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Un diseñador escénico es el miembro del equipo creativo encargado de desarrollar el entorno utilizado para contar la historia de una obra de teatro, musical o de artes escénicas. Otros miembros de este equipo colaborativo incluyen, entre otros, el diseñador de vestuario, el diseñador de sonido, el diseñador de iluminación y el director.
El diseño escénico es parte de la producción visual y supone la creación de entornos para obras de teatro, películas, desfiles, conciertos, o televisión. Últimamente son también convocados para uso en instalaciones efímeras o permanentes en edificios o sectores urbanos para generar experiencias diferenciales.
Usualmente, los profesionales de esta disciplina provienen de una variedad de antecedentes artísticos, como Fine arts, ingeniería audiovisual o Arquitectura.
El conjunto ayuda a mostrar dónde y cuándo tiene lugar la historia de una obra o contextualizar un espacio, al mismo tiempo que transmite significado a la audiencia. Puede hacerlo también, comunicando conceptos abstractos, como temas y simbolos.
En obras de carácter minimalista, muchos de esos conceptos y énfasis son dados casi exclusivamente por el uso de iluminación, donde con un recurso intangible pero dinámico se puede no sólo variar la atmósfera o acompañar ritmos en un concierto, desfile, o espectáculos en general sino que de hecho lo material cobra vida y vuelve la experiencia inmersiva.
Repasamos acá algunos ejemplos magistrales de algunos de los profesionales referentes del rubro a nivel global.
_ BUREAU BETAK, DESFILE FENDI FW21
En tiempos de COVID-19 , los organizadores de eventos tienen que pensar fuera de la caja para crear espectáculos cautivantes sin dejar de seguir las medidas de seguridad. Sin embargo, para el espectáculo de alta costura FENDI SS21, la empresa Bureau Betak dispuso vitrinas de vidrio con el logo de la marca, en el interior del Palais Brongniart en enero de 2021,
https://www.youtube.com/watch?v=bkWTuZzspEw
SETUP DESIGN en KIEV
En una fábrica de Kiev, un evento a cargo de @nechto.records de @nastia.dj y @qievdance. La escenografía se basa en una enorme pantalla LED curva de 6 metros de ancho y más de 30 metros de largo que sale de la estación del DJ para precipitarse sobre las cabezas de sus espectadores. Una impactante elección que envuelve y sumerge en el espectáculo. Se han instalado luces especiales en el marco de la pantalla que interactúan en sincronía con el contenido generativo y 3D de la pantalla.
También de esa oficina creativa, estos conceptos:
ROMAIN PISSENEM (HIGH SCREAM)
El creador de las mejores fiestas en Ibiza y ambientaciones para Djs como David Guetta dice de sus comienzos: “Se nos ocurrió un concepto: electro-teatro, donde se produce un espectáculo con las luces y la configuración adecuadas, pero mezclándolo con la energía de una gran fiesta. Esto es lo que obtienes cuando vienes a Ushuaïa: una gran producción de fiesta italiana (VIP, gran pista de baile, escenario icónico), y producimos un espectáculo diferente todos los días, como los actos en un teatro, nos gusta tener una historia o un tema. Cuando la gente sale, quiere una historia, quiere una aventura y nos aseguramos de ofrecer un viaje y experiencias adecuados”
1024ARCHITECTURE, Vórtice, Burdeos.
Un puente peatonal que conecta dos edificios separados entre sí. Una intervención construida con materiales sencillos pero con un fuerte valor simbólico y un gran impacto visual. La estructura del puente está hecha de tubos de aluminio Layher y revestida con tablas de madera en bruto en una composición de vórtice. 12 líneas de LED controladas por software (MadMapper) interactúan con el entorno circundante según las diferentes ocasiones. Este imponente tótem horizontal de 10 × 15 metros transforma el patio cubierto en un espacio palpitante, convirtiéndose en escenario de numerosos eventos musicales.
Pier Schneider y François Wunschel se conocieron en la École Nationale Supérieure d’Architecture de Strasbourg. Cofundaron el colectivo EXYZT en 2002 como parte de su licenciatura, experimentando con la práctica arquitectónica híbrida y colectiva. Tras varias intervenciones destacadas bajo este nombre, el dúo fundó 1024 Architecture para centrarse en la creación y producción de obras e instalaciones híbridas, combinando arquitectura y artes visuales. Desde entonces, el estudio ha diseñado y producido proyectos tanto en Francia como en el extranjero. De Vancouver a Tokio, de París a México, 1024 ha desarrollado diseños escénicos, performances y arquitectura, desde la pequeña escala del objeto hasta vastas instalaciones dentro del espacio público. El estudio creativo trabaja con muchos asociados de diversas esferas: desarrolladores, diseñadores, arquitectos y artistas, para crear un mundo inmersivo compuesto de geometría, luz, sonido y movimiento.
Las inmersivas instalaciones de 1024 combinan arte y arquitectura, construcciones físicas y herramientas digitales, dando lugar a experiencias temporales o perennes en evolución. Crean diseños de obras arquitectónicas y digitales, en el que las partituras de sonido y luz se orquestan dentro del espacio, controlado por un código informático personalizado.
BALENCIAGA, por JON RAFMAN
Balenciaga viene trabajando sus desfiles con un énfasis de tecnología, y es así que ha presentado su colección otoño-invierno 2020 en una pasarela inundada a propósito para llamar la atención sobre la amenaza del cambio climático y el aumento del nivel del mar. Un gran led suspendido se refleja en el agua creando un efecto espectacular.
Director creativo: @demnagvasalia @ niklas.bildstein.zaar.
Para su desfile de moda de verano de 2019 en París, Balenciaga quería crear una experiencia de pasarela basada en las estilizadas obras de arte digitales del artista Jon Rafman que hablan del impacto de la tecnología en la vida moderna.
El desafío de The Mill consistió en crear una pasarela digital inmersiva que pudiera abarcar tanto a los modelos como a la audiencia durante la totalidad del desfile de Balenciaga.
Jon Rafman es un artista, cineasta y ensayista canadiense. Su trabajo se centra en el impacto emocional, social y existencial de la tecnología en la vida contemporánea. Su obra de arte ha ganado atención internacional y se exhibió en 2015 en el Musée d’art contemporain de Montréal y el Stedelijk Museum Amsterdam.
El trabajo de Leo Villareal se centra en reducir los sistemas a su esencia para comprender mejor las estructuras subyacentes y las reglas que gobiernan su funcionamiento. Le interesan los denominadores comunes más bajos, como los píxeles o los ceros y unos en código binario. Empezando por el principio, utilizando las formas más simples, Villareal comienza a construir elementos dentro de un marco. El trabajo explora no solo lo físico, sino que agrega la dimensión del tiempo combinando resolución espacial y temporal. Las formas resultantes se mueven, cambian, interactúan y finalmente se convierten en organismos complejos que están inspirados en el trabajo del matemático John Conway con los autómatas celulares y el Juego de la vida. Villareal busca crear sus propias reglas y el elemento del azar es fundamental para su trabajo. El objetivo del artista es crear un entorno rico en el que se pueda producir un comportamiento emergente sin un resultado preconcebido. Es un participante activo en el proceso a través de la cuidadosa selección de secuencias convincentes. Estas selecciones luego se refinan aún más y se colocan en capas mediante operaciones simples como la suma, la resta y la multiplicación. Los parámetros como la opacidad, la velocidad y la escala también se manipulan a través del software personalizado del artista, creando composiciones que se muestran en orden aleatorio y durante un período de tiempo aleatorio. En última instancia, la manifestación visual del código a la luz es el núcleo del interés de Villareal.
El trabajo de Villareal se encuentra en las colecciones permanentes de muchos museos, incluido el Museo de Arte Moderno de Nueva York, NY; Museo de Arte Contemporáneo de Naoshima, Kagawa, Japón; Museo Nerman de Arte Contemporáneo, Overland Park, KS, y la Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.
El 5 de marzo de 2013, Villareal inauguró The Bay Lights, una instalación monumental de 1.8 millas de largo de 25,000 luces LED blancas en el Puente de la Bahía de San Francisco que desde entonces se ha convertido en una instalación permanente.
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