Como ya hicimos anteriormente, volvemos a repasar las bandas sonoras más interesantes del panorama cinematográfico actual, ahora deteniéndonos en la segunda mitad del año, enfocándonos en los álbumes editados entre los meses de mayo y junio. Nuestro particular repaso pretende acercar a nuestros lectores aquellos trabajos musicales que nos parecen más destacados en este año 2019.
Queen of hearts (Dronningen) - Jon EkstrandMovieScore Media 3 / 5 / 2019Este drama danés protagonizado por la veterana actriz Trine Dyrholm en uno de sus papeles más descarnados, está siendo todo un éxito de crítica y público en los países escandinavos. Esta historia sobre una mujer que mantiene relaciones con su hijastro, es un excelente drama que dosifica con inteligencia la narración, gracias al trabajo de la directora y co-guionista May el-Toukhy, y en los logros de la película tiene mucho que ver la música del compositor sueco Jon Ekstrand. La atmósfera opresiva que acaban viviendo los protagonistas de la historia, y la desestabilizada experiencia de una familia que se va desintegrando lentamente, se refleja perfectamente en la música de Jon Ekstrand, que utiliza voces etéreas y percusiones de madera para captar los sonidos de la naturaleza, y que evita la creación de pasajes melódicos para transmitir aún más esa sensación de asfixia que se va apoderando de la película. Se trata por tanto de una banda sonora que podríamos definir como "atmosférica", pero que transmite con especial acierto la psicología de unos personajes heridos, como en ese espléndido "Hide and seek", que es un resumen perfecto de los sonidos que Jon Ekstrand ha creado para la película, o en el "Adagio for Gustav" que, en su tres partes, muestra la complicada psicología del protagonista masculino, dando protagonismo a los instrumentos de cuerda, atonales e intrigantes.
Red Joan - George FentonMovieScore Media 10 / 5 / 2019Aunque La espía roja (Trevor Nunn, 2018) no termina de funcionar ni como historia de espías ni como drama psicológico, hay que destacar una vez más el trabajo musical de George Fenton, que en este caso resulta más interesante que la propia película, lo cual juega en su contra como música de cine, pero no elimina sus valores musicales. Se trata de una banda sonora clásica y elegante, con un tema principal que ya aparece en "You're under arrest", hermoso y casi diríamos que académico. Pero también con notables pasajes que subrayan los momentos más tensos, como en "The ghost of matter", siempre con la omnipresencia del tema principal, porque la historia está contada desde el punto de vista de la protagonista. En este sentido, algunos momentos se nos parecen a composiciones del británico Richard Robbins, como en "The tower", pero sobre todo consigue mantener una solidez que lamentablemente no está presente en la película, lo que le resta eficacia en su relación con las imágenes. En este sentido, la banda sonora es casi más disfrutable fuera de la pantalla que en su inserción en ella, lo cual es negativo para su concepción musical, pero no debería negar las virtudes del trabajo de George Fenton, que consigue contar mejor la historia desde su banda sonora que el propio director.
Circunstancias parecidas se dan en este trabajo de Bear McCreary (este año especialmente inspirado con un ramillete de excelentes trabajos a pesar de su prolífica labor) para la película Entre la razón y la locura (Farhad Safinia aka P.B. Sherman, 2019), esta vez debido a las desavenencias entre el director Farhad Safinia y el actor Mel Gibson con los principales productores, que provocó la salida del primero y de la productora del segundo, y la negativa de Mel Gibson de promocionar la película. Sin duda este convulso rodaje influyó en el irregular resultado de una historia que podía haber sido mucho más contundente. Pero no ocurre así con el trabajo de Bear McCreary que, sostenido sobre un elegante y clásico vals, "The professor and the madman", que representa al personaje interpretado por Mel Gibson, el compositor desarrolla una espléndida banda sonora que bucea en las tonalidades musicales del siglo XIX, y el propio músico afirma que tiene como inspiración el trabajo de compositores ingleses como Ralph Vaughan Williams o la soberbia música de Elmer Bernstein para la película La edad de la inocencia (Martin Scorsese, 1991). Si el violonchelo de Eric Byers representa el academicismo del personaje de Mel Gibson, el frenético violín solista de Sandy Cameron muestra la caótica y errática existencia del personaje de Sean Penn, con fragmentos intensos como "Broadmoor Asylum". Personajes secundarios como el que interpreta Natalie Dormer introducen otras instrumentaciones, como el harpa en temas como "Eliza Merrett". Y, como curiosidad, Bear McCreary revisita el poema "When I am dead, my dearest", de la escritora Christina Rossetti (1830-1894), sobre el que ya compuso en 2015 un concierto para piano, cuarteto de cuerda y mezzosoprano, y aquí recurre de nuevo a él, introduciendo una versión compuesta para la película, pero también la composición creada hace cuatro años.
La serie producida por George Clooney para Hulu ha cosechado buenas críticas en su estreno el pasado mes de mayo, aunque luego no ha tenido reconocimiento en las nominaciones a los premios Emmy. Trampa 22 (Hulu, 2019-) bascula entre el humor negro y el dramatismo bélico para contar una historia cruda en torno a la supervivencia en la Segunda Guerra Mundial. La banda sonora, presente en buena parte del metraje de la serie, está compuesta por los hermanos Gregson-Williams, Rupert y Harry quienes, al margen de la utilización de canciones de la época, que en muchos momentos "suavizan" el dramatismo de algunas imágenes, se enfocan más en la parte seria y épica de la historia. Y en este sentido, el trabajo conjunto resulta muy acertado, a pesar de que en el visionado se pueda ver empañado precisamente por el uso de canciones. Pero es en algunos de estos momentos más dramáticos, y casi diríamos que sangrientos, cuando realmente brillan las composiciones musicales, en momentos de acción como "Scheisskopf in charge" o de épica melancolía como el que refleja al personaje principal, "John Yossarian". Es, en definitiva, un buen trabajo de música para cine bélico, especialmente disfrutable en su edición discográfica.
La última película de Edward Zwick está basada en la historia real de un condenado a muerte a pesar de las evidencias científicas que demostraban su inocencia. El trabajo musical de Henry Jackman es por tanto introspectivo, marcado por una sonoridad de cuerdas que en cierto modo tiene una cadencia casi religiosa, como en la introducción de los coros en el tema "The fire". Esta presencia coral se desarrolla a lo largo de casi toda la banda sonora, especialmente en aquellos pasajes que se centran en la tragedia que vivió el protagonista. Henry Jackman introduce también algunos elementos que sitúan la trama en el Sur de los Estados Unidos, como el banjo que hace su aparición por primera vez en "Awakening". Estamos ante el que es quizás uno de los trabajos más íntimos de su autor, y en cierta medida se acerca al universo sonoro de Jóhann Jóhannsson en Prisioneros (Denis Villeneuve, 2013), especialmente en temas como "Through the glass", que parece casi una composición del malogrado compositor islandés. Es en el proceso de la ejecución del protagonista en los momentos en los que la música se vuelve más etérea, dramática y emocional. "To dust I will return" es una especie de adagio que resulta conmovedor, para acabar en la presencia única de los coros y el órgano en "The execution", una humanización del personaje principal que al mismo tiempo es una especie de canto elegíaco ante la injusticia.
Decíamos en un comentario anterior que el compositor Bear McCreary, a pesar de su prolífico repertorio a lo largo de 2019, está especialmente inspirado. Una nueva muestra de su excelente momento creativo es esta banda sonora para la nueva versión del clásico Godzilla (Michael Dougherty, 2019), que le ha permitido bucear en las composiciones originales de los clásicos japoneses para construir una banda sonora frenética, poderosa y al mismo tiempo repleta de ideas logradas. Desde el principio, Bear McCreary incorpora en el tema principal, "Godzilla Main Title", la música original de Akira Ifukube para la película Gojira (Japón bajo el terror del monstruo) (Ishirô Honda, 1954), tema representativo del monstruo que está presente en casi todas las películas de la franquicia. Y aquí incorpora las percusiones contundentes del taiko y las voces masculinas del coro Kakegoe, que pronuncian cada uno de los nombres de los monstruos que están presentes en la película: Godzilla, Rodan, Mothra y Ghidorah. Precisamente para cada uno de ellos Bear McCreary compone un tema principal, en una especie de "Monster Opera" como la denomina el propio compositor. Para el insecto gigante Mothra incopora también pasajes de la música original de la película Mothra (Ishirô Honda, 1961), compuesta por Yûji Koseki, en "Queen of monsters", con voces femeninas. Para Ghidorah crea una especie de oración dedicada a las tres cabezas de este monstruo tricéfalo, en "Rise of Ghidorah", mientras que para "Rodan" incorpora los instrumentos de viento, especialmente el cuerno francés, e introduce percusiones afro-cubanas como las congas, para marcar el origen "latino" del monstruo. En definitiva, se trata de un trabajo cuidado, creativo y espectacular que nos trae a un compositor especialmente afortunado este año.
Sin duda se trata de una de las series más destacadas del año, un thriller claustrofóbico que relata, en tonos oscuros y casi cercano al género de terror, la tragedia provocada por la incompetencia y ocultada por la burocracia. Y sin duda uno de los elementos más importantes para dotar a esta miniserie de esa atmósfera malsana y dramática es el trabajo musical de la compositora islandesa Hidur Guđnadóttir, hasta ahora más conocida por sus colaboraciones con el músico Jóhann Jóhannsson, pero convertida ya en uno de los nombres más destacados del panorama cinematográfico, y a la espera de su trabajo para la película Joker (Todd Phillips, 2019). Chernobyl (HBO, 2019) no es una banda sonora que contenga elementos melódicos, sino que introduce sonoridades electrónicas mezcladas con grabaciones efectuadas por la misma compositora en una central nuclear cerrada de Lituania, donde capturó ese background metálico, desolador, que está presente en casi todas las composiciones, como en ese tétrico "Pump room". Aunque es un trabajo atonal, que no sigue la estructura habitual de la música para cine o televisión, el diseño sonoro creado por la compositora tiene una cierta belleza hipnótica que está presente a lo largo de todo el metraje, siempre marcando los momentos trascendentales sin utilizar instrumentos convencionales. Como en ese "Gallery", una pieza casi minimalista, o en ese aterrador "Corridors", lo más cercano a la representación sonora de la radioactividad para una de las escenas más escalofriantes de la serie. Solo hay algunos momentos de cierta luminosidad en la banda sonora, con la introducción de la voz de la propia compositora en "Evacuation", que incorpora el elemento humano necesario entre tanta toxicidad, o ese lamento que es casi una oración en el "Vechnaya pamyat (Eternal Memory)", interpretado por el Coro HOMIM de la ciudad ucraniana de Lviv.
Esta película canadiense está basada en una obra de teatro escrita e interpretada por Amy Nostbakken y Norah Sadava. Ambas interpretaban sobre el escenario a una misma mujer, mostrando en una historia que se desarrolla a lo largo de 48 horas, las voces opuestas que conviven en la cabeza de una mujer contemporánea. En la adaptación cinematográfica, que dirige Patricia Rozema, ellas son también las intérpretes y Amy Nostbakken se encarga asimismo de la parte musical, al igual que en la obra teatral. Esta dicotomía vocal está también presente en la banda sonora, exclusivamente interpretada por voces femeninas, introduciendo hermosas canciones como "How it goes", o bien utilizando las voces como instrumentos musicales, como en "Lonely", una pieza reflexiva y al mismo tiempo melancólica que sirve como tema principal. No estamos ante un trabajo musical convencional, porque no funciona tanto como subrayado de las emociones, sino más bien como vehículo de transmisión de esta doble personalidad que convive en el cerebro de la protagonista. Hay momentos de explosión emocional, como en esa canción "Mamma", pero también hay vocalizaciones más sosegadas como en ese "Morning" que parece uno de esos susurros que uno murmura mientras está en la bañera. Su estructura y contenido poco convencional convierten a esta banda sonora en uno de los trabajos más interesantes de este año.
Este documental producido por Netflix gira en torno a la figura del espía egipcio Ashraf Marwan, presumiblemente agente doble que espiaba tanto para Israel como para Egipto en los años más tensos del conflicto entre ambos países, tras la aprobación del Estado de Israel. La participación del político fue decisiva tanto para los servicios de inteligencia israelíes como para el presidente egipcio Anwar Sadat. Pero nunca quedó claro si Ashraf Marwan trabajaba como espía solo para los israelíes o en realidad era un enviado para hacerles creer que trabajaba para ellos. Muerto en extrañas circunstancias en Londres, nunca se ha podido responder a ese dilema, y el documental tampoco lo hace, aunque en algún momento ponga en duda la versión del periodista Ahron Bregman, en cuyo libro está basada la película. Otra producción de Netfliz, The angel (Ariel Vromen, 2018) también se acerca al mismo personaje, pero esta vez en tono de ficción. Lo más interesante del documental está en su banda sonora, un excelente del compositor Robin Schlochtermeier, que crea alrededor del documental una atmósfera de suspense que eleva a éste hasta el género del thriller, y en buena medida es el responsable de que, a pesar de lo confuso que puede resultar en ocasiones la historia, mantenga al espectador en una constante atención, con temas de gran efectividad emocional como "On the record", que hace uso de instrumentaciones de percusión árabes o el suspense que se desprende de "Agent of the Century", o el propio tema principal, desarrollado en forma de escalada de tensión en el espléndido tema "In shock", haciendo uso de nuevo de percusiones arábigas.
La película de Joe Talbot está protagonizada por Jimmie Fails, que se interpreta a sí mismo en una historia que él mismo vivió cuando trató de recuperar una vieja casa victoriana construida por su padre en un barrio de San Francisco. La banda sonora incluye en la película algunas versiones de clásicos de la música como "Somebody to love" de Jefferson Airplane o el inolvidable "San Francisco" de Scott McKenzie, pero en una versión cantada por Frank Marshall, con el músico noruego Daniel Herskedal, interpretando la tuba, que le da un tono especialmente cercano a los barrios negros de la ciudad en los años setenta. No todas estas versiones están incluidas en el album editado, que se centra más en la música original compuesta por Emile Mosseri, joven compositor neoyorquino que aporta las creaciones instrumentales de la película. Se trata de un trabajo complejo y realmente hermoso que lo mismo se vale de voces corales que le aportan ese aire de religiosidad que acompaña al personaje principal, como en el introductorio "King Jimmie", como nos introduce en los instrumentos de viento, entre ellos el clarinete, muy presente en la segunda parte de la banda sonora, como en el bellísimo tema "Driving home with stolen treasures", o en "Rock fight", que tiene un aire a las composiciones de Michael Nyman, con el uso de tonos repetitivos con trompetas y clarinetes. Curiosamente, se incluyen en la edición discográfica algunas demos de varios de estos temas principales que complementan perfectamente el resto de la banda sonora. Quizás sobra al final una suite de 8 minutos con un monólogo de Jimmie Fails que hubiera sido más interesante escuchar sin la voz del narrador.
Genie Music 7 / 6 / 2019
El director coreano Bong Joon-Ho volvió a sorprender con su última película en el pasado Festival de Cannes, donde logró la Palma de Oro. Como suele suceder en su cine, la mezcla de géneros es una constante, y esta historia de hecho comienza como si se tratara de una versión coreana de Un asunto de familia (Shoplifters) (Hirokazu Koreeda, 2018), ganadora de la Palma de Oro el año pasado, con una familia que trata de sobrevivir entre las dificultades de la pobreza, pero poco a poco va dibujando trazos de géneros como el thriller y el terror, sin abandonar su condición de drama social. Esto permite al compositor Jaeil Jung, que ya trabajó con Bong Joon-ho en Okja (Bong Joon-ho, 2017) elaborar una partitura ecléctica y repleta de pasadizos creativos que resultan sorprendentes. El drama familiar es mostrado en la banda sonora a través de un hermoso tema principal, "Opening", con el piano como instrumento solista. Y entre sonoridades creadas por el teclado, la banda sonora va creciendo hasta otro tipo de instrumentaciones, como ese excelente tema con percusiones, "Mr. Yoon and Park", que ya va introduciendo elementos algo tenebrosos. Jaeil Jung también picotea en el clasicismo dieciochesco con temas como "The belt of faith", que marca un cambio de tonalidad en la historia. Si en la primera parte predominaba el piano, en esta segunda parte destaca el uso de los violines en temas como "Ghost" o "Water, Ocean", que resultan excelentes incursiones terroríficas. Es así como la banda sonora acompaña con aciertos precisos a una historia que pasa de la comedia al drama, de la mirada social al género de suspense con la maestría que un director como Bong Joon-ho suele imprimir a sus películas.
Destacamos también otro trabajo del compositor Bear McCreary, ahora con su incursión en el género de terror gracias a esta revisión del clásico de los ochenta Muñeco diabólico (Tom Holland, 1988), y de nuevo ofreciendo una obra espléndida e imaginativa. Para este remake de una serie de películas de las que el propio Bear McCreary se confiesa admirador, ha creado una banda sonora que también rinde tributo a aquellas trabajos musicales de la década de los ochenta, especialmente los de Jerry Goldsmith. Esta influencia se nota especialmente en el tema principal, "The buddi song", interpretada en su versión vocal por el actor Mark Hamill, sobre el que pivota buena parte de las composiciones. Es una magnífica canción de tono infantil pero que transmite también cierta sensación de desasosiego, y de hecho funciona igualmente en sus versiones más amables, como en sus presentaciones más oscuras. Para la banda sonora, Bear McCreary creó lo que él llama una "toy orchestra" utilizando muchos de los juguetes musicales de su hija y algunos instrumentos curiosos cedidos por amigos como el compositor Steve Bartek, aficionado a utilizarlos sobre todo en su etapa como componente del grupo musical Oingo Boingo, junto a Danny Elfman. Esta sonoridad es sin duda uno de los grandes aciertos de la banda sonora, porque McCreary consigue envolverlos con el sonido de una orquesta tradicional y logra grandes momentos de tensión como en "Bad influence" o de acción como "Zed Mart massacre", pero con una armonía completamente original. Al final de la banda sonora, Bear McCreary hace su particular homenaje a la franquicia original interpretando con su "toy orchestra" (y con su voz utilizado como coro) el tema creado por Joe Renzetti para Muñeco diabólico (Tom Holland, 1988)
Particularmente considero que "The Crest Theme", el tema principal de este documental, es uno de los mejores que se han compuesto este año. Contiene esas dosis de encuentro entre la tradición y la modernidad, y ese espíritu positivo que, cuando lo escuchas, transforma tu estado de ánimo hacia una vertiente positiva y amable. Ese encuentro entre el pasado (que se refleja en la utilización del violín y la flauta irlandeses) y el presente, con la utilización de guitarras eléctricas, funciona perfectamente en el comienzo del documental The crest (Mark Christopher Covino, 2017), con los magníficos paisajes de Irlanda, y la presentación de sus protagonistas, dos descendientes de una antigua familia de reyes que viajan al lugar de origen de sus ancestros, no para reclamar sus tierras, sino para surfear sus olas. De esta forma, nos encontramos con una banda sonora que tiene evidente sonoridad a la tradición musical irlandesa, y en ocasiones se nos antoja una especie de homenaje a The Chieftains y tantos otros grupos que difundieron la tradición hace años, pero al mismo tiempo aporta esos elementos contemporáneos que hacen que no se trate solo de una banda sonora más o menos asentada en el folclore celta. Temas como "Islanders", que se fusiona con "Travelers", tienen ese particular sonido que los hace especialmente novedosos y al mismo tiempo mágicos. Pero sin duda uno de los momentos más logrados por parte del compositor Darius Holbert es la suite de 9 minutos "The island", que contiene una versión vocal del tema principal, y que es un placer para los oídos.
Walt Disney Records 21 / 6 / 2019
La nueva aventura de los personajes de Toy story (John Lasseter, 1995) supone también el regreso de Randy Newman como compositor de bandas sonoras, en un terreno que ya le es familiar y en el que habitualmente ha logrado brillar. Para esta cuarta película, el veterano músico maneja con habilidad las referencias a sus composiciones previas para las otras películas de la saga, junto a la introducción de nuevos temas que amplían el universo musical de aquellas. La continuidad en tono y paleta melódica es la base de esta banda sonora, que sin embargo aporta interesantes novedades en temas como "Trash can chronicles", que introduce el leit-motiv para el nuevo juguete, Forky, o en ese nostálgico tema dedicado a Bonnie en "School daze", que tiene ese tono melancólico que en cierto modo caracteriza a esta relación de amistad a lo largo de las películas. A pesar de ser ya su cuarta banda sonora para Toy story, Randy Newman no cae en la mera continuidad en los pasajes de acción, y pasajes como "Buzz's flight & a maiden" son un ejemplo de esta perfecta simbiosis entre las composiciones características de anteriores bandas sonoras y nuevas aportaciones musicales que resultan más que efectivas. También en el apartado de canciones, Randy Newman recupera por un lado el característico "You've got a friend in me", pero introduce dos nuevas canciones: "I can't let you throw yourself away", que interpreta él mismo, y la que para nosotros es la mejor de las dos nuevas canciones, "The ballad of the lonseome cowboy", que suena en los créditos finales y que tiene un aire a Roy Orbison. Randy Newman demuestra una vez más su capacidad para renovarse manteniendo el tono de sus anteriores aportaciones, lo cual es sin duda laudable.
Aunque pasó por diferentes festivales en Estados Unidos durante 2017, la película que nos ocupa no ha conseguido tener una distribución convencional, y hasta el mes de junio no se ha publicado su interesante banda sonora. Firmada por Natasha Kermani, a la sazón también guionista y directora, y por el músico ambiental Kevin Hufnagel, el trabajo musical acompaña a esta historia singular en torno a un visitante extraterrestre que toma las formas de una actriz porno, asistiendo a continuación a una doble trama en la que vemos cómo esta extraterrestre con forma femenina se adapta a la vida en nuestro planeta, y al mismo tiempo cómo la actriz se replantea también en cierta manera su propio espacio vital. Interpretadas ambas por la estrella del cine fantástico independiente Lauren Ashley Carter, la película plantea interesantes reflexiones sobre cuál es nuestro papel en la sociedad, aunque quizás adolece de cierta dispersión y no cuenta con interpretaciones especialmente acertadas. Pero en el plano musical funciona bien esta dicotomía entre la visión extraterrestre y la más terrenal. La primera se subraya con sonoridades electrónicas, disonantes, como en las secuencias iniciales en las que vemos la transformación de esta entidad, casi todas mostradas sin diálogo y solo con una música acertada, como en "Desert vision". La parte terrenal es también más acústica en la banda sonora, casi siempre interpretada por una guitarra solista con aire melancólico, como en "Shopkeepers story", o acompañada por el violín en ese hermoso "Lovesong". El encuentro de ambos personajes también supone la conexión entre lo acústico y lo electrónico, perfectamente palpable en "Will they find me", completando una sutil banda sonora que en algunos momentos supera a los resultados de la propia película.
Otra continuación musical es la que firma Michael Giacchino en esta secuela del tercer reboot de Spider-man. En esta ocasión, el compositor recupera algunos de los temas principales de la anterior película, pero también aporta novedades. La principal y más interesante es que la música ha madurado junto al personaje de Peter Parker, y por tanto resulta en algunos momentos más seria y con más elementos electrónicos que se incorporan desde el principio, y especialmente en temas como el dedicado al personaje de Nick Fury, más claramente en "Multiple realities". Al igual que la película, el tono de la banda sonora se va haciendo cada vez más oscuro, rozando en ocasiones el género de terror como en "The magical Mysterio tour", dedicado al villano Mysterio, que también tiene su protagonismo en hallazgos interesantes como la introducción de la guitarra eléctrica en secuencias de acción como la que se muestra en el espléndido "Happy landings". Estamos ante una banda sonora que va ganando interés conforme va avanzando y en cierta medida en aquellos momentos en los que se aparta de la "frivolidad" de la primera entrega. En este sentido, Michael Giacchino consigue crear una partitura que al mismo tiempo es continuista pero aporta madurez al personaje y a una aventura que de por sí ya es más oscura que la anterior. Y resulta agradable ver cómo el compositor recupera la incorporación de una suite introductoria con los temas principales en "Far from Home Suite Home", que ya parece ausente de las bandas sonoras que se editan actualmente.
Milan Records 28 / 6 / 2019
La serie producida por Ridley Scott se acerca a un personaje esencial para el desarrollo de la era espacial, el ingeniero Jack Parsons, que al mismo tiempo fue un convencido de prácticas ocultistas durante toda su vida. En las semanas en las que se estrenaba la segunda temporada de Strange angel (CBS, 2018-) se publicó la banda sonora de la primera, compuesta por el siempre interesante Daniel Hart. Y se trata de uno de sus trabajos más destacados en este año, creando una intimista pero al mismo tiempo épica música que acompaña a la extrovertida personalidad del protagonista, en su vertiente de impulsor de la navegación espacial, pero también en sus primeros escarceos con las prácticas ocultistas. Temas como "Ad Astra per Aspera" tienen ese tono épico de sus primigenias incursiones en el el diseño de un cohete espacial, siempre apoyado por los instrumentos de cuerda, que son parte esencial de este trabajo musical. A lo largo de la banda sonora encontramos hermosísimos pasajes como "To be contained", que tiene esa espíritu íntimo que funciona bien como reflejo psicológico del protagonista. Porque el trabajo de Daniel Hart se construye más que en torno a situaciones o escenas, a la compleja personalidad de Jack Parsons y su relación con Ernest Donovan, un personaje no basado en la realidad, pero que refleja la tentación de Parsons hacia el ocultismo. Al margen de este acercamiento intimista, la música de Daniel Hart también funciona bien en los momentos relacionados con los experimentos científicos de Jack Parsons, con excelentes muestras como "Rocket fuel". La duración de la banda sonora de Strange angel se nos antoja algo insuficiente para lo que podemos escuchar en la serie, por lo que resulta más recomendable disfrutarla junto a las imágenes.
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