Terminó el primer fin de semana del Festival, y hoy lunes las cinco películas prometen y mucho, a las 8.30 en el Teatro Victoria Eugenia la película Argentina, "La práctica". Gustavo y Vanessa se separan y tienen que reformular sus proyectos juntos. Ambos son profesores de yoga. Gustavo es argentino, Vanessa es chilena. El viaje a la India se cancela. Vanesa se queda con el apartamento y deja el estudio que compartían, con lo que Gustavo se queda sin casa. Como consecuencia del estrés acumulado, Gustavo se lesiona la rodilla y sustituye el yoga: primero por ejercicios de cuádriceps y luego por el gimnasio. Pero poco a poco recupera su vida y vuelve a practicarlo.
Martin Rejtman, su director, es uno de los pioneros del cine independiente argentino, en su filmografía figuran títulos como "Rapado", "Silvia Prieto", "Los guantes mágicos", "Dos Disparos" y "Entrenamiento elemental para actores". Las anécdotas de aquellos que trabajan con él son famosas, nadie puede desviarse ni un milímetro, una décima de segundo, ni una coma de lo prefijado por el minucioso guion y en los largo ensayos, pero es precisamente ese rigor absoluto el que permite construir un universo absolutamente propio. Como su universo, con un sentido del humor, con ritmo fílmico, y hasta musical en los diálogos guiños, referencias y es donde aparecen las pequeñas variaciones que cada nuevo lugar, historia y personajes permiten.
Hubo una amplia representación en su visita al Festival, dos de los actores y varios de los productores, y la presencia de tantos profesionales del ámbito de la producción, resulta una muestra de lo difícil que fue para la película conseguir la financiación, que costó conseguir el dinero, porque hay personas que no entendían el tipo de humor del film e incluso no llegaban a creerse que fuera una comedia ese particular sello que se caracteriza por sus escenas donde los personajes hablan en tono neutro, e, incluso aséptico.
Uno de los productores explicó que para los actores siempre es un bonito desafío trabajar con Martin porque hay que buscar una frecuencia de actuación muy concreta hasta dar con la melodía justa, Rejtman confesó que en sus proyectos veces trata de escaparse de la comedia pero nunca lo consigue, también explicó que, a sabiendas de que el proceso es más largo, no empieza la escritura sobre una trama ya estructurada sino que ésta va formándose durante el proceso, en esta ocasión tres años. Rejtman, como dijeron sus productores, tiene un estilo de trabajar muy particular en el que no se salta ni una coma del guion. Que rodar sea muy agotador, por eso siempre termina un largometraje diciendo algo convencido que será el último."La Práctica" toca muchos temas, y eso lo hace mucho más interesante, a veces en el terreno espiritual y místico, en ese retiro donde los personajes deben de dejar sus móviles, los habituales equívocos y uso de la narración en off. sobre los avatares de la medicina privada y las respuestas para distintos tratamientos en YouTube, paseos por el bosque, pastillas antidepresivas, sobre fogones con canciones de protesta. Esteban Bibliardi, sencillamente lo borda, que a veces está demasiado ocupado y otras pasando el rato, en una brillante caracterización, con momentos que van de la ironía lo absurdo, nos recuerda a los personajes de una película de Aki Kaurismaki o Jim Jarmuch, un humor muy sutil en los 90 minutos de duración, y lo que la hace más maravillosa es que la gente se encuentran y desencuentran, las cosas aparecen y vuelven a aparecer, a veces todo está inmutable. Cómo se agradecen este tipo de películas a primera hora.La segunda película del día sin salir del Teatro Victoria Eugenia es "Yo capitan". Seydou y Moussa son dos jóvenes que abandonan Dakar para emprender camino a Europa. Una odisea contemporánea a través de los peligros del desierto, los horrores de los centros de detención en Libia y los peligros del mar. Su director es Matteo Garrone, uno de mis directores favoritos con títulos como "Gomorra", "Reality", "El cuento de los cuentos", "Dogma", o "Pinocho", llega con el premio del León de Plata al mejor director en Venecia, y que aquí se presenta en la Sección Perlas.
Y lo vuelve a hacer, nos vuelve a sorprender, donde combina de forma magistral una road movie con escenas muy complejas, complicadas y duras, envueltas en una belleza formal y un paisaje espectacular, y con unos planos extraordinarios, con argumentos cinematográficos que sustentan su valor propio como film y justifican sus amplios reconocimientos. Mateo nos lleva de la mano desde el punto de vista del espectador sobre la inocencia de dos chicos, con la mirada ingenua de ellos, el terror de sus vivencias, nos lleva por diversos tonos y géneros del cine, con gran naturalidad, el drama, la aventura, todas las partes funcionan y se integran entre sí de forma armónicas.
Mateo eligió rodar esta película después de hablar con muchos adolescentes que habían emprendido la aventura de llegar a Europa, ellos mismos se referían a su viaje, como una total aventura. decían que al abandonar sus países habían ido a la aventura. Quiso respetar esa inocencia y narrar la historia desde su punto de vista, desde esa mirada un tanto ingenua, pero de gran pureza. Esa candidez en las miradas, reforzaba el carácter heroico de estos jóvenes en su afán de alcanzar el sueño, encarna la épica contemporánea. En referencia a los protagonistas, esos actores no profesionales, tanto Seydou como Moustapha, nunca habían salido de Senegal, "hicimos pruebas a jóvenes senegaleses que viven en Europa pero su mirada ya no había la inocencia que buscaba, ellos si que vivieron este viaje con la tensión de la incertidumbre, casi en paralelo a lo que les ocurre a sus personajes. De hecho yo no le mostré el guion en ningún momento para que no supieran el desenlace de la película", como también manifiesta, "que la violencia en mis películas nunca es gratuita, siempre está en función de la historia y de las miradas, nunca tiene un valor por sí misma."
"En este caso efectivamente me interesaba mostrar esos escenarios tan atroces a través de los ojos de ellos, Yo jamás rodaría historias protagonizadas por personas con las que no sintiera afinidad, No quiero, no puedo, mirar por encima del hombro a mis personajes, necesito caminar con ellos, estar a su lado."
El director de fotografía Paulo Carnero, que también fotografió Adagio, captura las dos horas de metraje con una inmediatez maravillosa, la belleza de alguna forma romántica del desierto, con una muy completa elegancia técnica en todo sus aspectos. No dejen de verla, sorprende, emociona, con imágenes muy impactantes, tanto al principio como al final con una grandísima fuerza dramática y con un final muy intenso y extraordinario. Me gustan las mañana de los lunes, con las dos películas mañaneras.
Nos vamos camino del Casco Viejo, al Principal a las 14.15. nos espera la película "Achilles". El drama de nacionalidad Irani donde un joven cineasta que actualmente trabaja en un hospital emprende un breve viaje en compañía de una paciente con problemas de salud mental para descubrir quién es en realidad. Ahora debe decidir si huir con ella o llevarla de vuelta al hospital. En la Sección Nuevos directores debuta el Irani Farhad Delaram. La película ambientada en los ambientes de Teherán, y sobre todo un viaje por carretera que a menudo se consideran la representación cinematográfica por excelencia de la libertad, y el papel realista que el arte puede desempeñar en el derrocamiento de los regímenes opresivos, y por encima de todo, las dificultades actuales de los directores cineastas, con detenciones por sus críticas al gobierno de la nación, como Jafar Panahi y Mohammad Rasoulof, y al ser perseguidos huir de su hogar para buscar la relativa comodidad de hacer las películas en países occidentales, o permanecer en Irán y dejar de ser directores.
"Achilles" explora esos mismo escenarios, su apodo proviene aparentemente del hecho que repara articulaciones dañadas, pero también es un recordatorio de que recibió muchos golpes en el único lugar que hace que la recuperación sea imposible, después de muchos años viviendo bajo un régimen que no muestras señales de cambiar, todo es apatía y desgana, y en que las instalaciones que trabaja se utilizan a menudo para tratar a prisioneros políticos. En declaraciones de Farha: "esta película no ha tenido financiación, la hemos producido con el dinero de mi hermano, un amigo y el mío, tengo una manera muy particular de dirigir, grabo por el día y hago el trabajo de edición por la noche para asegurarme de que tengo la toma perfecta. No duermo, y fueron 54 días de rodaje, estar sin dormir tantos días fue muy duro."
Cuenta que se ha inspirado en su misma vida, en su propia historia, "cuando era estudiante de cine tenía insomnio y necesitaba el dinero, así que empecé a trabajar en un hospital. Una noche en mitad de mi turno, vi a una mujer en el suelo con una herida en la mano. Me paré a ayudarla, pero no hablamos, llevaba un extraño uniforme, lo único que recuerdo es que me miró fijamente y esa mirada se me quedó grabada. No sabia quien era esa mujer, lo único que tenía era esa mirada, que queda inmortalizada en el film, y la sospecha de que fuera una prisionera política."
El viaje en carretera, es el espejo de la situación que se vive, esa opresión sobre sus habitantes, esas persecuciones implacables por parte de las autoridades estatales, subrayando esa tensión y suspense en la narrativa, y por encima de todo, la solidaridad de sus ciudadanos. Muy bien contada, la vemos como un gran drama social, con tintes políticos y elementos de thriller, profundizando en los efectos de la corrupción. Hay un guiño dentro de la película, cuando los protagonistas llegan a una playa en la que se está proyectado "Ballad of Tara, de 1979, la primera película censurada después de la Revolución Irani porque se veía el pelo de la protagonista. Aplaudimos este ejercicio de resistencia ante la opresión cultural, combativo, en forma de rabia y al cansancio que se respira. Un film muy comprometido, para que al final todos los muros caigan.
La cuarta película de hoy lunes en la Sección Oficial es "Un amor". Tras huir de su estresante vida en la ciudad, Nat, de 30 años, se refugia en el pequeño pueblo de La Escapa, en la España rural más profunda. En una casa de campo destartalada, con un perro callejero, la joven intentará reconducir su vida. Tras lidiar con la hostilidad de la persona que le alquila la casa y la desconfianza de los habitantes del pueblo, Nat se ve obligada a aceptar una inquietante proposición sexual que le hace su vecino Andreas. Este extraño y confuso encuentro dará lugar a una pasión obsesiva y desbordante que envolverá por completo a Nat y la hará cuestionarse el tipo de mujer que cree ser.
También podría ser la historia de una mujer contra un pueblo, o contra ella misma, que la llevan a la desesperación, desde luego se topa con un paraje hostil y recibe un trato injusto en varias ocasiones, o con los pájaros que pululan por su cabeza de la que ella es la única responsable, ella está repleta de equívocos, tabús y prejuicio, de frustraciones complejas. Su directora Isabel Coixet, de una adaptación de la novela de Sara Mesa, que invitaba a una adaptación cinematográfica, con esos personajes antisociales, que pueblan nuestro entorno, y hacerlo de una forma cercana a texto, y ha arriesgado y le ha salido muy bien, aportando más de lo esperado, interpretando más que la propia novela, aunque también es una película muy personal e íntima para cada espectador, de una visualización muy cuidada y elegante.
Un film tan interesante como la novela, en una sociedad ennegrecida y desapegada. Su protagonista es Nat (Laia Costa), en un papel muy complejo y contradictorio, junto con Luis Bermejo, el casero que da miedo de verdad, Hovik Keuchkerian que nos provoca simpatía y sentimientos, al comienzo y que luego vamos modificando, Hugo Silva, que parece una cosa por fuera y no tanto por dentro, e Ingrid García Jonsson su papel de mujer pija, frívola, creída, todos estos vecinos, se presentan en mayor o en menor medida en participar en trueques de servicios, objetos o productos entre ellos, basado en el intercambio de favores. y ''vaya favor!Coixet, nos saca de la zona de confort, a todas las interpretaciones le da un brillo y un alma increíble, son claramente reconocibles, las interacciones son buenas, no hay algo que se aporte mutuamente y los haga crecer, por lo que permanecen inalterable a lo largo de todo su metraje de ahí su mérito, ese drama romántico, como un enamoramiento tóxico. todos tienen su posicionamiento ideológico muy claro, pero invita a la reflexión. Esos estereotipos resultan intrigantes al conformar un ecosistema bien delineado y fácilmente identificable, con ese tono de melodrama perturbador y bien ejecutado. No te deja indiferente, y te siguen llevando al finalizar la proyección, como de ir con capas de inquina, mezquindad, autocompasión, indiferencia, secretismo, como de estar jugando a los egos, cada uno sacamos el nuestro, frente al otro, sin animo de empatizar o entender. Mucha complejidad en una trama aparentemente sencilla. Y por supuesto me quedo con ese final tan hermoso.
Y para finalizar el día, en la Sección Perlas, una de las más esperadas "La tierra prometida (The bastard)". Nos lleva al año 1755, el empobrecido capitán Ludvig Kahlen se dispone a conquistar los duros e inhóspitos páramos daneses con un objetivo aparentemente imposible: crear una colonia en nombre del rey. A cambio, recibirá un nombre real que anhela con desesperación. Sin embargo, el único gobernante de la zona, el despiadado Frederik de Schinkel, cree arrogantemente que esa tierra le pertenece. Cuando de Schinkel se percata de que su criada Ann Barbara y su servil marido han escapado para refugiarse con Kahlen, el privilegiado y rencoroso gobernante jura venganza y promete hacer todo lo que esté a su alcance para ahuyentar al capitán. Pero Kahlen no se deja intimidar y emprende una batalla tan desigual que pondrá en riesgo no solo su vida, sino también a la familia de personas marginadas que se ha formado a su alrededor.
La película es una adaptación de la novela de Ida Jessen "El capitán y Ann Barbara", está muy bien retratada, la población de Jutlandia y la relación con el norte de Alemania que en ocasiones es danés y en ocasiones alemán, por razones bélicas y fronterizas, magnífico el guion, con una figura histórica que nunca existió, aunque realmente los acontecimientos se ha dramatizado para dar más empaque a una historia con gran fuerza dramática. En el reparto un soberbio Mads Mikkelsen, y Amanda Collins, sin olvidar a Simon Bennebjer, en el papel del villano.
Un film que rezuma, la justicia contra la maldad, la opresión al débil, con estallidos de violencia, en ocasiones sádicas y despiadadas, y con una venganza que se esconde para aparecer en el momento justo. El director que ha hecho que todo esto sea posible es Nicolaj Arcel, que ya consiguió una candidatura al Oscar por "Un Asunto Real". "La Torre Oscura", "Jinetes de la Justicia", "Expediente 64", "Redención", "Los Casos del Departamento Q", o "Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres", que son parte de su filmografía.
Contó que "me entusiasmaba la idea de rodar un film épico como los que se hacían en los 50 y 60, de ir a contracorriente imbuido de un clasicismo que no se estila mucho del cine de hoy, más allá de sus valores estéticos, el western es un género político en la medida en que el gran asunto que subyace en todas las obras adscritas a este género es la forja de una civilización." Arcel reconoció que el conflicto que enfrenta a ambos personajes refleja dos modos de masculinidad, "Una de las cosas que más me atrajo de la novela es la importancia que confiere a las mujeres a la hora de moldear la personalidad de estos dos hombres, la de un niño mimado, y la del hijo de una sirvienta que se ha hecho a sí mismo, y se ha criado de la cultura del esfuerzo."
También reconoce que es su película más personal: la relación que el protagonista mantiene con la niña, está muy influida por mi reciente paternidad. Pero también tiene otros aspectos de la historia que reflejan reflexiones muy íntimas como lo concerniente a los sueños que uno tiene en la vida. El director asume que ese deseo del protagonista de su película por domar el caos, para salir triunfante de los desafíos que le plantea la situaciones, define su trabajo como cineasta. Un nuevo triunfo del cine danés, una de las cinematografías más en forma del mundo en los últimos años.
JOSE ANTONIO DIAZ
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