El evangelio del 2011... según Alberto Acuña Navarijo/XXVII

Si existiera en algún diccionario la definición de "cinéfago" tendría que venir, además de la descripción, una foto de Alberto Acuña Navarijo, mejor conocido, en tuiter, como @loungeymartinis. Acuña ve, goza y sufre todo tipo de cine, desde la obra completa de "Joe" hasta el narco-videohome más marginal, pasando por la cartelera comercial de la semana, las pink-eiga niponas o las comedias románticas sudcoreanas. De las varias presencias cinefilícas -perdón: cinefágicas- que habitan en mi TL, la voz de Acuña es inconfundible. Es un honor que Alberto me haya enviado sus top-10 de lo mejor y de lo peor del 2011 para publicarlo en este espacio.
Lo Mejor del 2011
10 – No Distance Left To Run (Will Lovelace y Dyaln Southern, 2010). Exhibida dentro de la Gira de Documentales, Ambulante (11 de Febrero – 5 de Mayo).
Ver este documental en una sala llena, en donde el 95% son fans de Blur, es una experiencia gratificante. Estoy seguro que cualquiera fue irremisiblemente vulnerable cuando la banda (previo a su reconciliación llena del exorcismo de demonios y una dolorosa expiación de culpas mutuas) está en el escenario de Glastonbury, cerrando el famoso festival, mientras el rostro de un exhausto Damon Albarn contempla a la turbamulta, visiblemente  conmovido, y en voz en off éste explica: “Teníamos que reunirnos. Es que…finalmente Blur siempre fue una banda de amigos”. Fade out. Créditos. Piel de gallina. Aplausos. El tristísimo paso del tiempo haciendo mella y la vuelta al punto de origen en tan sólo 104 minutos.
9 – Balada Triste de Trompeta (Alex de la Iglesia, 2010). Exhibida dentro del Festival Internacional de Cine en la Ciudad de México / Exhibida dentro del Festival 4+1 (26 – 30 de Octubre).
Debo de reconocer que la primera vez que la vi me gustó, pero había un dejo de que algo no cuadraba. Tuve que verla un par de veces más a través del año para afirmar que la primera mitad de la película, es uno de los momentos cumbres en lo que lleva de carrera De la Iglesia (inspirado, y arriesgado) y la segunda parte es una suerte de (auto) revisión de “Muertos de Risa” (1999), pero en plan aún más mala leche y desatado. Da gusto que éste haya sido su regreso triunfal. Ya veremos éste año que nos depara “La Chispa de la Vida”.
8 – Action Replayy (Vipul Amrutlal Shah, 2010). Copia pirata.
No, no me pude resistir en incluirla. Es que lo tiene TODO. Sí, dije TODO: comedia romántica, melodrama netamente bollywoodense, musicales estrambóticos, canciones estúpidamente pegajosas, estética pop art, viajes y paradojas temporales, un protagonista masculino carismático, y además es co-protagonizada por Su Majestad Imperial (pónganse todos de pie, hagan reverencias y rinda pleitesías) Aishwarya Rai. Hay rip-offs encantadores de “Back To The Future” y después está “Action Replayy”.
7 – Símbolo (Shinboru, Hitoshi Matsumoto, 2009). Copia pirata.
Ok, ok, voy a hacer un poco (sólo un poco) de trampa: esta película japonesa no pertenece al ciclo 2010-2011. Sin embargo, este año apareció el DVD. Ni hablar: con nuestro contexto de exhibición/distribución/difusión tan cuestionado, hacer este tipo de listados provocan ese tipo de raros saltos cuánticos referentes a fechas de estrenos. Pero incluirla aquí lo vale: “Símbolo” es una de las películas más inventivas, inteligentes, originales, frescas y mejor concebidas de los últimos años. Lástima que sea tan complicado tratar de explicar de qué se trata. Haré el intento: en la frontera norte de México, un luchador profesional tiene su compromiso más importante de su carrera, que es disputar junto con su compañero el campeonato nacional de parejas contra dos rivales diez años más jóvenes. A pesar de que toda su familia (su esposa, hijos y su padre) desaprueban que participe, están en la arena expectantes a las acciones (todo ello en un segmento protagonizado por actores mexicanos y hablado en español). Paralelamente a ello, un sujeto (interpretado por el propio director/guionista Hitoshi Matsumoto) despierta en un gran cuarto blanco el cual está tapizado de pequeños genitales masculinos en relieve. Sin saber a ciencia cierta el cómo y el por qué se encuentra ahí, ahora su meta es encontrar una salida viable. ¿Cómo éstas dos historias diametralmente opuestas logran confluir? He ahí el atractivo de “Símbolo”: con escasísimos recursos, logra mantener la atención del público con tal de saber la respuesta. Joyita a descubrir.
6 y 5 – Catfish (Henry Joost y Ariel Schulman, 2010) / Exit Through The Gift Shop (Banksy, 2010). Exhibida dentro de la Gira de Documentales, Ambulante (11 de Febrero – 5 de Mayo) / Copia pirata.¿Qué tanto de lo que vemos en estos dos documentales es cierto? ¿Son dos timos quirúrgicamente planeados? Si en realidad todo es como se nos cuenta, estamos antes dos interesantes retratos de personajes con patologías serias y severas (donde confluyen frustraciones, problemas de identidad y la mitomanía), cada uno en universos particulares. Si fueron deliberadas tomadas de pelo… ¡qué buenas son! Dos obras que forman parte de una camada de híbridos donde no se trata de delimitar en qué parte inicia la ficción y cuándo termina. También se hermanan en el aspecto que uno es testigo, conforme va avanzando la película en cuestión, cómo se da el proceso creativo de lo filmado (continuando de algún modo con esa tendencia de que el autor es el personaje central y omnipresente de la historia): las dos comienzan con una idea clara, la cual es desechada a la mitad (el “twist” que despierta las sospechas del principio).
4 – El Planeta de los Simios: (R) Evolución (Rise of The Planet of The Apes, Rupert Wyatt, 2011). Estrenada el 2 de Septiembre.
Aceptémoslo: cuando nos enteramos de la intención de reactivar esta famosa franquicia, nadie daba ni dos pesos por la idea. Se pensaba que la saga estaba encriptada en otro tiempo y espacio. Y de repente llegó Rupert Wyatt a callar bocas (y muchas). Pero no sólo eso, filmó (de calle) el blockbuster del año y de paso sentó un nuevo estándar tanto para el cine de temporada veraniega como para el género de ciencia ficción.
3 – Los Amores Imaginarios (Les Amours Imaginaires, Xavier Dolan, 2010). Exhibida dentro de Distrital. Cine y Otros Mundos (27 de mayo – 5 de Junio).
De primera instancia, la segunda película del director/guionista/actor canadiense Xavier Dolan es el sueño húmedo de cualquier hipster (las referencias culteranas y pop, la estética calculadísima, la narrativa posmoderna…). Empero, estos nuevos “Soñadores” (Bernardo Bertolucci, 2003) irradian tanta empatía y los respectivos dilemas sentimentales que tienen se sienten tan sinceros, tan cercanos, que, ¿cómo demonios no emocionarse, entenderlos y apoyarlos?
2 – Cold Fish (Tsumetai Nettaigyo, Shion Sono, 2010). Exhibida dentro del 31 Foro Internacional de la Cineteca Nacional (20 de Abril – 9 de Mayo).
Cualquiera supondría que después de ese monumental trabajo conocido como “Love Exposure” (2008) irrefutable obra maestra contemporánea (en donde se combina el complejo acercamiento entre las nuevas y viejas generaciones japonesas representado en las relaciones familiares, fanatismo religioso y la formación de la identidad), Shion Sono se tomaría su tiempo para regresar. Vaya, daba la impresión que con un proyecto de esa magnitud, terminaría agotado. Todo lo contrario: en los tres años posteriores hizo cuatro películas (las dos más recientes con un margen de sólo unos meses) y si bien su novísima cinta “Himizu” / “Topo” tiene unos veinte minutos finales más bien engorrosos, en términos generales, Sono se encuentra en su mejor momento. Aquí una muestra de ello. Sus temas recurrentes (adolescentes alienados, la búsqueda de pertenencia, catarsis de sus protagonistas con lo que se replantean dónde se encuentra parados…) en servicio de una historia basada en un violentísimo caso real de nota roja. A éstas alturas ya es inocultable que Shion Sono es uno de los directores más propositivos a nivel mundial de los última década.
1 – Poetry (Shi, Chang-dong Lee, 2010). Exhibida dentro del Festival Internacional de Cine de la UNAM (24 de Febrero – 3 de Marzo).
El director, novelista y ex Ministro de Cultura y Turismo, Chang-dong Lee (el cual ya había hecho dos obras que pellizcan la perfección –“Peppermint Candy” en el 2000 y “Oasis” en 2002–), rescató a la prácticamente retirada diva sudcoreana Jeong-hee Yoon para que interpretara al que, a la postre, se convertiría en el personaje más entrañable de la temporada. Chang-dong Lee no desea que nos compadezcamos del avance de Alzheimer que tiene nuestra protagonista (de hecho, la revelación es tan orgánica que parece un hecho cotidiano). Tampoco intenta regodearse en la avalancha de desgracias que trae a cuestas. Vamos, no se ensaña con ella. Es una encarnación que sólo pretende vivir decorosamente lo que el destino le ha deparado. Una belleza.
Lo Peor del 2011
10 – Esperando a Los Bitles  (Diego Graue y Ricardo Marmolejo, 2011). Exhibida dentro de Distrital. Cine y Otros Mundos (27 de mayo – 5 de Junio).
De este documental había el trailer prácticamente un año antes de ser estrenada en el marco del Festival Distrital, Cine y Otros Mundos, en una función que tuvo que ser gratuita debido a que sus responsables aún no cuentan con los derechos de la música utilizada; situación que, quiero suponer, les seguirá siendo un lastre en un futuro: todo mundo sabe que obtener los derechos de un tema del célebre cuarteto es complejo por no decir engorroso. Total, que dicho trailer me llegó a entusiasmar. Si bien se tenía a una serie de personajes outsiders, esta vez no se trataba de explotar su marginalidad  y regodearse en su miseria, sino presentar a un grupo de personas que a través de la idolatría quedaron varados en otro tiempo y espacio y del cual rehúsan salir. El problema es que eso es lo que se intentó llevar a cabo. Lo que se vio fue una surte de video casero  de las últimas vacaciones en Inglaterra por parte del presidente del club de fans, siendo presumido ante sociedad. Vaya, hasta la interesante sub-trama de la banda que va a representar a México en el concurso anual   de imitadores de The Beatles se pierde en medio de un montaje descuidadísimo. Decepcionante.
9 – Outrage (Takeshi Kitano, 2010).Exhibida dentro del Festival Internacional de Cine en la Ciudad de México (4-13 de Febrero) / Exhibida dentro del Festival 4+1 (26 – 30 de Octubre).
¡Zas! Nunca pensé poner una película de Takeshi Kitano en una lista como ésta. Pero ni hablar, se está ante el punto más bajo (a la fecha) de su carrera como cineasta. Un regreso a su particular mundo Yakuza totalmente innecesario, fastidioso, rutinario e irrelevante. Y pensar que ya se está planeando la segunda parte.
8 – Todo Estará Bien (Alting Bliver Godt Igen, Christoffer Boe, 2010). Exhibida dentro del Festival Internacional de Cine en la Ciudad de México (4 – 13 de Febrero).
¿Cuánto tiempo más le queda a la formulita del danés Christoffer Boe por ser explotada? Mundos alternas, onirismo, el cine dentro del cine y el rompimiento de la cuarta pared fílmica (una vez más) en una historia predecible, manida e insustancial en la que Boe trata de crear confusión entre la ficción que el guionista protagonista está escribiendo, la realidad y su trastornada psique.
7 – Chassis (Adolfo Alix Jr., 2010). Exhibida dentro del Festival Internacional de Cine en la Ciudad de México (4 – 13 de Febrero).
A ver, a ver, una cosa es que pueda tolerar al ver una película de Apichatpong Weerasethakul o de Tsai Ming-liang; y otra muy distinta que quiera hacer lo propio con un desvergonzado copycat filipino. Al parecer la crítica especializada y los festivales de prestigio no  han tenido suficiente con Lav Diaz y sus obras (literalmente) titánicas y maratónicas y de unos años a la fecha, todo mundo anda vuelto loco con ésta suerte de Nicolás Pereda de Manila que con justicia le da la razón a los detractores del cine de autor.
6  – Bala Mordida (Diego Muñoz, 2010). Estrenada el 27 de Mayo.
¿Diez años después y todavía aparecen hijas bastardas del cine…erm…urbano que parió “Amores Perros” (Alejandro González Iñárritu, 2000)? Como si no hubiera sido suficiente con haber exhibido en sala de cine “Don de Dios” (Fermín Gómez Lara, 2005), y lanzado esa cadena que azotó el mercado videohomero hasta no hace mucho (la trilogía que Alejandro Todd realizó en 2004, formada por “Ciudad de Perros”, “Paredes Pintadas” y “Graffiti” o la casi interminable tanda de Ignacio Rinza Oviedo, con títulos como “Gente Común”, “Perra Sociedad”, “Snuff”, “Deep Red”…) las cuales no aguantaron en lo absoluto la prueba del tiemp, llegó un realizador novel que parecería vivió como ermitaño, con una película desfasada donde las haya y pensando que nadie se iba a acordar que eso ya se había visto. “Bala Mordida” también exhibe una vez más un secreto a voces: en nuestra cinematografía con los dedos de una mano se pueden contar a los directores de casting (y hasta sobran). De ahí que todos tengamos la impresión perpetua de deja vu. Y para colmo, esa repetición se da con elencos desidiosos que se encuentran plácidos en sus zonas de confort, utilizando las mismas características y los mismos modos de actuación, mismos que alguna vez les funcionaron. Sí, Damian Alcázar está overrated. 
5 – Los Hijos de la Bulldog (Oscar González Iñiguez, 2010). Copia pirata.
Y para redondear lo anterior, nada mejor que éste videohome realizado por el nuevo realizador prolífico y versátil del mercado: como cualquier director videohomero que se respete, en tan sólo dos años y medio (y a un ritmo endemoniado) ha rebasado la línea de diez películas producidas, en donde caben comedias románticas gays, neo-narcocine basado en los corridos del Movimiento Alterado, cine de terror, thrillers y sí, dramas urbanos (como éste), entre otros géneros fílmicos. Sin duda, dentro de su filmografía en constante crecimiento, ésta se encuentra entre lo peor.  Tenemos a Luis Fernando Peña y Armando Hernández (ahora vueltos actores recurrentes de ésta alicaída industria) de regreso a sus orígenes “De la Calle” (Gerardo Tort, 2001) y en el camino se topan con las chicas de “Perfume de Violetas: Nadie Te Escucha” (Marisa Sistach, 2001), y a la vuelta de la esquina con “El Taquero” (Ignacio Rinza Oviedo, 2004, el cual parece el hermano de la Bulldog del título). Un cine barriobajero que da patadas de ahogado de una manera lastimosa con un compendio de lugares comunes y provocaciones infaustas. A esto se suma la analogía más desagradable, burda y corriente para representar el rompimiento del himen de una de las protagonistas. Y después ¿por qué está tan maltratada la imagen del videohome?
4 – Vete Más Lejos, Alicia (Elisa Miller, 2010). Exhibida dentro de Distrital. Cine y Otros Mundos (27 de mayo – 5 de Junio) / Estrenada el 10 de Junio.
Es de alarmarse que la hija pródiga del Centro de Capacitación Cinematográfica haya hecho ésta película. Es el epitome de un pueril método para hacer cine donde ya ni siquiera se trata (en última instancia) de vender humo al primer incauto que se deje, o volverse el hype de la temporada, sino es uno que se interesa en enarbolar el amateurismo, barrenando a su paso cualquier asomo del sentido de la estética. Digo que es de preocuparse porque ya se pudo ver réplicas en la muestra anual de trabajos que realiza la escuela en Cineteca Nacional, por lo que la tendencia parece ir en aumento (por cierto, ¿qué anda haciendo la Cineteca exhibiendo este tipo de cine y perdiendo el control de calidad?). También lo menciono porque eso hace suponer que ciertos preceptos están saliendo directamente de la institución, la cual está aprobando y viendo con buenos ojos estos trabajos. Uno hasta extraña esos días en que “Adán y Eva (Todavía)” (Iván Aviña Dueñas, 2004), incitaba a su público salir totalmente irritado de la sala como sentido de existencia. Ya se verá cuál será la regla a seguir para éste año que inicia.
3 – Perras (Guillermo Ríos, 2010). Estrenada el 4 de Marzo.
“Desnudos” (Enrique Gómez Vadillo, 2004), deberá de asumir con decoro que ha llegado una película que le ha quitado con todas las de la ley, el lugar privilegiado dentro del Salón de la Infamia. Con “Perras” se entra un universo muy estrecho en el que se rinde odas a la misoginia, donde todas las mujeres son putas, pendejas, vale madres e inescrupulosas; y no sólo eso, lo asumen con mucho orgullo (hasta interpretan canciones que sirven como apologías de su promiscuidad y falta de intelecto); todo ello mientras un director/guionista cincuentón quiere que compartamos su concepción distorsionada de la feminidad y la adolescencia. No faltan los diálogos con lo que uno piensa “No, ya en serio, díganme que esto es una broma”; las sub-actuaciones (pareciera que el elenco pactó en competir por ver quién podía hacer la voz que emulara con mayor veracidad cierto retraso mental), los temas que se sueñan como shocking y polémicos, una vuelta de tuerca que nadie le interesa, una puesta en escena plana como pocas, y para colmo, ni siquiera cumple con la función de saciar el morbo; la explotación se ausenta y, finalmente, todo es tan mojigato que lo más “atrevido” es ver a Galilea Montijo (la cual aparece haciendo un cameo en un flashforward sacado de la manga)  ponerse unas medias. ¿Qué por qué siendo ahora la reina del Salón de la Infamia, no está en el número uno? Porque los primeros puestos los ocupan películas que no sólo me sorprendieron (por todas las razones equivocadas, claro está), sino, que me hicieron salir molesto de la sala, dos momentos por demás desagradables dentro de la noble actividad de la cinefagia.
2 – Los Infectados (Alejandro G. Alegre, 2011). Exhibida dentro del Festival Internacional de Cine de Horror, Macabro (19 – 28 de Agosto).
De esta película ya hablé largo y tendido en Revista Cinefagia. ¿Qué más se puede decir? Bueno,  los comentarios que se generaron las semanas posteriores, realizados por el propio director y sus…erm…primos (bajísimo y deleznable el uso de alter egos para ocultarse y lanzar ataques de salva), sin que él lo pretendiera, sólo confirmó lo que yo había escrito: tenemos a un director que está mucho más preocupado en hablar de él y sus treinta mil pesos invertidos que de su propia obra. Tal vez si Alejandro G. Alegre hubiera sido más prudente sabiéndose referir en las funciones en las que presentó “Los Infectados”, respecto a lo que había grabado, cualquiera diría “Está chafa” y punto. Tal vez ni siquiera hubiera aparecido en esta lista. Las palabras, sin embargo, sólo magnificaron su podredumbre.
1 – Borrar de la Memoria (Alfredo Gurrola, 2010). Estrenada el 14 de Octubre.
Pues sí, por increíble que parezca, existió una película que superó a “Perras” y “Los Infectados”, para ser digna de encabezar la lista. Vergonzoso que éste haya sido el regreso de Alfredo Gurrola al cine después de un poco más de veinte años. Patético el guión que presentó el crítico de cine Rafael Aviña, principal responsable de éste despropósito en celuloide. Y es que mientras Gurrola se esforzó (en vano) por ser pragmático, funcional con lo poco que tenía a la mano, vaya, demostrar que lleva toda la vida en el negocio, Aviña notoriamente gozó en escribir un elogio a su propia cinefilia, sus fetiches, obsesiones, y conocimientos, dando como resultado una congestión inaudita de (auto) referencias forzadísimas durante cada escena. Un servidor no exagera: cada escena contiene al menos tres guiños (uno sólo espera que en cualquier momento, el actor que ha recitado el diálogo, se voltee viendo a la cámara y nos diga “¿Captaron? Muy chistoso, ¿no?”). No recuerdo alguna otra película que contenga tal sucesión de diálogos para el olvido (la que se lleva las palmas, por supuesto, aparece en el momento en el que la investigación del crimen que sirve como motor de la película, dirige al protagonista a un estudio fotográfico, lugar donde el dueño le muestra documentos que habían permanecido por varios años arrumbados en un archivero. Al ir sacándolos, se topan con una foto que tiene una dedicatoria… “Gracias Alfredo (Gurrola)”. Momento de pésimo gusto, sin duda). A eso habría que sumarle que el mismo guión está tan mal escrito que literalmente en la primera escena de la película ya hemos descubierto el supuesto misterio que estuvo agazapado durante cuarenta años. Una infamia por donde se le quiera ver.