas.

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Cuarenta discos que cumplieron los 40 - Parte I

Cuarenta discos que cumplieron los 40 - Parte II

Cuarenta discos que cumplieron los 40 - Parte III

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