La producción israelí Night therapy (Yes., 2024), sobre un psicólogo árabe-israelí que afronta junto a sus dos hijos el suicidio de su esposa judío-israelí, consiguió el Premio Especial del Jurado para la actriz Shira Haas, a la que conocemos de series como Shtisel (Netflix, 2013-2021) y Unorthodox (Netflix, 2020). El premio del Público fue para la producción alemana Helgoland 513 (Sky, 2024), sobre una comunidad de supervivientes de un apocalipsis que se refugian en la única isla costera de Alemania. Y la miniserie española La ley del mar (RTVE Play/À Punt, 2023) logró el Premio Cruz Roja. Los siguientes comentarios se basan exclusivamente en el visionado de las temporadas completas de las series comentadas y pueden contener información relevante sobre sus argumentos.Tío Samsik ★★★★☆Disney+, 15 de mayo-19 de junioCorea del Sur, 2024 - 16x45'Creada por Yeon-Shick ShinDirigida por Yeon-Shick ShinBlue Dragon Awards '24: Nominada Actor principal, Actriz de reparto, Actor de repartoA lo largo de sus dieciséis episodios, esta producción coreana que se ha emitido a nivel internacional al mismo tiempo que en su país, ha elaborado una compleja trama de corrupción política y turbias relaciones personales que contiene uno de los mejores episodios del año: el intensamente dramático Kang Seong-min (T1E14), en el que se manifiesta de forma clara la conexión con hechos reales ocurridos en el país, especialmente la Revolución de abril de 1960 que fue protagonizada por grupos de trabajadores y estudiantes en contra del fraude electoral. En la realidad, este levantamiento popular provocó la dimisión del presidente Rhee Syngman y una inestabilidad política que acabó un año después, con un golpe de estado que encabezó el general Park Chung-hee en 1961 y que llevó a la nación a la Tercera República. En la ficción, se planea organizar un levantamiento militar contra el gobierno, que a su vez es traicionado por un sector del ejército, una especie de golpe de estado dentro de un golpe de estado. Lo que acaba elaborando un desenlace sólido, dramático y muy adecuado para los personajes protagonistas, pero sobre todo refleja una época enturbiada por las continuas intromisiones del ejército en la política y por una corrupción profunda que deja a los papeles de Bárcenas en una simple travesura. Desde ataques violentos entre seguidores de partidos políticos enfrentados hasta el robo de urnas electorales, pasando por muchos sobornos y varios asesinatos, el entorno que describe Tío Samsik (Disney+, 2024) es realmente aterrador. Se propone así un thriller político que muestra un panorama salvaje lleno de traiciones en el que sin embargo se mueve con especial soltura Park Doo-chill (Song Kang-ho), al que muchos conocen como Tío Samsik, una especie de arreglador que mueve los hilos en los entornos políticos para sacar partido económico. Una figura parecida era retratada en la película Kingmaker (Byun Sung-hyun, 2022), que también se desarrolla en la década de los sesenta. Cuando asiste a una conferencia del joven economista Kim San (Byun Yo-han), un idealista que sueña con implantar un plan que cambie el futuro del país, le ayuda a ascender en los círculos políticos, considerándolo un aliado a través del cual también puede lograr beneficios personales. Pero una de las primeras peticiones de Tío Samsik es que renuncie a su compromiso con la periodista Joo Yeo Jin (Jin Ki Joo), que es hija del líder de la Asamblea Nacional Joo In-tae (Oh Kwang-rok), un personaje inspirado en un político real.
Retratando una época posterior a la Guerra de Corea en la que el país se enfrentó a una situación de hambruna que provocó numerosos enfrentamientos y una lucha encarnizada por el poder, la serie comienza con ritmo lento, pero se va afianzando a lo largo del desarrollo de la historia, y conforme tienen más protagonismo personajes como el político Kang Seong-min (Lee Kyu-hyung) y la empresaria Rachel Jeong (Tiffany Young), que en cierto modo representa las interferencias internacionales en la política coreana. En este sentido, Tío Samsik es una propuesta más madura y compleja que muchas de las producciones de plataformas globales en Corea del Sur, más centradas en comedias, dramas juveniles o survivals al estilo de El juego del calamar (Netflix, 2021-). Con una puesta en escena notable, que a veces utiliza imágenes de archivo para establecer las conexiones con la realidad, la serie ha sido creada y dirigida por Yeon-Shick Shin (1976, Corea del Sur), que ha dirigido otras propuestas de género político como Dongju: The Portrait of a Poet (2016), que se desarrollaba durante la ocupación japonesa en los años cuarenta. También supone la primera serie protagonizada por el popular Song Kang-ho, ganador del premio al Mejor Actor en el Festival de Cannes por Broker (Hirokazu Koreeda, 2022) y protagonista de películas de Bong Joon Ho como Memories of murder (2003) y Parásito (2019) y de Park Chan-wook como Thirst (2009). Mientras que a su compañero de reparto, Byun Yo-han, le hemos podido ver recientemente en la película épica La batalla del dragón (Kim Han-min, 2022).
La serie utiliza el recurso de contar la historia a través de un flashback, situando el presente durante un interrogatorio al que son sometidos tanto Kim San como Tío Samsik por parte del ejército. Esto revela desde el principio que sus planes de llegar al poder se han visto frustrados y que el camino no parece haber sido muy democrático. Quizás puede ser un recurso que complica la narración a través de diferentes líneas de tiempo, pero envuelve a los personajes de una tonalidad de antihéroes trágicos que conecta con la realidad de un país que, después de haber sido sometido de manera brutal por Japón, acabó envuelto en fraudes electorales, golpes de estado y gobiernos militares de corte dictatorial hasta que alcanzó la democracia en 1987. En la historia se introducen algunos personajes reales como el presidente Rhee Syngman, que fue el que dimitió empujado por las revueltas estudiantiles. Pero sobre todo construye una relación entre los dos protagonistas que madura de forma notable a lo largo de la historia y consigue desarrollar a los personajes en todas sus complejidades, que Tío Samsik describe utilizando símiles culinarios. Destaca también la banda sonora de la compositora Lee Eun Joo que utiliza referentes clásicos como la Sinfonía Sherezhade (1888) de Nikolái Rimski-Kórsakov, para el tema principal o la Chanson triste, Op. 40 (1898) de Pyotr Shostakovich para una secuencia especialmente emocionante en el último episodio. Tío Samsik es la producción más cara de Disney+ en Corea del Sur, pero también uno de los mejores thrillers políticos estrenados este año. En los Blue Dragon Series Awards, versión para televisión de los conocidos premios asiáticos, que alcanzan su tercera edición y se entregan el 19 de julio, el drama de superhéroes Moving (Disney+, 2023) ha logrado siete nominaciones, mientras que Tío Samsik ha conseguido tres candidaturas: Mejor Actor principal (Song Kang-ho), Mejor actor de reparto (Lee Kyu-hyung) y Mejor Actriz de reparto (Tiffany Young). Entrevista con el vampiro. Parte II ★★★★★AMC+, 16 de mayo-4 de julioEstados Unidos, 2024 - 8x55'Creada por Rolin JonesDirigida por Craig Zisk, Levan Akin, Emma FreemanLa primera temporada de las adaptaciones de las crónicas vampíricas escritas por Anne Rice (1941-2021, Estados Unidos) ofreció algunos de los mejores momentos que ha dado la televisión en los últimos años, gracias a una capacidad sorprendente para ser lo suficientemente fiel a la historia original pero al mismo tiempo introducir elementos nuevos que alimentan la versión en formato de serie. Confirmada ya para una tercera temporada, Entrevista con el vampiro (AMC+, 2022-) sabe jugar también con las referencias cinematográficas y literarias desarrollando un guión inteligente que profundiza en los personajes y en el vampirismo como una forma de asumir una identidad propia y liberar la personalidad auténtica, especialmente en una primera temporada que se trasladaba a Nueva Orleans proponiendo un acercamiento a la indefinición del origen criollo de Louis de Pointe du Lac (Jacob Anderson). La segunda parte, como la denominan en la serie, comienza con lo que puede ser un hándicap, que es la ausencia de Lestat de Lioncourt (Sam Reid), el personaje que impulsaba con fuerza la primera entrega y establecía el conflicto principal, envuelto en la apasionadamente romántica relación con Louis. Los responsables de la producción, conscientes del magnetismo del personaje, al que Anne Rice dedicó varios libros como protagonista absoluto, lo introducen como reflejo de la mente atormentada de Louis y también en algunos flashbacks de sus encuentros previos. Pero si alguien pensaba que Lestat iba a desaparecer en algún momento, nada más lejos de la realidad, protagonizando en el episodio Y éste es el fin. No hay nada más (T2E8), una de las escenas más sobrecogedoras de toda la serie, en medio de la devastación que provoca un huracán. Sin embargo, los protagonistas principales de la historia contada son Louis y Claudia, ahora interpretada por Delainey Hayles, sustituyendo a la actriz Bailey Bass, que abandonó la serie por problemas de agenda con su participación en la saga de Avatar: El sentido del agua (James Cameron, 2022). En este sentido, el personaje de Claudia parece haber sufrido una reescritura que la humaniza en una segunda parte en la que se enfrenta a su propia independencia, incorporándose al Théâtre des Vampires en el espléndido Te quiero más que a nada en el mundo (T1E4) y conociendo a Madeleine (Roxane Duran) en un París ocupado por los nazis. La textura de la Francia de los años cuarenta (aunque el rodaje fue en Praga) permite a los realizadores crear una atmósfera de cine negro, desarrollando al mismo tiempo una imaginativa puesta en escena en las representaciones lideradas por Santiago (un inquietante Ben Daniels), que sirven como encubrimiento de los ataques a sus víctimas. El aquelarre que forma este grupo de vampiros se convierte en uno de los elementos esenciales en el desarrollo de una historia en la que Louis sigue luchando contra las contradicciones que le provocó el sacrificio de Lestat, mientras su relación con Armand (Assad Zaman) sustituye a la que mantuvo con aquél. Aunque quizás tiene un comienzo algo desequilibrado, Entrevista con el vampiro perfecciona su historia conforme avanza y surgen las revelaciones. Especialmente en torno a la entrevista que mantiene el periodista Daniel Molloy (Eric Bogosian) con Louis y Armand en la actualidad, en Dubai, dentro de ese apartamento que en la primera temporada Louis definió como su ataúd, un lugar del que no puede salir por una razón que se descubrirá en el epílogo del último episodio. Esta relación en la que a veces los vampiros se introducen en la mente del periodista tiene un apéndice en No tengas miedo, pon en marcha la cinta (T2E5), que se desarrolla en los años setenta y en el que descubrimos el primer encuentro de Molloy con Louis. Los permanentes comentarios del periodista a lo largo de su entrevista, refuerzan la idea de la historia contada por perspectivas poco confiables, incluso manipuladoras, que muestran la versión personal del entrevistado o la versión que más le conviene. Lo que acabará desplegando el giro de guión más sorprendente de la serie en el último episodio. Hay que tener en cuenta que parte de las novelas que forman las crónicas vampíricas de Anne Rice están narradas por sus protagonistas. De manera que la segunda parte introduce elementos que conforman una historia más compleja, con diálogos que profundizan en los personajes, tan bien escritos y tan poderosamente interpretados que no necesitan elementos adicionales, aunque eso provoque cierta decepción en quienes puedan esperar una historia de vampiros más convencional. Aunque no falta sangre derramada de los cuellos mordidos, Entrevista con el vampiro está más enfocada en los personajes y en cómo la eternidad se convierte para ellos en un destino tenebroso. En una serie que consigue elaborar una puesta en escena fascinante, deudora del expresionismo en algunos momentos, sobre todo en relación con el Théâtre des Vampires, cuidadosamente diseñada y elaborada, muy por encima de la mediocre adaptación de Las brujas de Mayfair (AMC+, 2023-), hay algunos aspectos que destacan especialmente. Empezando por un trabajo extraordinario del compositor Daniel Hart, absolutamente romántico, que en esta ocasión incluye elementos de jazz, pero sobre todo despliega una sensibilidad notable. Mientras que el trío de directores consigue mantener el nivel de la primera temporada, especialmente en los episodios que dirige Levan Akin (1979, Suecia), director de las espléndidas películas Solo nos queda bailar (2019) y Crossing (2024), ganadora de una Mención Especial en el pasado Festival de Berlín. Su intervención en la primera temporada, dirigiendo dos episodios, provino de su propio deseo de participar en la serie, y el resultado fue tan satisfactorio que en esta segunda parte se encarga de cuatro capítulos, algunos extraordinarios como el episodio final. El anuncio de una tercera temporada mantiene la esperanza de que Entrevista con el vampiro siga desarrollando una historia de personalidades atrapadas en un laberinto de emociones, que va más allá del romanticismo "queer" con el que se definen las novelas de Anne Rice. Pocos aciertos pueden superar a una serie que profundiza en sus personajes y confía en sus actores.
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Cuando Harrison Ford protagonizó la película Presunto inocente (Alan J. Pakula, 1990), trataba de mantener una carrera con papeles serios al margen de sus personajes más comerciales de Indiana Jones y Han Solo, logrando algunos éxitos notables en el género thriller como Único testigo (Peter Weir, 1985) y Frenético (Roman Polanski, 1988) e incluso más tarde repitiendo fórmula de falso culpable con la popular El fugitivo (Andrew Davies, 1993). Pero la elección de Jake Gyllenhaal para el papel principal de esta nueva adaptación de la novela Presunto inocente (1987, Ed. Debolsillo), el debut como escritor de Scott Turow (1949, Chicago), es adecuada porque le da mayor ambigüedad al personaje. Mientras que en la película la acusación contra el fiscal Rusty Sabich (Jake Gyllenhaal) por el asesinato de su compañera de trabajo Carolyn Polhemus (Renate Reinsve) se produce en el segundo acto, la serie introduce este elemento catalizador desde el segundo episodio, de manera que parece claro que la intención del creador David E. Kelley (1956, Maine) es la de explorar otros temas a lo largo de los ocho episodios, aunque en general Presunto inocente (Apple tv+, 2024) es claramente un drama judicial. Tanto, que Apple tv+ está promocionando en sus redes sociales Defending Jacob (Apple tv+, 2020), una sus primeras producciones, casi como si fuera una nueva serie, quizás para recoger algo de la atracción que pueda crear esta última. Y funciona muy bien como tal, en línea con la experiencia del veterano guionista en este subgénero, aunque algunas incursiones recientes como Todo un hombre (Netflix, 2024) sean mucho menos logradas. Cuando Rusty Sabich se enfrenta él mismo a todos los procesos de acusación a los que ha sometido a muchos de sus acusados, se establece una narrativa de suspense que se mantiene en pie gracias a los constantes cliffhangers con los que termina cada episodio, aunque algunos sean algo forzados. Pero un actor que ha interpretado a personajes antagonistas ofrece una perspectiva diferente que le hace menos confiable. Hay algunos cambios importantes respecto a la película, que era mucho más fiel a la novela, pero se entienden también porque existía un cierto tono machista en ambas, con personajes femeninos poco desarrollados. La adaptación firmada por Alan J. Pakula, que estaba producida por Sidney Pollack y contaba con una curiosa banda sonora de John Williams, introducía esos elementos característicos del cine de los años noventa como en Atracción fatal (Adrian Lyne, 1987), Instinto básico (Paul Verhoeven, 1992) o La mano que mece la cuna (Curtis Hanson, 1992), en las que se retrataba a mujeres peligrosas y se incidía en su agresividad sexual. Por el contrario, la serie trata de entender mejor a Carolyn Polhemus, con una acertada decisión de casting al incorporar a la actriz noruega Renate Rainsve, protagonista de La peor persona del mundo (Joachim Trier, 2021), y sobre todo a Barbara Sabich (Ruth Negga), la esposa que se debe enfrentar a la infidelidad de su marido, a la que se le aporta una mayor profundidad y más tiempo en pantalla.Otro de los cambios interesantes respecto a la novela es el de convertir al hijo pequeño de los Sabich en dos hijos adolescentes para la serie, Kyle (Kingston Rumi Southwick) y Jaden (Chase Infiniti), de manera que amplía la mirada hacia las consecuencias de la crisis matrimonial, estableciendo diferentes niveles de confiabilidad, aunque a veces se utilizan como dispositivos narrativos para desviar la atención del espectador. Pero quizás la aportación más interesante es la del retrato del fiscal Tommy Molto (Peter Sarsgaard), que adquiere mayor importancia y desarrolla una persecución casi obsesiva hacia Rusty Sabich, quien acaba dándose cuenta de que ha subestimado demasiado al fiscal como un rival con suficientes recursos como para construir la acusación contra él. Al margen de la curiosa circunstancia de que Peter Sarsgaard es cuñado de Jake Gyllenhaal porque está casado con su hermana Maggie Gyllenhaal, lo cierto es que el personaje adquiere más relevancia en esta versión, y su enfrentamiento personal es lo más disfrutable de la serie, gracias a un excelente trabajo del actor, que también juega con la ambigüedad. Hay otras significativas relaciones familiares en la serie, como el hecho de que Bill Camp y Elizabeth Marvel interpretan a un matrimonio cuando ellos mismos están casados en la vida real. La construcción del drama familiar funciona y las numerosas escenas durante el juicio aportan tensión y dinamismo, bien dirigidas por Greg Yaitanes, un veterano realizador que ha estado presente en buena parte de las series más populares de las últimas décadas, desde Perdidos (Disney+, 2004-2010) hasta La casa del dragón (Max, 2023-), quien se encarga de la mayor parte de los episodios. Uno de los aspectos sorprendentemente negativos es la manera en que la ciudad de Chicago está poco presente en la historia, quizás porque la serie no se rodó en Chicago, sino en California, lo que requiere de una tonalidad fría y grisácea que parece demasiado artificial.El antiguo jefe de Rusty, Raymond Horgan (Bill Camp) se convierte en su abogado en la serie, aglutinando a dos personajes separados en la historia original, que en la película estaban interpretados por los grandes actores Raúl Julia y Brian Dennehy, pero esto permite algunas conversaciones con su esposa Lorraine (Elizabeth Marvel) que matizan su posicionamiento y su fidelidad ciega a Rusty. Aunque también es cierto que algunos recursos suenan tramposos, como el cliffhanger del final del episodio Los elementos (T1E6), que parece un resorte forzado para lo que sucederá en El testigo (T1E7). Presunto inocente es una singular colaboración entre David E. Kelley y J.J. Abrams, cuya productora Bad Robots ha visto cancelados tres grandes proyectos en los últimos años tras alcanzar un acuerdo exclusivo con Warner Bros. para desarrollar películas y series, que no acabó dando ningún resultado destacable. En el terreno literario, aunque solo se puede considerar como una secuela directa la novela Inocente (2010, Ed. Mondadori), que también está protagonizada por Rusty Sabich, lo cierto es que buena parte de los libros escritos por Scott Turow, posteriores a Presunto inocente, se desarrollan dentro del sistema judicial de Chicago e incorporan personajes de la primera historia. De manera que no sería extraño regresar a ellos también en posteriores temporadas.
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La historia comienza cuando Niels Oxen (Jacob Lohmann) regresa de Afganistán como un héroe de guerra que también ha participado en los Balcanes e Irak, lo que le ha provocado algunas consecuencias psicológicas debido al estrés postraumático. En una de las incursiones durante el combate, su mejor amigo Bosse (Mads Hjulmand) ha muerto, sobre todo debido a la falta de ayuda de un comandante que huyó de la zona de guerra. Oxen presiona a sus superiores para iniciar una comisión de investigación, pero los contactos del padre del oficial huído provocan que no solo no se abra ninguna investigación, sino que el propio Niels Oxen sea acusado de posesión de drogas y expulsado del ejército. Todo esto ocurre tan solo en la primera media hora del primer episodio. Divorciado y desempleado, el protagonista decide aislarse en el bosque de Rold Skov y vivir fuera de la sociedad. En paralelo, una reunión secreta en el castillo cercano de Nørlund, que incluye abusos sexuales y un posible asesinato, no solo acaba salpicando al propio protagonista, sino que también incorpora a la investigadora Margrethe Franck (Josephine Park) y a la directora de los servicios secretos daneses Frigg Mossman (Ellen Hillingsø). Este personaje es el que experimenta el mayor cambio respecto a las novelas, porque en aquellas se trataba de un oficial veterano que en la serie ha sido sustituido por una mujer con un cierto carácter ambiguo, de la que nunca está claro si quiere colaborar o está empeñada en perjudicar una investigación que acaba uniendo a Niels Oxen y Margrethe Franck. Ambos personajes están vinculados por las consecuencias del trauma, porque ella sufrió un accidente durante una misión en la que perdió una de sus piernas, y la investigación que le ha encargado de manera personal Frigg Mossman le permite reincorporarse laboralmente.
Los seis episodios de Oxen se sienten demasiado comprimidos para poder incorporar adecuadamente todos los elementos de los dos libros, desde la presentación del personaje principal hasta el desarrollo de una investigación que acaba relacionándose con la corrupción en las altas esferas de la sociedad, llegando incluso hasta la política. La incorporación de otros personajes como Kajsa Corfitzen (Birgitte Hjort Sørensen, que fue una de las protagonistas de Borgen (Netflix, 2010-2022)), la hija del empresario dueño del castillo, agrega cierta confusión a una trama que ya de por sí es complicada. Precisamente el director de la serie, Jannik Johansen (1965, Dinamarca) también dirigió algunos episodios de la segunda temporada de Borgen, así como otras producciones recientes como Ragnarok (Netflix, 2020-2023) y The new nurses (SundanceTV, 2018-). Aunque Oxen no utiliza muchos atajos para ir directamente al caso, utilizando solo el primer episodio para presentar a los personajes y desarrollarlos a partir de ahí, a veces da la impresión de que quiere avanzar demasiado rápido, y en realidad nunca logra ser tan interesante como pretende, aunque trate complejas relaciones a niveles de corrupción, que implican a miembros del gobierno. Sin embargo, algunos personajes son interesantes, como la Jefa de Inteligencia Frigg Mossman, y la interacción entre estos dos protagonistas heridos (física y psicológicamente) encuentra un punto de equilibrio lo suficientemente sólido como para resultar convincente. La serie obtuvo dos nominaciones para los Robert Prisen de Dinamarca y recientemente ha estado presente en Berlinale Series Market.
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Para los que disfrutamos de la película Hierve (Philip Barantini, 2021) es una buena noticia que los responsables de aquella pensaran que tenían más cosas que contar. Su ejercicio técnico de presentar la efervescencia de un restaurante durante un solo plano secuencia de hora y media fue un anticipo de lo que más tarde haría Christopher Storer en el conocido episodio Review (T1E7) de la serie The Bear (Disney+, 2022-). Por lo que calificar Boiling point (BBC, 2023) como una especie de imitación inglesa de la serie norteamericana podría ser injusto, aunque el interés de BBC por encargar una versión en formato de serie a Philip Barantini y James Cummings pueda haber estado influido por la repercusión de la producción de FX, al igual que el reciente estreno de la serie danesa Bag enhver mand (DR, 2023). Hierve no solo se circunscribía a la cocina sino que se ampliaba hasta el salón del restaurante, mostrando también las interacciones del equipo de camareros y su relación con los clientes, a veces algo tensas y sometidas a presión. La serie de cuatro episodios permite a los creadores centrarse más en las historias personales, aunque su comienzo parezca amenazar con un formato parecido al de la película, con un plano secuencia de unos 12 minutos. Pero tras la frenética cabecera nos damos cuenta de que en realidad se trata solo de un ejercicio de transición entre el largometraje y la serie, que se desarrolla ocho meses después de los acontecimientos que sucedieron en el restaurante Jones & Sons, y que se perfila como una especie de secuela spin off en la que Andy Jones (Stephen Graham) ya no es el protagonista, sino un personaje secundario. La historia se centra sobre todo en Carly (Vinette Robinson), sous-chef en la película, quien ahora es la Jefa de Cocina de su propio restaurante, North Point, que no termina de despegar.
Algunos personajes repiten en North Point, como Emily (Hannah Walters, esposa de Stephen Graham) y Freeman (Ray Panthaki) en la cocina, pero también Dean (Gary Lamont), ahora ascendido como maître, y la camarera Robyn (Áine Rose Daly) en el comedor. Y ciertamente los cuatro episodios permiten desarrollar el entorno de los personajes principales, enfocándose en algunos de ellos de una forma más específica. El frágil Jamie (Stephen McMillan) es el protagonista del episodio más emocional, no solo por sus debilidades sino por la relación maternal que tiene Emily con él, y a través de éste la serie aborda temas como la salud mental en un mundo tan exigente y tan sometido a presión como la restauración. El cambio de formato en la narración permite a los guionistas salir del entorno del restaurante para introducirnos en las vidas personales de sus trabajadores, como la necesidad de Jake (Daniel Larkai) por mantener a su familia y conseguir para su hermana pequeña las oportunidades que él nunca tendrá, o el sueño de la camarera Robyn (Áine Rose Daly) de convertirse en actriz. Hay sin embargo un cierto pesimismo en el relato, como si se destacaran las dificultades para salir de una atmósfera de tensión constante, incluso a través de las continuas discusiones entre Carly y el administrador Liam (Joel MacCormack) por los problemas financieros que comienza a tener el negocio.
Stephen Graham se mantiene esta vez en un segundo plano, aunque mostrando las consecuencias del final de la película en su personaje, en ese estado de incertidumbre en torno a la capacidad para tener un futuro en esa profesión o la necesidad de renunciar a ella. De nuevo bajo la dirección de Philip Barantini (1980, Reino Unido), los dos primeros episodios son los que mejor reflejan la dinámica dentro de la cocina, mostrando algunas actitudes de abusos y de acoso, principalmente a través de nuevos personajes como Bolton (Shaun Fagan) o el recién llegado sous-chef Nick (Steven Ogg) pero, como en la película, también se acerca a ciertas interacciones poco respetuosas por parte de los clientes, especialmente en una escena con la camarera no binaria Kit (Missy Haysom). En la forma en que los creadores de la serie introducen problemáticas que se distancian de las representaciones vagas y estereotipadas que ofrecen los talent shows de cocina, Boiling Point es mucho más relevante en la descripción del mundo que pretende reflejar. Se detiene en sus personajes para componer un retrato variado de los profesionales, experimentados o no, que conforman un microcosmos mucho menos despreocupado del que se suele ver en la televisión. Mounia Akl (1989, Líbano) se encarga de dirigir los dos últimos episodios, tras su incursión en el largometraje con Costa Brava, Líbano (2021), y mantiene el nivel de tensión mientras sigue profundizando en los personajes. Porque Boiling Point no es solo una sobresaliente continuación de una película notable sino que construye su propio camino con eficacia.
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Gangs of London (Temp. 2) ★★★★☆SkyShowtime, 7 de julioReino Unido, 2022 - 8x60'Creada por Gareth Evans, Matt FlanneryDirigida por Corin Hardy, Marcela Said, Nima Nourizadeh
Siguiendo su extraña estrategia de estrenos, la plataforma SkyShowtime ha incorporado por sorpresa la esperada segunda temporada de esta serie que fue una de las damnificadas por la desaparición de Lionsgate+ y que permanecía inédita en España hasta ahora. En algunos territorios SkyShowtime había incluido la primera temporada en su catálogo de lanzamiento, y precisamente en éstos se había anunciado el estreno de esta secuela para el 10 de julio. Sin embargo, en España se ha estrenado sin anunciar y sin incorporar por el momento la primera temporada, una estrategia algo caótica que no es tanto un problema de comunicación del equipo español, sino una absoluta falta de coordinación del equipo central que dirige en Londres Monty Sarhan. El estreno llega además cuando se encuentra en producción una tercera temporada que de nuevo ha cambiado el equipo de producción, con Kim Hong Sun como director principal y Peter McKenna como escritor principal, una buena noticia porque es el creador de Kin (AMC+ 2021-2023), una de las mejores series sobre gángsters que se han hecho en los últimos años. La segunda temporada de Gangs of London (SkyShowtime, 2020-) comienza donde terminó la primera, mostrando las consecuencias de una muerte inesperada que dejaba abiertas numerosas posibilidades en la guerra entre bandas que tratan de hacerse con el control del negocio de la venta de drogas y armas en la ciudad de Londres. La metrópolis inglesa funcionaba como una especie de reino enfrentado a la conquista de violentos grupos de guerreros modernos, una cruzada para subyugar el orden establecido a través de la corrupción y, sobre todo, la extrema violencia. No se trataba solo de la ley del más fuerte, sino de la ley del que pudiera dejar la huella más sangrienta.
Gangs of London trasladaba al formato serial lo que mejor ha venido haciendo Gareth Evans (1980, Reino Unido) a lo largo de su carrera como guionista y director, desde que convirtiera Redada asesina (Gareth Evans, 2011) en una película de culto en la que las artes marciales adoptaban una elaborada y creativa coreografía de sangre y vísceras. Con la constante crítica a cuestas sobre la idealización de la violencia, el director diseñó para su primera serie una trama "shakesperiana" sobre bandas mafiosas y traumas familiares que consiguió ir más allá de la simple representación acrobática de los enfrentamientos cuerpo a cuerpo. Pero los guiones de Gangs of London tampoco es que fueran especialmente elaborados, jugando más a la estrategia del giro inesperado, pero con un desarrollo de personajes que no brilla a la altura de otras series británicas sobre bandas mafiosas como Peaky blinders (Netflix, 2013-2022), Top boy (Netflix, 2011-) o la mencionada Kin. Aunque posiblemente ahí radica una de sus principales virtudes, la de construir una historia al servicio de secuencias rodadas con una técnica perfecta y coreografías absolutamente espectaculares. La segunda temporada ofrece todo eso y más, aunque desciende el nivel de calidad narrativa en favor de una intención de redoblar las piruetas visuales. Para ello cuenta de nuevo con la dirección de Corin Hardy (1975, Reino Unido), quien se encarga de la mitad de la temporada, aunque esta vez sin la participación directa de Gareth Evans, lo que se acaba notando en el cuidado de las coreografías, menos elaboradas que en la primera temporada. El resto de los episodios recae en Marcela Said (1975, Chile), directora de películas como Los perros (2017), y Nima Nourizadeh (1977, Reino Unido), que ha dirigido algunos episodios de The gentlemen: La serie (Netflix, 2024).
Con alguna sorpresa que se revela en el primer episodio, Gangs of London introduce en esta segunda temporada a un nuevo villano, Koba (Waleed Zuaiter) lo suficientemente sádico como para convertirlo en el principal objetivo de Elliot Carter (Ṣọpẹ Dìrísù), mientras continúa la guerra interna entre el narcotraficante Luan Dushaj (Orli Shuka) y Ed Dumani (Lucian Msamati) y su hijo Alexander Dumani, al que interpreta el excelente actor Paapa Essiedu, poco aprovechado en sus últimas apariciones televisivas como la decepcionante segunda temporada de The capture (Movistar+, 2019-), pero especialmente brillante en la serie de ciencia-ficción The Lazarus project (AMC+, 2021-2023). La dinámica familiar entre Marian (Michelle Fairley) y Billy (Brian Vernel), madre y hermano respectivamente de Sean Wallace (Joe Cole), protagonista de la primera temporada, tiene demasiados elementos en común con la familia Shelby de Peaky blinders, y casi parece una mala copia en el dibujo de los personajes. Pero los aficionados a la serie por sus dosis de violencia extrema y sus elaboradas coreografías de acción se verán recompensados con escenas sangrientas de todo tipo: si un personaje estrangula a otro, ¿para qué mostrarlo en plano medio cuando puedes ofrecer un primer plano de los ojos saliéndose de las órbitas? Hay buenos momentos de acción en esta segunda temporada, especialmente en episodios que compensan cierta falta de gancho de la primera mitad, que tienen una cierta similitud en su estructura de crescendo violento con algunos de los más impactantes de la primera temporada, como el Episodio 4 en el que el actor que interpreta a Luan es sometido a una auténtica prueba de resistencia. Pero, por otro lado, acaba siendo menos impactante y se sostiene en un guión menos sólido, y quiere hacerse más seria precisamente por donde tiene sus mayores flaquezas, con una trama laberíntica que a veces resulta demasiado enrevesada, aunque mantiene los temas principales establecidos por Gareth Evans en torno a las relaciones familiares y los sacrificios que requiere mantener el poder. Lo que se agradece de Gangs of London es su puesta en escena casi operística, el drama llevado hasta sus últimas consecuencias y su condición de saga criminal implacable.
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A la derecha se encuentra Marie Kinsky (Ana Girardot), una influencer con miles de seguidores que a través de sus redes sociales impulsa el conflicto, y ve en esta polémica el caldo de cultivo para provocar la confrontación que tan buenos resultados da al populismo de la extrema derecha. A la izquierda, Kenza Chelbi (Lou-Adriana Bouzouane) es una profesora universitaria que organiza manifestaciones en las que se denuncian los racismos constantes en la policía francesa, y que quiere atraer a Fodé para que se convierta en una imagen de su lucha. Ella favorece un artículo en la prensa en la que se considera que la posición de centrocampista "box-to-box" (designados para cubrir todo el terreno de juego), que se suele asignar a los jugadores negros en el fútbol, supone "una animalización de los cuerpos negros". En medio, Sam Berger (Nina Meurisse) es una analista que trabaja para una empresa de gestión de crisis para el Racing Paris, que tiene la misión de apagar los fuegos que van surgiendo a raíz del escándalo, y que se extienden a través de las redes sociales. Ella se toma como un reto personal tranquilizar los ánimos de una sociedad cada vez más dividida cuyas consecuencias llegan hasta el Primer Ministro de Francia. En el episodio Box to Box (T1E1), comenta que "hay una epidemia en nuestra sociedad. Todos tienen miedo de todos". Y se da cuenta, antes que otros, que las ramificaciones de esta crisis mediática son mucho más profundas que un simple conflicto futbolístico, parecido a "lo que ocurre en el pánico colectivo en un estadio. Un sálvese quien pueda incontrolable". Es inevitable interpretar La fiebre como una extensión de Baron Noir, porque hay elementos en común y una sorprendente relación directa, con una escritura perfecta que aporta tensión, y una dirección de Ziad Doueiri, también habitual en aquella, que mantiene un ritmo frenético que nunca se detiene.
Esta historia político-apocalíptica propone reflexiones sobre la sociedad radicalizada, y aborda conceptos como "la ventana de Overton", una teoría del analista estadounidense Joseph Overton que define la viabilidad de una idea política dependiendo del grado de aceptación que ésta tenga dentro de la sociedad, de manera que lo que resultaba insólito se puede convertir en una forma de política generalizada. En la serie, Marie Kinsky utiliza esta estrategia lanzando una idea inadmisible: defender la posesión de armas para todos. Es una propuesta radical que abre un debate que a su vez amplía el marco de la ventana de aceptación a otras ideas más moderadas pero que antes eran igualmente inadmisibles. Hay temas interesantes sobre si es posible que un club de fútbol funcione como una cooperativa, o cómo se pueden controlar las burbujas de las redes sociales de un personaje influyente. En el episodio Kill Bill (T1E7) se consigue un 20% de cuentas falsas infiltradas en la burbuja de una líder feminista. El escritor Éric Benzekri siempre ha tenido como referencias series norteamericanas como El ala Oeste de la Casa Blanca (HBO Max, 1999-2006), con la técnica de "hablar caminando" propuesta por Aaron Sorkin, y Los Soprano (HBO Max, 1999-2007), en cuanto a la estructura de los episodios. La fiebre establece un duelo personal a partir del episodio El mundo de ayer (T1E3) entre Marie Kinsky y Sam Berger, que se mantiene a distancia durante el resto de la temporada. La primera representa la política espectáculo de carácter populista, que tiene ramificaciones en Donald Trump en Estados Unidos, en el Movimiento 5 Estrellas en Italia y, por supuesto, en la extrema derecha de Marie Le Pen en Francia. Cuando un grupo de manifestantes se reúne frente a su lugar de trabajo, Marie Kinsky decide caminar entre ellos porque sabe que la imagen de ella sufriendo un escrache favorece su discurso de confrontación. Aunque a veces puede ser un personaje algo maniqueo en cuanto a su representación, contribuye a establecer el soporte de una arriesgada serie que no teme explorar hasta dónde puede llegar su propuesta en torno a la manipulación de la opinión pública y los conflictos sociales permanentes en las sociedades contemporáneas.
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Podría decirse que hay una tonalidad en Sunny que puede recordar al estilo de Separación (Apple tv+, 2022-), sobre todo en esa reconstrucción de un mundo que se parece mucho al presente pero que contiene elementos del futuro. La propia novela planteaba una reflexión sobre las leyes establecidas por Isaac Asimov respecto a la convivencia de los humanos con los robots, y el personaje de Sunny adquiere una mayor relevancia conforme comienza a sentir emociones que son más características del ser humano que de las máquinas, entre ellas los celos. La actriz Rashida Jones tiene la oportunidad en esta ocasión de evitar el encasillamiento del tipo de personajes que se parecían a su intervención en Parks and recreation (Max, 2009-2015), para ofrecer una interpretación compleja que sitúa a su personaje en una búsqueda de la verdad, pero también personal, aunque se ha cambiado el origen de la protagonista, que es irlandesa en el libro. Pero brillan especialmente las actrices secundarias: la veterana Judy Ongg y la reconocida You, habitual en películas de Hirokazu Koreeda como Nadie sabe (2004) y Still walking (2008), mientras que el actor Hidetoshi Nishijima, protagonista de Drive my car (Ryûsuke Hamaguchi, 2021) saca partido a su personaje en los momentos en los que adquiere más protagonismo. Sunny es posiblemente una de las propuestas más entretenidas de este verano, tan extraña como fascinante, y desde luego la mejor serie que Apple tv+ tiene preparadas para los próximos meses.
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En uno de los episodios esenciales de esta serie, Manjit Virk (Ezra Faroque Kahn) y Suman Virk (una extraordinaria Archie Panjabi, que no debería ser olvidada en el reparto de premios de interpretación de esta temporada) bailan la canción "Kick in the door" que escuchaba su hija Reena Virk (Vritika Gupta), asesinada por un grupo de adolescentes. Es una situación extraña y posiblemente algo incómoda, pero a ambos les sirve para reconectar con ella, aunque ya no esté presente. La música se convierte en un puente que les une, sustituyendo a ese puente macabro bajo el que Reena perdió la vida en 1997. Significativamente, la elección de las canciones que se escuchan en la serie no solo enmarcan la época y el ambiente de las jóvenes, sino que también tiene un significado más profundo. La serie se va construyendo sobre varias canciones de The Notorious B.I.G., también conocido como Biggie, un rapero que murió asesinado ese mismo año, al que admiraban las adolescentes, y esta canción que mencionamos se incluye en su álbum póstumo Life after death (1997, Bad Boy Records). La crónica de Reena Virk fue contada en el libro Under the bridge (2005), escrito por la canadiense Rebecca Godfrey, quien colaboró en la primera fase del desarrollo de la adaptación hasta que murió de cáncer en 2022. Y para llevar a la pantalla el libro, la creadora Quinn Shephard (1995, New Jersey) decidió introducir dos personajes nuevos, con resultados dispares: uno es el de la propia escritora, Rebecca Godfrey (Riley Keough), que acaba siendo uno de los más interesantes, pero también uno de los más difíciles de descifrar a lo largo de la historia, especialmente en el posicionamiento que adopta en los episodios finales; el otro es Cam Bentland (Lily Gladstone), una agente de policía de las Primeras Naciones que parece demasiado forzado para introducir temas como el secuestro de niños indígenas por parte del gobierno canadiense. Ciertamente, hay tantas capas en esta historia que resulta innecesario introducir otra adicional, entre otras cosas porque la serie no tiene tiempo para desarrollarla, por mucho que lo incorpore una actriz tan solvente como Lily Gladstone, recientemente nominada al Oscar por Los asesinos de la luna (Martin Scorsese, 2023). La historia comienza en noviembre de 1997 en la localidad de Victoria, Columbia Británica, el día del asesinato de la joven de 14 años Reena Virk. A través de las investigaciones de la agente Cam Bentland y la escritora Rebecca Godfrey, que acaba de regresar después de haberse marchado hace años, y que están conectadas por una antigua relación sentimental, conocemos la historia de Reena. Meses antes, ella se ha sentido atraída por la rebeldía de un grupo de amigas adoptadas, encabezadas por Josephine Bell (Chloe Guidry), quien parece liderar la relación con Kelly Ellard (Izzy G) y Dusty Pace (Aiyana Goodfellow). Reena no es aceptada dentro de este grupo, pero su obsesión por ser admitida la lleva a tomar algunas decisiones graves, especialmente después de invitar a estas tres amigas a su casa. La naturaleza del asesinato real fue muy impactante, pero la serie evita tratar a Reena solo como una víctima y ofrece una personalidad compleja que necesita del reconocimiento externo, y que rechaza la vida familiar tradicional que han construido sus padres. La historia se desarrolla en dos tiempos, pero también en dos perspectivas: el presente esta protagonizado por unos personajes adultos que tratan de entender las razones de un crimen monstruoso y extremadamente violento; el pasado está marcado por el punto de vista de las jóvenes, especialmente el de Reena, ofreciendo un retrato complejo sobre sus necesidades y sus carencias emocionales. Pero Under the bridge. El asesinato de Reena Virk (Disney+, 2024) es mucho más interesante en su segunda mitad, cuando se enfoca en la resolución del caso y las consecuencias del juicio.
Manteniendo cierto misterio sobre el tipo de responsabilidad que tuvieron cada uno de los protagonistas en el asesinato de Reena, toma como referencia el tono del libro escrito por Rebecca Godfrey, en el que hay cierto enfoque a tratar de entender las razones de los culpables y de alguna manera empatizar con ellos (durante algún tiempo ella mantuvo correspondencia con uno de los condenados), la serie cuestiona en cierto sentido la definición de culpabilidad e inocencia a través de la ambigüedad de Godfrey. Ella adopta una postura más cercana a los culpables, sobre todo para entender las razones por las que cometieron el crimen y el tipo de trasfondo social que los convirtió en monstruos. Lo que además proporciona algunas de las mejores frases de Suman Virk, la madre de la víctima: "Entonces, ¿vas a escribir sobre mi hija haciéndote amiga de su asesino? Para ser una persona que quieres escribir un libro sobre Reena, parece que no sabes mucho sobre ella", le dice en el episodio Tres y siete (T1E7), en el que precisamente se explora el dilema moral de Rebecca Godfrey. Esta ambigüedad es una apuesta valiente porque proporciona al espectador elementos de reflexión, y está marcada por su negativa a creer en la crueldad del asesinato, influida por una experiencia traumática del pasado. La serie también explora temas como las motivaciones de los asesinos, que en algún momento del episodio Juramento de sangre (T1E3) parece apuntar a un crimen de odio racial, cuando se destaca una quemadura en la frente de la víctima. Under the bridge. El asesinato de Reena Virk es una serie posiblemente muy incómoda y desde luego nada complaciente, pero sin duda proporciona reflexiones interesantes sobre la naturaleza del odio y propone personajes ambiguos, lo que la sitúa en una posición destacada y reflexiva, más allá de la simple construcción de un true crime.
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Aunque con algo de retraso respecto a su estreno el otoño pasado en Paramount+, llega finalmente esta serie coreana que recibió el Premio de la Crítica en Seriencamp '23 y el de Mejor Guión en la edición de Canneseries '23. Se trata de un descenso a los infiernos prácticamente literal que tiene uno de los cliffhangers más sorprendentes que hemos visto en mucho tiempo al final del episodio Bargain (T1E1), que se desarrolla casi exclusivamente en una habitación de hotel en la que Park Joo-Young (Jeon Jong-Seo) se encuentra con Noh Hyung-soo (Jin Sun-kyu), quien ha pagado 1.000 dólares para perder su virginidad, aunque el encuentro deriva hacia otros asuntos menos complacientes. Porque el negocio al que hace referencia el título tiene menos que ver con la prostitución y más con la venta de órganos. Pero un acontecimiento imprevisto convertirá tanto a estos dos protagonistas como al resto de componentes de la mafia en supervivientes en medio de un entorno apocalíptico en el que la propia estructura de un edificio se convierte en una representación bastante lúcida de las diferencias sociales, en consonancia con muchas producciones coreanas en las que su formato de thriller envuelve en realidad una reflexión sobre las flaquezas de la sociedad contemporánea. Pero conforme se desarrolla la historia, Bargain (Negociaciones) (SkyShowtime, 2022) acaba cayendo en situaciones demasiado forzadas protagonizadas por estos personajes que se encuentran al límite. Desde el punto de vista visual, el director y co-creador de la serie Woo-Sung Jeon la plantea como un alarde técnico rodando cada episodio en planos secuencia de entre 5 y 15 minutos, pero editados como si se tratara de una única toma de 30 minutos, lo cual se hace más patente en la recta final. La intención es transmitir la tensión que experimentan los protagonistas, aunque no termina de sacarle partido a la propuesta, con escenas demasiado centradas en un personaje que ralentizan la acción, seguramente por la complejidad de rodar en un espacio cerrado y claustrofóbico. Sin embargo, utiliza con habilidad el tono de humor negro, que a veces roza la caricatura para retratar a sus personajes, y apuesta por la introducción de una temática que hace referencia directa a las perversidades del ser humano, como el tráfico de órganos y el abuso sexual.
También le beneficia el formato de seis episodios de poco más de media hora de duración, lo que permite que las tramas se concentren en poco tiempo y consigue aportar un ritmo adecuado a este descenso al infierno. Es una propuesta sin duda entretenida, sorprendente a veces en su cuidado aspecto visual, con unos villanos especialmente logrados, aunque por momentos acabe siendo tan absurda como entretenida. Entre los personajes principales, destaca el carácter humorístico que aporta Geuk-ryul (Chang Ryul), quien está empeñado, a pesar del desastre que le rodea, en conseguir el riñón por el que ha pagado 100.000 dólares para lograr que su padre salga de la interminable lista de trasplantes en el hospital. A Guek-ryul le veremos casi todo el tramo final de la serie vistiendo unos calzoncillos rojos y unas chanclas, mientras trata asimismo de sobrevivir. Bargain (Negociación) es una serie que se disfruta mejor con todos los episodios disponibles, por lo que el habitual formato semanal de SkyShowtime no le beneficia, aunque se estrene la mitad de la serie (tres episodios) el primer día. Creada por Seung-Min Byun, la serie se inspira en el premiado cortometraje Bargain (Lee Chung-hyun, 2015), que también estaba rodado en un solo plano secuencia de 15 minutos, pero solo toma como base el primer encuentro entre una joven y un hombre en una habitación de hotel y las consecuencias de éste, introduciendo una trama completamente distinta posteriormente. Se podría decir que casi todos los personajes tienen una agenda propia que les permitirá alcanzar sus objetivos relacionados con el tráfico de personas, el robo y el abuso sexual. Introducir a este grupo variopinto en una situación límite permite abordar los aspectos más oscuros de la avaricia y la falta de moralidad, lo que hace que la serie tenga algo más de profundidad que un simple juego de perseguidos y perseguidores. Esta producción forma parte del acuerdo estratégico que firmaron Paramount Global y el gigante del entretenimiento coreano CJ ENM, que permitirá que muchas de sus producciones coreanas estén distribuidas por la compañía norteamericana en Estados Unidos, bien a través de sus plataformas o con acuerdos de segundas ventanas. Aunque el recurso más fácil es comparar ésta con series como El juego del calamar (Netflix, 2021) o la reciente The 8 show (Netflix, 2024), en realidad Bargain (Negociación) no tiene muchos elementos en común con ambas, porque de entrada no se sostiene en una especie de juego macabro diseñado para que participen unos concursantes. Casi se podría decir que está más cerca del subgénero survival horror, porque despliega un grupo de personajes que se entregan a la supervivencia con los recursos más oscuros y violentos del ser humano.
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El éxito casi inesperado de la primera temporada de esta serie acabó convirtiendo la alfombra roja de los premios Bafta TV en una muestra constante de estrellas de la televisión y el cine británicos que se declararon admiradores, desde Imelda Staunton hasta David Tennant, pasando por Jason Isaac. De hecho, uno de los principales referentes confesados de esta producción australiana es una comedia de pareja inglesa, la vitriólica Catastrophe (Channel 4, 2015-2019), con la que comparte ese tipo de relación en la que la pareja no necesariamente funciona todos los días, sino que tiene altibajos, inseguridades y dudas. Pero en la primera temporada, Colin de cuentas (Movistar+, 2022-) se permitió una cierta extravagancia a la hora de construir la comedia, desde la forma en que se conocen los dos protagonistas (basada en una experiencia real de ella en la que tropezó cuando se quedó mirando a un chico atractivo sin camiseta), hasta la introducción de algunos personajes francamente incómodos, como el profesor Lee (Darren Gilshenan), que sigue manteniendo sus dudosas actividades. La serie está creada por los actores Patrick Brammall y Harriet Dyer, casados en la vida real después de conocerse en el rodaje de la comedia No activity (Stan, 2015-2018), también escrita y protagonizada por él. Pero en esta segunda temporada Ashley (Harriet Dyer) y Gordon Crapp (Patrick Brammall), cuyo apellido ya fue objeto de numerosas bromas en la temporada anterior, están inmersos en su relación después de varias idas y venidas, y además tienen que resolver una decisión que tomaron respecto al perro que da título a la serie. En el episodio Bendiciones (T1E1) se vuelven a preguntar si no es la responsabilidad de cuidar a Colin (Buster) la que mantiene una relación en la que la diferencia de edad marca el paso de la Generación X a la Generación Y. No es un gran spoiler contar que el canino minusválido seguirá teniendo mucha importancia en esta segunda temporada. Pero se introduce una mayor mordacidad respecto a cuáles pueden ser las debilidades de una pareja que ni siquiera comparte amigos comunes, porque se mueven en dos ambientes completamente distintos. Cuando conocen al hermano de Gordon, Alistair (Justin Rosniak, uno de los protagonistas de Mr. Inbetween (Disney+, 2018-2021)) en el episodio Heavy (T2E3), que es el apodo que recibe en la familia, surgen cuestiones como el número de relaciones sexuales que ha tenido Gordon, conocido por un pasado bastante activo a este respecto. La primera temporada de Colin de cuentas logró el pasado mes de febrero el premio a la Mejor Comedia en los galardones de la Academia de Cine y Televisión de Australia (AACTA), el único de sus diez nominaciones, y este mes de junio los premios Gotham TV a la Mejor Serie de Comedia y Mejor Actriz de comedia
Las pequeñas dudas distorsionan una relación que siempre se encuentra con obstáculos o con malos entendidos, pero al mismo tiempo la construye y la fortalece a través de estas grietas de confianza que finalmente sirven como armazón para mantenerla en estado de efervescencia. Y dentro de su sentido del humor ácido nos introduce en los entresijos de la convivencia, desde cómo interpretar que tu pareja se masturbe viendo porno hasta cuáles pueden ser las consecuencias de tirarse un pedo en la cama. Como Catastrophe, también en Colin de cuentas hay muchos diálogos largos que se intercambian la pareja protagonista, y esa es una de sus principales fortalezas, porque los dos guionistas saben mantener la tensión constante, ser punzantes y hasta algo irreverentes, ayudados por el hecho de que Harriet Dyer y Patrick Brammall, al que también podemos ver en Evil (Syfy, 2019-2024), han adoptado perfectamente el tono necesario de sus personajes. Pero quizás el episodio más interesante es el que los separa, Waterfall (T2E5), una especie de Jo, ¡qué noche! (Martin Scorsese, 1985) que juega con los puntos de vista: primero vemos el de Gordon y después el de Ashley, en el que la serie recupera esos momentos extravagantes que destacaban en la temporada anterior, especialmente en el segmento protagonizado por Harriet Dyer, una actriz de notables recursos como pudimos ver en la película de terror Killing ground (Damien Power, 2016). La segunda temporada también define más claramente la reticencia al compromiso que tiene Ashley, quizás por la propia relación algo extraña de su madre Lynelle (Helen Thomson) con el profesor Lee. Desde luego, los referentes familiares de los protagonistas no son efectivamente modélicos: Lynelle decide fundar una asociación llamada Women Against Women Against Men (Mujeres contra Mujeres contra los Hombres), mientras que la visita de ambos a la familia Crapp en el episodio Yass King (T1E6), dirigido por Madeleine Dyer, hermana de Harriet Dyer, se desarrolla de una forma poco amistosa y con un desenlace inesperado. De alguna manera, los pequeños pasos que Ashley y Gordon dan a lo largo de esta temporada parecen señalarles el camino de la separación, con un lógico y embarazoso final, de manera que la pregunta principal que lanza la serie es si puede sobrevivir una relación a las continuas muestras de desconfianza que provienen de la falta de comunicación, los pequeños secretos, la diferencia generacional y la escasa conexión con los amigos y con sus respectivas familias. O las relaciones se mantienen precisamente porque van sorteando obstáculos que las hacen más sólidas.
Hipnosis se estrena en cines el 9 de agosto. Crossing se estrena en cines el 13 de septiembre. ______________________________________Películas mencionadas:
Kingmaker se puede ver en Kocowa.Broker, Solo nos queda bailar, Joyland, Hierve y Jo, ¡Qué noche! se pueden ver en Filmin. Memories of murder (Crónica de un asesino en serie) se puede ver en Filmin y Prime Video. Parásito se puede ver en Filmin y Movistar+. La batalla del dragón se puede ver en Prime Video. Avatar: El sentido del agua se puede ver en Disney+. Frenético y Redada asesina se pueden ver en Movistar+.Atracción fatal se puede ver en Movistar+ y Netflix. La peor persona del mundo y Drive my car se pueden ver en RTVE Play. Costa Brava, Líbano se puede ver en Filmin y Netflix.Nadie sabe se puede ver en Acontra+, Filmin y Movistar+.Still walking se puede ver en Acontra+ y Movistar+.Los asesinos de la luna se puede ver en Apple tv+. El arte de pensar negativamente y Detective Downs se pueden ver en Netflix. Otra ronda se puede ver en Filmin, Max y Movistar+.