Elephant - Ramin DjawadiWalt Disney Records 3 / 4 / 2020Entre la oferta disponible en la plataforma Disney+ se encuentran los documentales de Disneynature, que ofrecen una visión más enfocada a la familia en torno al comportamiento de los animales. Recientemente, Disney+ estrenó Penguins (Alastair Fothergill, Jeff Wilson, 2019) y Dolphin Reef (Keith Scholey, 2020), y ahora llega Elephant (Mark Linfield, Vanessa Berlowitz, 2020). Sus responsables provienen en su mayor parte de grandes producciones televisivas como Planet Earth (BBC, 2006-2016), y es indudable la calidad de las imágenes, aunque su tono "disney" resulta poco atractivo. Elephant cuenta con la narración de Meghan Markle, Duquesa de Sussex, y con música de Ramin Djawadi, que construye una banda sonora marcada por los sonidos africanos que acompañan al viaje de una familia de elefantes en busca de agua. Y en este sentido estamos ante uno de los trabajos más interesantes que hemos escuchado desde
Grita libertad (Richard Attenborough, 1987), de George Fenton o El rey león (Roger Allers, Rob Minkoff, 2014) de Hans Zimmer. El año pasado, Alex Heffes también puso música a otro documental, The elephant queen (Mark Deeble, Victoria Stone, 2019), que se puede ver en Apple TV+, con parecidos elementos, aunque con resultado más disperso. En este caso, estamos ante una banda sonora hermosa y espectacular, alejada de lo que hasta el momento ha compuesto Ramin Djawadi, que saca todo el partido posible a las percusiones y las voces corales, y que subraya con eficacia los momentos más emocionantes, como esas increíbles imágenes de las cataratas Victoria en "Victoria Fall" o el hermoso recorrido por los parajes húmedos en "Angola rains".
Tales from the loop - Paul-Leonard Morgan, Philip GlassHollywood Records 3 / 4 / 2020
La serie de Amazon Prime basada en la novela gráfica del artista sueco Simon Stålenhag es una de las más destacadas de este año. Y no lo es menos su banda sonora, escrita en colaboración entre los compositores Paul-Leonard Morgan y Philip Glass, que sin duda ofrece una ambientación musical etérea y minimalista que resulta perfecta para potenciar la iconografía visual de la serie, bellísima en su concepción cinematográfica. La colaboración entre ambos, con ideas musicales que compartían y que finalmente Paul-Leonard Morgan desarrollaba, tiene más relación con el sonido característico de Philip Glass, especialmente el uso del cuarteto de cuerda como base interpretativa, y el protagonismo del piano y el violonchelo como instrumentos principales. No parece casual que el tema principal, que encontramos en "Walk to the school", tenga más que razonable parecido con "Truman sleeps", que escribió Philip Glass para la película El show de Truman (Peter Weir, 1998), y también otras composiciones como "The teacher" tienen resonancias del conocido "Spiegel im spiegel" de Arvö Part. Pero estas referencias no invalidan los hallazgos de una banda sonora que en la serie está casi constantemente presente, y que construye una atmósfera de ensoñación que resulta magnífica. Hay composiciones que son hipnóticas como "Hope", que se nos antoja más característica de Paul-Leonard Morgan, pero en general la banda sonora acaba teniendo una sonoridad muy del estilo de Philip Glass, como en el espléndido "Approaching the loop".
Node Records 3 / 4 / 2020
Crónica del juicio que tuvo lugar contra el general serbio Ratko Mladic, conocido como el "carnicero de Srebrenica" por la masacre de más de 8.000 civiles, El juicio a Ratko Mladic (Henry Singer, Robert Miller, 2018) se estrenó hace dos años, pero hasta ahora no se ha publicado la banda sonora compuesta por la compositora Anne Nikitin. Aunque nacida en Canadá, de padres polaco y rumano, la carrera de Anne Nikitin se ha desarrollado principalmente en Inglaterra para películas como American animals (Bart Layton, 2018) o series como Mrs. Wilson (BBC, 2018). En este documental, Anne Nikitin desarrolla una banda sonora dramática, que se sostiene en los instrumentos de cuerda para mostrar la crueldad de una guerra civil que en realidad fue un acto de venganza. Es excelente el tema principal, "The trial begins", que aporta una sonoridad profunda y melancólica que está presente a lo largo de toda la composición, como en la dramática y hermosa "Saliha's song", que se escucha en uno de los momentos más angustiosos del documental. Estamos ante una película que no es fácil de ver, porque contiene imágenes duras (como el reconocimiento a cadáveres provenientes de una fosa común en la localidad de Tomasica, pero la banda sonora huye de dramatizar aún más las imágenes. Al contrario, adopta una posición de acompañamiento sutil, como en ese "Mass funeral" que acompaña al enterramiento masivo de las víctimas encontradas la fosa común. El trabajo de Anne Nikitin es pausado, de gran sutileza, más dedicado a afianzar el ritmo de la historia que de subrayar innecesariamente los momentos más dramáticos. De ahí que las declaraciones de los testigos en el juicio en su mayor parte carezcan de música, lo que sin duda es un acierto.
Zarathustra Music 10 / 4 / 2020
La relación del compositor Elliot Goldenthal con el cine ha venido siendo episódica en los últimos años, más dedicado a sus trabajos de música autónoma para concierto. Su penúltima colaboración fue en la película romántica Our souls at night (Ritesh Batra, 2017), y en el pasado Festival de Sundance se estrenó Las Glorias (Julie Taymor, 2020), que es hasta el momento su más reciente trabajo, compuesto para una película dirigida por su esposa. Por eso es bienvenida la edición de este EP que publica el propio sello del compositor, Zarathustra Music, y que incluye la interpretación de esta Suite de 25 minutos de la película Michael Collins (Neil Jordan, 1996), a cargo de la RTÉ National Symphony Orchestra bajo la dirección de Ernst van Tiel, la New Dublin Voices y el gaitero Mike O'Brien. La banda sonora de esta película es una de las mejores composiciones de Elliot Goldenthal para el cine, perfecta en la descripción de la épica del personaje, y al mismo tiempo absolutamente romántica y novedosa en la introducción de los sonidos folclóricos, con la gaita irlandesa como protagonista, en consonancia con la contundencia de la orquesta. La Suite que encontramos aquí es una espléndida interpretación que comienza y termina con la grandiosidad de las voces corales, y se va desarrollando a través de pasajes más apasionados, especialmente esa excelente intervención de Mike O'Brien, toda una institución en el sonido de la gaita. Aunque la escasa duración sabe a poco, la edición de este EP nos devuelve a uno de los mejores compositores de música de cine de las últimas décadas.
WaterTower Records 24 / 4 / 2020
El pasado mes de octubre asistíamos a la entrega del Premio "Discovery of the Year" del World Soundtrack Awards a Michael Abels por sus trabajos para la película Nosotros (Jordan Peel, 2019), una banda sonora que tenía una cierta sonoridad operística. Ahora con La estafa (Bad education) (Cory Finley, 2020) su trabajo vuelve a tener un sonido eminentemente clásico, que ilustra perfectamente la personalidad académica del protagonista. Desde la marcialidad de la composición coral "Ave Noster Redemptor", que nos introduce en la formalidad bizarra de las instituciones educativas norteamericanas, hasta el barroquismo de "Book Club", la banda sonora es una excelente aportación de la música como elemento externo que al mismo tiempo nos introduce en los aspectos más absurdos de esta historia de malversación y desfalco. Como en la espléndida secuencia de la "compra compulsiva", cuya sorprendente irracionalidad se nos muestra con la música, "Shopping spreed", que en su clasicismo ofrece ese punto de humor negro que prevalece a lo largo de toda la película. O esa minimalista aportación en "Come quick", que introduce, en medio del descubrimiento de la estafa, las únicas instrumentaciones electrónicas, que colisionan con el academicismo del resto de la banda sonora. Este trabajo de Michael Abels nos recuerda a la aportación también clasicista de Nicholas Britell en la espléndida serie Succession (HBO, 2018-), que tiene también en el clasicismo el instrumento adecuado para elaborar un discurso irónico sobre los personajes. En "The downfall", el tema más desarrollado, Abels refleja la decadencia del personaje principal, en un toque maestro.
Paramount Records 24 / 4 / 2020
Esta serie de intriga sobre el asesinato de un adolescente no aporta nada especialmente novedoso, pero tiene un estilo atractivo que la acercan a producciones de calidad como The killing (Netflix, 2011-2014). La banda sonora también sigue este estilo de suspense marcado por sonoridades electrónicas y atmosféricas que acompañan la evolución psicológica de los personajes, con tonalidades oscuras que muestran su particular bajada a los infiernos. La participación de Ólafur Arnalds en la composición del tema principal, "Defending Jacob Theme", marca también una sonoridad determinada, melancólica y apagada, que en cierto modo le dan al conjunto una envoltura parecida a su trabajo para Broadchurch (ITV, 2013-2017). En todo caso, el resto de la música compuesta por Atli Örvarsson sigue su propia senda, interesada en subrayar los conflictos interiores de los personajes. Como en "Leaving for the trial", que funciona casi como una representación religiosa del juicio (una especie de Juicio Final), a través del sonido del órgano. O ese interesante tema de acción que es "Ticking the clock", que funciona como si fuera una bombra de relojería, anticipando la tragedia. Para un compositor que está habituado a poner música a series policíacas para cadenas generalistas como Ley y orden True Crime (NBC, 2017-) o Chicago P.D. (NBC, 2014-2018), éste es un trabajo mucho más maduro e introspectivo.
Aunque la película es de 2017, la banda sonora compuesta por Joseba Beristain no se ha editado hasta este año, recuperada afortunadamente por Quartet Records. Esta historia de soledad y perdición está protagonizada por dos personajes cuyas vidas desoladas se entrecruzan en Bilbao. Tan desoladora como la propia película es la música, espléndida en su construcción, que acompaña a las imágenes. La primera parte, más enfocada al personaje de Jones, cuenta con una voz solista femenina que funciona, en temas como "Jones in the library", como una especie de nostalgia maternal, que se vuelve más turbia posteriormente, en "I can't with this fucking people". Los fragmentos dedicados a Ana son más melódicos, apoyados principalmente en el piano y el violonchelo, de una belleza cautivadora, como en "Ana at home (2)", y especialmente en el hermosísimo "Rehabilitation", una composición de siete minutos que emociona. El compositor consigue en general dotar a la banda sonora de una atmósfera de intimidad que al mismo tiempo expresa la soledad de los dos personajes protagonistas. Y compone sin duda el mejor trabajo de su carrera.
Lakeshore Records 1 / 5 / 2020
Colaboradores del director en Annihilation (Alex Garland, 2018), los compositores Geoff Barrow y Ben Salisbury forman colaboración con otro dúo, The Insects (Tim Norfolk & Bob Locke) para poner música a esta filosófica serie. La banda sonora, de hecho, tiene elementos de conexión con aquella, en ese tono etéreo y misterioso que sobrevuela en todo momento. Los compositores introducen elementos muy diversos, desde el inquietante tema principal, "Plainsong", que marca el tono de quietud que marca el tratamiento visual de la serie, hasta la introducción de elementos sonoros religiosos en "Entering Devs/The machine", que también nos introduce en la perspectiva teológica del argumento. La incorporación de los temas compuestos por The Insects tienen una tonalidad más ambiental, con el uso principal de los sintetizadores, destacando composiciones como "Christ". También se incluyen algunos temas de la compositora finlandesa Suvi-Eeva Äikäs, otra colaboradora de Barrow, Slisbury y The Insects en bandas conoras como Hanna (Amazon, 2019-) o Luce (Julius Onah, 2019), creaciones principalmente vocales como "Object input". Banda sonora por tanto realizada entre varios músicos que crean en general una tonalidad misteriosa, casi monástica en algunas ocasiones, hipnótica.
Deutsche Grammophon 1 / 5 / 2020
El compositor Max Richter colabora de nuevo en la banda sonora de la segunda temporada de L'amica geniale. Il nuovo cognome (HBO/RAI, 2018-), una excelente serie que adapta las novelas de Elena Ferrante. El compositor creó una ambientación musical hermosa y melancólica para la primera entrega, que ahora se extiende en esta segunda parte en el que la pérdida de la inocencia y la llegada a la madurez son los temas principales. Como en la anterior, la serie utiliza composiciones previas de Max Richter como "Return 16 (time capsule)" de su album Sleep (2015, Deutsche Grammophon), junto a algunas composiciones propias para la serie. En "Protest March, Part. 1", el uso de las cuerdas marcan cierta angustia, mientras que en "Cinema Music" la introducción del arpa junto al piano crean una cierta atmósfera de tensión y ambigüedad. Cierto es que muchas de las composiciones que se utilizan en la serie pertenecen a trabajos anteriores de Max Richter, que él mismo reinterpreta para las imágenes, pero el conjunto otorga una coherencia sonora a esta historia que en buena medida contribuye a dar esa envoltura personal e íntima que la historia necesita. La primera temporada incluía más composiciones, pero la efectividad de la música sigue siendo fundamental en la ambientación de la serie.
Lux/Eon Records 7 / 5 / 2020
Esta comedia negra cuenta con música del compositor norteamericano Ronen Landa, que aporta una banda sonora orquestal para subrayar una historia de madurez que se convierte en un thriller violento. La aportación orquestal de 60 músicos ofrece una visión psicológica de los protagonistas que oscila entre el retrato más intimista, con el uso del celeste, un instrumento de percusión parecido al piano, en temas como "Let's all just relax", y momentos de suspense como en "Put your seatbelt on, jagoff", que nos recuerda a la música de las películas de cine negro clásico. El compositor consigue moverse con soltura entre el tono de cine de suspense y la comedia, aportando excelentes momentos en los que el uso de los instrumentos de cuerda mantienen un diálogo con los instrumentos de percusión, como en "All the blessings in the world", uno de los mejores temas de la banda sonora. Ronen Landa es un compositor que habitualmente trabaja en películas de terror, por lo que está cómodo en esta vertiente oscura de la historia, pero al mismo tiempo consigue crear una ambientación algo irreal que contribuye al tono de comedia. Uno de los temas en los que mejor se aprecia esta ambivalencia es "What do you know?", un ejercicio que se sostiene básicamente en instrumentos de percusión.
Milan Records 8 / 5 / 2020
Rodada en Gran Bretaña con un reparto internacional, la serie finlandesa Cold courage (Viaplay, 2020-) es un thriller con tonalidad sombría que ha sido bien recibida en los países nórdicos. La banda sonora corre a cargo del compositor finlandés Lasse Enersen, que nos ofrece un trabajo marcado por el uso de los sintetizadores que crean en general una atmósfera desasosegante en temas como "Nexus", marcado por una cierta oscuridad que nos introduce en el peligroso mundo en el que se se ven metidas las protagonistas de esta historia. Pero lo que otorga a la banda sonora una sonoridad especial son las aportaciones de la violonchelista norteamericana Ro Rowan, que contribuye con algunos temas en los que el desgarro de las cuerdas establecen una tensión singular, como en "The monster" o "The rautee house", que en cierta manera nos presentan el lado oscuro de la historia. También hay una notable aportación del violinista irlandés Caoimhín Ó Raghallaigh, "Now it can be told", un tema de acción que con el sonido de su violín de diez cuerdas resulta particularmente inquietante, y que nos atrapa desde la primera vez que aparece en la serie.
Estrenada directamente en VOD, este thriller bélico que tiene lugar durante la II Guerra Mundial no pasará a la historia por su originalidad ni su calidad, siendo mayormente un producto de bajo presupuesto, aunque con participación de actores reconocidos como John Hannah. Sin embargo, es uno de esos casos en los que la banda sonora destaca especialmente, y hubiera merecido una mejor base narrativa para brillar con más efectividad. El compositor francés firma un trabajo musical que tiene un poso de melancolía distinto al que podemos escuchar en otras producciones bélicas. Está más interesado en mostrar una cierta condición trágica de los personajes, especialmente notable en el tema principal "Enemy lines elegy". Pero, en esta composición sinfónica que suena contundente, a pesar de la falta de presupuesto, también hay interesantes acercamientos a la acción, como en "Boat journey, Pt. 1". Pero incluso en secuencias de guerra, como ese espléndido "Battle", prima más esa atmósfera de desenlace trágico, llevado aquí a términos casi espirituales. Es uno de los grandes momentos de esta banda sonora, cuya calidad está muy por encima de la propia película. Disfrutable es especialmente la larga suite final en la que el compositor desgrana los principales temas en un trabajo emocionante y nostálgico.
Sin duda uno de los proyectos televisivos más esperados del año es la serie que dirige Damien Chazelle para Netflix. The Eddy (Netflix, 2020-) tiene como protagonistas a una serie de personajes cuyas vidas se desarrollan, con más pena que gloria, en el club de jazz The Eddy, un pequeño local situado en París. Estamos ante una serie en la que la música forma parte intrínseca de la acción y la evolución de los personajes, y en este sentido la serie tiene algo del David Simon de Treme (HBO, 2010-2013), aunque en este caso la particularidad es que todos los temas son interpretados y grabados en directo en un estudio de grabación reconvertido en club de jazz, por lo que en cierta manera las interpretaciones expresan también el estado de los actores y sus personajes. Destacan momentos emocionantes, como ese nostálgico "The Eddy" que interpreta Joanna Kulig al final del primer episodio. Aunque la serie puede ser algo superficial en las historias que narra, cada episodio protagonizado por un personaje, lo más destacable es su aspecto musical. Si eres aficionado a la música, y especialmente al jazz, es fácil disfrutar con los ensayos (ese espléndido "Au Milieu" en el primer episodio) y las interpretaciones aparentemente improvisadas. Es evidente que Damien Chazelle está especialmente inspirado en la coreografía visual de las escenas musicales, como en Whiplash (Damien Chazelle, 2014), y es en esos momentos en los que la serie y la música brillan. Como en esa presentación del personaje del segundo episodio, Julie, con el tema "Kiss me in the morning".
Permanecía inédita hasta el momento la banda sonora del cortometraje islandés The last farm (Rúnar Rúnarsson, 2004), que fue nominado al Oscar. La música la firmó Kjartan Sveinsson, ex-componente del grupo musical Sigur Rós, que hizo algunas incursiones en el cine, especialmente en cortometrajes. Este hermoso cortometraje sobre la vejez, es una obra espléndida que tiene un poso de tristeza y melancolía que está muy presente en la música compuesta por Kjartan Sveinsson, y que ahora se ha editado en formato EP. Son escasos 8 minutos de duración que tienen una sonoridad clásica, interpretada por una pequeña formación de instrumentos de cuerda. Uno de los temas principales, "The last farm 1", tiene aire de vals melancólico, que nos sitúa en ese lugar apartado en el que habita la pareja de ancianos, en medio de un paisaje a la vez hermoso y solitario. Es especialmente logrado el tema que se dedica a la pareja, "The last farm 2", que transmite ese amor lánguido, pero profundo. El vals, elemento clásico que aquí subraya la condición de los protagonistas, regresa en "The last farm 4", añadiendo además un cierto aire de misterio que mantiene el suspense. Los créditos finales, "The last farm 5", aportan elementos para la reflexión, nos dejan sentados frente a la imagen, afectados por ese estado de ánimo que nos deja esta hermosa, triste historia de amor terminal.
Prove Records 20 / 5 / 2020
Esta banda sonora no corresponde a una película o serie de televisión, sino a una exhibición especial que propone un viaje por la pintura de Claude Monet a través de proyecciones y de realidad virtual. La exposición se puede ver en Harta Gallery de Bruselas (desde el 18 de mayo reabierta) y el Centre D'Arts Digitals de Barcelona (abierto desde el 1 de julio). Para esta experiencia el compositor italiano Michaelino Bisceglia ha creado una hermosa banda sonora, melódica, que acompaña a cada una de las obras que se presentan en la muestra. Hay pasajes eminentemente románticos como "Normandie", que tiene al piano como protagonista, o "Monet Opening", que ofrece una introducción con elementos tradicionales como el acordeón, que nos llevan hasta la Francia del siglo XIX. La exposición nos introduce en su vida familiar en Giverny, ese lugar paradisíaco, donde acabó muriendo, y que el compositor belga describe con gran belleza en "Jardin Giverny". La intensa vida de Claude Monet, en la que desarrolló su trabajo en ciudades como Londres, Sandvika (Noruega), la Costa Azul francesa o Venecia, al que se dedica uno de los pasajes más románticos de la banda sonora, "Venise", con el uso de la mandolina.
El álbum incluye también una suite de 9 minutos que sirve para la experiencia con gafas VR (Realidad Virtual) que también se incluye en la exposición. Un trabajo muy bello, que se sostiene en el ritmo de vals en algunas ocasiones, y que contiene momentos especialmente notables.
Lakeshore Records 22 / 5 / 2020
La segunda temporada de la serie Homecoming (Amazon, 2020) se distancia musicalmente de la primera, no por un cambio de tono, que sigue homenajeando a los thrillers clásicos, sino por la introducción de música original. La primera temporada utilizaba de forma muy inteligente música previa de películas creada por Bernard Herrmann, David Shire o Michael Small, pero en esta continuación se incorpora Emile Mosseri como compositor, del que ya destacamos el año pasado su trabajo para la película The last black man in San Francisco (Joe Talbot, 2019). Sigue por supuesto una sonoridad a Bernard Herrmann, en pasajes como "Motel", con el uso de los instrumentos de viento marcando un acorde de tres notas que ya nos introduce en el suspense, y que representa esa amenaza desconocida que acecha a la protagonista. El compositor subraya también el carácter cíclico de la historia a través del tema principal, una creación minimalista, repetitiva, que se asemeja a un bucle temporal, presente de forma más clara en "Suddenly Temple". Hay otros momentos especialmente inspirados en esa visión herrmaniana de la serie y de la propia música, como el uso de las cuerdas que el compositor hace en "Geist Maze", y que en nos recuerda a la música de Vértigo (Alfred Hitchcock, 1958), pero con elementos de Michael Nyman. Este tema refleja perfectamente el excelente trabajo de Emile Mosseri en la segunda temporada de la serie, una de las más interesantes que se han estrenado este año.
Milan Records 22 / 5 / 2020
Posiblemente uno de los más sugerentes documentales del año, esta es la historia de una pintora checa cuyas obras más valiosas fueron robadas de una galería de arte en Oslo y que decide, tras la detención del ladrón, hacerle un retrato, comenzando así una insólita relación de amistad. En esta historia de humanidad deshumanizada, el compositor Uno Helmersson construye una trabajo musical eminentemente electrónico, que nos introduce en la psicología de los dos protagonistas, en temas como "Barbora about Bertil" y "Bertil about Barbora" que, a pesar de las sonoridades electrónicas, tienen una cierta calidez. Pero al mismo tiempo, Uno Helmerson consigue recrear el frenesí del negocio del arte en intensas composiciones como "Finding the swans" o en ese espléndido tema principal, casi deudor de las sonoridades de los años setenta, que podemos escuchar más claramente en "Nailing painting", y que luego se desarrolla con especial acierto en la conclusión musical de la banda sonora, "The exhibition". Con ese cadencia de música de órgano para Catedral, esta composición minimalista transmite una cierta religiosidad en la exposición de las obras de arte, y se convierte sin duda alguna en uno de los mejores temas creados para una película que hemos escuchado en estos últimos meses.
Altus Records 8 / 6 / 2020
La edición de esta banda sonora es de agradecer, porque nos permite disfrutar de uno de los mejores trabajos del compositor Richard Harvey, habitual colaborador de Hans Zimmer. Keunbab Prompiram (Manop Udomdej, 2003) es un thriller tailandés que está basado en la historia real ocurrida en 1977 sobre una investigación en torno al cadáver de una joven encontrada junto a unas vías de tren en un pequeño poblado. Ahora llega por primera vez la edición de este trabajo que nos ofrece una música eminentemente dramática, que utiliza bien el tono trágico de la historia, en temas como "The fateful railway", cargado de tragedia, pero también nos ofrece interesantes hallazgos como la utilización de los pizzicatos en una escena de acción como "Bycicle chase". La banda sonora tiene un tono sombrío que en algunos momentos nos recuerda a trabajos musicales de Howard Shore como Seven (David Fincher, 1995), especialmente en el uso de los violonchelos como instrumentos que transmiten las oscuras implicaciones criminales, casi sobrenaturales, en temas como "Descent into evil". En otros momentos, los instrumentos de viento y las percusiones denotan la sonoridad característica de la música tailandesa, y se usan como elementos de suspense, como en "Crack in the wall". La condición trágica del personaje que cataliza toda la historia, la joven asesinada, se muestra a través de la introducción de un lamento vocal que cierra la banda sonora, en el hermoso y triste "Closure - End Titles", que tiene esa contundencia de composiciones autónomas de Richard Harvey como su composición coral Evensong (2019, Altus Records). Es en definitiva un trabajo complejo en el que podemos redescubrir una de las bandas sonoras más logradas del compositor.
MoviScore Media 19 / 6 / 2020
Documental protagonizado por cuatro jóvenes habitantes de Groenlandia que reclaman su derecho a la autodeterminación y a la total independencia del reino de Dinamarca. El compositor sueco vuelve a ofrecernos una excelente banda sonora que se mueve por una sonoridad que refleja la serena lucha por sus derechos que protagonizan estos personajes. En algunos pasajes, su música recuerda a la de su compatriota Johan Söderqvist, del que fue asistente en trabajos como Déjame entrar (Tomas Alfredson, 2008), con esa mezcla entre melodías para cuerdas de gran belleza, incorporando también elementos electrónicos, en pasajes hermosos como "Above Ummannaq" o con un cierto aire de melancolía y derrota como "Independence postponed". La banda sonora transmite de forma clara esa sensación de rebeldía pero al mismo tiempo de objetivos incumplidos, de conexión con la identidad y la tierra, como en el tema principal, "The icebergs", que tiene una cierta sensación de tristeza y decepción, pero al mismo tiempo introduce elementos de esperanza hacia el futuro. Uno Helmersson consigue un trabajo que eleva musicalmente las aspiraciones de los protagonistas, y en ese sentido contribuye a llevar al documental a un terreno más arriesgado y ambicioso.
MoviScore Media 26 / 6 / 2020
El compositor holandés Matthijs Kieboom es uno de los más reconocidos en el panorama musical europeo, gracias a trabajos como la banda sonora del documental Wild (Luc Enting, 2018). En esta aventura infantil sobre un barco pirata que aparece de pronto en mitad de un vecindario, el compositor vuelve a colaborar con el director Pim van Hoeve, especializado en películas dirigidas al consumo local. Pero lo hace elaborando una banda sonora que bebe directamente de las fuentes clásicas del género de aventuras, no tanto del sonido característico de la serie de Piratas del Caribe, como de las creaciones de clásicos como Erich Wolfgang Korngold, especialmente presente en el tema inicial "Opening", que de pone sobre la mesa las características de un trabajo musical que opta por la grandilocuencia de la gran orquesta. A lo largo de la banda sonora esta sonoridad se pierde un poco, desarrollando temas más íntimos, pero destaca sobre todo cuando ahonda en este sonido tradicional, o cuando introduce elementos exóticos como la nyckelharpa, un instrumento de cuerda de origen sueco parecido a la zanfoña, que sirve para construir el sonido característico, anacrónico, de la familia de piratas en temas como "The Blunderbuss family". La última parte de la película sirve àra que el compositor desarrolle este maravilloso homenaje a Korngold en temas como "Pirates never fight fair".
Elephant se puede ver en Disney+ EspañaHistorias del bucle y Homecoming se pueden ver en Amazon PrimeLa estafa (Bad education), Devs y La amiga estupenda se pueden ver en HBO España
Defending Jacob se puede ver en Apple tv+
The Eddy se puede ver en Netflix
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