El cine mudo

Cumplo un año. Sí señor@s. No es mentira ni tampoco vanidad. Hoy hace un año que publiqué mi primera entrada en este blog; doce meses han pasado ya desde aquella entrada dedicada a El crepúsculo de los dioses... (White Gold)
Por eso, hoy queremos celebrar nuestro primer año juntos en este blog compartiendo una entrada. Y que mejor manera que hacerlo hablando sobre un género que aún no ha sido tocado en este blog, el cine mudo. Hablaremos de dos géneros muy diferentes y esperamos que lo disfruten. Y no me queda nada más que añadir excepto decirle a mi amigo White Gold, gracias por enriquecer tantísimo este blog, sin ti no sería lo mismo. (Bruja Truca)
NOSFERATU, 1922 (POR WHITE GOLD)

El romanticismo como movimiento literario es mi favorito, y esta adaptación de la romántica Drácula encaja perfectamente con los cánones de lo que considero buen cine. Además, ¿no hay nada más romántico que morir por amor? ¿o que la pasión te haga perder la noción del tiempo, con lo que ello implicará? ¿y esa escena en la que las Tinieblas desaparecen ante la Luz?
Conocida como Nosferatu el Vampiro o Nosferatu, una sinfonía del horror, este símbolo del cine mudo y del expresionismo alemán sigue atrayendo la atención de millones de cinéfil@s. Aficionados al cine en general, y al de vampiros en particular, consideran esta película como de culto. Y no es para menos. Su visualización, es obligatoria.

Corre el año 1838, Hutter (Gustav von Wangenheim) y Hellen (Greta Schröder) son una feliz pareja que viven en la ciudad de Wisborg hasta que el jefe del joven, Knock (Alexander Granach) recibe una carta repleta de símbolos misteriosos que proviene del Conde Orlok (interpretado por Max Schreck), quien desea comprar una casa en la ciudad. Para cerrar la venta, el agente inmobiliario decide enviar a su joven empleado, por lo que éste deja a su esposa con su mejor amigo y su mujer para que no esté sola tantos días.
Es entonces cuando Hutter emprende su viaje a los Cárpatos, y estando cerca ya de su destino, para en una posada para pasar la noche. Allí, en su habitación, ojea un libro que hay encima de la mesita de noche. Un libro sobre vampiros, que al principio tilda de supersticioso pero que con el devenir de los acontecimientos, su memoria hará que no se olvide de él, teniéndolo siempre muy presente.
A la mañana siguiente, un cochero le lleva hasta el bosque pero, llegados hasta un punto concreto, se niega a pasar. Es entonces cuando otro coche misterioso, enviado por el Conde Orlok, lo recoge y lo lleva a una velocidad sobrenatural hacia el castillo... y es a partir de este momento cuando se precipitan los acontecimientos: el joven inmobiliario se corta en un dedo y el instinto del vampiro le lleva a chupar esa sangre que brota del dedo pero es frenado al ver el crucifijo, a la mañana siguiente Hutter se despierta con dos marcas en el cuello que atribuye a los mosquitos...mientras tanto, su amada Hellen tiene extraños sueños y visiones.
El miedo se apodera de Hutter, y decide explorar el castillo. Llega a la cripta, y le ve durmiendo en su ataúd... el conde se irá de allí, en un barco que infectará de ratas dando muerte a todos sus tripulantes. Hutter, temiendo por la vida de Hellen, corre tras él.

F.W. Murnau quiso llevar al cine una adaptación de la novela de Bram Stoker Drácula, sin embargo, su viuda, que era la dueña de los derechos de la obra, se negó en rotundo. Y es que a principios de los años 20 el cine era aún considerado como un arte menor, y la mayor gloria de una creación literaria era ser llevada al teatro. Fue entonces cuando el director alemán decidió cambiarle el nombre, para evitar pagar los derechos y creó Nosferatu. Pero aquí no acaba el asunto, ya que la viuda de Stoker no se quedó quieta y llevó a los alemanes ante los tribunales, que le dieron la razón y ordenaron la destrucción de todas las copias existentes de la cinta.
Por suerte, el éxito de la película y su exhibición internacional, hicieron que se crearan miles de copias y por tanto resultase imposible hacer caer en el olvido la película. Pero ocurrió una cosa: y es que al intentar resguardar el film de su destrucción, algunas copias quedaron dañadas y con una calidad pésima. Por lo que existen diferencias entre unas copias y otras, de tal modo que una cinta alemana no dura lo mismo y no presenta las mismas escenas que una estadounidense, una francesa o una italiana. La reconstrucción más fiel fue la presentada en 1984 en el Festival de Cine de Berlín.

Nosferatu fue la primera incursión del Conde Drácula en el cine, y también la primera (y única) película producida por Prana Film, fundada en 1921 por Enrico Dieckmann y Albin Grau (que además se hizo cargo de la dirección artística y el vestuario de este film).
El rodaje comenzó en julio del 21 en la ciudad alemana de Wismar (que en la película es Wisborg) y abundan los planos exteriores (algo poco común con el género expresionista). En Lübeck se situó el rodaje de los planos que hacen de casa del Conde en Wisborg; el equipo de realización también se desplazó hasta los Cárpatos donde el castillo de Ovara (situado más concretamente Eslovaquia, y en aquel entonces prácticamente destruido); el río Váh sirvió para rodar el viaje de los ataúdes por el río; los planos interiores se rodaron en los estudios de Berlín.
Para el rodaje solamente se disponía de una única cámara y un sólo rollo de negativo, por lo que Murnau hubo de usar cronómetro para vigilar el ritmo de las actuaciones y el tiempo que se empleaba en el rodaje.
La película se proyectó el 4 de marzo de 1922 en el Salón de Mármol del Jardín Zoológico de Berlín, como una especie de fiesta privada en los que los invitados a tal evento debían ir vestidos al estilo de la época de Biedermeier. Se le llamó El Festival de Nosferatu. Poco antes del estreno, la revista Bühne und Film sacó una edición especial dedicada a la película con fotos, anécdotas de rodaje, informes de los ensayos e incluso un tratado sobre vampirismo escrito por Albin Grau. El 15 de marzo del 22, se estrenó en el Primus Palast de Berlín.
La crítica elogió la técnica y la iluminación, sin embargo la caracterización del vampiro fue alabada y criticada a partes iguales.
La productora, Prana Film, se declaró en bancarrota tras la denuncia (y posterior victoria) de la viuda de Bram Stoker, Florencia, por plagio y violación de los derechos de autor.

Nosferatu es, junto con El Gabinete del doctor Caligari y Metrópolis, el máximo exponente del cine expresionista alemán, que a grandes rasgos se caracteriza por:
- Rodaje en estudio, y no uso de exteriores (esta película es la excepción que confirma la regla);
- Respeto (aunque no total) a las unidades de tiempo y espacio;
- Simplicidad argumental;
- Interpretaciones sobrias;
- Todo ello contribuye a la creación de atmósferas cerradas y opresivas.
La mayor característica sería la primacía de lo subjetivo y la propia visión del director de la película. Lo sobrenatural y lo fantástico, lo desconocido y lo siniestro se dan cita en este tipo de films, fruto del pesimismo alemán.
El aspecto estético más destacado es el uso de la luz: en especial el contraste de las luces y las sombras (en este sentido, en Nosferatu, una de las escenas más emblemáticas es esa en la que el Conde Orlok sube las escaleras hacia la habitación de Hellen y se ve una sombra proyectada en la pared, pero no vemos el cuerpo del monstruo. El fotograma está más arriba, en este mismo post).

Arriba, grabado de 1923 del castillo de Orava, donde se rodaron las escenas del castillo del Conde Orlok. Abajo, el complejo amurallado en la actualidad, tras ser restaurado.

EL CHICO (THE KID) 1921(POR BRUJA TRUCA)

Porque ninguna pelicula en la que se gasten millones de dólares en efectos especiales podrá hacerme sentir tanto como ésta pelicula muda.
Porque ningún dialógo que haya visto en el cine me ha emocionado nunca tanto como cualquier escena de esta maravillosa pelicula sin decir una sola palabra.
Porque he llorado sólo tres veces viendo una pelicula: la primera vez que lloré viendo una pelicula fue con El Chico, la segunda vez que lloré viendo una pelicula fue con El Chico y la tercera vez que lloré viendo una pelicula fue con El Chico.
Porque ninguna pelicula me ha hecho llorar y sonreir al mismo tiempo y tantas veces.
Porque el mundo con el cine de Chaplin es un lugar mejor.
Por eso escojo esta pelicula en un dia especial y por eso se la recomiendo a todo aquel que no haya disfrutado de esta obra maestra, porque ningún buen ser humano que se precie debería morir sin haber visto El Chico.
Guión, dirección, producción, música (versión restaurada) y protagonista principal: Charles Chaplin, el genio.
Hace un año y medio que decidí crear este blog y os preguntareis como si tanto me gusta la obra de Chaplin, nunca he hablado de él. La respuesta es muy sencilla: me gusta tanto, que no me atrevo. Pero cuando mi amigo White Gold me propuso hacer una entrada conjunta de cine mudo no me lo pensé, tenía que hablar de esta pelicula y de mi cineasta favorito. Pero como veis, no me sale hablar de aspectos técnicos, me sale hablar desde las vísceras, porque es hasta ahí donde el maestro logra llegar, pues su cine además de hacer reir, también hace llorar, traspasa almas y remueve conciencias.

Así en El Chico nos cuenta la historia de como una madre, sumamente pobre, se ve en la necesidad de abandonar a su hijo en la casa de unos millonarios. Pero una serie de circunstancias hacen que el niño termine siendo criado por un vagabundo. Ambos se ven obligados a subsistir en un mundo de pobreza en el que la picaresca es necesaria para sobrevivir. El chico rompe cristales y su padre adoptivo pasa casualmente por la puerta con un cristal nuevo.

No tienen la misma sangre ni los mismos genes pero son padre e hijo. No tienen dinero pero nada podría comprar el amor que hay entre ambos. Lejos de regodearse o quejarse por vivir en el ambiente de suma pobreza en el que viven y que tan bien recrea Chaplin, el chico y su padre son felices y se cuidan mutuamente. Podemos ver la tierna y conmovedora escena en la que el pequeño hace el desyuno para su padre cuando está enfermo con menos de cinco años y una agilidad pasmosa y simpática.
Pero cuando el chico cumple cinco años su madre, convertida en una popular cantante, intenta recuperarlo. La policia se presenta en casa de ambos y se crea una escena que será irrepetible en el cine. Una escena desgarradora y demoledora.




No puedo ver esta escena sin llorar, me es imposible, incluso si la veo sin ver la pelicula entera. Y es aquí donde me pregunto, ¿cómo lo hacía Chaplin? ¿Cual es el secreto por el cual se puede emocionar tanto a millones de personas sin diálogos y a pesar de los años? Tened en cuenta que ni siquiera escuchamos llorar al niño. Por no saber ni sabemos su nombre ni el del vagabundo. No están personalizados, siempre serán el chico y el vagabundo. Es por eso que no importa como se llamen ni quienes sean los protagonistas. Se trata de temas, no de personas. Se trata del amor y del vínculo entre dos personas, entre padre e hijo, que podrían llamarse de cualquier manera o ser de cualquier parte del mundo. Se trata también de la denuncia de la pobreza y de la felicidad a pesar de todo.
Algunos afirman que Chaplin retrató su propia infancia y la de su medio hermano con ésta película. Abandonados por el padre y con su madre internada en un instituto para enfermos mentales sus dos hijos fueron internados en el Asilo Lamberth y en la Escuela Hanwell para Niños Huérfanos.
«Pasó muchos años en manicomios. Pero en sus últimos siete, vio a sus hijos triunfantes. Eso hizo que recobrara en parte su salud»
Charles Chaplin habla sobre su madre.
Habría que tener una piedra por corazón para querer que el chico vuelva con su madre. El vagabundo no puede darle nada material, ¿pero a quien demonios le importa?

Cuando pienso en las mejores interpretaciones que he visto nunca en el cine, siempre pienso en el pequeño Jackie Coogan.
Chaplin lo descubrió en un voudevill bailando el "shimmy", un baile de salón que estuvo muy de moda en los años 20. Coogan llamó la atención de Chaplin por su mímica y sus movimientos corporales.
Pero no sería la primera película para Jackie, pues el pequeño Coogan había obtenido su primer papel en una película a los 3 años, llamada Skinner's Baby.
Coogan alcanzó la gloria a los 7 años con esta pelicula de Chaplin. Aunque al año siguiente protagonizó Oliver Twist, una pelicula dirigida por Frank Lloyd.
Al buen hacer del pequeño también hay que añadir la perfección de Chaplin que rodó una media de 53 tomas por cada escena escogida.
No obstante, Chaplin dijo de él que fue el mejor actor con el que trabajó en su vida.

La popularidad de Jackie Coogan fue tal que se convirtió en una de las primeras estrellas en tener todo tipo de artilugios con su apariencia, tal como muñecos, figuras, silbatos o crema de cacahuete.

En España, el chico, tuvo sus propias galletas, ¿os suenan?
Vale, las galletas de la imagen tienen sus años, pero que me decías de éstas que las tengo yo en mi casa ahora. Y si buscais por la caja vereis que en la caja pone que la imagen del niño de la galleta es el chico, de Chaplin. Yo lo ví hace pocos días.
Pero Jackie Coogan no sólo fue famoso por su labor artística, sino también por su labor filantrópica. Intentaré ser breve. A raíz del genocidio armenio durante la Primera Guerra Mundial una organización filantrópica estadounidense, Near East Relief (NER) proporcionaba ayuda humanitaria a los supervivientes de la tragedia.
Más de un millón de armenios refugiados indigentes y huérfanos necesitaban ayuda urgente. Ante esta dificil situación los directores de la organización le pidieron ayuda a Jackie Coogan y otros miembros de la profesión para la donación de ropa a los refugiados, pues se acercaba el invierno. Y Jackie Coogan se convirtió en un "fenómeno infantil."
Ante el éxito obtenido, la NER pidió permiso a los Coogan para envolucrar a Jackie en una campaña de recaudación de fondos. El padre de Coogan afirmó que quería que "Jackie viera e hiciera algo contra las dificultades y sufrimientos que han tenido que soportar niños de su misma edad."
En 1924, Jackie encabezó para NER la "Cruzada de los niños" que apeló a los niños de Estados Unidos a conseguir un cargamento de productos por valor de un millón de dólares para los indigentes y huérfanos de Oriente próximo.
Jackie realizó la primera búsqueda y recolección de fondos y productos en tren por Estados Unidos y Europa.

Pero como casi siempre suele pasar, los actores infantiles no tienen mucha suerte en la edad adulta. En el caso de Coogan, su estrella se fue apagando poco a poco y al crecer su popularidad fue menguando. Como actor infantil, Jackie Coogan ganó cerca de 4 millones de dólares que su madre y su padrasto disfrutaron enteramente. En 1936, el actor los demandó pero sólo recibió 126.000 dólares.
Como adulto, el éxito le encontró de nuevo a los 50 años, encarnando al Tío Lucas, o Fétido, como conocemos por estos lares al tío de La Familia Adams, en la serie de los años 60.

Hay una anécdota que cuenta como una chica que había sido fan de la serie se encontró a Coogan en una cafetería. Le pidió un autografo y cuando lo leyó gritó "¿Quien es Jackie Coogan? No sé quien es. Yo sólo quiero que aquí ponga Tío Lucas."
En fin...podría seguir alabando a Chaplin, ese "analista de humanas desdichas", ese genio del cine, pero si después de todo lo que he dicho ya no veis ésta película no creo que deba seguir.
El Chico está considerada como el primer largometraje de Chaplin y puede que no sea la mejor pelicula del maestro pero es una de las mejores películas de la historia. La muestra imperecedera de que para hacer algo grande sólo hace falta TALENTO.
Lo mejor: todo.
Lo peor: después de verla, es dificil ver algo mejor.
Os dejo con éstas memorable fotos de 1936 en el set de rodaje de Tiempos Modernos, donde aparece Chaplin con un Jackie Coogan de 22 años.

Un saludo a todos y hasta la próxima entrada corazones.