La editorial Planeta edita este ensayo, escrito por el profesor Félix de Azúa, en Barcelona en el año 1995. El texto tiene la estructura de un diccionario, con 59 entradas, pero una diferencia de los diccionarios convencionales, es un trabajo filosófico y como tal, subjetivo y de opinión. Está escrito además de con gran conocimiento, con gran sentido del humor e ironía. Seguidamente voy a realizar la Recensión de varias de sus entradas.
Comienza el texto con un prólogo que él titula "Aviso al lector" en el que comenta las circunstancias en las que le encargaron la realización de este diccionario. En 1995 le solicitaron que realizara un "Diccionario del
Siglo XXI ", lo que equivalía una confeccionar un diccionario del futuro. Pero el autor nos comenta que para él, desde Hacia una década, el futuro había dejado de existir y ya contaba para nada, ya no era para Utilizado
programar nada. Así pues, un diccionario del futuro sólo podia ser un diccionario de la finalización del presente. Visto Así le Parecía interesante, pues, según él el futuro acabó en 1980 y al presente le Quedaba poco. Asi que, Llegados a este punto, solo Quedaba el pasado que lo CONTROLA todo, todo crecimiento está controlado desde el pasado. Establecidas estas reflexiones, había que escoger el mejor método de trabajo para hacer el diccionario. Decidió Utilizar los medios de formación de masas para escoger las voces del diccionario, ya que son ellos los que nos muestra la realidad de las cosas. Dispuso que Durante dos años, tomaría nota de Aquellas Cuestiones relacionadas con la práctica del arte que aparecían en revistas y periódicos. Acabó construyendo un Ensayo sobre la transformación cualitativa que está TENIENDO lugar En el ámbito de las artes. La forma de diccionario le Resultó la más Indicada para ese cometido. Pero este libro no es un instrumento de consulta, en cambio los diccionarios Normalmente si lo son, Tienen Intención de objetividad. Su reflexión gira en torno al acabamiento del presente. Considera que esta clausura, no es algo sólido y manejable, como lo Presentan otros autores. Al revés, el acabamiento que hace INCLUSO Lo más novedoso nazca ya con aspecto de ruina. El presente se va acabando fuerza pecado, muriendo de pura debilidad.
Nos comenta que este diccionario se puede leer en orden o en desorden, Aunque nos Sugiere que Mantengamos el orden ya que las entradas van ORGANIZADAS Como en una partitura musical. Se autodefine como un profesional de las artes y piensa que los profesionales tienden al escepticismo Cuando hablan de su tema favorito. Y Aunque antes Creía en la muerte del arte, ya no cree ni en esto. De lo que sí está convencido, es de que las artes son muy Poderosas una muy desconocidas que la vez. Las obras de arte se nos Presentan como intemporales, como si el ser humano fuera siempre el mismo, sin importar la Historia y se volviera siempre a lo mismo. Ha aprendido para no decepcionarse antes de tiempo. Aunque nos deja esta frase desoladora "Es posible que las artes no hayan muerto; También es posible que no hayan nacido." Las Instituciones consumen muchos recursos económicos para hacernos creer que Todavía Producción artística heno. Se pregunta el autor, ¿por qué? ", ¿Para qué Necesitara la civilización hipertecnológica y un subterfugio Nihilista" artístico "?". Piensa que tal vez las religiones y las artes no sean más que la nostalgia y Enfermedad y ahora nos estemos Librando de la ficción de que hay dioses y arte. Entonces comenzaría una vida sin garantías, en la trascendencia garantice que ninguna otra vida. Si esto fuera así, le llevaría A Creer que el acabamiento del presente no es mala cosa.
El autor opina, que los que como él sostienen la Desaparición de las prácticas artísticas, Suelen ser malinterpretados. Pues al afirmar que ya no hay artes, no Están Diciendo que la cultura occidental Esté en crisis. Sino que las artes Están desapareciendo, Porque ya no son necesarias, gracias al extraordinario Proceso de acumulación de poder en el que ha entrado el mundo tecnológico en los últimos años. La ausencia de problemas reales, hace prescindibles perfectamente las prácticas artísticas, las Cuales se ven reducidas un uso simbólico de las Naciones Unidas. Concluye con que no es la decadencia Lo que está acabando con las artes, sino la Pujanza del Occidente cristiano. Y si no fuera por las subvenciones Estatales, el arte y la religión ocuparían un territorio nimio en la sociedad. El Estado subvenciona para Controlar A sus Ciudadanos por medio del arte y de la religión. Nos comenta que Algunos artistas se lamentan de que se dé por acabado el Arte, pero esto no ocurriría si los dichos artistas pudieran Expresar algo socialmente aceptable y comprensible con sus obras, pero no Siendo Capaces de significar absolutamente nada, se lamentan de que los comentaristas no Añadan A sus obras aquello que ellos han sido Incapaces de imaginar. A pesar de todo, las prácticas artísticas Siguen abiertas. Y de surgir algo potente, no son los comentaristas quienes Deban dar cuenta de ello, sino que sera el público el que se exprese. Pero el público, por ahora, se conforma con la televisión. Esto no quiere decir que se Tenga que abandonar toda práctica artística. Y tampoco quiere decir que no vaya a cambiar el estado de cosas, y que de repente se produzca una práctica artística con un significado Magníficos.
ABSTRACTO
Comienza narrando lo que le Ocurrió un Kandinsky en su taller de Munich "Era una pintura de belleza inaudita, de la que emanaba un fulgor íntimo. Extático permanecí unos minutos y luego avancé un Zancadas hacia Aquella misteriosa tela sobre la que sólo alcanzaba a ver formas y colores sin motivo ni tema. De pronto se resolvió el enigma: era uno de mis últimos trabajos, pero sin derecho Estaba; había quedado apoyado contra la pared sobre uno de los lados. "Continúa relatando, que Kandinsky Cuando al día siguiente intento recuperar el estremecimiento del día anterior, le Fue imposible, Porque ahora reconocía los objetos pintados. Fue entonces Cuando Kandinsky descubrió la esencia del arte abstracto: a la pintura le molestan los objetos reconocibles. Hacía tiempo que sospechaba esto, e intentaba ver los colores en sí Mismos. Pero no lo conseguía, los colores siempre le llevaban A UN Objeto, un reconocible Una cosa. Además para él, el color de cada Tenía una personalidad muy fuerte. Tras la sorprendente experiencia del cuadro mal colocado, en 1910 Kandinsky pintó su primera obra abstracta. Quería que los colores, Ellos mismos y sus caprichosas formaciones, fuesen Lo que se manifestase en la pintura. Que el alma de los colores se revelase, "Que se desoculten las Luces teñidas que yacen tras las cosas disfrazándose de objeto", como bien Expresa Azúa. Kandinsky pretendia liberar el espíritu cromático cautivo en los entes del mundo y que los colores se movieran fuera de Cualquier sustento.
Féliz de Azúa Continúa contándonos como en el año 1915, Malevich, expuso una pintura muy polémica en un salón de Petrogrado: un cuadro blanco sobre fondo negro. Malévich consideraba un atraso que la pintura Tuviera la pretensión de Reflejar el mundo y las cosas. Lo consideraba como algo infantil. Publicó en 1922 un panfleto con el título de "El Trono de Dios permanece incólume", en el que advertía A sus compatriotas del espantoso peligro que corrían, pues el rostro de Dios Estaba en todas partes, bodegones, paisajes, retratos. Para poder borrar el rostro de Dios de la nueva Rusia bolchevique, Malevich se dedico a la enseñanza. Al final eran de su vida pintó unos cien cuadros, cien rostros Rasgos pecado. Eran rostros ideales para la sociedad ideal estalinista.
El autor Continúa el relato con la figura de Piet Mondrian. Para este pintor holandés, la presencia del Espíritu en el mundo le resultaba muy familiar, ya que era el Miembro de la Sociedad Teosófica y sus padres calvinistas muy practicantes. Él consideraba que las gentes corrientes no eran Capaces Espíritu de Establecer Relaciones con el, Así que los que sí la establecían debian corregir los errores MUNDANOS. Y el error era alcalde mundano la existencia. Pero las personas además de existir personalidad querian tener. Por ejemplo, los pintores dejaban huellas personales en la tela para significarse. Él opinaba que había que elevarse hasta Alcanzar una pintura totalmente plana, Rasgos pecado ni huellas, como si hubiera sido pintada por una maquina. Igual pasaba con las formas. Todas las formas acababan por Remitir a algo conocido. Había que esforzarse por encontrar formas Incapaces de sugerir algo. Formas neutras, insignificantes, mudas. Emprendió una lucha contra los colores. Para él había demasiados colores, que molestaban y distraían. Únicamente aceptaba la gama pura (rojo, azul, amarillo) y la ausencia de color (blanco y negro). Pero los aceptaba, con la Intención de Reducir y Controlar A LOS colores puros hasta quitarles todo protagonismo. Finalmente Mondrian se permitio Algunos dispendios, como su obra boggie-woogie.
El Arte Abstracto Tuvo su periodo más álgido entre 1910 y 1915. Fue un movimiento contra los excesos de la tierra, Que Tuvo como protagonistas A unos cuantos artistas abrumados por la abundancia del mundo. Fue la historia de unos artistas, unos eran místicos, otros teósofos o esotéricos, que cambiaron la forma de ver el arte que hasta ese momento había sido la aceptada por la Mayoría de las personas. Para salir de la locura que les amenazaba, buscaban la pureza del cuerpo y de toda materialidad, buscaban la pureza de la abstracción. Se pasó, casi de la religiosidad en la concepción del arte, limpio de todo pecado figurativo De Estos artistas abstractos, al arte tecnológico y racional. Los movimientos artísticos nacen como resultado del Rechazo que producen la Acumulación de circunstancias, de vivencias, de excesos, ... Finalmente las obras de arte son paridas por unos artistas en concreto, pero realmente no les pertenecen A por ellos sino a la sociedad en su conjunto.
Estos tres artistas han tenido muchos seguidores, pero ninguno de ellos estuvo inspirado ya tan, ninguno Fue tan poético como ellos. Algunos americanos de la primera mitad del siglo, como Rothko, Pollock, Newman o Sin embargo, si Estuvieron cerca de la calidad poética de sus antecesores. Mark Rothko, Fue el más lírico de ellos. Pintaba cuadros muy grandes, con colores deslumbrantes. En los años cincuenta Comenzó a Tener éxito y sus cuadros eran comprados por millonarios para adornar grandes espacios, tal vez por su magnitud y su colorido, sin Tener en cuenta nada más. Pero las obras de Rothko tenian un fondo humano que él Quería Expresar:
"(En mis pinturas quiero Expresar) el secreto pero inmediato acceso al terror salvaje, al sufrimiento, un cegados los caminos ya las Aspiraciones muertas que yacen en el abismo de la Existencia Humana, desde donde se alzan para atacar sin descanso el sosiego de nuestras Vidas. "
Finalmente Mark Rothko se suicidó. Lejos del significado que él había fraguado en sus obras, estas se habían convertido en un medio de ostentación decorativa de unos cuantos.
ARTE
El autor comienza esta entrada advirtiéndonos de la diferencia entre el concepto de Arte y el de "Las Artes". Señalándonos que el primero no es el singular del segundo, sino que son cosas totalmente Distintas. El Arte es un concepto filosófico que comienza en el Renacimiento italiano y se hace fuerte en la Revolución Francesa y el Imperio Napoleónico. Las "Vanguardias" nacen de la fusión de las Artes es un Arte único y superior.
De Wagner pretendia Conseguir Una obra de arte total, que fuera el resultado de la unión de todas las artes: música, teatro, pintura, arquitectura, escultura. Él Quiso fusionar todas las artes y arremetió contra la exterioridad y la pluralidad de estas, para lo Cual Realizó su Tetralogía en Bayreuth. La unidad del Arte había sido un tema tratado de antiguo en la filosofía. Desde Platón se había estudiado el tema de la Unidad de Las Artes, la fusión de todas ella en una sola. Según Platón el Arte no era más que la copia de la Idea. Con la Unidad de todas las artes en una sola y poderosa que lo dirige todo, se consigue Controlar la Producción Artística.
Las artes siempre habían sido oficios en los que trabajaban los artesanos. Y estos no eran solo de los pintores o escultores, Zapateros También Sino, pescadores, etc, cada uno ejercía su arte en particular. La separación entre artes y técnicas se producen hace dos siglos, pero anteriormente no se diferenciaban, y parece ser que en lo sucesivo tampoco se van a diferenciar, pues nada en su esencia separa a las artes de las técnicas.
El Arte es el concepto organizador de las Manifestaciones Artísticas, las Cuales Están concebidas como una unidad simple y provista de una historia de desarrollo. Unas veces se clasifican en las producciones artísticas por secciones geográficas, como el "Arte Africano", otras veces se las divide en Períodos históricos, como el "arte prehistórico". Esto es muy cómodo para el arqueólogo y para el historiador, Porque al agrupar los objetos que Se encuentran en un mismo lugar geográfico y ponerles la etiqueta de "Arte del Lugar", las gentes se lo Toman en serio y se ponen a Hacer ese arte descrito, a escribir libros sobre ese arte, a exposiciones de hacer ese arte enclavado en ese lugar. Luego están los entes públicos, subvenciones Dan Que, Organizan premios y esas cosas.
Ahora Llegamos a esta tan tremenda reflexión. Si aceptamos que hay un solo Arte, como un Dios en solitario, un ente único y todopoderoso, que contiene y subsumir todas las actividades particulares de cada sociedad y de cada Individuo en el terreno de cada una de las artes, entonces las artes no significan nada , son sólo eslabones de la Gran Cadena del Arte. Si hay un solo Arte superior, entonces los artistas, que creen que son LIBRES PARA CREAR lo que estimen oportuno, realmente son unos esclavos del dios Arte que les dirige y no les deja actuar Utilizando su libre albedrío, ellos solo obedecen y lo que es más grave, lo hacen sin saberlo. El Arte es el jefe soberano que conoce el destino de cada práctica singular, cada Porque Hecho particular, es sólo un eslabón de la cadena que tiene un significado global. Sólo el Arte Divino, es libre y dirige su destino. Los artistas son engañados esclavos, que se creen con iniciativa propia, E INCLUSO Están Gozosos en esa esclavitud y coloreada. Pero, a pesar de todo, al público le dejarían de interesar las obras de arte si supieran que son productos de la Necesidad sociohistórica de su momento y que ellos, como espectadores, PARTICIPAN en la Rueda de la esclavitud como lo hacen los artistas. En cambio, si se Niega que solo existe un arte superior y unificador, entonces las prácticas artísticas Pueden ser consideradas como actividades corrientes Puede Ser cocinar una paella o pescar un atún. En este estado de cosas, liberados del Arte y de la de la idea, habrá quien ejecute la acción de pintar cuadros o de esculpir mejor que otros. Si no existe el Arte como uno verdadero y, entonces podemos hablar de las técnicas que Se emplean en el arte, y del arte empleado por las técnicas, entonces Porque todo se vuelve terrenal, y la Finalidad de las obras de arte estara en SI MISMAS , Sin necesidad de Desarrollar la Idea de Arte. Las artes se manifiestan en el presente, en cambio el Arte es intemporal.
Finaliza esta entrada reflexionando sobre la diferencia entre aquel tiempo en el que el Arte lo donaba todo, los artistas y los espectadores se consideraban como practicantes de una religión en la que Ellos mismos eran los dioses, y se permitían el atrevimiento de modificar el discurso de Dios. Ahora se está Regresando a un concepto de las artes incompatibles con el Arte. Una vuelta a la in-diferencia de las técnicas y las artes, como las que muestra en la actualidad la electrónica, daría su sentido final, un Concluida la etapa de las prácticas artísticas unificadas bajo la tutela filosófica. Pero como todo acabamiento, parece ÉSTE También inacabable.
ARTESANÍA
El autor nos narra como antes de existir el término Arte, como se entiende en la actualidad, existia la Artesanía. Estaba formada por una serie de oficios, que podemos agrupar bajo el nombre de artes manuales. Estas Las Artes desarrollaban Trabajadores que se agrupaban en gremios. Había agrupaciones de todo tipo: orfebrería, escultura, sastrería y un largo etcétera. Esto no quiere decir que en la actualidad no Exista la artesanía, sino que hay dos Distintos conceptos, uno para Arte y otro para artesanía. Al primero se le da una Importancia alcalde, solo unos Pocos Capaces hijo de CREAR obras de arte. En cambio para hacer artesanía solo se requiere una habilidad que es posible aprender dedicándole su tiempo. Pero en otros tiempos esta diferencia no existia, era de Arte y Artesanía Una Misma Cosa. Para Formarse en un oficio, los aprendices vivian con sus maestros Durante un tiempo considerable, pues era esta la única Manera de aprender un arte que se fundamentaba en destrezas manuales. Ahora bien, si en vez de una habilidad manual, el arte Consiste en la expresión espiritual de un genio, en la exposición de sus ideas, entonces no hay Posibilidad de Transmit dicho aprendizaje. Por ello, una DEBIDO esta transformación, a partir del siglo XVIII los artistas Trabajan en la más absoluta soledad. Pero volviendo atrás, nos pone el ejemplo de los aprendices de ilustradores de manuscritos en la época gótica. Estos tenian múltiples obligaciones de servicio doméstico hacia su maestro, además de mantener, en todo momento, el honor y la dignidad de su amo. A cambio, se les instruía en el conocimiento de una serie de técnicas y secretos profesionales, además de proporcionarle alimento, calzado y algo de dinero. Todo estaba reflejado en un contrato por escrito, en el Cual se le daba especial Importancia a la Prohibición de divulgar los trucos del maestro, pues su Incumplimiento Podría llevar aparejada pena de cárcel. Evidente es que los artesanos tenian trucos, y que los mantenían en secreto, pues esto les daba una Ventaja Respecto a los que desconocían sus trucos. Actualmente Ningún artista moderno admitiría algo así. Por ello, es absurdo que hubiera aprendices de un artista moderno, pues este no enseñaría nada, ni técnicas, ni trucos. El artista actual es Lo Que Tiene grandes ideas y no DISPUESTO Esta a compartirlas.
Rechazables Ya entrados en los siglos XVII y XVIII, los artistas Aún no se diferenciaban mucho de los artesanos: "Los pintores flamencos de la Edad Dorada realizaban un tipo de encargos Que a los actuales artistas (por llamarlos de algun modo) les parecerían degradantes y . Eran artesanos, su humildad y nos parece bella y admirable. "Nos relata Herbert.
Los Antiguos Artesanos, A LOS qué podemos llamarlos artistas premodernos, ganaban dinero Porque Sabían hacer algo Con mayor habilidad y gracia que los demás, conocían bien su oficio. En cambio, los artistas modernos Reconocidos como son artistas y ganan dinero son Porque espiritualmente o intelectualmente importantes, son genios, son divinos y Son Fundamentalmente artistas muy conocidos, aunque no más Tengan habilidad o gracia que otros. En la antigüedad el derecho más sagrado era el derecho al secreto de taller, en cambio en la época moderna es el derecho a la propiedad intelectual, es decir, a la propiedad privada de las ideas e ingeniosidades. Hoy día la ejecución de las obras de arte y la crítica de Dichas obras, es de una enorme complejidad. Cuando lo importante no es lo aparente, ni la ejecución Mimetica perfecta de algo, los artistas y los críticos, se ven obligados uno reflexionar y llegar mucho más lejos de lo meramente visible. Y es curioso, como las actividades artísticas en la actualidad, son mas aparentes que nunca, en el sentido de que son mas espectaculares y públicas, y Sutiles hijo simultaneamente más, más intelectuales, pues Están confeccionadas de ideas.
Seguidamente nos habla sobre los Criterios de Valoración de las obras de arte de varios artistas, en Función de las Distintas épocas históricas. Por ejemplo, es fácil Distinguir entre un Tiziano bueno de otro mediocre, Porque en las obras de Tiziano es Muy Importante la esta habilidad es practicable y de calibrar. En cambio, es MUY DIFICIL diferenciar entre un Miró bueno de otro menos bueno. En su pintura de Miró es un icono de sus ideas sobre la pintura. Y si Llegamos a Duchamp, Intentar Distinguir entre una obra buena y una mala es una barbaridad, pues su trabajo las ideas son ideas y Solo. Félix de Azúa nos dice que todas las ideas son hermosas. Pero yo digo ¿Y por qué no las ideas Puede haber unas mejores que otras y por tanto unas mejores obras un otras?. Lo que si está claro es que, cada vez es más Difícil Aplicar Criterios de valor a las obras de arte. Los artistas de la extrema modernidad Deben entenderse y valorarse en bloque, como un producto industrial Elaborado en serie.
Finaliza esta entrada de Artesanía como sigue: "El paso de" saber hacer algo con destreza el alcalde que los demás ", una" Tener muy buenas ideas ", o incluso" ideas interesantes ", o en el peor de los casos" ideas novedosas " , es el paso que separa uno los clásicos de los modernos. Y es el paso que separa A LOS artistas en tanto que hombres hábiles, de los artistas en tanto que intelectuales y filósofos. "En este estado de cosas, los artistas convertidos en intelectuales que expresan sus ideas, solo los filósofos Podrán juzgarlos. Por eso las artes se han unido en un solo Arte.
ARTISTA
El autor de este diccionario comienza la entrada "artista", llamando nuestra atención sobre la confusión que impera entorno un dicho concepto. Nos comenta que por lo menos podemos afirmar que el "artista" existe, Porque es el creador de aquello que llamamos obras de arte. Aunque otro tema distinto Será discernir hasta que punto el artista Interviene en la aparición de la obra de arte. El Romanticismo produjo una imagen idílica del artista, como una persona DISTINTA al bien común de los mortales, esto es, soberana de su destino, sin Influencia de nada y con una genialidad innata. Esta imagen ha llevado una erronea muchos a intentar ser un artista genial y libre al margen de la realidad, lo que da como resultado supuestos artistas que no hablan más que de sí Mismos.
Para Explicar Lo que es un artista, el autor Utiliza una narración Basada en hechos reales. Existen libros que escribieron Algunos Judíos que sobrevivieron al Holocausto, donde narraban sus experiencias. Azúa recurre a la figura del Oteador para hacernos Comprender que es un "artista". Los judíos cuentan que tras ser detenidos, eran enviados en tren a centros de concentración muchas veces muy lejanos. Iban hacinados en vagones de Reses, tan apretados que no tenian espacio ni para sentarse. Los vagones no tenian ventanas, sólo unos mínimos respiraderos en el techo, unos a dos metros y medio del suelo. Los presos elegían un personaje Una que se Subía una hombros de sus compañeros para que mirara por los respiraderos y fuera narrando lo que Pudiera ver. Los presos necesitaban información sobre Qué estaba pasando allí afuera, requerían detalles de ese otro mundo al exterior Cual no podian Acceder. Y para Obtener esa información Estaban INCLUSO Dispuestos a sufrir más de lo que ya lo hacian. Algunos se mostraban escépticos y rehusaban colaborar. Pero todos atendían A LOS oteadores Cuando explicaban lo que ocurría fuera. No todos los oteadores servian para Transmitir lo que veían. Era tan impresionante la visión de lo que ocurría en el exterior, que las primeras veces que los oteadores miraban por los respiraderos no podian hablar, se derrumbaban Aquella visión a priori. Con la experiencia Algunos conseguían controlarse, y otros, en cambio abandonaban, no podian con la tensión que les producía el cerciorarse de que había un mundo distinto al del horror, preferían no saber que había otras Posibilidades Así para poder Soportar Su Mundo.
Dentro de los narradores los que había decepcionaban, pues sus relatos eran demasiado científicos, o demasiado inocentes presentaban y la realidad de forma dispersa, o lo interpretaban todo desde sus impresiones personales, o eran demasiado Objetivos. Ningún De Estos gustaban. Los oteadores valorados que eran más, eran los que describían un mundo luminoso, distinto al que ellos vivian que era el del terror y la desesperanza. Ambos Mundos Estaban unidos gracias a las explicaciones del Oteador. Y con estas narraciones Parecía que parte del dolor se disipaba, les Hacía olvidar por un rato su realidad cruel. Cuando escuchaban relatos buenos, que partían el mundo terrible en el que vivian ellos y el mundo luminoso de los hombres libres se relacionaba, un Pesar de que eran dos realidades que se desconocían mutuamente. Realmente a los presos les daba igual si las cosas que narraba el Oteador eran exactamente como él describía, Porque lo que querian era sentirse parte del mundo de los con esperanza, de los Libres, Aunque fuera por un momento. El observador era el único que Tenía constancia de que existia otro mundo en el que los hombres eran libres. La realidad de los Prisioneros era horrorosa, pero si consideraban que el mundo de los de afuera Creíble era, entonces su situación era una ficción, resultado de un juego absurdo que Tenía unas tremendas leyes que condenaba un inocentes. Visto así, se podia Mantener la esperanza de que todo llegaría A su fin. Porque si los presos creían en la realidad del mundo luminoso, entonces el mundo de la oscuridad se convertía en la otra ficción. La realidad del mundo luminoso y la realidad del mundo de la muerte se sostenían la una a la otra como ficciones mutuas.
Pero Cuando Las leyes del mundo luminoso y las del mundo del horror coinciden entonces la figura del Oteador no sirve de nada. Y cuándo eso Ocurre, como en el presente en el Cual han perdido Importancia los oteadores, entonces es posible Porque el mar que ha ganado el mundo luminoso o por el contrario Puede haber ganado el mundo del terror. Y así nos deja Félix de Azúa, saber Ocurre que el pecado. En la narración de los Judíos, Ningún vigía se creyó un genio. Sabían que habían sido elegidos por los compañeros, el Grupo Los soportaba sobre sus hombros y todos eran los que hacian posible sus narraciones. Además los compañeros aceptaban o rechazaban sus explicaciones y cambiaban una oteadores Según los describieran Estos Las Cosas Que la colectividad o no deseaba oír. Los relatos no eran consecuencia de la expresión del carácter o del espíritu del Oteador, sino fruto de un Acuerdo transitorio entre unos cuantos o muchos o todos por un lado, y el Oteador o el artista por el otro, sobre la verdad de lo que Aparece en cada momento. Finaliza su argumentación indicándonos que Ningún Oteador olvidó A cuál de los dos mundos pertenecía, Aunque conociera dos mundos igualmente reales y verosímiles. Y Ningún Oteador exigió ser mantenido por la comunidad de presos.
BELLO
Comienza este concepto exponiéndonos que está muy generalizada la Creencia de que lo bello es una Característica esencial de las Artes, al fin y al cabo son llamadas bellas artes. Pero esta opinión no es muy correcta. Para los antiguos la belleza No estaba asociada a las obras de arte. Pero no solo eso, sino que la presencia de la belleza podia ser INCLUSO molesta, podia desviar la atención hacia lo que no era la Intención del arte. Entre los muy antiguos Las obras de arte eran un medio de comunicación para Relacionarse con la divinidad, por lo que la belleza sin ninguna Tenía Importancia. Para los antiguos tampoco era de lo bello Importante Qué estaba relacionado con algo manual, una vista agradable la; Sino que para ellos lo bello Estaba En el ámbito de las ideas, del espíritu, del intelecto. Y más recientemente tampoco, pues las producciones artísticas como tenian con finalidad el adoctrinamiento de los Fieles de una religión o Inspirar como las virtudes de la piedad y la obediencia, pero ni mucho menos buscaban el placer de la vista. Asi que el Requisito de que lo bello Tenía que aparecer en la obra para ser llamada como obra de arte, es algo reciente en la historia. Y es en la estética de Kant, en su tercera Crítica o Crítica del Juicio, Cuando podemos Considerar que Aparece una teoría convincente, que Relaciona lo bello y el arte. En su teoría establecía que la belleza era un Requisito de la obra de arte. Anteriormente se había tratado mucho, pero de forma superficial, sobre el buen gusto y sobre la belleza de las obras de arte, Utilizando argumentos sociológicos y psicológicos de forma populista. Lo bello era placentero, pero no eran todos Capaces de gozar de la belleza de una obra de arte, para ello había que buen gusto tener. La relación que establecía la obra de Kant entre belleza y placer traia consigo una serie de problemas. Primero, no era de placer todo de tipo artístico, bello o sea, solo era bello el placer desinteresado, no el que satisfacía un deseo. En segundo lugar, sucesos como un terremoto, nos Producen sentimiento de lo sublime, pero eso no es bello tampoco. Lo bello No Puede producirnos inquietud, ni miedo por nuestra fragilidad, lo bello tiene que ser sereno y agradable. Y en tercer lugar, si no se experimenta placer al observar un Objeto Artístico Supuestamente, eso no quiere decir que El objeto feo mar. Puede ocurrir que la persona que la contemplación El objeto no Tenga la Educación Necesaria para Apreciar Dicha belleza de una obra de arte, Esto quiere decir que la sensibilidad Debe desarrollarse. Kant nos alivia diciéndonos que al menos todas las personas Pueden Apreciar bellezas sencillas como las florecillas del campo.
En torno a 1830, Hegel presenta sus reflexiones sobre la filosofía del arte. En sus lecciones Lo Bello abandonaba definitivamente su convivencia con los productos de las artes y se limitaba A Ser sólo un recuerdo histórico. Según Hegel, la unión entre la belleza y la obra de arte se da en la época floreciente de Grecia, pero ni Antes y Después de Grecia ni lo bello es relevante. No Dice Que No Exista la belleza, sino que No es importante. Según Hegel, Ni a los egipcios, Ni a los chinos, Ni a Los Cristianos les preocupaba la belleza. Por primera vez las artes se hacen históricas, Esto quiere decir que las obras de arte se ven como un todo, como una unidad, Aunque provengan de Distintos oficios, épocas de la historia o Zonas geográficas. Y de toda esta extensión en el tiempo y en el espacio, solo hay un momento de belleza Obligatoria, en Grecia. La unificación de la que habla Hegel no es un invento suyo, sino que es una realidad podemos constatar que en el Estado democrático-tecnológico japonés y occidental americano.
Cuando lo bello se desvinculó de las Artes, como estas Quedaron como huérfanas, su presencia Parecía sin sentido. Pero si las artes eran históricas no pertenecían a nadie en concreto, sino A LOS pueblos que eran los sujetos de la historia. El artista no era quien realizaba la obra, solo él la ejecutaba, quien la gestaba era el pueblo entero que se expresaba A través del artista. Así que el espíritu del pueblo sustituyó a la belleza. El arte se dispuso un CREAR SIMBOLOS NACIONALES que mostraban el genio de una raza. "Y el anónimo creador Fue un héroe nacional y un comisario político simultaneamente. El Arte, es triste Reconocerlo, era la puerta por la que Salia los cadáveres disfrazados de obra maestra ", bien como describir Félix de Azúa. Después del romanticismo Las artes han sido controladas por el Estado. En los últimos cien años, todos han contribuido a la destrucción de las Artes, horrorizados ante la obra de arte viviente Que Fue el Tercer Reich, Una obra de arte Que no se distinguía por su espíritu, sino por su aspecto, el Ario. La Destrucción y control de las artes se ha producido en las artes tradicionales, es decir, la pintura y escultura, música, literatura y arquitectura. En cambio, la artistización se ha Generalizado En una serie de prácticas, que Afecta INCLUSO A LOS presidentes de Gobiernos al Papa y qué tienen que mostrar una imagen Adecuada. Y es la televisión la que ahora genera obras de arte y espectáculos Basados en desastres. Ahora lo bello vuelve para dar Algún significado a la nada.
CARICATURA
El autor en esta entrada defiende la Afirmación de que una Característica fundamental que define a las obras de arte del siglo XX es su carácter caricaturesco. Si se hace un recorrido por las obras de arte a lo largo de la Historia, se observa que lo que antes era trascendental y grave ahora se transforma en caricatura. La caricatura es parte esencial del arte del siglo XX. Y esta forma tan particular de percibir la realidad está tan sólidamente integrada en la representación figurativa, que Surgen movimientos en la modernidad Intentando deslindarse de esta. La pintura figurativa fotográfica muy, muy imitativa de la realidad que contemplamos, que no la caricatura Utiliza un Pesar de su innegable calidad y su perfección en la ejecución, nos producen insatisfacción, nos Resulta aburrida. Baudelaire Fue el primero en Darse cuenta de la Importancia que IBA A tener la caricatura en el arte occidental. En torno al año 1855 estudio dos modos de Representar la realidad Utilizando la caricatura como medio de expresión, Estos eran: lo grotesco "cómico absoluto" y lo "cómico significativo". El primer tipo era el modelo clásico que se utilizaba antiguamente en todas las culturas, consistente en la deformación y exageración moralizante. El segundo es la caricatura moderna que tiene su propio estilo diferenciado de la anterior. El artista John Updike afirmaba que el género grotesco había perdurado, como género menor, hasta la Primera Guerra Mundial pero, al comentar en su artículo la pintura impresionista americana, Félix de Azúa piensa que confundia lo grotesco y lo caricaturesco en general. La caricatura es un fenómeno que se producen en la época moderna. Lo grotesco, en cambio, es un género clásico, que Utiliza Leonardo da Vinci y Goya. La caricatura es DISTINTA a lo grotesco, Porque sólo Puede utilizarse Cuando Una Amplia Mayoría de los receptores entiende, no tanto las deformaciones, sino la negación y la crítica que contiene la caricatura. Este fenómeno comienza en las guerras de religión entre católicos y luteranos, alcanza su máximo esplendor en las caricaturas de las campañas Napoleónicas, y se generalización A TODAS las actividades artísticas Durante el siglo XX.
Ryan y Schwarz, comprobaron desde la psicología, que es más fácil Reconocer la caricatura de una mano que la fotografía de una mano, este Hecho ha contribuido a la difusión espectacular de la caricatura moderna. Azúa Utiliza una serie de anécdotas para Ilustrar la distancia entre el modelo y la copia que una cultura Puede admitir como real:
- Momento platónico. La familia Médicis protesta al ver sus retratos realizados por Miguel Ángel. Este les contesta: "Dentro de mil años a nadie ha de importar el aspecto de vuestras mercedes".
- Momento cartesiano. Protesta de las Naciones Unidas al cliente Recibir su retrato realizado por Max Libermann. Este contesta: "Su retrato, señor marqués, se le asemeja mucho más de todo cuanto usted Pueda Llegar a asemejarse un sí mismo".
- Momento caricaturesco. Protestas de Gertrude Stein tras ver el retrato que le había realizado Picasso. Este contesta: "No te pongas así, mujer, ahora no te pareces mucho, pero ya te parecerás."
El progresivo triunfo de la caricatura es la victoria progresiva de una forma DISTINTA de entender la pintura, no como la representación de la Idea, ni Centrada en el sujeto representante, ni en El objeto representado. La verdad está en la propia pintura autónoma y soberana. Ya No Es Necesario que haya un parecido entre los modelos y la representación de estos, sino que existe una distancia muy grande. Esta distancia es negativa, es el modelo el que Debe parecerse a la caricatura, como le ocurría por ejemplo una de Michael Jackson. En pocos años la caricatura moderna pasó de ser un instrumento de crítica política una encontrarse comodamente integrada En el ámbito del arte. Para Baudelaire es sorprendente que este arte basado en la caricatura, el mar cómico o divertido, Cuando Debería Producir miedo o compasión. Deducir que esto se Debe A que la caricatura nace de la incongruencia que se crea entre La necesidad de sentirnos superiores y la conciencia de ser inferiores. Llegan Hegel, Baudelaire y a conclusiones parecidas. Pero en sociedades en las que la autoridad una Ciudadanos CONTROLA SUS, la caricatura y lo cómico No tienen espacio donde desarrollarse. En cambio, cuanto más pequeño es el Ámbito del respeto, entendido este como el Sometimiento uno en unas Normas VIRTUD A UNA autoridad no consensuada por los Ciudadanos, más Posibilidades tiene la caricatura para extenderse. De El Ámbito de lo respetable es aquello sobre lo que no tenemos poder de modificación. Los respetos han variado mucho según las épocas y los lugares. En la actualidad no se considera que quede Algún espacio de respeto, pues se considera que todo está bajo nuestra voluntad ". Y a Pesar de que haya cosas que no Controlar PODAMOS, como la muerte, no podemos admitir que así sea. Esa Necesidad que tiene el Ser Humano de Tener la certeza de su omnipotencia, que necesita para seguir viviendo, le lleva obligatoriamente A Un Sentimiento de Superioridad, que no deja lugar para Ningún respeto. Por lo tanto, no queda otro camino, la representación artística para ser verdadera tiene que ser caricaturesca. Y la única Manera de apartarse de ella, es por la vía formal, abstracta, geométrica o de serie, Posibilidades que considera como el autor de insignificantes. Concluye el autor reafirmando que la caricatura se ha CONSTITUIDO como la forma de expresión artística dominante del siglo XX, pues es el medio más Adecuado para mostrar la pretensión de omnipotencia del hombre contemporáneo.
CATÁLOGO
El autor nos presenta un ensayo Destinado a ser el texto del catálogo de la exposición de Jana Sterbak, Así que en el propio catálogo de una exposición nos explica qué es un catálogo. Y Posteriormente es introducido "dicho texto en este diccionario de artes del siglo XXI. Porque no se Puede prescindir de este concepto en dicho diccionario dada su Importancia en la actualidad. Comienza su narración haciendo la Consideración de que la palabra catálogo va unida inexorablemente a las Manifestaciones artísticas actuales. El catálogo, conocido como tal, es muy reciente en el desarrollo de las artes. Pero Aunque sean llamados Así los catálogos actuales catálogos no son realmente. El catálogo es un inventario de cosas o personas que sirve para clasificar ordenar, Organizar. El significado en Grecia de Kata y Logos era el de ordenar para luego Facilitar la búsqueda. En cambio, en la actualidad, el catálogo no tiene como esa búsqueda con finalidad facilitar, sino la de dejar constancia de que ha ocurrido un acontecimiento artístico en un momento de la historia. El catálogo moderno es como el monumentum, la inscripción o la construcción, que antiguamente se utilizaba para que quedara constancia de un suceso, de una hazaña. Era una narración que se organizaba por capítulos para que fuera más comprensible su desarrollo temporal. Así el acontecimiento no Quedaba una merced de la memoria de sus coetáneos, sino que perduraba en el tiempo. En la actualidad en muchas Ocasiones se le da el alcalde Importancia al catálogo que a la propia muestra. El catálogo Se convierte así en el verdadero acontecimiento artístico. Esa demanda de catálogos ha desarrollado bastante la industria relacionada con la producción de éstos. El catálogo en la actualidad ha producido un comportamiento un tanto irracional en el sentido que se explica seguidamente. Las artes y más exactamente, la Visita a museos y exposiciones, se han convertido en un ritual de moda. Y el autor sospecha que si no existiesen los catálogos el número de visitantes se reduciría bastante. Y no es Necesario que los visitantes compren los catálogos, Ni siquiera que los hojeen, solo que con saber existencial a montones y muy caros que son, les ES SUFICIENTE. Entonces el público siente que está en el sitio Adecuado, que ese acontecimiento en el que él participa se ha convertido en un momento histórico, que el catálogo se ha encargado de eternizar, como lo hacian los monumentos en la antigüedad. Y lo mejor de todo es que ESA personas han estado presentes Pueden contarlo y,-yo estuve en la exposición de Velázquez, si esa del catálogo verde tan gordo y tan caro. Para el autor es Evidente que el catálogo aventaja A LOS lienzos de reales, y esto cada vez será más acentuado, hasta que no Haga falta que se organicen exposiciones, sino que con el catálogo Será Suficiente. Con el consiguiente ahorro. Los textos introductorios de un catálogo Tienen como Función Facilitar el Visionado de la exposición, Ayudar A LOS visitantes a disfrutar de la muestra al aportarles alguna información relacionada. Pero no sirven de apoyo a las obras de arte, que MISMAS Deben hablar por sí. Los textos del catálogo no Pueden Mejorar ni cambiar a la obra de arte. Lo qué ocurre es que la actividad artística es cada vez más intelectualizada y el público necesita una ayuda que le Permita Comprender, hasta cierto punto, lo que se le presenta. Pero las obras de arte Tienen su lenguaje y Catálogo Ningún PUEDE DECIR LO QUE ELLAS no saben o no quieren Expresar. En tiempos pasados las obras de arte eran Lo que se veia, al ser representaciones figurativas no necesitaban de catálogos ni explicaciones. Decían exactamente lo que el público veia, y cualquiera podia decir qué era el animal representado y si Estaba mejor o peor conseguido. Pero Aunque el texto explicativo no tan mar Necesario en la representación figurativa, ES NECESARIO Igualmente el catálogo. Pues en el se atestigua que realmente sucedió ese acontecimiento. Y quedan plasmadas las imágenes de ese momento histórico. Es como una foto nuestra delante de las Torres Gemelas, certificaría que no existieron en solitario, sino que yo estuve allí, y Sería un bonito recuerdo. Nos habla de las obras de Jana Sterbak, para las que se ha Hecho este catálogo. Y de qué Después de contemplarlas cada espectador reflexionará y las obras habrán ejercido su efecto. Se pregunta por qué entonces necesitamos un catálogo, y se responde Asi que tenemos la garantía de estar ante obras de arte. Posiblemente También Porque las obras de arte actuales no Tener Pretenden la duración que tenian las representaciones artísticas premodernas, las de ahora son muchas veces efímeras. El catálogo consigue prolongar su Existencia. Por todo lo expuesto anteriormente, existe la Convicción general de que lo perdurable e instructivo es el catálogo. Los grandes catálogos, traen todos los Acontecimientos reseñados, es un libro de historia. Como los monumentos conmemorativos, También el catálogo de fe, de que en un determinado momento en el tiempo y en el espacio se produjo un acontecimiento del que Importante Posiblemente ya nadie recuerda nada. El autor finaliza su exposición con esta frase metafórica: "Aun Cuando ya no podemos hablar con los héroes muertos, bien podemos leer sus nombres en los catálogos fúnebres".
Finalmente este prólogo del catálogo no se utilizo en dicho catálogo, Sino Que Fue sustituído por otro texto del mismo autor.
COLOR
Comienza esta entrada Haciendonos reflexionar sobre la dificultad que se tiene en general para deslindar los colores de sus nombres. Pero es una evidencia que cada cultura Utiliza un nombre distinto, para designar cada uno color. Y no solo eso, sino que para unos el mar tiene color vino, y otros para verde, para otros azul. Los colores son engañosos, y Puede que por eso a la filosofía no le gusten.
Según Brusatin Todos los sabios han desconfiado de los colores, Porque no son estables, y Utilizan los sentidos A su antojo, además de ser Efímeros. Brusatin Concluye afirmando que los colores no son cuerpos, sino figuras. Azúa pone el ejemplo de cómo el color verde es distinto según desde que lugar del mundo se vea, pues la experiencia visual de un ciudadano de la selva no es la misma que la de uno del desierto. Precisión alcalde Buscando en esto de los colores, el autor ACUDE a un Profesional Puede ser como Edgar Degas, por su profesión de pintor. Y nos reproduce un texto del artista, en el que toma una serie de apuntes sobre los colores que observa de un paisaje marítimo, para luego convertirlos en un cuadro. Degas tiene su forma particular de describir los colores, dados por ejemplo. "El Mar como el lomo de una sardiana". ¿Cómo ponernos de Acuerdo sobre los colores?. Se cree que los colores Están ahí afuera, pertenecen a la mesa que vemos, pero esto no es así. Lo que existe son campos energéticos, que nosotros y otros bichos (privilegiados individuos) podemos percibir, sensoriales gracias a nuestros órganos. Luego, el color no está afuera, está Dentro de nosotros. La ciencia ABORDA desde el color de cuatro perspectivas: como pigmento, como luz, como sensación y como información. El color está en La relación entre las cosas y nosotros, es decir, hace falta QUE ESTE El objeto que emite algo nosotros percibimos y lo que. El problema es que es una sensación incomunicable. Para la ciencia el color nos aporta información, que nos sirve para Estructurar el medio en el que vivimos y poder subsistir así. Pero la ciencia no Puede llegar a saber cómo ve el color de cada persona. El Expresar verbalmente la percepción que tiene un Individuo de un color, sirve de poco. Convierte la pintura el color es significado, como la música hace con el sonido, Y así nos libera de la esclavitud Teníamos que con el color.
Seguidamente el autor nos relata Algunas anécdotas sobre el origen de determinados nombres de colores. Nos habla del color amarillo y colores relacionados que adquieren su nombre gracias a los escritos de la medicina clásica. Concluye esta sección sobre el origen de los colores diciéndonos, que realmente no hay colores, sino vicisitudes de los colores Porque cada uno de ellos tiene su propia historia, e INCLUSO los difuntos del heno.
Otro tema es saber si todos vemos el mismo color Cuando miramos a la vez un Objeto. Los colores No existen en la naturaleza como existe el oxígeno. Sino que es La relación entre nuestro Entendimiento y lo que hay. Si soy ciego, no hay colores para mí, como no los hay para el perro. Al Intervenir nuestro propio intelecto Los colores Están cargados de significados secretos porque somos parte de ellos, y no somos un ordenador. El color es una herramienta para la producción de significado, como el habla.
En los tiempos en los que vivimos todo es excesivo, tambien los colores. Se desarrollaron los colorantes químicos y ello trajo consigo infinitos colores. Llegó el cine, la foto y la tele en color. Entonces hubo que Tomar decisiones, cromatismos funcionar Establecer párr. Los tintes electrónicos Están formando a las masas, y estas van adquiriendo, Esfuerzo Ningún pecado ni consciencia, información en forma de colores, que son totalmente distintos uno Los que se percibían hace 40 años. De Wittgenstein en su trabajo "Observaciones sobre los colores", explica que le asombraba que un tema tan ininteligible como el de los colores, hubiera sido tan poco tratado por la filosofía. Sólo Newton o Goethe realizaron trabajos importantes sobre el color. Wittgenstein buscaba Establecer el Estatuto del color. Para él era el color de el mejor ejemplo de su teoría de los juegos lingüísticos.
A lo largo del tiempo, además del enigma del color, ha existido el Temor de color al. Para esto Ilustrar, pone el ejemplo de la vestimenta de los hombres modernos, apenas que Usan el color. Y piensa que esto es DEBIDO AL puritanismo de las sociedades tecnocráticas, que se empeñan en dar aspecto de Severidad. Continúa su argumentación asociando la extinción del color con las sociedades autoritarias. Considera que la represión del color es un efecto de estas sociedades, Porque se tiene miedo a la libertad que trae consigo el color. Ya venia de antiguo la colisión entre los Partidarios de la línea que eran los defensores de la idea, de la concepción intelectual y los Partidarios del color, que eran los defensores de la Pasión. La Mayoría de las obras de arte moderno han prescindido del color. Llevan A su espalda la pesada herencia teórica de la muerte del arte y las múltiples escuelas que han TRABAJADO con instalaciones y otros inventos que pertenecen A UN mundo sin color. A los artistas siempre le han interesado los colores y nos han dejado sus Invenciones cromáticas. Concluye recordándonos Lo que nos dijo al principio de esta entrada, que los colores no son cuerpos, sino figuras. Y que el pintor tiene su propia paleta, con los colores que Crean su mundo, los sin Cuales Carece de interés.
CRÍTICO
Comienza esta entrada Señalando la diferencia EN CUANTO A entre el conocimiento crítico, el Sabio y el profesor ". El sabio estudia la esencia y el fundamento de las cosas y del propio ser. En el arte Trata de averiguar las causas profundas que lo sustentan, y averiguar si es una actividad tan DISTINTA de las demás actividades humanas, como en principio parece. El profesor es más identificable. Tiene un área de conocimiento concreto y muy sólido, pero fuera de esto Suele Tener un conocimiento general sobre todo mediocre, como la Mayoría de los Individuos. El crítico es un personaje distinto A LOS anteriores. Hace pocos años sólo había dos tipos de crítico, el de Toros y el de teatro. En la actualidad hay críticos de todo. Los críticos literarios se dedican en exclusiva a la novela Económicamente Porque es más gratificante para ellos. Así pues, volviendo al concepto de crítico, este tipo, una diferencia del sabio que lo sabe todo y del profesor que sabe algo, no sabe absolutamente nada, pero está informado. Su información se centra en lo real, va dando cuenta de lo que se va Produciendo, es un experto en actualidades. Y valora las obras de arte en Función de su actualidad, si le parece real entonces es buena, si no, entonces es mala. Resulta Así que, lo alabado por la crítica es perecedero, pues solo tiene el valor que le Otorga la actualidad, y lo ignorado por la crítica Puede lo que sea Que tenga permanencia y valor. Y Siendo esto así desde tiempos de Baudelaire, el Hecho de que al final el crítico no aprecia las obras con vocación de inmortalidad, esto no les ha Hecho cambiar su mirada, ni perder el poder que tienen. De Baudelaire se dio cuenta de que la crítica construía el presente y que los críticos Estaban instalados en lo instantáneo. El crítico Mantiene la realidad diaria, que sin él y sin el periodista pasaría desapercibida. Claro está, el presente que ellos muestran es el presente que ellos Deciden Presentar. El crítico es un creador de la nada en una sociedad hambrienta de naderías. Este argumento Posteriormente Fue desarrollado por Kart Graus, Que Fue un gran periodista moderno. Para él, el trabajo del crítico y del periodista Consiste en Presentar la nada, el instante presente, como lo Verdaderamente esencial, obviando la temporalidad y lo real. Pero este vacío lo alimentamos todos, pues es tan responsable como el periodista de El Usuario Dicha información, Que También Se convierte en periodista. En los últimos años los críticos y los periodistas han adquirido un gran poder, esto es señal de que han tenido mucho éxito y ahora son ellos los que Deciden que es arte y que no, que es real y que no.
Cuando acabó la Segunda Guerra Mundial, los Críticos Estadounidenses eran los que hacian la selección de Entre trabajos que eran obras arte Cuales Y CON Importancia no. Los marchantes funcionaban según las instrucciones de los críticos. Entre 1950 y 1960, los críticos elegían las mejores pinturas y su elección con sustentaban artículos elaborados bien. Todo ello Llevaba A que los precios de las pinturas, Estuviera Prácticamente bajo su control y responsabilidad. Un ejemplo del crítico poderoso de aquellos tiempos Fue Clement Greenberg, quien influyo sobremanera en el prestigio y en la cotización de las obras de los formalistas abstractos. Pero Después de los formalistas llegaron los minimalistas, los conceptuales, los Neo-Dada, los instaladores en general y otros movimientos enemigos del mercado, que no Esteban de Acuerdo que con la obra de arte fuera un Objeto de venta. Entre 1960 y 1980, los artistas utilizaron en sus obras un discurso moral de la conciencia occidental y lucharon contra Prácticamente todo menos contra la crítica y el periodismo. Llego el momento en que los críticos y los periodistas se convirtieron en artistas, y Los Artistas También ejercieron como críticos y periodistas, y utilizaron la artística y moral para beneficio propio. En los años ochenta la opulencia había transformado A LOS críticos y periodistas, que habían pasado por el arte conceptual, minimalista, etc La vuelta del mercado del arte, la entrada de dinero y de pintura, propiciado por las obras de los italianos y alemanes neoexpresionistas neofigurativos y, producir un cambio en los Intereses de los críticos, colocándose como directores de galerías y museos. En los años ochenta ya está permitida la compra-venta de obras de arte, Así que los críticos Vuelven a ser los jueces de la Calidad de las obras de arte. Ya para entonces poder Acumulado Tienen tanto que consiguen quedarse con un Porcentaje del pastel, además de ser los protagonistas absolutos en los medios de comunicación. En los años noventa se produce una crisis financiera, que Aún Se mantiene, la Cual es En cierta medida provocada por los críticos, los catálogos y los periodistas. Pero los críticos y periodistas Siguen su camino de gloria. Unos se dedican uno dirigir grandes Consorcios financieros y otros Funcionarios hijo del Estado, y desde este puesto Siguen manipulando el mercado aconsejando en materia cultural y artística al poder político. En la literatura los críticos han seguido las corrientes divulgar por la Universidad.
Las autor concluye el repartiendo culpas al señalarnos que, todos los que leen las críticas de los críticos son los verdaderos críticos, y todos los que leen los periódicos de los periodistas son los verdaderos periodistas, sobre todo si SEE informaciones u opiniones las hacen suyas. Así que el vacío somos Nosotros Mismos, no ellos.
CUADRO
El autor escribe que Normalmente se entiende por arte de la pintura a la pintura cuadros. Pero la pintura Abarca más que los cuadros. Lo que pasa es que el público conoce lo que es la pintura que les muestra el museo y es esta pintura de caballete. El dato histórico es que no Encontramos cuadros antes del siglo XIV, no existe el cuadro autónomo, como lo entendemos hoy. Hasta entonces la pintura se realizaba en los muros de los templos o en las páginas de los libros. La pintura era subsidiaria de la Arquitectura y del libro. Entre los siglos XIV y XVI, la pintura de caballete consigue su autonomía e independencia gracias a Convertirse en un artículo de fácil Trasiego.
El autor transcribe un texto de Francastel muy esclarecedor. Entre otras cosas explica: "A comienzos del siglo XVI ya Se observan en Venecia Algunas colecciones privadas de pintura, en tanto que Durante todo el siglo XV la pintura Aún cumplía con su papel tradicional de decoración ... Mientras la pintura se mantuvo atada al lugar de su destino en la mentalidad general, nadie Pudo pensar Qué podría cambiar de lugar, y, por lo tanto, la circular de mano en mano. Pero a partir del momento en que se concibe el cuadro como un valor en sí, independiente del lugar donde se Encuentre, Comercialización su época no sólo posible sino inevitable ". Según el autor anteriormente referido, la pintura alcanzo su autonomía y libertad en una época muy reciente, y las Consecuencias de ello han sido Inmensas.
Según Azúa, el arte de la pintura Fundamentalmente es el arte de la luz. Y sus resultados son independientes Prácticamente al soporte que se UTILICE. La tela preparada para Recibir al óleo se popularizó más tarde y Difusión mucha consiguió.
La pintura en primer lugar utilizo el muro de piedra como soporte para sus pigmentos. Luego, Durante mucho tiempo, utilizo la madera como soporte. Pero doto a la madera de un protagonismo en forma de retablo, le costaba abandonar su herencia de estar ubicada en los templos, por ello pintaba en un armazón de madera que Parecía una reproducción del templo. Posteriormente Renunció A su pasado, se desprendió de la arquitectura y Libremente comienzo su Andadura como pintura de caballete. De El Renacimiento consideraba al cuadro un pedazo de mundo visible que se colocaba en el interior de una habitación. Y ese pedazo de mundo, imagen Hecho, enmarcado y separado del resto de objetos de la estancia, cinta leyes de construcción o de composición Propias, independientes de la edificación en la que se alojaba. En ese momento la pintura había adquirido la autonomía plena. El autor se pregunta por qué la pintura Tenía que ser autónoma, qué había Justificación Para que se alejara de soportes más grandiosos y monumentales. Parece ser que estas preguntas no han sido respondidas convenientemente. Pero lo que si parece haber ocurrido es que la Independencia de la pintura, Cuando Se convierte en cuadro, la llevo Rápidamente A su propia destrucción.
La pintura había obtenido su libertad, y se dedico a recorrer su camino histórico, pero lo recorrió cuatro o cinco veces, y ya se quedó perdida. Y si nos pReGuNTaMoS para qué la pintura recorrió ese camino hacia la nada, la respuesta es para saber. Como dice perfectamente el autor: "Entre 1300 y 1900, el arte de la pintura se consumen en una brillante explosión (o, más bien, mal); Un viaje por el laberinto de su propia esencia que arranca con los apolíneos Ciudadanos de la Toscana Retrocediendo hasta Grecia en busca de la verdadera pintura, y acaba en los desdichados sujetos de Goya fusilados Frente a un fanal, como si la última Justificación de la pintura fuera Prestar un testimonio histórico para el que no está acondicionada, pero sí bien iluminada ".
Después de los movimientos de Goya Dentro de la historia de la pintura se aceleraron, y han cogido tal velocidad, que en los últimos cuarenta años la pintura ha repetido cien o Doscientas veces el mismo camino. Algunos artistas como Picasso o Stravinski han recorrido ellos solos de la historia muchas veces. Pero ahora en la actualidad, la pintura se ha gripado por exceso de velocidad. La pintura de caballete, en su camino hacia la Autonomía y motivada por su ansia de poder, quiso También separarse del lenguaje. Desprecio el cierre del cuadro y se apropió de los muros que la circunscribían. Y subida a su pedestal de poder, el cuadro dominó al espacio arquitectónico, determinando Sus Propias Leyes, y construyéndolo como a la pintura le interesaba, lejos de toda representación Mimetica. Esta revolución Comenzó de manos de los fundadores de la abstracción pictórica, y se consolidó con la aportación de los CONSTRUCTIVISTAS rusos y la Bauhaus de 1920 a 1930. Estos eran unos movimientos dirigidos a la Destrucción de la pintura como se había entendido hasta entonces. La pintura Tenía que trabajar para los programas de producción industrial de masas y olvidar su pasado romántico. El último camino que ha tomado la pintura es el de las actuales actuaciones, instalaciones y environnements. Estas son posesiones Escenograficas del espacio arquitectónico. Y Aunque la pintura no ha Podido ejercer su dominio, ha conseguido destruir el dominio ajeno. Pero el autor no cree qué este todo acabado, piensa que si alguna vez vuelve la pintura a Unirse a un discurso que la justifique y le dé sentido, entonces Puede que la pintura recupere su espacio que no es otro que el de la Luz.
ESCULTURA
El autor comienza con esta entrada la pregunta que Se hizo Baudelaire en su Salón de 1846, pregunta por qué es esta época tan aburrida la escultura. Esta incógnita se producen Porque en aquellos tiempos la escultura se encontraba enferma de muerte. Gracias al escultor Rodin se alargó algo más la vida de la escultura que Parecía Agonizante A mediados del siglo XIX. Para Baudelaire, la escultura que es anterior a la pintura, es un arte más simple y más Difícil que la pintura. Porque más simple la escultura Puede Representar la realidad en sus dimensiones MISMAS, por Lo Que Puede Dar Lugar a equívocos, como por ejemplo confundir una escultura con algo de la vida cotidiana, Como puede ser una silla. Esto No Puede pasarle a la pintura, ella Porque transformación las tres dimensiones en dos que hace y nos demos cuenta perfectamente de que el extranjero es la realidad. Puede que sea tan Mimetica que parezca una fotografía, Pero no puede prescindir de sus dos dimensiones. Por esto, lo que necesita pintado El Espectador Tenga cierto grado de educación visual, en cambio la escultura no lo necesita tanto. Los escultores modernos se han querido separar de la mimesis y para ello han tratado de realizar esculturas que no imitan nada, pero al hacer esto han cogido el mismo camino de la pintura, y sin Darse cuenta se han convertido en rivales de ella. Por otro lado, la pintura se ha liberado de su marco, y se ha expandido por todo el Espacio a conveniencia, instalaciones presentando, environnements y Manifestaciones similares. Asi que la escultura ha imitado a la pintura y la pintura a la escultura, y hemos llegado en la actualidad A UNA mezcla que no acaba de satisfacernos. Otro tema es que la escultura una diferencia de la pintura, no tiene un punto de vista fijo. El observador mira la escultura desde la Posición que quiera. Por ello, el escultor No Puede Controlar la imagen que le llega al espectador. Además un cambio en la luz que ilumina a la escultura Puede modificar bastante el efecto deseado por el escultor. Concluyendo, el escultor no tiene tanto control sobre su obra como el pintor. A pesar de ello los escultores modernos han intentado imponer su punto de vista como hacen los pintores. Esta ha sido una Reivindicación de la escultura del siglo XX. Pero los espectadores se dan cuenta de que esa imposición de la escultura y no les gusta. Ellos quieren ser libres para mirar la escultura como estimen oportuno, y no les como el escultor dictamine. Al principio la escultura Exenta Autónoma época y, Así era Cuando las tribus primitivas utilizaban para la Representar una criaturas divinas y diabólicas. Posteriormente le pasó como a la pintura, se sometió a las conveniencias de la arquitectura, y Estaba Ligada a esta. Pero en sus últimos tiempos la escultura se independiza y vuelve a sus orígenes de Escultura Exenta. Pero ahora no sabe Como utilizar su libertad. No está hecha para adornar una habitación cualquiera. Así que finalmente, se hace totalmente dependiente de la administración pública y de los Organismos Financieros que son los que controlan los grandes espacios donde Puede ubicarse.
Nos comenta Félix de Azúa, que le sorprende que llegara un Baudelaire Los Mismos tres elementos de la escultura que Hegel explicaba en sus lecciones de estética filosófica. Baudelaire comprendió como Hegel, Cuál era la esencia del problema de la escultura. Este, que era la escultura de la época había llegado un ser aburrida DEBIDO A que había querido ser como la pintura y al imitarla había Renunciado a ser Ella misma. Y la falta de espacio donde colocarse había agravado el problema. Baudelaire piensa que el escultor moderno ha abandonado la mimesis, Tratando de exteriorizar su propia subjetividad e imponiendo su propio punto de vista. Y de todo esto no hemos obtenido nada mejor que el aburrimiento. En Algunos casos, la escultura nos reales Puede recordar al primitivo nos Tótem y producir nostalgia, pero esto está bien lejos de la CARIATIDE o del guerrero gótico. Y Ni siquiera se acerca a Rodin, quien Pinceladas dando esculpió, aproximando al máximo la escultura a la pintura, Y así alargó la vida agonizante de la escultura que había perdido su espacio. Y en los últimos años la escultura sigue con su agonía. Después de Rodin, LLEGÓ Picasso, que Abrio el horizonte de la escultura. Porque Posiblemente no buscaba nada, le importaba poco la escultura, no Tenía que Demostrar nada. Picasso revolucionó la escultura sin dificultad, Porque su pintura envidiaba la Tridimensionalidad, su mente funcionaba como un escultor Cuando pintaba. Rodin esculpió una Pinceladas como pintando y Picasso pintó un martillazos como Esculpiendo. Entre ambos ampliaron la débil vida de la escultura.
Féliz de Azúa concluye con la esperanza de que la escultura regrese A su espacio natural, y otra vez se produzca la unión entre ella y la arquitectura, y de nuevo Será impensable que un espacio arquitectónico no vaya junto a un programa escultórico. Y esto ocurrirá Aunque Sea Necesario que los escultores Que tengan Reinventar la arquitectura.
ESPECTÁCULO
El concepto de "sociedad del espectáculo" Comenzó a utilizarse en 1967, gracias a Guy Debord, que era el jefe de la Internacional Situacionista. Esta era una organización de artistas e intelectuales de extrema izquierda revolucionaria que actúo en Francia e Italia hasta los años setenta, entre Cuyos Principales objetivos estaba el de acabar con la sociedad de clases en tanto que sistema opresivo y el de Combatir el sistema ideológico contemporáneo de La civilización occidental. La sociedad del espectáculo era la hipótesis artística más radical del Fin de Siglo. En un ensayo de 1967 de Guy Debord, titulado "La sociedad del espectáculo", consideraba a las Naciones postindustriales en su Totalidad, como verdaderas obras de arte, con la calidad más degenerada y baja, eran obras de entretenimiento y diversión de lo más cutre . El espectáculo que exhiben es "el reino autocrático de la economía de mercado, una vez ha accedido al estatuto de soberanía irresponsable, junto con las nuevas técnicas de gobierno que acompañan A su Reinado." Se Refiere a la Irresponsabilidad EN CUANTO A que no hay Mecanismos Capaces de exigir responsabilidad alguna uno los que dominan el mercado. El totalitarismo de mercado sin ninguna PADECE DE Oposición, por ello Puede exponerse a si mismo Limitación espectacularmente el pecado y, no hay ninguna voz que lo desacredite. Resulta como por arte de magia, que todo lo que la sociedad del espectáculo presenta, es verdadero, Necesario y bueno, y consigue este privilegio por el mero Hecho de haber sido presentado. Y si se presenta alguien, que hay descontento con lo que, reformarlo pretende, Será este apartado de los medios de formación de masas, y si no Encuentran Otra Manera de callarlo INCLUSO Será eliminado fÃsicamente.
Lo que Guy Debord llamaba "lo espectacular integrado", se había expandido ya en los años ochenta, realizándose con toda perfección en Italia y Francia. España, posteriormente, en los años noventa, También Participó ACTIVAMENTE en su espectáculo integrado. El momento es integrante de aquel en el que, "dejando aparte Aún una herencia considerable, pero Destinada a reducirse Irremediablemente, de libros y edificios antiguos (los cuales, sin embargo, cada vez son mas seleccionados y puestos en la perspectiva que mejor Conviene al espectáculo ), ya no existe nada, ni en la cultura ni en la naturaleza, que no haya sido transformado y según los medios polucionado e Intereses de la industria. INCLUSO la genética ya es accesible una PLENAMENTE Dominantes las Fuerzas de la sociedad. "
España ya ha alcanzado su espectáculo integral, con su propia idiosincrasia que presenta en su versión caricaturesca pero que funciona de forma Efectiva. En el espectáculo integral, lo que es lo falso Aparece y desaparece lo verdadero. Lo falso Se convierte en lo único verdadero DEBIDO A que todo lo demás desaparece. Se Aísla todo de la verdad, formándose un circuito cerrado de informaciones falsas y ocultadoras de la verdad, que al no ni Tener réplica comprobación posible, Parecen verdaderas. La historia va perdiendo su entidad, al ser sustituida por presentes puros que van desapareciendo sin dejar el más mínimo vestigio. También El pasado desaparece, convirtiéndose en ahistórico, E INCLUSO nuestra historia reciente desaparece. En este estado de cosas, todo lo que se nos muestra es arte y todo ese arte es verdadero. La sociedad ha llegado Alcanzar un momento estelar de su máxima artisticidad, y en la cumbre de su falsedad es imposible de Comprobar que la verdad es otra. La única salvación Estaría en la comprobación o reprobación del mediático personal, pero este no está DISPUESTO A comprometerse en semejante, utopía.
"La avalancha de idioteces que se lanzan espectacularmente sólo Podría ser criticada por los Mediáticos Mediante respetuosas rectificaciones o protestas, pero no Suele suceder Así ya que, además de su extrema ignorancia, por solidaridad de oficio y con su alma de la autoridad general del espectáculo ( y la sociedad en el que se Expresa), Los Mediáticos Se sienten en la Obligación, para ellos Extremadamente placentera, de no apartarse ni un milímetro de una autoridad Cuya majestad ha de Mantenerse siempre a salvo. "Pone como ejemplo de la información sesgada la información metereológica que se da en una base de Intereses económicos, Produciendo INCLUSO muertos por la falta de previsión Debida a la falta de veracidad de la información.
En estas sociedades donde la información está sesgada, donde se oculta la verdad, donde su modelo administrativo es el de la mafia, el arte ha alcanzado su máxima racionalidad: El valor artístico es totalmente objetivo, lo fija la venta y punto. El trabajo de los artistas no ha acabado en nuestros tiempos, ahora los artistas se han convertido en Policías, Deciden quien es artista y quien no, señalan o A LOS CIUDADANOS que no les gusta las obras de arte que ellos hacen. Y esto Porque muchos de ellos se han convertido en galeristas, críticos, presentadores, y un etcétera de personas con poder mediático. Su Misión es Mantener el Orden Establecido en y del arte.
En el mundo en el que vivimos estamos rodeados de falsificación. Compramos cosas de calidad RESULTAN que ser un engaño. Y esto Ocurre También en el arte. El arte de vanguardia Se convierte en la falsificación del arte por ausencia de un verdadero arte. Así la falsificación generalizada lo Convierte todo en arte. Simultaneamente al desarrollo de la sociedad del espectáculo crece un sistema de autodestrucción, Cómo ocurre en todas las mafias, Porque los Mecanismos de renovación consisten en la liquidación física del jefe o de los Organismos Controlados por ellos. Es por ello que entramos en un periodo histórico de extrema violencia.
Figurativo
El autor define lo figurativo como la Característica qué tienen las representaciones, sean pintura, escultura o Cualquier otra, qué consiste en mostrar figuras reconocibles por nosotros, seres hijo porque, Fenómenos O, qué podemos encontrar en los diccionarios, lo que quiere decir que conocemos o podemos conocer su concepto. Representar Es imposible figurativamente Lo que no se encuentra en los diccionarios. Así aumento de la pintura no figurativa, como lo opuesto a lo figurativo. La representación no figurativa es la que muestra algo que está fuera de los diccionarios. Dentro de lo no figurativo podemos encontrar obras de gran racionalidad, como Podrían ser las obras que Utilizan la geometría, pero También hay obras sin racionalidad, como las pinturas de Tàpies y Pollock. Con este arte no figurativo No se Pueden Utilizar los Criterios con los que hasta hace muy poco se analizaban las obras de arte. Si partimos de la base de muy simplificadora, de que la pintura figurativa es racional y la no figurativa es irracional, esto trae como consecuencia que la gente en general, un relacione la pintura no figurativa con los instintos, las Pulsiones, las pasiones y la animalidad. En el otro extremo Estaría la representación figurativa, Que sería percibida como una manifestación inteligente, seria un arte totalmente humano y no superior al arte figurativo. Es innegable la Existencia de una profunda racionalidad e intelectualidad en las obras de los maestros Figurativos. Esto es llamativo Más aún si comparamos con la intelectualidad Pueda que desprenderse de las obras de los maestros no Figurativos, Porque en sus obras quieren dar la impresión de que Trabajan MANERA DE inconsciente, y la racionalidad Tener Pueda que su obra se hace voluntariamente imperceptible. La racionalidad, la filosofía y la Justificación del trabajo no figurativo, Se encuentran fuera del Objeto Artístico. Para ejemplificar todo esto, pone como ejemplo por el lado de la figuración un Piero Della Francesca, Rembrandt, Goya, Grünewald, y por el lado del arte no figurativo un Schwitters, Fontana, Rothko o Fautrier. La gente finalmente Asocia la agitación, las pasiones y El Esfuerzo físico con los artistas no Figurativos, que Trabajan dirigidos por sus instintos de los animales y su energía. Frente a ellos se situarían los Figurativos, Prudentes seri que artistas, intelectuales, racionales, Controlados, fríos y emocionales poco. Esta opinión no pasa de ser un tópico que expresado por el populacho no Importancia Tiene mucha, pero que es totalmente impropio entre personas con Cierta cultura. Asociar las pasiones desenfrenadas artista con el Incapaz de materializar en una obra de arte sus emociones y juicios, asociar la no figuración con la incapacidad de un artista de dar forma intelectiva A sus ideas, emociones y juicios, al autor le Resulta intolerable. Y argumentar todo esto presentando una carencia como una Riqueza es absurdo, una carencia es una carencia. La tesis de la pasión corporal presente en el artista que Realiza la representación no figurativa frente a la figurativa, es un argumento sin base, pues la pasión se encuentra en la representación figurativa, INCLUSO Con más fuerza que en la no figurativa, prueba de ello La Encontramos en el expresionismo, Aunque la historia está repleta de ejemplos. Lo importante en todo esto, es que la Derrame emocional que mueve el estado psicológico del artista Mientras producir su obra, está al margen de la obra de arte que se OBTIENE finalmente. El autor llega a la conclusión de que, el Dedicarse a estudiar El proceso psicológico del artista no es un método válido para la comprensión de una obra de arte. Una obra de arte Cuando realmente lo es, trae tras de sí el trabajo realizado por un cuerpo, con sus pasiones y sus Pulsiones, no Realiza la una máquina sin emociones. La razón y el intelecto ponen el horizonte de la figura. Como bien dice Félix de Azúa: "Sólo los artistas fundadores son Capaces de incluir el horizonte como de Oriente su Creación, de modo que el cuerpo Encuentre un Punto de Fuga". Pero del resto, unos con aproximarse a la figura más o menos, se dan por satisfechos, Utilizan alguna pasión corporales Que tengan a mano. Otros se sienten impotentes para reproducir sus ideas y concluir la obra con la decencia. Puede tomar el artista, de forma voluntaria, la Decisión razonada de Renunciar a la figura. Y para el autor esto Sería un rasgo indudable de escepticismo intelectual y lírica poquedad. Piensa que es posible que la Mayoría de las producciones artísticas se hayan resignado a ello y la época Tenga el orgullo de sus Debilidades. Finaliza indicándonos que De la misma manera SE PUEDE argumentar sobre la poesía, Aunque Sería un poco más complejo. Nos llama la atención sobre que ha sido precisamente la Resignación a perder la figura en la poesía, lo que ha producido un eco no figurativo en las restantes artes. Concluye indicándonos que hay Igual que una envidia de la pintura en la escultura, TAMBIEN HAY una envidia de la música en la literatura.
FORMA
Le preguntaron su opinión sobre un David Sargent Van Gogh, y este respondió que admiraba Algunas de sus obras Porque "son las únicas en las que reconozco la verdadera forma del color amarillo". Pero el autor del diccionario dice que un color ni es una forma ni tiene forma, Porque no podemos percibir una forma oscuro su pecado, el contenido, el amarillo y no tiene más contenido que el amarillo. Aunque los Distintos matices del amarillo formas Podrían ser, Porque su propia matización Podría ser su contenido. Lo que Sargent reconocía en el amarillo de Van Gogh era de su contenido. Así que si cada uno de los matices del amarillo es una forma de amarillo, esto quieres decir que hay infinitas formas de amarillo. Para que una forma de mar forma ES NECESARIO Que tenga un contenido. Se ha tratado mucho el tema de la retinalidad en el análisis de las obras de arte, defendiendo esta postura. Este análisis sólo estudiaba la forma y obviaba Cualquier análisis de contenido. Pero esta indiferencia hacia el contenido es una postura idealista. La forma encierra siempre en la visión de la ONU contenido. Y el contenido trae consigo una forma. Se producen Un hecho inevitable Cuando alguien RECONOCE una forma, pues INMEDIATAMENTE está reflexionando sobre un contenido. Y si alguien concibe un contenido, está dándole una forma. Una pintura en la que se PUEDAN separar por una parte la superficie y otra por el estilo de las ideas y conceptos es una pintura que no se comprende, o que es una obra mala. La superficie sólo Puede comprenderse como contenido, los conceptos y no Pueden ser otra cosa que las formas. Existe un malentendido sobre la palabra forma y esto es DEBIDO A UN problema de traducción. El lenguaje filosófico que utilizamos es en parte una traducción de galilea y es parte del alemán. Pero la tradición griega y alemana del concepto de forma es totalmente diferente. El problema es que los traductores han traducido las palabras, en vez de los conceptos, y el concepto de forma, según venga de la tradición griega o de la alemana, referencia hace a Distintas cosas. En la época arcaica el término eidos, que traducimos como idea, había significado todo lo contrario a lo que nosotros entendemos por idea. Después de la enseñanza de Platón, la forma es el eidos, es la idea o esencia invisible de un Objeto, y es ella la que le hace ser lo que es Porque es aquello que permanece. Frente a la forma o materia Estaría su idea, la Cual es visible Evidente y, la participación de innumerables formas y se destruye con el tiempo. La forma Podría ser la gallina como concepto general, pero mi Pepa es una gallina en particular, y es mortal, y Cuando muera Seguirá existiendo la forma, la idea de gallina. Asi que desde Platón, la forma es lo permanente. La forma es intangible e invisible, como ente perfecto eidético que es. Las materias primas todas son visibles y tangibles. Para un alemán, en cambio, hijo Estos Distintos conceptos. La forma no es lo oculto e intelectual y permanente, sino que es lo Evidente y externo, igualmente Aunque permanente y opuesto al concepto contenido o materia internos. Y Aunque el contenido Pueda parecer más oculto que la materia, por tanto contenido como materia Están ocultos, aunque de forma diferente. Los sentidos engañados Pueden ser, por la Invisibilidad de la materia. Se produce un malentendido En Estos conceptos alemanes por la proximidad conceptual entre la materia y el contenido. El autor pone el ejemplo de un libro encuadernado. Al hablar de su materia podemos decir que es la tela, el papel y la tinta, pero También podemos decir que su materia es de Lo Que Trata el libro, por ejemplo la filosofía del arte. Además de todo esto, los alemanes Tienen una segunda acepción de la palabra forma, es la Gestalt, la Cual no es lo opuesto al contenido, sino que es la forma concreta de un Objeto singular, pera esta por ejemplo. Con la palabra Materia A veces nos referimos al contenido, Cuando La materia interna e invisible se hace Aún más sutil e intelectiva, entonces nos estamos refiriendo al tema, al asunto o al objeto. Pone por ejemplo, Cuando decimos algo como que el tema de tal libro es la soledad de los Héroes. Y En Estos casos podemos Utilizar También la palabra materia, sin que hayamos cambiado el significado de lo que queremos Expresar. Otro contenido que Utilizan los alemanes es el llamado Gehalt, que está Más aún la ONUDI en una forma que una Inhalt y casi inseparables de ella.
Y tras haber analizable el término de forma, y haber comprobado que la lengua española ha tenido que traducir Organizar y una serie de términos griegos y alemanes, cada uno de los Cuales señala a lugares Distintos Con el mismo topónimo, el autor de este libro se hace una serie de preguntas. Reflexiona sobre que significa una pintura formalista, A qué se refieren los críticos Cuando hablan de una pintura matérica, qué quieren decir Ciertos pintores Cuando explican que Están muy INTERESADOS por los materiales, y finalmente que es exactamente eso del puro formalismo.
GALERÍA DE ARTE
El autor comienza Utilizando el término francés "se produire" para referirse A que en las galerías de arte se Presentan las obras de arte, pero tambien se Crean. Y esto último es lo novedoso, el que las obras de arte Necesitan de la galería para surgir como cuentos. Durante mucho tiempo, las obras de arte se han producido en los talleres y en los estudios, pero en la época moderna, y DEBIDO a la dificultad para Establecer si algo es una obra de arte o no lo es, existir Dentro de una galería es la garantía de que sí es arte. Para ilustrarnos La importancia que tiene la galería para que una obra ADOPTE La gloria de ser arte, pone el ejemplo de una exposición organizada por los estudiantes de la Universidad de Barcelona, en solidaridad con los presos del sindicato ilegal de estudiantes. En ella un conocido artista catalán presto una de sus piezas, la Cual consistía en un montón de platos de loza blanca sobre un asiento de paja. La obra se fue deteriorando, Porque los de la limpieza se confundieron, se rompieron platos, etc Los estudiantes llamaban al artista para que este les Diera las indicaciones sobre como ir reponiendo los desperfectos, y de cómo colocarlo todo. Los chicos iban arreglando la obra, y esta se iba Modificando paulatinamente. Después de muchas llamadas, el artista finalmente se presento y rehizo su obra. El artista consiguió que la obra fuera Idéntica a la que se había inaugurado en la exposición. Se había producido un milagro de transustanciación. Esto dio lugar A que Algunos estudiantes comenzaran una Hacerse preguntas acerca de la naturaleza del arte y de la aparición de las obras de arte Cuando la luz, el tiempo y el espacio se ponen de Acuerdo y se aclaran. Ocurre igual con mucha música real, como la de John Cage, la Cual sólo adquiere la Consideración de obra de arte musical si se da en la sala de conciertos. Ocurre esto mismo con buena parte de la literatura que toma su identidad artística de la colección en la que se publica o de los medios que la reproducen. Pero Aunque otras artes PARTICIPAN DE ESTA Necesidad de un lugar propicio, la que más Depende de esto es sin duda el arte plástico. Porque Podría pasar, que si desaparecieran las galerías de arte, ya no sabríamos diferenciar entre qué es una obra de arte y lo qué no lo es. A las galerías se les Pueden sumar los museos, Estos espacios donde son También Surgen las obras de arte. Pero siempre que sean museos con actividades de exposición, es decir, museos vivos donde se exhiban producciones de artistas recientes. Por que si solo exponencialmente obras de la Historia del Arte, entonces son solo depósitos documentales. Seguidamente, ejemplifica su argumentación con una raspa de sardina colgada de una cuerda. Raspa Esta es solo una raspa En cualquier sitio, excepto en la galería de arte, allí se transforma en una obra de arte. Este es un fenómeno exclusivo de la era moderna, tardomoderna, o posmoderna, como queramos llamarla. Sin embargo no arte todo aquello que Aparece como obra de arte en la galería de arte permanece como Posteriormente. La obra de arte existe Cuando se produce una Relación entre la obra y el sujeto y se producen en este una experiencia estética, o como suceso en la cadena de acontecimientos que provoca. Por estos motivos, mucho de lo que en la galería de arte es obra de arte, deja de serlo en cuanto se clausura la exposición. Numerosas obras se apagan lentamente en despachos. Otras muchas, que salen de la galería con un destino Una relación permanente de contemplación, acaban en un comedor como algo decorativo o son reducidas un mero Objeto Especulativo. El lugar donde Puede aparecer la obra de arte es determinante. Los espacios Pueden ser portátiles, como los ha definido Vila Matas, espacios que se trasladan allí es donde tiene lugar la relación. Porque toda Relación estética precisa de un lugar. Nos pone el ejemplo de muchos Iconos rusos que vivian en oscuros rincones de Iglesias, el hijo que ahora ornamentos decorativos de personas adineradas, que no le ven su trasfondo. Pero cabe la Posibilidad de que los AEE personas pudientes Tengan un sirviente que mire el icono con Distintos ojos, e inclinan la cabeza al pasar delante del icono. El caso más extraordinario es el del llamado arte primitivo o salvaje que se puso en circulación por Algunos estetas de principio de siglo, entre los que estaba el magnifico Picasso. Se Pudo de moda que figuras de arte salvaje decoraran salones de diplomáticos y otros potentados, que desconocían el significado de Posiblemente Dichas imágenes. Y se podia dar el caso de que si era invitado Algún nativo del País de donde era originaria la imagen, vitado Podría producirle una reacción que el resto de los invitados sorprendería. A veces, visitando alguna galería de arte, se Llega a sospechar que Pueda estar TENIENDO lugar un suceso similar. Los lugares de aparición de la obra de arte determinan por completo lo aparecido. Finaliza comentando Que no se puede Impedir que cada uno se invente o se Find Con un espacio de aparición propio y al mismo tiempo universal, como podría ser por ejemplo una fuente.
HISTORIA
Las artes Durante mucho tiempo Fueron actividades artesanales, con un sentido comunitario y un significado muy claro. Pero Con el tiempo, Fueron dejando de ser artesanales, Fueron perdiendo su sentido comunitario y su significado se fue haciendo cada vez más reservado y secreto. Entonces hubo que inventar nuevas justificaciones y nuevos usos para las artes y sus objetos. Para Ilustrar este argumento, el autor pone el ejemplo de un retablo de la Virgen y el Niño, pintado y Expuesto Sobre el altar de una iglesia, en el siglo XIII. Esta obra no Necesitaba explicaciones para ser entendida, su significado Evidente era. Y si había que Aclarar algo, era por temas de indol externa a la obra, ajenos a la pintura oa la escultura, como podían ser la identidad de algun personaje o algo por el estilo. Sin embargo, pasados unos años, las obras de arte no eran ya tan évidentes. Todo lo contrario, requerían una explicación. Su significado oculto Parecía A Los Ojos del público, y solo unos Pocos privilegiados podian percatarse de lo que la obra mostraba. Toma el ejemplo como autor, una obra de Giorgione, TITULADA "La tempestad", en la que entran en juego temas metafísicos planteados por neoplatónicos, que evidentemente desconocía el público en general. Todavía hoy se duda sobre quién es quién en esta obra. El secreto de Giorgione desapareció tras su muerte. Pero eso no es óbice para que los signos que componen la pintura se dispongan de tal forma que animen al juego del acertijo. Pero todos Estos jeroglíficos hacen Necesaria La aparición de los expertos. Mientras el arte se utilizo una con finalidad religiosa, o para el recuerdo, oa las Órdenes de la autoridad, o para el ornato, o cosas similares, no hacian falta los interpretes. Pero Cuando La obra de arte Comenzó a ser la plasmación de una idea, de un concepto, de una composición, de un pensamiento subjetivo, Cuando la obra se convirtió en una proyección del sujeto, es un signo del genio, y en otros modos Semejantes , Fue nuevas ineludible buscarle justificaciones y dotarle de un cuerpo de especialistas que las garantizaran. Considera el autor como un Petrarca uno de los primeros Expertos en Seriamente tomar sobre sí mismo la responsabilidad de justificar las obras de arte. Para él las obras de arte eran documentos históricos, lo que suponía un cambio radical en la forma en que hasta entonces se había entendido el arte. Hasta esos momentos no había sido Necesario Tener en cuenta ninguna Función adicional A que la ya poseía, no se requería otro valor añadido, la obra de arte por sí Misma era algo valioso y no había Necesitado Ningún apoyo. Pero Petrarca, como vislumbrando que alguien Pudiera argumentar que las obras de arte carecían de valor, que era Consideró Necesario añadir un beneficio más pragmático. Y ese beneficio extra, era La importancia documental de muchas obras de arte, que con su representación perpetuaban sucesos históricos y personajes importantes. Petrarca ilustró esta Importancia documental con un retrato del emperador Augusto realizado por Gordiano el Joven, como así con medallas conmemorativas y monedas. El Considerar a las artes como documentos históricos se generalizó rápidamente. Una única partir de Voltaire Las Artes Tienen casi la utilidad de servir como ilustraciones de los sucesos que ocurren en cada época histórica. Winckelmenn Hegel y acabaron con el concepto clásico de las artes afirmando que, los objetos artísticos son puro tiempo histórico Petrificado, pintado, sonorizado o verbalizado. Dentro de este nuevo concepto de arte, el Cometido de los artistas es dar testimonio histórico de su sociedad. Los artistas modernos primero se Hicieron nacionalistas, luego se dedicaron una montar movimientos, escuelas y vanguardias, es decir, documentos históricos y sociológicos. Pero al convertir a las Artes en historiadoras, que materializan el tiempo dando testimonio de cada época histórica, los artistas se convierten en periodistas, Aunque sus periódicos son muy caros. Y esto escandaliza, Porque las artes nacieron al margen del tiempo, con vocación de eternidad, ahistóricas, atemporales. Su Misión no era Generar recuerdos fotográficos, sino la memoria de lo olvidado, de lo oculto, de lo perdurable y de lo originario. Para ellas lo importante no es lo que fue, sino lo que no es, ni ha sido, pero Que puede ser que el mar alguna vez. Las artes Están resguardadas en el pasado, pero VIVEN eternamente sobre el presente. Y cuándo un artista Puede Obviar las explicaciones, Porque su obra lo dice todo, entonces Tambien puede prescindir de la Historia, y es de esto de lo que nos habla el arte. Pone el ejemplo de Cézanne, que no necesita intérpretes Porque como bien Expresa Félix de Azúa, "en él no se Expresa un sujeto, ni una Nación, ni un concepto, sino que se desocultan unas Bañistas, el monte Sainte-Victoire, Determinado matiz del de color naranja, la luz de mediodía en verano, el olor de la resina de pino, y un montón de cosas más que no dependencias, en absoluto, de Cézanne ".
INSPIRACIÓN
El autor considera que alguien está inspirado Cuando consigue un nivel de habilidad inusual y sorprendente. La inspiración Puede Ayudar a realizar sobresalientemente Cualquier actividad. La inspiración es una gracia que Cualquiera puede Recibir de unas Divinidades llamadas Musas. En la época cristiana las Musas se transformaron en Las diferentes vírgenes. La inspiración viene de fuera, del mundo y nunca se agota. Por lo que el autor de una obra de arte no es su creador, sino sólo el técnico responsable. Aparece la obra gracias a la habilidad de un técnico inspirado. Pero esta forma de entender la inspiración no es una visión mística, ni religiosa. Pretende El autor exponer una Posición positiva y pragmática. Lo de fuera, desde donde se origina la inspiración, está compuesto por todo lo existente. Y lo más Difícil del Proceso es pensar su la simultaneidad, su aparecer mutuo. Las Musas inspiran a lo que hoy llamamos artes ya lo que llamamos técnicas, las Cuales Únicamente se diferencian de las Artes en su finalidad. Ambas acciones, las técnicas y las artísticas, actuan sobre la exterioridad en forma de trabajo o mano de obra y ponen al descubierto cosas del mundo que hasta entonces habían permanecido ignoradas, olvidadas y ocultas. La inspiración Sería el dictado externo que mueve A LOS humanos a buscar Distintos elementos, Como puede ser un color, o un sonido, o una palabra, o un utensilio. Pero para esto, es Necesario unas técnicas plurales y muy Precisas de rastreo e investigación, esto es, que para que venga la inspiración conocer que hay Profundamente Lo que se está haciendo y estar en ello. El historiador en su Afán de Reconstruir Algún episodio histórico, busca en el pasado pruebas de documentos y de algun suceso, Así construye la memoria del pasado. En cambio, Cuando Las Musas dictan algo, no inspiran la memoria de Ningún pasado, sino la del presente. De Las Musas actuan en el presente, el hijo de la memoria del presente, Porque la mano de obra inspirada por las Musas hace aparecer en todo momento el presente. El presente Continuamente está cambiando y los trabajos realizados una merced de las Musas sin descanso tienen. No hay un solo Arte que unifique todas las artes y las técnicas, siempre son muchas y muy variadas. El mundo va mostrándose en muestras infinitas que se abren en el presente, Mediante la acción de las artes y las técnicas. El autor del Diccionario de las artes que dice con muchísima precaución Podría sugerir que las artes y las técnicas transforman a las cosas en poesía. Asi que las Musas son múltiples como múltiples son las artes y las técnicas, y no Pueden ser una sola cosa. Pero lo que si se percibe es que Poseen un Entendimiento Común, como si trabajaran en el mismo sentido. La palabra latina ars lo Expresa con claridad, las artes no se funden las unas en las otras, las artes se articulan. Las Musas son múltiples, como son múltiples las artes y las técnicas, Porque es múltiple el mundo que se presente en cada muestra, es inagotable y está en perpetuo retorno. También qué ocurre EN OCASIONES parece no mostrarse nada del mundo, como si el presente Estuviera bloqueado, cegado o mudo. Pero lo propio del presente manifestarse es incompleto, precisamente Porque su pluralidad es un constante y avenirse Cerrarse. Lo propio del presente es mostrarse siempre a medias e incompleto, zonas abiertas y cerradas con zonas, y su pluralidad Niega Constantemente lo más inmediato. Esa parte negada es el futuro. El presente Debe ser tratado como ciego, mudo y incompleto, de tal modo que Mantengamos abierto y en obra el futuro. Cuando cerramos un camino del presente, abrimos nuevas Posibilidades de apertura, y si Cuando creemos que se ha llegado A UN FIN ES Porque estamos abriendo nuevos caminos de trabajo. La parte negada del presente pasa a ser futuro, Porque lo no realizado en el presente ya no Puede REALIZARSE más de lo que ya se ha realizado. Prácticamente es imposible negarlo todo, y esto Cuando Ocurre batallas son de gran calado QUE LLEGAN un cerrar una época y abrir otra. El Arte y técnica trabajos son en los que hay una selección constante, un continuo ir y venir de la Afirmación a la negación, y se van abriendo paso en dirección del presente, en el sentido contrario de lo obturado y cegado. Por todo lo expuesto anteriormente, se entiende la negación de que Pueda haber un Arte que asuma la Totalidad de las artes y las técnicas desde una entidad suprema e intelectuales. La esencia y la verdad de las artes y las técnicas no contradictoria plural, es el Arte sino el mundo en su constante apertura, Sin dirección, y sin fin ni finalidad. Fueron los románticos alemanes, nos dice Azúa, quienes quisieron fusionar todas las artes en un solo Arte. Esto dio lugar a todo lo que hoy conocemos con el nombre de vanguardias. Vez finalizada la etapa de las Vanguardias Una, se ha devuelto a la pluralidad del Mundo, una división Aún más acentuada, más contradictoria y más enigmática. Noticia La muerte del Arte anunciada por Hegel, se ha realizado, y es para el autor una excelente.
LECTURA
El autor comienza esta entrada Opinando sobre que la lectura no es un arte auditivo sino visual. Porque el ojo no ve imágenes, sino que ve signos Que Nos Llevan A unos fonemas, que A su vez nos remiten A UNA voz humana oculta, O INCLUSO muerta a veces, o invisible. Y las letras que Forman Las palabras y palabras que las oraciones Forman, utensilios hijo de ayuda a la memoria, para a remitirnos pensamientos. Cuando pasamos los ojos sobre las letras de un escrito, y nuestra mente descifra los signos que ve, estamos Reconstruyendo la voz de un ausente. En los textos que han llegado hasta nosotros desde la antigüedad, suena la voz de los muertos, su herencia y su Destrucción. Pero en los textos modernos, como los de un periódico, suena la voz de un locutor informando u opinando De Cualquier cosa de la actualidad. Evidentemente la voz que suena desde un escrito del pasado, no Pertenece ya a ese autor del pasado, sino que permanece en la continua transformación del presente, esa voz renace cada vez que es leída. Y siempre habla aquí y ahora, siempre Aunque hable desde el pasado que nos Construimos en el presente. Félix de Azúa TRAE A Colación la opinión de los teóricos de la Reconstrucción. Para ellos el escrito va cambiando de voz cada vez que se lee, Expresa y cosas nuevas, distintas y contradictorias sobre todo. Para los reconstructivos, la lectura es una tarea infinita y no se entiende Que tengan Necesidad de más de un libro.
El dilema de si es la vista y el oído Lo que está presente en la lectura, es imprescindible para la cultura occidental. Para los griegos era la vista el sentido más importante, en cambio para los hebreos lo oído el época. Esto Tuvo sus Consecuencias Cuando era tan Importante La relación entre los hombres y los dioses. Los medievales consideraban que los ciegos eran menos desdichados que los sordos, Porque El ciego podia escuchar la voz de Dios si alguien se la recitaba, en cambio el sordo moría sin haber conocido a Dios, ni un su palabra. Los desgraciados sordos del Medievo no leer Sabían CONSIDERADOS y eran malvados y humanos apenas. Azúa nos presenta un texto del Rey Sabio, donde Trata estos temas. Para los medievales, el sordo no podia aprender nada, Porque no Tenía acceso a la palabra, ni la oía, ni Sabía leerla, y esto le condenaba una carecer de Entendimiento ya ser como una bestia. El ciego, un Pesar De Que No Puede percibir el aspecto del mundo, sus colores, sus brillos, en cambio por su percepción auditiva Puede llegarle el alma del mundo y Puede Llegar a saberlo todo. El autor dice que la tradición hispana peca de una tremenda sordera, y que somos un pueblo que no sabe hablar con normalidad, sino que grita. Continúa Diciendo que ese tremendo ruido que nos Rodea nos hace ser Incapaces de escuchar un pensamiento articulado, y esto es DEBIDO A que nos da un tremendo terror. Concluye Diciendo que somos una Nación secularmente Sorda.
Sabían leer antes pocas personas, por lo que las lecturas se hacian en común, en voz alta por alguien que supiera leer, ante una comunidad de oyentes que escuchaban el texto a modo de sermón o Prédica. Esto era lo normal, hasta que se inventó la lectura personal o lectura silenciosa, y esto se lo inventó San Ambrosio de Milán. Pero aun inventada la lectura muda, Muy pocos eran los que leían, pues la inmensa Mayoría eran analfabetos, y no solo la gente corriente, Sino También la nobleza. Los que leían eran Prácticamente los religiosos en Monasterios y Abadías. Por esto la lectura Siguió Siendo comunitaria y en Voz Alta hasta la Revolución Francesa. Solo cuando llegaron las Sociedades Democráticas se popularizó la lectura privada muda, en particular. Entonces los ciegos PERDIERON posiciones en Relación con los sordos, pasaron y a ser los más desdichados. Y los pobres ciegos para que no se les notara mucho que Esteban fuera de lo que por entonces se cocía, se dedicaban una difundir baladas, coplas y romances, mostrando Así que aunque no podian leer, no eran intelectualmente inferiores, al menos era su memoria , y abundante podia ser un sucedáneo de la lectura individual y democrática. Pero fracasaron totalmente, y Durante un tiempo los ciegos eran maltratados. Pero Después se inventó la lectura en caracteres Braille y ya tanto los ciegos como los sordos podian leer sin problema. Y después de todo esto, los ciegos se han metido un Capitalistas. Como comenta Azúa Con su peculiar humor, la sociedad, ADMIRADA, ha dejado de llamarles "ciegos" y ahora les llama "invidentes", que es un grado superior de la carencia y una jerarquía de la voluntad, como si fueran ellos quienes se Mismos niegan a mirar.
Pero volviendo a lo principal, el autor se pregunta qué evoca imágenes en cada uno la palabra. En el perpetuo conflicto entre imagen y palabra, para los occidentales unas veces las palabras vencen por su VIRTUD musical y otras veces por su representativa capacidad. Para Algunos poetas Puede más el armonioso sonido de las palabras que el significado del poema. Concluye afirmando que cada palabra vale más que mil imágenes, al contrario de cómo Suele decirse.
MERCADO
En la actualidad la valoración artística solo se hace desde el mercado. El autor entiende por mercado el ente, que en Función de la Oferta y la Demanda, fija los precios de las cosas, y precios que van cambiando en Función de las leyes del mercado. Y Aunque el mercado siempre regulo el precio de las obras de arte, como Suele ocurrir con Cualquier otro bien en situación de no intervencionismo, lo que nunca tuvo Fue poder para regular el mérito o el valor de una obra de arte. Hoy gestiona el precio como único valor o mérito. El mercado de las Artes, está gestionado por Expertos en finanzas o Funcionarios de la administración, totalmente ignorantes de la práctica de las artes y de su valoración. Algunos piensan que el mercado del arte funciona como funcionaban los antiguos mecenas. Pero existe una gran diferencia entre los intercambios que tenian lugar entre los apoderados clásicos, y los actuales centros de inversión financiera especializados en el mercado artístico y museístico. Hay muchas diferencias, pero el autor del diccionario se fija en una de ellas, considera que la más relevante. Antes el sistema de mecenazgo imponía como debía de ser la representación del mundo, las artes que utilizaban la corona o Algún personaje importante, debian Responder a Coherente un sistema de ideas y símbolos. La calidad del trabajo era muy Importante, y la enjuiciaban Los Expertos, que casi siempre eran artistas, con bastante conocimiento sobre el tema. En cambio, en la actualidad el mercado sin ninguna visión impone, Porque no repre Ningún poder en concreto. El mercado está en contra de todo poder singular, Porque Toda forma de poder es incompatible con el mercado. El mercado destruye todos los poderes que Tratan de interferir en su camino. El poder del mercado es Rigurosamente absoluto, Porque no nada Persigue. Y no admite la Competencia de Ningún otro poder. El mercado, en su poder, ha eliminado las barreras, E incluso, ha desintegrado las fronteras de lo humano, ya que es el mercado el que fija el precio de una vida humana. El mercado, Después de casi cuatro mil años de desarrollo, se mueve con su grandiosa fuerza de nihilismo, de Manera Eficaz y totalitaria. Lo único que Todavía se opone al mercado, es lo que queda de Sus Propias creaciones anteriores que en general Ya están Superadas, Cómo pueden ser Algunas religiones totalitarias, Ciertos NACIONALISMOS, y los recursos a la lírica. En este estado de cosas, es evidente, que el mercado artístico no se vale de Expertos en temas de arte para Orientar sus compra-ventas, ya que no precisa de ninguna orientación Respecto a la Calidad del Objeto, ni cosas similares. De Los empleados del Mercado artístico técnicos hijo es especular, es decir, invertir Pequeñas Cantidades de dinero con el fin de Producir enormes beneficios. La forma actual del mercado del arte, es debida, a las Decisiones de los Expertos Financieros. Lo que quiere decir que hoy en día, el mercado de las Artes, es un sistema oficializado de fraude estabilizado,. El Funcionamiento Financiero Generalizado Abarca, como una más de sus múltiples estafas legales, el arte. Las artes no son Capaces de Representar el escepticismo que se encuentra en el momento totalitario del Mercado, ese nihilismo se encuentra perfectamente representado por la televisión. Las artes son libres para Representar lo que QUIERAN QUIERAN Como Y, o incluso, no Representar nada en absoluto, ya que su valor nada tiene que ver con esto. Antes, Cuando alguien pagaba un trabajo artístico, Normalmente una persona pudiente, que buscaba ese trabajo representará a alguien oa algo. En la actualidad a nadie le importa lo que el arte represente o quiera Representar. Y nunca se ha producido un arte más complaciente con el poder, una Excepción de en Egipto. En opinión de Azúa, los trabajos de Beuys o de Koons, una los que califica como basura, precios muy superiores Pueden tener una verdadera pintura una, Porque precisamente el mérito y la excelencia artística y un hijo Obstáculo para el crecimiento del precio. Los nihilistas y los socialistas valoran un arte que ellos dicen que es para la élite, es un arte que Carece de calidad. Así excluyen de las subvenciones y de los premios Las obras con cierto mérito, las obras que no pertenecen A LOS de su círculo. La misión del mercado es convertir la basura, que Cualquier cosa seria, en oro. Porque La función del mercado es que hacer Cualquier Cosa oro del mar.
Seguidamente nos trae un texto de Richard Hughes. Dice no estar de Acuerdo con él, en que el mercado Esté Sometido un malignos trapicheos, ya que el mercado ni es maligno ni benéfico, sino que está al margen de la moralidad, y no producir trapicheos, sino movimientos de precios al alza ya la Baja, por lo que el mercado Puede En cualquier momento desprenderse del fondo artístico y dejarlo caer hasta su precio cero. En cambio, opina que Hughes ha acertado, es que el mercado actual está Obligado un destruir todo aquello que Pueda dificultar que la basura se convierta en oro. Por ello destruye sobre todo el conocimiento, que es Capaz de Valor de las Naciones Unidas contra Proponer un precio. El mercado destruye el conocimiento. En cambio el antiguo mecenas, Necesitaba obligatoriamente del conocimiento para encontrar oro. Es una diferencia esencial que marca dos épocas muy Distintas del nihilismo.
MODERNO
El autor comienza esta entrada remitiéndonos a la entrada Vanguardia, para subsanar Las posibles confusiones entre los términos arte moderno y arte de la modernidad. Posteriormente se puede leer esta parte que sigue, aclara que la entrada de Crítico. Según el autor, existe una estrecha Relación Entre estos términos: moderno, crítico y vanguardia, que son conceptos Protagonistas de la Mayoría de lo escrito en el siglo XX.
Considera A UN moderno espléndido crítico y periodista, era como Baudelaire, como el inventor del término de modernidad, que se Utiliza, para designar un Aquello que señala en cada instante, o no, hacia un futuro que se cumplirá, o no se cumplirá. Baudelaire ya Sabía que la formación del instante presente, era territorio de los críticos y los periodistas. A ese instante presente, Azúa describir como el momento de la nada jadeante, la formación del vacío. Los críticos y los periodistas eran los únicos que podian Determinar lo que lo era y que no era real, y lo que formaba parte de las actualidades, ya que ellos eran los que Tenía el poder de Actualidades Crear. Al fin y al cabo el nihilismo era su profesión.
Para Baudelaire, el artista que está inscrito a la modernidad es aquel que materialización El instante presente, que da forma a lo efímero, un fugaz he aquí, sobre el abismo que se abre en cada instante sucesivo. La obra de arte que este aumento de arte de la modernidad, con su forma instantánea, Destinada nace para no durar ya ser sustituida por otra igualmente efímera. El artista de la modernidad materialización lo efímero y al menos deja una marca en la temporalidad desnuda e invisible. El contenido de esa forma es la Misma forma, pues es ella la que los datos Históricamente el instante. Pone el ejemplo de Andy Warhol, Porque en este caso es muy Evidente que el contenido de sus obras son la década de los setenta. Así el arte, y más en concreto las obras de arte, como marcadores Aparecen e identificadores del tiempo en el que se Producen, y no muestran Ningún contenido más.
Según Félix de Azúa, El pensamiento de Baudelaire y el de Nietzsche Tienen muchas cosas en común. Pero Quitando las semejanzas con Nietzsche, si se compara el pensamiento de Baudelaire con el de Cualquier otro pensador de su propia época o de época anterior, SE COMPRUEBA una diferencia abismal. Y esto es así, Porque para el pensamiento clásico, los artistas son precisamente los que consiguen CREAR la eternidad, dejar a la humanidad obras que nos hablan de lo perdurable, de lo que no cambia nunca. El pensamiento clásico se pregunta que si esto no fuera Así, para qué querríamos el arte. Porque para participar de lo efímero, ya se Tienen suficientes entretenimientos, espectáculos e informaciones de actualidad que sufrimos en el día a día. Baudelaire, como buen periodista y crítico de su época, Eligio como máximo ejemplo de artista de la vida moderna, al artista Constantin Guys, actualmente considerado como un artista mediocre y en cambio menosprecio al verdadero artista de la vida moderna, Édouard Manet. Esto Se Demuestra que Con los críticos y periodistas son Capaces de concretar la actualidad siempre correctamente, pero erroneamente siempre determinan la modernidad. Claro está, esto lo sabemos un toro pasado.
Azúa nos presenta la siguiente paradoja. Baudelaire, Ejerciendo como crítico y periodista, se equivoca acertadamente en la definición de su modernidad. El se adelanta a las vanguardias Diciendo que el artista de la vida moderna es el único artista que realmente vale la pena. Y acierta erroneamente en la definición de su actualidad, pues el Propone una Constantin Guys como modelo, y es este un artista mediocre de su actualidad. Pero en lo que si acierta completamente y no se equivoca en absoluto, es su sobre su actualidad y modernidad en tanto que su poeta, Porque el mismo es el mejor ejemplo de su propia definición. Demuestra todo esto una vez más que la actualidad de lo moderno ", E INCLUSO la modernidad de lo real, la establecen los críticos y los periodistas en cada momento. Ahora bien, lo moderno en sí, es decir, lo propio del arte en cada momento, no lo definen ellos, es más, no lo define nadie. Se define por sí solas y siempre demasiado tarde. Sólo hay modernidad en el pasado, Cuando Se Puede observar con perspectiva.
OBRA DE ARTE
Dentro de las artes lo que más se presta al análisis filosófico es la obra de arte, pues es lo que posibilita la Existencia Misma del Arte, que tiene Existencia previa a la del artista. Podriamos Hay que argumentar artes Porque hay obras de arte. Y una vez que hay una obra, entonces se Fácilmente agrícolas perciben un artista de la ONU. Siempre se Consideraron de DISTINTA clase Ciertos productos muy especializados y complejos que necesitaban un especial Esfuerzo y habilidad en su construcción, Frente a los instrumentos, las construcciones, las máquinas y los útiles. En la historia de la cultura occidental se produce una progresiva separación entre los productos de la técnica y los del arte. En las vanguardias se produce la máxima separación ya partir de entonces se acaba Dicha diferencia.
El autor seguidamente pasa a hablar de los artistas y los artesanos, poniendo el ejemplo de un bajorrelieve asirio. De él dice que es un producto que Exige una alta especialización y muchas horas de trabajo. Y después de todo, esto no tiene una Función Especial. Posiblemente presenta utilidades simbólicas relacionadas con la religión, como es la inmortalidad, o con la nobleza, como es la gloria, todo ello inscrito En el ámbito de lo estético. Pero, aclara, que el bajorrelieve asirio, es un producto de artesanos hábiles y no necesita una Ningún artista. En este escenario no participación de un artista individual, original y con una personalidad especial. Solo es en el arte occidental moderno Cuando se magnifica la figura del artista, Cuya psicología explica la obra, un artista genial que Vuelca su subjetividad en la obra. La obra de arte garantiza el invento de las artes como actividad diferenciada. Hay artes Porque Existen las obras de arte. En la etapa moderna de las artes, como estas se han dedicado a atacar A LOS Constituyentes clásicos de las artes. Así Algunas producciones de la etapa final del arte moderno no son obras de arte, sin por ello dejar de ser arte. Después de la devastadora negación en la etapa final de lo moderno ", la definición de obra de arte Puede responderse solo desde la filosofía. Antes la pregunta de qué es una obra de arte no Importancia Tenía, pues eso lo Decidia el que encargaba y adquiría una obra, que por supuesto seria una obra de arte. En la actualidad solo es arte lo que los medios de comunicación Deciden que es arte. Pero Aunque esto es así y se acepta, esta situación no produce satisfacción.
No se Puede responder a la pregunta de qué condiciones tiene que reunir un producto para ser arte. La producción artística va cambiando y modificándose en el TRANSCURSO del tiempo, por ello no SE PUEDE Responder a la pregunta anterior. N SE PUEDE Definir a priori, la obra de arte, Porque haría desaparecer la obra de arte moderna. Las definiciones son inútiles apriorísticas. Asi que la definición de obra de arte tiene qué hacerse a posteriori. Entonces lo siguiente es cuestionarnos quién es decidir lo es una obra de arte. Y los medios de comunicación son los que responden a esto. La obra de arte nos regala una experiencia estética al cautivarnos intelectualmente un Través de los Sentidos y tras esto le damos el estatuto artístico. Pero no cualquiera decide que es una obra de arte. Entonces en las sociedades en las que vivimos, quién Sería el sujeto que decide que algo es una obra de arte. El poder de influencia de los conocedores es un asunto del pasado. Actualmente las Autoridades Tratan de imponer su experiencia estética. Un director de museo Puede Retirar los cuadros que no le Parecen obras de arte, pero luego llega otro que incluye otras A su criterio. Son batallas pasajeras Normalmente propiciadas por los historiadores o por los periodistas, Los Cuales A su vez Suelen ser directores de museos y similares. Pero si alguien es la Totalidad de las Instituciones relacionadas con el arte, entonces ese alguien determinaría lo que es la obra de arte para todos, ese alguien será porque los medios de comunicación. Y el juicio que se nos presenta a la sociedad, sobre las obras de arte presentes, es muy cambiante y no se informa sobre la obra de arte en sí Misma. Y si pensamos que el tiempo y la historia son los que determinan lo que es una obra de arte, nos Encontramos con que la historia está construida con la información y los documentos que Están en propiedad de los medios. Y esta información es muchas veces producto del azar, no por ello una Puede DARNOS seguridad sobre lo que fue y lo que es una obra de arte, sino tan sólo sobre la actualidad de la obra de arte. La Historia a veces nos muestra la arbitrariedad a la hora de Considerar como un Objeto Artístico. Ahora bien, lo que determina que un artista es arte, Sera de verdad arte. Pero aquí Llegamos a otro interrogante, quién decidirá si tal persona es o no un artista. Pues de lo nuevo Deciden los medios de comunicación. Concluye el autor, que no hay Posibilidad de Definir ni a priori ni a posteriori Cuales son las condiciones para que un trabajo sea considerado obra de arte. Nelson Goodman cambia la pregunta de ¿qué es una obra de arte?, Por la de ¿Cuándo se da una obra de arte?. Pero esto no nos lleva una Ningún sitio.
Félix de Azúa A falta de otra definición de obra de arte nos da la que sigue: "consideramos obra de arte La aparición de Cualquier conjunto de elementos Capaz de Producir experiencias estéticas en uno, varios o todos los sujetos, Independientemente de las intenciones de su productor, a quien no tenemos inconveniente en llamar artista. Pero esa operación queda encerrada en la oscuridad del sujeto, una de menos que sea adoptada por los medios de comunicación y convertida en espectáculo ".
La obra de arte se entiende como tal Cuando Se Establece Una relación entre un sujeto y la obra de arte, y el sujeto Recibe una experiencia estética. Pero de ello no nos enteraremos, para no ser A través del espectáculo mediático. Fuera de La relación que se Establece en la experiencia estética, no hay obra de arte, Aunque Puede haber documento histórico, sociológico Síntoma, mercantil valor, o símbolo nacional.
REALIDAD
Comienza ofreciéndonos la definición de artistas realistas, que figura en los manifiestos que Ellos mismos tienen. Estos Según manifiestos, los artistas realistas hijo Aquellos que dedican su arte a la representación de lo real, Estableciendo una clara Oposición con lo ideal. Lo real sería lo QUE SE PUEDE Comprobar, lo que existe fuera de nosotros, de nuestra mente, todo lo que existe con Excepción de las ideas. Pero nos Azúa dice que nadie conoce a ciencia Cierta Lo Que Puede Ser una vaca, aparte de una idea, y aquí estaría el problema.
El filósofo y escritor Zola, Que Fue uno de los Representantes del realismo con más peso, queria que las novelas fueran científicas y las ponia en paralelo con las prácticas de un investigador positivista como Claude Bernard:
"La obra de arte es un fragmento de La Creación visto a Través de un temperamento.
Partimos de hechos verdaderos, Los Cuales conforman nuestra base indestructible, pero para mostrar el Mecanismo de cuentos hechos, Menester es que mostremos y dirijamos los Fenómenos, es esa la sola parte de la invención y del genio en la obra de arte ".
Como Zola, alcalde de La Parte de los artistas y de los artistas no piensan que existe un mundo ahí fuera, que podriamos Nombrar como La Creación, párr Los Creyentes, o la Naturaleza, para el resto. Y nosotros, cada sujeto desde dentro, observamos el mundo, un Través de unas ventanillas que serian los ojos, los oídos y la conciencia. Esto lo ha enseñado desde la metafísica de Descartes y lo sigue Manteniendo la ciencia real. Los realistas aceptan todo lo dicho anteriormente, y que opinan las artes Tienen que mostrar la vida cotidiana, lo qué ocurre en el presente. INCLUSO Algunos opinan que hay que escribir con el lenguaje de la calle, que Suele ser más vulgar que con el que se escribe Normalmente literatura, Y así mostrar la vida corriente. Así pues, los realistas Están de acuerdo en que lo de fuera es real, las cosas materiales que percibimos, y en cambio lo que está Dentro es ideal, son las ideas. A lo Real se le sumó Durante un tiempo, lo social, para que pareciera Aún más real, realísimo incluso. Al autor pone el ejemplo de una vaca. Dice que desde el punto de vista de la realidad, una vaca en concreto sólo es un caso particular del mamífero rumiante que denominamos vaca, que es el único en poseer toda la posible realidad. La vaca tiene una realidad particular, mínima y temporal, frente a concepto como la vaca en general. También nos dice la realidad la define la ciencia En colaboración con los medios de comunicación, como siempre los todopoderosos medios de comunicación. Comenta que tanto en EE.UU. Como en España hay en la actualidad muchos novelistas que cumplen sus páginas con palabras abstractas como "gilipollas" para que parezcan más reales y sus fantasías más mundanas. Estos novelistas realistas hijo, pero a parte de ellos, buena parte de la opinión pública, considera Realidad Lo que es casi una fantasía, por ejemplo la vaca. Dice que en esta tierra en la que habitamos, el conjunto compuesto por vaca-Prado-Riachuelo-pastorcilla, por poner un ejemplo, este conjunto que nos parece tan real Cuando lo vemos desde la ventanilla de nuestro coche, no tiene más que la realidad de una abundancia de partículas electrónicas Amontonadas en una convergencia inestable. Todo esto es un fantasma frágil Cuya permanencia desde los poemas de Teognis se Debe Exclusivamente a la obra del arte, una obstinada La presencia de ese conjunto en nuestra memoria y nuestra secular es simbólica. De no ser Así todo esto se disiparía como una nieva Cuando entra el sol. La conclusión es que ese conjunto vaca-pastorcilla, etc, solo existe en la obra de arte. Porque un instante más tarde, el conjunto anteriormente enumerado, Puede Transformarse en otro, por la Influencia de otro elemento, como podría ser un rayo que achicharre nuestro paisaje bucólico. Pero, a pesar de eso nada se ha perdido en esta transformación. Solo ha habido un intercambio energético, Aunque nosotros si que hemos perdido algo. Pero eso que hemos perdido, no tiene más realidad que la que le concede nuestro deseo de que Permanezca. Y es aquí donde entran a escena los artistas realistas, que sin saberlo, Mantienen la ficción de vacas que hay. No solo hacen exactamente lo mismo que todos los demás artistas hacen, sino que Encima ignoran que lo hacen. Ahora bien, esa ficción, incitada por el deseo de que haya cosas, es irreal, pero en cambio es verdadera. Y Aunque el mar y el realismo más irreal y ficticio de todos los estilos, escuelas y movimientos, la participación un poco de la verdad. También PARTICIPAN de la verdad, y otros estilos más Poderosos, Pero estos niegan por completo la realidad de la Vaca, para mantenerla Porque no hay mejor camino que arrancarla a lo real, desrealizarla, desmontar la realidad de la realidad, y alzarse una verdadera La Verdad Que se esconde tras la ficticia realidad. Aunque sobre todo esto están los medios de comunicación que como siempre Toman Sus Propias Decisiones.
REPRESENTACIÓN
La palabra "representación" Utilizamos para la multitud de Situaciones, entre las Cuales Estaría una representación teatral o una persona que una representante comunidad. En éstos casos, para conocer la cosa hay que aceptar un juego, que está pactado por los que PARTICIPAN en él. Una representación es una ficción que producen realidad. Aceptamos la ficción de que alguien diga ser Hamlet sobre un escenario, y asi escuchamos un Hamlet, que sólo se Expresa una Través de un actor. Igualmente aceptamos la ficción de que un ciudadano Afirme ser la representación de Extremadura, Extremadura Porque existe un Través De Un actor, al que dejamos ser Extremadura Mientras nos interese. Las representaciones nos acercan a la verdad y siempre Cuando Mantengamos la ficción. Cuando la ficción no nos interesa la abandonamos. Este Mecanismo adquiere una Importante Función en nuestras vidas, las CUALES SON En su mayoría una representación simple. Algunas actividades que Pascal consideraba no podian subsistir sin la representación, y en cambio otras actividades eran independientes de ella. Le asombraba la Administración de Justicia, con toda la representación que conlleva. Y es que no Podría haber Administración de justicia sin la representación de un drama, qué consiste en la representación de un Proceso, que crea realidades finalmente, Como puede ser la pena que el Acusado Debe pagar. El proceso (el judicial o Cualquier otro) y la representación (jurídica u otra) han creado realidad e historia. Y es realidad una historia muy próximas e A que las producen el arte, Aunque con resultados muy Distintos. Comenta que en EE.UU., se ha reducido mucho la representación. Los juicios se Llevan A Cabo Mediante un acuerdo, el Acusado acepta una pena a cambio de declararse culpable. Deciden suspender la representación, el teatro, y destruir el sistema judicial. En EE.UU. la ortografía de reales se pactan, y SE PUEDE Decidir que no ha habido delito, Aunque lo haya habido. Pascal decía que había actividades que no necesitaban representación. Ponia como ejemplo las guerras, en las que Aunque los soldados fueran disfrazados, no había representación Porque ganaba siempre el más fuerte y no el que conducía el mejor drama. Pero según Félix de Azúa, Pascal se equivocaba en esto. Tolstoi, describe La destrucción de la Grande Armée de Napoleón, como un pacto en el que los soldados se pusieron de Acuerdo es dejar de creer en lo que representaban, por lo que el Ejército desapareció, y los mariscales PERDIERON todo su poder. Una realidad Fue sustituida por otra. Las artes imparten artisticidad Gracias a la Creencia de que la representación artística se Corresponde con algo real, y esto es lo que Permite subsistir a las artes. Es posible que las obras de arte no sean sino Mecanismos de producción, mantenimiento y perfeccionamiento de creencias necesarias para el Funcionamiento de la sociedad. También Lo cual explicaría el interés del poder hacia las artes. La Creencia en las representaciones judiciales Permite que haya realidad, sucesos y sujetos. Pone el ejemplo de una película de Rossellini, sobre el Establecimiento del poder de Luis XIV. Argumenta que toda la representación cortesana del Rey Sol. Fue un artificio para la instalación del poder absoluto en un medio hostil. Representación de esta formaban parte, el teatro, la ópera, la pintura, la arquitectura, INCLUSO abigarradísima la vestimenta. La genialidad de Luis XIV, consistió en la dramaturgia que puso en marcha para hacer creer A LOS rebeldes feudales en la realidad del poder real. Una vez introducidos en la representación monárquica, Los Poderosos feudales Fueron sometidos. Las artes Fueron elementos al servicio de la representación del poder hasta muy entrado el siglo XIX. Y las vanguardias Fueron movimientos Destinados a liberar las prácticas artísticas de su esclavitud a la representación global del poder. Por ello,, las artes del siglo XX y sobre todo las "de" Vanguardia hijo, en su parte el alcalde, no Representativas en el sentido hasta ahora Expuesto. Por esto hay quien dice que Algunos movimientos de vanguardia no Producen representaciones presentaciones China. Si aceptamos la separación de las artes de la representación del poder, esto lleva A que Las Artes Representan la nada, nuestra nada, la carencia de realidad, sujeto y suceso. Según esto, sólo Mediante la ficción de una representación podriamos acercarnos a algo verdadero y real. Sin esta ficción caeríamos en la irrealidad y falsedad de la pura nada, caeríamos en el acuerdo, en el acuerdo. Contra ella cabe pensar que la representación no sea siempre una ficción sino que, una aparición. O la aparición de una específica verdad, con su propio protocolo de desocultación. Y que la Creencia en las representaciones dependa de la Necesidad de lo que comparece en la representación. Si hay aparición, visión y heno, pero en cualquier caso ha de ausentarse el sujeto.
Seguidamente nos presenta un texto de Miguel Morey.
"Las" cosas ", las" apariencias "o las" evidencias "remiten antes A NUESTROS Modos de hablar acerca del mundo, Que a nuestros modos de verlo: Antes de ver Pertenecer al, bajo la forma de una mirada armada, pertenecen al decir Constituye que la armazón de esa mirada. "
Un Azúa le gusta mucho la expresión: la "mirada armada". Dice Que sería un ojo recubierto de palabras, que cree estar viendo "cosas", "apariencias" o "evidencias", pero sólo ve "clave". Añade Morey, que si perforando esa coraza de palabras, nos llega la presencia de algo, entonces: "Cuando vemos algo no estamos, nos ausentamos de las Naciones Unidas en ese instante algo visto". La visión verdadera es la Imposición de un dominio ajeno a las palabras.
SAGRADO
Comienza situándonos antes de la Revolución Francesa. En aquellos tiempos "lo sagrado" se encontraba en la esfera del Sacrificio. Y como todas las personas decentes vivian en el seno de las Iglesias cristianas, lo sagrado era lo que se producía en torno al sacrificio cristiano, que era la misa. En la época premoderna sociedad muy reconocido y valorado el sacrificio Qué hizo su dios. El autor dice que el sacrificio Fue un experimento que Hizo un dios. Este se había Hecho hombre de carne y hueso, Fue martirizado por sus conciudadanos y murió asesinado por ellos. Pero al tercer día resucitó y se fue al cielo, donde sigue Siendo inmortal como lo había sido antes de Hacerse hombre, un dios Porque No puede ser efímero y mortal. Su madre, que era una mujer mortal, en principio, se fue al cielo sin pasar por la muerte. Y se convirtió en madre de todos los humanos y muy adorada fue. Sigue narrando Azúa, que como obsequio por la colaboración de los humanos en el experimento, el dios les concedió una gracia, que consistía en REUNIRSE con él en el cielo y ser inmortales, pero con creyeran La condición de que se sacrificaran en su nombre y en un solo Dios, Que sería él, el dios de Los Cristianos. El sacrificio de la misa es, la actividad de sacrificio que Mantiene viva la promesa de la inmortalidad que el Dios de los cristianos les había hecho. Pero el descreimiento de los mortales modernos lleva parejo el abandono de la esperanza de algún día ser inmortales. Algunos filósofos Al ver la rápida Disminución de las actividades sacrificiales, se preocuparon Porque los occidentales renunciaran a la inmortalidad, y se preguntaron si la actividad de sacrificio había emigrado un otro altar. Estos pensadores Consideraron que el sacrificio era un Ofrecimiento A un dios de forma gratuita, pues no se espera nada a cambio, bueno esto no seria exacto, se espera la vida eterna, pero bien, nos referimos a que el sacrificio se dirige a Dios, el pecado Que nadie más se aproveche de ello, seria que tambien discutible. Pues bien, los filósofos pensaron que, supuesto todo lo anterior lo más parecido seria la actividad "artística". Y realmente las prácticas del arte moderno consistían en enormes Sacrificios. Ejemplo de ello Podrían ser Rimbaud en África, Kafka en la oficina, Van Gogh en el manicomio junto con Nietzsche, Artaud, Hölderlin, Schumann y Wolf, Poe, Joyce y Baudelaire en la miseria, Los Cuales ofrecían su dolor, su sacrificio, en El Altar de la poesía, de la pintura, de la música. Los filósofos pensaban que tal vez las artes habían sustituído a la misa en el sistema de sacrificio de Occidente. Los filósofos sumaron a las anteriores muchas otras actividades como el teatro, la ópera y los toros. Todas estas actividades tenian la Característica común de servicios Sacrificios gratuitos. Pero no eran gratuitos en el sentido monetario, sino gratuitos desde otro punto de vista. Gratuitos en el sentido de poner en juego la vida sobre el albur del "éxito", esto es, la entrega del sacrificio a Dios a cambio de la Gloria. Durante unos años, se estudiaron las artes como el territorio sagrado de la modernidad y el Ámbito secreto de un Culto a Divinidades tan ignotas que hasta su nombre se había olvidado.
Algunos Proponen a la obra de arte singular, como la última huella de unas Divinidades desaparecidas, además del sitio donde se manifiestan Dichas Divinidades, no de forma clara y Evidente, sino de esa Manera misteriosa como saben hacerlo las Deidades A través del desvelamiento de aquello que permanece oculto A NUESTROS ojos. Y así, alguna obra de arte serviría para permitirnos Acceder al otro lado, al territorio divino.
Poco Heroísmo Encontramos en las artes de la segunda mitad del siglo XIX y en la primera mitad del XX. Y en la actualidad menos Aún más, las prácticas artísticas son cada vez menos Heroicas. Hoy en día los artistas no pasan hambre ni Tienen que sufrir para trabajar en lo que les gusta, el Estado está para protegerlos, sino sus papás. Por lo que la teoría del sacrificio ha caído herida de muerte. Pero si en vez de referirnos al sacrificio en tanto que asociado a la práctica social de las artes, nos referimos a prácticas singulares y concretas, entonces la teoría del sacrificio no tiene por qué perder crédito. Pero Aunque en la actualidad, la Mayoría de las prácticas artísticas ya no pertenecen al orden de lo sagrado, esto no Impide, que Algunos textos de Beckett, o Ciertos poemas de Celan, alguna composición de Lutoslawsky, alguna escultura de Giacometti, y muchas otras Obras singulares Incluso de la posguerra, sean lo único que tenemos que nos acerca a la experiencia de lo divino, de lo sagrado, en un mundo que ha perdido Prácticamente su Relación con lo celestial y eterno, en un mundo que casi se ha desposeído de su pensamiento de mortalidad. El autor dice que Estos temas hay que tratarlos con mucho cuidado, Porque Están muy cerca del ridículo y la cursilería. Y Cuando algo está tan cerca de lo burlesco, ES DEBIDO A que su tratamiento es peligroso. Cuando algo Bordea el ridículo, quiere decir que producen miedo y entonces no queremos saber nada de eso. Durante mucho tiempo los bufones eran los encargados de Decirle A LOS Poderosos lo que estos no querian saber, pero era Importante para que supieran que la sociedad siguiera funcionando correctamente. Esta tarea la heredaron Durante unos años los artistas. La tarea consistía en Decirle A LOS Poderosos lo que estos no querian oír. Pero en la actualidad parece ser que ya no tiene importancia, Cualquiera puede decir lo que quiera, Porque en la actualidad ya no hay poder.
SUBLIME
El concepto de lo sublime además utilizarse en las Conversaciones de Corrientes, es un término central en la filosofía kantiana. Este es un concepto neutro, es lo sublime. Kant consideraba que lo sublime era superior a lo Bello. Cuando se presenta ante nosotros algo sublime, nos quedamos anonadados. Algo sublime Sería un fenómeno de Gran Envergadura, como podría ser un volcán en erupción o un huracán. En el lenguaje corriente Suele significar algo que es una exageración. Y cuándo un acontecimiento sublime nos sobrecoge, percibimos nuestra pequeñez e insignificancia Dentro de la infinitud del universo. Y ese contraste entre la insignificancia de la vida humana y la enorme capacidad intelectual del ser humano, Producen un cortocircuito al cruzarse en el intelecto el cable moral y el estético. Se produce un chispazo que es la grandiosa experiencia de lo sublime. Y dice Azúa que esto es un acto de Afirmación de nuestra muerte, como elemento constructivo del sentido cósmico. Para Kant, un prado Puede ser una cosa bella y una Torrentera de montaña que en su avance Arrase prados, vacas y arroyuelos, seria sublime. Además un cuerpo joven Puede ser bello, pero ese mismo cuerpo clavado en una cruz de madera es sublime. De lo sublime Forman parte realidades También Negativas y molestas, como el dolor, la muerte, el horror, el asco, y muchas otras, que no se Encuentran su espacio en lo Bello.
De Kant, en sus Tratados de filosofía, no utilizaba referencias, ejemplos, metáforas, y otros recursos literarios. Y esto supuso un problema, Ocurrió porque, que los Discípulos de Kant aprovecharon la ausencia de ejemplos para ampliar abusivamente el campo de lo sublime. Nos comenta el autor que una generación más tarde, las composiciones de Mozart eran consideradas bellas, pero las de Beethoven se calificaban como sublimes. Y en arquitectura el Partenón llegaba a la puntuación de Bello, pero las pirámides egipcias alcanzaban el Puesto de sublima. Y así se ha llegado a la época actual en la que todo, o es bello o es sublime. Comenta Azúa, con su característico sentido del humor, que en nuestros días él escucho de un colega, que las bellas piernas de Sharon eran de piedra, pero las de Maradona eran sublimes. Dice que no hay que perder de vista la potencia del concepto kantiano. Y nos habla de Richard Klein, un crítico norteamericano que ha escrito un tratado para Demostrar que el hábito de fumar Pertenece al orden de lo sublime. Dice este tipo:
"Sólo Mediante su pertenencia a lo sublime Puede entenderse la afición de la gente hacia los cigarrillos y por qué les gusta tanto Algo que sabe a rayos y marea".
Nos dice Azúa que para Klein, el fumador es como un personaje de Byron, que se situa en el borde del abismo para Contemplar, con un estremecimiento voluptuoso, lo efímero y fútil de Nuestra Existencia, y la grandeza inconmensurable de lo negativo. Se produce un juego con la muerte, con el cáncer de pulmón, un juego que él califica como estético. Y Coloca al fumador Consciente, al nivel del samuray, o del torero que construye artísticamente el juego que concluye con la muerte o de él o del toro. Los glorificación como héroes de la sublimidad.
Unos años después de la muerte de Kant, Hegel en sus lecciones de filosofía del arte, bajaría del pedestal romántico a lo sublime, sustituyéndolo por lo significativo. Para Hegel, lo bello Estaba totalmente relacionado con un pasado absoluto y casi prehumano Cuya perpetua presencia bajo la forma del culto a Grecia iba Consecuencias Tener un imprevisibles. El autor subraya que Hegel Hizo algo bello de lo sublime, al Introducir como medida artística lo significativo, que hasta entonces había estado reservado a la filosofía y la ciencia. De esta Manera lo bello Ascendio un grado en la escala de los valores artísticos. Y este ascenso es lo que llama lo sublime. De esta Manera lo explica Pascal Quignard:
"La palabra latina Sublimis es una traducción aproximativa de galilea hypsos. Lo gitano es lo que está en alto, la Alta Mar, la eminencia, aquello Respecto a lo Cual estamos "Por Debajo", aquello Respecto a lo Cual estamos "alejados". Lo sublime es lo que sobreventa, lo que tiende y se Extiende, como el deseo masculino. "
Uno de los últimos avatares de lo sublime ha surgido en los últimos años bajo la forma de una defensa del arte más actual. En la actualidad, se Pueden encontrar exposiciones en las que Pueden admirarse cuerpos en estado de descomposición, o masoquistas Actuando como cuentos, También podemos encontrar un montón de hígados de pollo o unos huesos, jeringuillas ensangrentadas, y un largo etcétera de cosas por el estilo . El filósofo francés JF Lyotard creyó poder adscribir ese tipo de Manifestaciones artísticas a lo sublime. Considera que todo esto no es bello, es sublime, pero como los terremotos y las Grandes Catástrofes.
TEXTO
Félix de Azúa nos relata como en los años setenta se produjo un hallazgo fantástico. Y este fue que los estudiosos de la literatura descubrieron el texto, que había quedado oculto para muchos en los cuentos, novelas y relatos. Se Dieron cuenta que la literatura Estaba compuesta por textos y que los textos de literatura INCLUSO podian sustituir a la. Y Ocurrió entonces que todo se convirtió en texto. Los escritores presentaban sus textos en las Universidades, o un aspirante mostraba su texto ante un tribunal de oposiciones, E INCLUSO Algún restaurante sustituía la carta por el texto. Y dice el autor, entonces que ya no se escribieron más novelas, poemas ni, sino sólo textos. En la actualidad Continúa empleándose mucho la palabra texto, pero ahora se está poniendo de moda la palabra discurso, Puede llegar y dominar el panorama.
Seguidamente, el autor nos OFRECE La definición de texto, realizada por uno de sus inventores, Julia Kristeva: "Llamaremos texto a toda práctica de lenguaje Mediante la Cual se desplieguen en el feno-texto las Operaciones del geno-texto, el primero Intentando Representar al segundo, e Invitando al lector una Reconstruir la significancia ".
Y el geno-texto seria, según la inventora, lo siguiente: "Se trata de una fase (reconstruida Teóricamente) del Funcionamiento del lenguaje poético en la que Interviene lo que llamaremos una significancia: la infinita generación sintáctica y / o semántica de lo que Se presentará como feno-texto ".
Y la "significancia" no es otra cosa que: "la compatibilidad semántica y / o sintáctica de los elementos constitutivos (según Lyon)", o bien "la instancia en el sueño de la estructura literante (según Lacan)", o, más sencillamente, "el trabajo de diferenciación, Confrontación Estratificación y que se practica en la lengua" (Kristeva).
Aconsejándonos Concluye, que si alguien nos presenta con un texto, no nos dejemos engañar, Observemos primero y si se Trata realmente de un texto. En primer lugar hay que preguntarse si nos Invita a Reconstruir la significancia. Si la respuesta es que sí, entonces hay que Comprobar que se Trate De Una verdadera significancia, y no cualquier cosa. Y si todo Resulta Será un texto y SE PUEDE leer con tranquilidad.
He de decir, que yo no me Ana Leal, que enterado de casi nada de este capítulo. Y lo peor, es que no se si a Félix de Azúa no le ha pasado lo mismo. O tal vez lo que pretendia con esta entrada era de divertirse un poco a costa de Julia Kristeva y de nosotros, claro.
TRADICIÓN
Desde el Renacimiento, toda producción artística, cada movimiento artístico, quiere apoyarse sobre una tradición por lo que si esta no está clara, se la inventa, se inventa su pasado. Pone el ejemplo de los surrealistas que buscan surrealismo y lo Encuentran en la pintura medieval o en las culturas africanas, y de los cubistas que buscan Cubos en Durero y en los escultores góticos, así mismo Libra Se declara hijo de Cavalcanti y Eliot de Laforgue. Sólo Los futuristas se declararon hijos de Sí Mismos, pasado el pecado, pero el futuro del futurismo era de tal inmediatez que duró poquísimo. En cambio, para los modernos la tradición es la que inventa la invención. Pero Ocurre también lo contrario, esto es, que toda invención moderna Rápidamente deja de ser moderna E incluso deja de ser invención para Convertirse en tradición. En la actualidad, nuestra tradición se va Creando por el paso de un presente que Constantemente se renueva y que cada tres o cuatro meses se le marca o significa, para Organizar alguna Manera de lo que va ocurriendo. Y la novedad de nuestros tiempos es el signo de ese vacío renovado cada tres o cuatro meses. Ninguna época anterior a la real había producido tantos pasados simultáneos. Y como dice el autor, hoy en día, un artista Puede elegir entre catorce o quince pasados, y todos ellos son perfectamente Adecuados y tradición como admitidos, el hijo de los famosos neo-algo, post-algo tardo y-algo. Esta Multiplicidad de pasados Increíblemente es variada si lo comparamos con la pobreza de que pasados Tenía por ejemplo Cualquier pintor de la época de Giotto, y peor aún los pasados de un griego. Las tradiciones se aceleran cada día más, y los inventos que Se realizaron hace muy poco tiempo, Pueden pasar un ser pasados Tradiciones y en tan solo tres años. El autor llama nuestra atención Respecto a la aceleración de los pasados y tradiciones, y piensa que si esto sigue así, no podra producirse el presente Porque no se le deja espacio y por lo tanto no habrá novedades. Y PUESTOS una exagerar, dice Félix de Azúa, que el único arte de vanguardia Será la arqueología, la Cual trabajará sobre las culturas de la semana pasada. Mantiene El autor que Dicha situación no es ni buena ni mala. Pero esto obliga al artista a repetir una vez tras otra lo que ya se ha dicho, oído y visto. Y lo que se produce se va Cubriendo enseguida por el presente histórico, E INMEDIATAMENTE Se convierte en tradición histórica. Dice el autor, que Algunos artistas, entre los que nombra un Miquel Barceló o Basquiat, Fueron sacados del arte vivo y presente y Fueron convertidos en su propia tradición Cuando apenas habían comenzado un expresarse. Desde entonces ya no son pintores, sino Museos en sí Mismos, con sus etapas y sus Evoluciones. Y ya no exponencialmente Que lo pintan, sino capítulos desconocidos de su tradición.
VANGUARDIA
Existe una gran confusión entre los términos: "arte de vanguardia", arte "contemporáneo", "Arte Actual", "arte moderno", "arte de la modernidad" y "arte de las vanguardias".
El Arte contemporáneo, Es aquel producto de las Artes que es coetáneo de Cualquier otro producto de las artes. Lo contemporáneo es lo que coinciden en el tiempo. No hay obras de arte más o menos contemporáneas, contemporáneas o hijo o no lo son. Calificar a algo de contemporáneo Ningún añade ningún valor, ni información sobre nada.
El siguiente término que Trata, es el del Arte Actual. Este término es más informativo, actualidad Porque hace referencia a la. Lo real es lo estadísticamente abundante en cada estrato del espectáculo artístico y, muy especialmente, en los medios de comunicación. La actualidad no es un valor artístico, sino sociológico y estadístico. Su actualidad no nos dice nada sobre lo artístico Que es un producto, sólo sobre su frecuencia de aparición en los medios de comunicación.
El Arte moderno es aquel que se da en la época moderna. Los historiadores no se ponen de Acuerdo sobre cuando comienza lo moderno ". Algunos consideran Todo el arte moderno que se producen tras el Renacimiento italiano, pero la Mayoría considera lo moderno posterior a la Revolución Francesa. Para Azúa, No Puede hablarse de tiempos modernos antes de las primeras Manifestaciones de nihilismo, es que la ideología propia de la era moderna. Julián Gracq una posmodernidad concibe un tanto temprana, en el alba de la Primera Guerra Mundial. Azúa lo cree y considera exagerado que muchos confunden el arte moderno con el arte de la modernidad. El arte moderno, es extraartístico ente de la ONU, algo puramente histórico que no implica valoración. Pero el arte de la modernidad sí que implica una valoración, aunque no esta el Puede conocerse hasta el siguiente momento de la modernidad, sólo SE PUEDE Determinar la modernidad es pasado. De El uso confuso de "moderno" en el sentido de Señalando en dirección de los acontecimientos, ha traído un tremendo desorden. No podemos saber hoy quien está marcando la modernidad, sólo hipótesis podemos tener. Determinar la modernidad críticos de algo es tarea de filósofos, periodistas e inversores. La modernidad es un valor económico, pero no es un valor artístico. Que algo aparezca como portador de modernidad es muy valioso para los teóricos y los financieros párr. Pero desde el punto de vista de la artisticidad, Carece de importancia. La modernidad de una obra del arte no son nada Añade a su valor artístico.
Seguidamente pasa a Analizar el concepto Vanguardia. Establece una clara separación entre el arte de las vanguardias y el arte de vanguardia. Forman parte del arte de las vanguardias Aquellos productos que se Dieron Durante la época de los movimientos artísticos denominados Así. El cubismo, el futurismo, el constructivismo, el surrealismo, el dadaísmo, el ultraísmo, hasta Llegar a doscientos cincuenta movimientos mayores, Fueron agrupaciones de artistas con autoconciencia y manifiesto, en las Cuales la producción era una demostración de la teoría. Se desarrollaron en la primera mitad del siglo XX y Desaparecieron tras la segunda Guerra Mundial. La denominación de vanguardista tampoco Supone juicio de valor, solo es un criterio de clasificación.
Por último habla del Arte de vanguardia, Aunque sostiene que todavia no se ha escrito la historia de este término. Poco Después de la Segunda Guerra Mundial, y una vez extinguidas las vanguardias históricas, se produjo un deslizamiento. Hasta aquel momento sólo se había hablado de los movimientos de vanguardia como siempre algo plural E INCLUSO contradictorio. Pero gracias al inmenso Influjo y la tremenda concentración de inteligencia que se produjo en Las diferentes corrientes marxistas europeas de la posguerra, la pluralidad Fue poco a poco Siendo sustituida por una sustancialización operativa. Dejó de hablarse de las vanguardias y apareció la Vanguardia. O era un artista de la de Vanguardia, o era reaccionario. De pronto, los artistas se Vieron Condenados A Ser "de vanguardia", el pecado Tener muy claro que aquello era. Todo se resolvía firmando panfletos, para Cumplir con "La Vanguardia", Cuya sin licencia un artista era excluido del sistema.
Ahora bien, allá por Los Mismos años sesenta y setenta, se había producido una segunda tanda de vanguardias, Neovanguardias denominadas, que no nada innovaban. Estos movimientos, el arte conceptual, el arte minimal, el arte del cuerpo, earht el arte, el arte povera, y otros muchos con la partícula "neo" delante de Cualquier movimiento prestigioso del pasado, aceptaban la hipótesis de la muerte del arte en su versión hegeliana, y proponían una producción artística dedicada a la reflexión sobre el arte y no a su disfrute.
El cruce de Ambas Ideologías, la de "La Vanguardia" como pura instrumentalización política del arte, y la de las Neovanguardias como movimientos de reflexión negativa sobre el acabamiento de las Artes, produjo un inmenso desierto que Ni siquiera el regreso a la pintura de los ochenta años y la desbocada carrera de neoexpresionistas alemanes y transvanguardistas italianos ha conseguido subsanar. En resumidas cuantas, La destrucción ha sido tanta, que es Difícil Explicar el contenido del concepto y la actividad del arte en la actualidad, sin un cierto conocimiento de filosofía, por mucho que en los medios de comunicación SE UTILICE la palabra arte. Opina que nos Encontramos hoy en día en una situación similar a la de la Iglesia Católica, que con la popularización de la tele, y el coche el fin de semana, se ha visto muy mermada en cuanto un número de seguidores. Las iglesias del arte También van a quedar desiertas, excepto para el turismo. Pero no sabemos que ocurrirá Después. En todo caso, la intuición de que algo está sucediendo, es lo que nos Permite el uso abusivo de un término como posmoderno o tambien tardomoderno.
Concluye Diciendo que en ningun momento ha Podido entrar en valoración artística alguna, ya que ninguno de los términos aquí empleados cumple otra Función, que la de clasificar según las Normas de la Historia del Arte y de la filosofía del arte. Ninguno de los términos hasta aquí examinados tiene sentido fuera de las discusiones puramente clasificatorias.
WINCKELMANN
Johann Joachim Winchelmann (1717-1768), Fue el primer historiador del arte. Azúa se pregunta el por qué de la Necesidad de una historia de las artes. Lo cierto es que desde la antigüedad greco-latina se había escrito sobre los artistas y sus obras, pero hasta Winckelmann había nadie Presentado una historia sistemática Capaz de incluir la Totalidad de las obras de arte de una época, Aunque sólo se hablara de unas pocas . Antes de Winckelmann, hubo escritores que contaron historias sobre Algunas obras de arte famosas o sobre las vidas de sus autores, pero No fue más que eso. En cambio científico era Winckelmann, y como tal le importaban los conceptos y las leyes.
Hubo una época en la que no existia la historia. Esto nos Resulta Difícil de Comprender, ASÍ QUE para saber como era entonces, podemos Analizar los pueblos Que No Tienen escritura y no ven la Necesidad de registro lo sucedido en su memoria colectiva. El mundo occidental Comenzó un registrador de lo que sucedia Cuando sus pueblos iniciaron su independencia Respecto al mundo divino. En cambio los registros hebreos, asirios, egipcios, chinos, hindues y de los indios americanos, no hay historias Pueden considerarse. La palabra griega "historia" se Refiere a la investigación Necesaria Para alcanzar conocimiento. Los occidentales utilizaban las historias para Ampliar su saber positivo. Las historias debian de ser acumulativas y tenian un carácter político, de educación del ciudadano. En cuanto a las obras de arte, en principio nadie PENSABA que contuvieran lecciones de política o moralidad, y por consiguiente, nadie le veia nada "histórico". Pero Winckelmann descubrió que si eliminaba la figura del artista y se le llamaba al dios inspirador Estilo, entonces las obras de arte dejaban de ser individuales, y las historias de las cosas artísticas se convertían en la Historia del Arte Antiguo. Era una historia científica, Porque no necesita citar una todas las obras y los artistas, sino que habla de las leyes que dan sentido racional a las obras de arte. Las artes, pasan de ser unos oficios que producían objetos dispares, Ser. A, prácticas científicas.
Winckelmann utilizo la metáfora biológica que ya Usó Vasari, según la Cual el arte de los griegos nace en el periodo "arcaico", alcanza la plena madurez en la Atenas de Fidias, y Decae hasta su extinción a partir de la expansión Alejandrina. Azúa nos apunta que aquí lo importante es que Winckelmann Trata el tema de Manera Científica y Propone una ley que explica el desarrollo del arte griego, y es esta que El proceso del arte griego Fue una encarnación en arte del concepto político de democracia. El recorrido del arte griego tomaba un sentido trascendente y externo, el de la libertad individual.
En la época moderna se piensa que una obra de arte si es buena, entonces es autosuficiente. De este pensamiento nacen las Autonomías artísticas. De hecho llamamos "obra de arte", un Creaciones Aquellas que Tienen Sus Propias Leyes, y cuánto más Propias e irrepetibles sean, más artística y es considerada la pieza. Y la "obra maestra" seria la que contiene Sus Propias Leyes en grado modélico, y por ello le Suceden una serie de Discípulos. Sin embargo, la Historia del Arte que construye Winckelmann, es una Totalidad, en la que ninguna pieza es independiente de las demás. Las Leyes de la obra de las arte decidir la época, y la "obra maestra" es representante Porque magistral A UNA Época, representantes de A UNA sociedad. Así las cosas, la producción artística queda fuera del control humano y divino. De Los artistas son meros transmisores del estilo de la época, y la Producción estilística va pasando de artista en artista. Pero desde Winckelmann nos pReGuNTaMoS quién o qué determina las leyes estilísticas de cada Época. Aunque se han Dado muchas respuestas, todas han sido insatisfactorias. Pero lo importante no es la respuesta, sino la pregunta. Winckelmann amaba tanto a las obras de arte de la antigüedad, Que No Tuvo más remedio que destruirlas. La Historia del Arte y conceptos como "estilo" y "Época" destruyen las obras de arte. La actual Inexistencia de obras de arte es Debida A NUESTRO convencimiento de que toda obra de arte es un producto histórico. Pero las obras de arte no Pueden ser verdaderas obras de arte si son productos históricos. Winckelmann Logro cometer los productos del arte a la filosofía, y su pensamiento se encuentra en el origen de nuestro modo de entender las épocas y las artes. La influencia de sus obras, es incalculable, sobre todo a Través de filósofos como Hegel y literatos como Goethe. La época moderna ha decidido, siguiendo a Platón, no Permitir la autonomía de las Artes, lo que las ha destruido. Winckelmann Desde el principio opta por un método, la descripción pormenorizada y Rigurosa de una pieza, Que Tiene La Finalidad de sustituir la presencia de la obra Mediante la palabra. Por otro lado Winckelmann afirma que la obra es insustituible, es imprescindible que verla e INCLUSO tocarla, pero el caso es que procede una sustitutoriamente describirla. Esto seria una anticipación de lo que W. Benjamin llama "la obra de arte en la época de su reproducción técnica". Estas Divulgaciones del arte Tratan de destruir la presencia, cosa que Parecía ser el Objetivo de Winckelmann. Y esta Intención suya permitio que se abrazara bastante en la Carrera del nihilismo. Winckelmann Facilito que los productos artísticos se convirtieran en meros documentos históricos Cuya presencia es innecesaria pues Pueden consultarse en multitud de formatos. Pero Cuando La obra de arte es sólo un documento histórico, entonces deja de ser una obra de arte, y Se convierte en un signo controlado por La Razón, La Cual Le Dará un destino Seguramente político. Y ya que todos somos historiadores, y lo son tambien los artistas que Representan su época con sus movimientos y manifiestos, es imposible que se produzca algo parecido a lo que llamamos arte aplicado A LOS antiguos. A no ser que alguien Pueda escapar de su cárcel histórica.
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