Midsommar - Bobby KrlicMilan Records 5 / 7 / 2019La película de terror más siniestra de este año propone una historia que, al contrario que en otras recientes propuesta del género, no nos introduce poco a poco en el desasosiego, sino que ya en desde sus primeros quince minutos plantea una montaña rusa de secuencias terroríficas que juega bien con el suspense y el delirio. En este sentido, el británico Bobby Krlic, también conocido como The Haxan Cloak, ofrece un trabajo que pretende (y consigue en buena medida) hacernos partícipes de ese tenebrismo que nos va a acompañar durante dos horas; una banda sonora que continúa parte de sus colaboraciones con Atticus Ross, pero que ahora construye en solitario. En este trabajo que refuerza buena parte de los aciertos visuales de la película, encontramos inquietantes incursiones en el terror, como esos chirriantes violines de "Gassed" para una de las escenas más tenebrosas de la historia, o hipnóticos juegos corales como "Chorus of sirens", pero sobre todo destaca por esas bocanadas de aire fresco (pero siempre con una sonoridad nada tranquilizadora) que se muestran en momentos como "The blessing", y principalmente en la conclusión, ese "Fire temple" que es una especie de lamento final en el que las cuerdas dibujan una cierta esperanza pero al mismo tiempo nos recuerdan que la condición humana es ambivalente.
Cleo - Johannes RepkaDigital 11 / 7 / 2019
Estamos ante una comedia alemana muy particular, que hurga en los misterios de un personaje singular que nos transporta a través de la reciente historia de la ciudad de Berlín, tan repleta de acontecimientos trágicos y al mismo tiempo ten reveladora de la capacidad de renovación de una capital misteriosa y fascinante. Para acompañar a esta fantasía, el compositor Johannes Repka abunda a través de su banda sonora en ese espíritu mágico, y su música propone una sonoridad cercana al de un cuento, como en "Der historiker" con el que se abre la edición discográfica. Se trata de un trabajo musical ecléctico, que gracias a la diversidad temporal de la historia, consigue introducirnos en diversos escenarios musicales que consiguen atraparnos, a veces bordeando el tango como en "Die ungewolte Tour", y en otros acercándose al bolero, como en "Ricercare Berlino". En general se trata de una excelente muestra de la heterogeneidad que despliega Johannes Repka, incluso en los momentos más dramáticos, como "Die Nazi Uni (In loco obscuro)", en el que introduce voces corales que otorgan pomposidad. El compositor se mueve también con soltura en la construcción de temas que plantean un acercamiento más serio, como en esa hermosa versión del tema principal interpretada al piano que encontramos en "Ein film für Paul", contagiosamente mágico.
Este documental en torno a un adolescente sin hogar que vive en los subterráneos de la ciudad de Bucarest se rodó durante seis años y es una visión moderna de la vida en las calles, casi diríamos que una versión realista de "Oliver Twist". El compositor sudafricano afincado en Londres Daniel Gadd ha creado para la película una banda sonora de senderos musicales diversos que circula principalmente por dos vías: una propuesta más dramática, que se acerca al interior del personaje principal, con sus anhelos y sus ensoñaciones, como en el hipnótico "A normal life", y otra parte que asimila la música tradicional rumana, desde el festivo "Bruce Lee: King of the tunnels" hasta el más melancólico "Tunnels without the outlaw". En general, la banda sonora, como el propio documental, se va tornando cada vez más optimista, y eso lo apreciamos en hermosas composiciones algo etéreas como "Snow (Mama Raluca)", pero también lanza una mirada reflexiva en torno a la vida de los 'sintecho', como una visión nostálgica de la vida en las calles que protagonizaba el protagonista. Y entonces surgen bellas composiciones como "Many mothers and fathers, brothers and sisters", interpretada al piano por el propio Daniel Gadd, con la incorporación de una "maternal" voz femenina solista.
Uno de los éxitos del pasado Festival de Sundance fue esta comedia dirigida por Lulu Wang en torno a una familia que decide ocultar a la abuela que se está muriendo, incluso organizando una falsa boda de su nieta para que muera tranquila. Es una película que habla de las tradiciones chinas frente a la visión occidental, y en este sentido se la ha comparado con otras cintas como El banquete de boda (Ang Lee, 1993). Alex Weston se ha encargado de crear una partitura que principalmente utiliza una tonalidad clásica, lo que refuerza en buena medida el acercamiento a la tradición, con temas de aires "vivaldianos" como "The lie" con el que se abre la banda sonora, y que será una de las columnas vertebrales de toda la partitura. Otro de los hallazgos interesantes es el uso de las voces, tanto en su ámbito coral como solistas. Por un lado, el coro representa a la comunidad, a la familia, mientras que la voz solista que interpreta el tenor alto Mykal Kylgore en falsete representa la idea de la mentira, y está presente en todos aquellos momentos en los que se menciona esa burbuja en la que se pretende mantener a la abuela, con maravillosas escenas como "Grandma on the roof". Es interesante especialmente el uso de ambas técnicas en un espléndido tema como "Family", que comienza con el coro (la familia) y acaba con la voz solista (la mentira). Sin duda estamos ante un trabajo espléndido de Alex Weston, colaborador de Paul Cantelon y Philip Glass.
El regreso de Philip Glass al mundo del cine es sin duda esperado, aunque ciertamente el compositor no ha abandonado la música para formatos audiovisuales, trabajando en los últimos años en cortometrajes y documentales como Jane (Brett Morgen, 2017). Este año su agenda sigue siendo extensa, habiendo compuesto la música de la nueva producción teatral de King Lear, con Glenda Jackson y habiendo publicado su último album, Perpetulum (2019, Orange Mountain Music), junto a Gavin Bryars y Third Coast Percussion, un trabajo notable que contiene sus obras "Perpetulum" y "Aliens with extraordinary abilities". La banda sonora que nos ocupa no es exactamente un trabajo original para la película de Bernard Rose, sino que se trata de un compendio de una serie de obras anteriores de Philip Glass, entre ellas tres composiciones para el cine: Mishima (Paul Schrader, 1985), Naqoyqatsi (Godfrey Reggio, 2002) y The fog of war (Errol Morris, 2003), interpretadas por la Filarmónica de Praga bajo la dirección de Richard Hein. Se incluyen también fragmentos de las óperas Satyagraha (1980) y Akhnaten (1984), así como extractos de varias sinfonías del compositor. A pesar de la diversa procedencia de sus fragmentos, es un trabajo que funciona con cohesión, y que consigue momentos de gran belleza en conexión con las imágenes, como ese primer Movimiento de la Sinfonía Nº 2 (1994), con ese uso de los clarinetes y los oboes que dan un cierto aire fantasmagórico. Aunque no se trata de una banda sonora original, la selección es sin duda cuidada y certera, y conecta con las imágenes como si se tratara de música especialmente escrita para ella. Este año precisamente se edita una nueva versión de la banda sonora de Mishima (Paul Schrader, 1985), con la pianista Maki Namekawa, habitual colaboradora del compositor.
Bryce Dessner, al margen de formar parte de una de las bandas de rock más prestigiosas de los Estados Unidos, The National, también ha realizado algunas incursiones en el mundo del cine, como su colaboración con Ryuichi Sakamoto y Alva Noto en El renacido (Alejandro G. Iñárritu, 2015). Ahora en solitario ha creado la banda sonora de este thriller protagonizado por tres actrices en un buen momento profesional: Melissa McCarthy, Elisabeth Moss y Tiffany Haddish. Su enfoque sonoro es, al mismo tiempo, muy fiel a su condición de guitarrista, tomando este instrumento como elemento principal de los momentos más sosegados de la película, pero al mismo tiempo incorpora un planteamiento singular con la utilización de las percusiones para las secuencias más tensas, junto a un inteligente uso de las cuerdas, nada excesivo, sino totalmente medido para reforzar la angustia. Así, junto a pasajes casi diríamos que cercanos a los sonidos sureños, como "Clair and Gabriel", encontramos otros que consiguen elevar el nivel de tensión, como "Liquor Store", o excelentes pasajes musicales, contundentes y sofisticados, para escenas de acción como el espléndido "Italian Street War". Es sin duda uno de los trabajos más interesantes que hemos escuchado este año en relación al género del thriller, y confirma a Bryce Dessner como un compositor más que dotado para el cine.
La cadena de televisión sueca SVT ha estrenado las dos temporadas de la serie Dröm (SVT, 2019-) entre los meses de agosto y septiembre. Capítulos de no más de 15 minutos que cuentan la historia de una niña que comienza a tener visiones del futuro, descubriendo hechos terribles que ocurrirán en los próximos veinte años. La banda sonora corre a cargo del compositor sueco Erik Lewander, del que ya conocíamos trabajos suyos anteriores para televisión, como la serie Jordskott (SVT, 2015-), y que aquí elabora un interesante acercamiento, utilizando instrumentos electrónicos, a esta interacción entre el presente y el futuro. Las sonoridades, aunque puedan parecer obvias (sintetizadores para aquellos segmentos que tienen que ver con los sueños de los próximos años), guitarras para las secuencias del presente, contienen sin embargo una elaborada construcción temática que sirve perfectamente como nexo de unión temporal. En cierto modo, hay una cierta atmósfera "ochentera" en todo el trabajo musical, pero destacan sobre todo aquellos temas que ofrecen una sensación de grandiosidad, como en el espléndido "Branden", aunque también funcionan las sonoridades más íntimas, como en "Stenen i Sjön", que introduce elementos de cuerda que dan un aire más introspectivo.
Para esta amable comedia familiar francesa que tiene entre sus protagonistas a Carmen Maura, el compositor británico Stephen Warbeck ha creado una deliciosa partitura que sin embargo no dura más de 15 minutos en su edición discográfica. En todo caso, funciona a la perfección esta recreación bucólica de la vida familiar, aquí protagonizada por un niño y su relación con su abuela, que está presente en casi todos los pasajes musicales, especialmente aquellos relacionados con la historia del lobo que funciona como eje principal de la historia, como en "L'histoire du loup" que, aunque contiene cierto aire de misterio, pronto desemboca de nuevo en la comodidad y la protección de la familia. Esta conexión con la familia, que aquí se representa a través de la guitarra como instrumento solista, en "La famille" y en casi todos los temas en los que siempre hay un apunte que tiene que ver con el núcleo familiar. La otra vertiente en la que se mueve este hermoso trabajo de Stephen Warbeck, es el del sentido de la aventura que vive el protagonista, y que funciona con cierto aire juguetón en composiciones como "L'evasion", con la introducción del banjo, en cierto modo como sustitución de la guitarra-familia. A pesar de su corta duración, Ma famille et le loup (Adrià García, 2019), es una de esas banda sonoras que uno puede estar escuchando en bucle sin cansarse de esta deliciosa colección de composiciones que nos regala Stephen Warbeck, como ese maravilloso "Ensemble", que es resumen perfecto de la banda sonora.
Brian Tyler es un compositor que comenzó su carrera en el género del thriller y el terror y que luego ha desarrollado una carrera en grandes producciones con bandas sonoras más o menos logradas. En esta Noche de bodas (Matte Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett, 2019) nos ofrece uno de sus mejores trabajos en el terreno del thriller, en una línea eminentemente clásica. Tan es así, que la banda sonora comienza con dos introducciones: "Ready or not Overture", que resumen, entre la sonoridad misteriosa y el elemento distorsionador y de acción, un resumen perfecto de los caminos por los que va a discurrir la composición de Brian Tyler, mientras que en "Ready of Nocturne for solo violin" ofrece un acercamiento "de concierto" al tema principal, logrado en su dicotomía del misterio y la redención. Esta primera parte introductoria, que también está marcada por el tema "The truth", da paso inmediatamente al cuerpo principal de la banda sonora, que en "Here we come" ya incorpora los elementos de thriller y tensión que estarán presentes en casi todos los pasajes posteriores. En este terreno, Brian Tyler consigue algunos momentos especialmente notables, como en "The pit", un excelente tema de tensión que en algunos compases nos recuerdan a bandas sonoras notables de Christopher Young en el género. Pero destacan especialmente las introducciones de disonancias y sonoridades deformadas en suites como "The ritual", que es una de las mejores composiciones de la banda sonora.
El director Arnaud Desplechin presentó en el pasado Festival de Cannes este thriller policíaco que se acerca de forma realista a las investigaciones sobre un asesinato en la comisaría central de la localidad francesa de Roubaix. Basada en el documental Roubaix, commissariat central, affaires courantes (Mosco Boucault, 2008), su acercamiento también tiene un cierto aire documental, generando críticas positivas y negativas. El compositor Grégoire Hetzel adopta aquí una mirada distante con un trabajo que tiene aires sonoros del clásico "polar" francés, pero también una disposición de crónica realista. De esta forma, la banda sonora tiene en general un tono casi diríamos que monótono, pero más en el sentido de la uniformidad que del aburrimiento. En cierto sentido, nos recuerda a algunos acercamientos de compositores como Howard Shore al thriller policíaco, especialmente en esa constante sensación de amenaza que se mantiene en todas las composiciones, especialmente en producciones como Seven (David Fincher, 1995). Son especialmente notables los pasajes más extensos en minutos, como "La reconstitution", que tiene algunos elementos disonantes que acrecientan esa sensación de peligro constante de la que hablábamos anteriormente. No es una banda sonora de fácil audición, porque carece casi por completo de desarrollo melódico, pero funciona perfectamente como contrapunto dramático y ambiental.
Este drama en torno a una mujer coreana que retoma la relación con su hermano, largamente ausente, consiguió notables críticas en el pasado Festival de Sundance. Uno de los elementos más interesantes es el trabajo musical de Roger Suen, compositor de estudio que ha participado en numerosas bandas sonoras de cine y televisión, pero que aquí debuta en solitario. Notable es el tema principal "Ms. Purple", un triste y desolador pasaje musical con instrumentos de cuerda que funciona como "pathos" de la protagonista, como reflejo de su sufrimiento personal. El otro camino por el que discurre la banda sonora son composiciones de jazz o temas de aires chicanos que también compone Roger Suen y que acompañan al resto de los personajes: "Dad", "Octavio"... Discutible sin embargo es el uso que hace el director de otras composiciones diegéticas en la película, que en el algunos momentos no terminan de encajar con la efectividad que sería deseable. Y es con esa imprecisión con la que tiene que lidiar el trabajo de Roger Suen que, por sí mismo, es un excelente ejemplo de contención y dramatismo.
Music for the Films of Peter Mullan - Craig Armstrong
CMA Records 9 / 8 / 2019
Este es un caso curioso en el campo de la música de cine, porque el compositor Benjamin Wallfisch logra en la secuela de It (Andy Muschietti, 2017) desarrollar su anterior trabajo con mayor efectividad y contundencia. Si la banda sonora del reboot se nos antojaba precisa y acertada, pero no del todo completa, aquí el músico logra, gracias a recursos más ambiciosos (una orquesta de 100 músicos y un coro de 40 miembros). terminar de desarrollar un acercamiento al terror que se quedó algo corto. En las conversaciones entre el director y el compositor, esta mayor ambición fue uno de los temas principales, y así lo podemos apreciar en aquellas composiciones que se heredan de la anterior película, como ese comienzo con "27 years later". Especialmente interesante es el uso de las voces corales, que están presentes en buena parte de los nuevos temas, bien en forma coral o en leves susurros que provocan desasosiego y mantienen en general un tono de tensión y amenaza que resultan muy logrados. En temas como "The clubhouse", que parecen un oasis de relax, pronto el compositor introduce elementos perturbadores (aquí con la introducción del tema de Pennywise) que da paso ya a los momentos de tensión. Excelente es el tratamiento también de elementos aparentemente inocuos e infantiles, que sin embargo están utilizados en la banda sonora con distorsiones que los convierten también en instrumentos terroríficos, como en "Hall of mirror". Sin duda, uno de los más contundentes y acertados acercamientos de Benjamin Wallfisch al género de terror.
Basado en la popular novela de Ferdinand von Schirach El caso Collini (2013, Ediciones Salamandra), este thriller judicial ha despertado un intenso debate en Alemania en torno al funcionamiento de la justicia en ese país. Pero sobre todo ha despertado el interés de los espectadores, convirtiéndolo en uno de los éxitos de los últimos meses. La banda sonora está firmada por el compositor alemán de música electrónica Ben Lukas Boysen, cuyas incursiones en el mundo del cine han sido escasas hasta el momento. Pero, al contrario de lo que pudiera parecer, se trata de un trabajo eminentemente sinfónico, que utiliza con inteligencia las sonoridades de cuerdas, pero sin obviar la introducción de algunos elementos digitales. En este sentido, es un trabajo musical que utiliza los recursos tradicionales para elaborar una banda sonora eminentemente clásica, sin grandes innovaciones, pero con singular eficacia. Funcionan especialmente bien los temas de tensión, como "Lebenslänglich", y aquellos en los que Ben Lukas Boysen puede desarrollar una adecuada idea musical, como en el hermoso "Cimitero", que tiene algo de liberación frente a la tensión del juicio.
Sin duda uno de los acontecimientos más esperados del año desde el punto de vista de las bandas sonoras es esta colaboración entre la prestigiosa violinista alemana Anne-Sophie Mutter y el compositor John Williams. Es desde luego una de las recopilaciones más interesantes de las que se han editado en torno a la música del maestro, por el hecho también de que en realidad no se trata de una mera repetición de temas más o menos conocidos, sino que funciona como una obra para concierto que tiene la impronta particular de ese estilo de la violinista, con arreglos especiales a cargo de John Williams para adaptarse a la interpretación en formato solista. Curiosamente, los temas que peor funcionan son los que conforman el leitmotiv de la recopilación, en torno a la saga "Star Wars", y particularmente ese tema de amor "Across the Stars" de El ataque de los clones (George Lucas, 2002), hermosísima composición que para nosotros pierde fuerza en formato solista. Sin embargo, desde la mitad del album, con ese espléndido "Donybrook Fair" de Un horizonte muy lejano (Ron Howard, 1992), la grabación consigue momentos de gran altura, como en "The duel", de la película Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio (Steven Spielberg, 2011), cuyos arreglos permiten a Mutter lucir sus habilidades al violín. Otro aspecto positivo de este recopilatorio es que la selección no es nada obvia, porque aunque están algunos temas representativos del compositor, se introducen también creaciones para películas como Permiso para amar hasta medianoche (Mark Rydell, 1973) o Drácula (John Badham, 1979) que, con ser excelentes, no son habituales en este tipo de albumes. El disco se cierra, cómo no, con la versión del tema principal de La lista de Schindler (Steven Spielberg, 1993), aunque superar la interpretación original de Itzhak Perlman es difícil. En definitiva, se trata de un excelente álbum que es disfrutable tanto para seguidores del compositor como de la violinista.
Noche de bodas (Ready or not) se estrena el 11 de octubre
La cocina del infierno (The kitchen) se estrena el 25 de octubre
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