John lennon – capítulo 1 (hay vida después de the beatles)

Hola Graminoleños.

Hoy vamos con uno de los grandes entre los grandes, con uno de los más geniales, genuinos, auténticos y aclamados como es el señor John Lennon. Su figura va más allá del mundo de la música porque su talento, su carisma, su capacidad de liderazgo, su rebeldía y tantas y tantas características de su personalidad le han convertido en uno de los músicos más aclamados de la historia de la música. Si a eso le sumamos una muerte trágica como la que sufrió no es de extrañar que nos encontremos ante un auténtico mito.

Pero al igual que hice con la narración de la carrera de George Harrison, me voy a centrar en exclusiva en su carrera en solitario una vez disueltos The Beatles, ya que como os comente en su día, para ellos hay que hacer algo muy especial y tengo que encontrar el momento más adecuado. Así pués, arrancaremos el recorrido de hoy a partir del año 1970, momento en que perdimos un grandísimo grupo y ganamos cuatros impresionantes solistas.

Su carrera siempre estuvo marcada por una vida personal bastante dura y peculiar durante sus años de niñez y pubertad. Un padre casi siempre ausente y que terminó por abandonarle, una madre que se desentendió de él y unos tíos que fueron los que le acogieron en su seno formaban un cóctel explosivo que le forjaría un carácter de rebeldía que mantendría hasta el momento de su desaparición.

De todos es sabido la gran rivalidad que existiría entre él y McCartney mientras convivieron en The Beatles, algo que se mantendría incluso en sus primeros años por separado, ya que Lennon no encajaría demasiado bien que su compañero se anticipara a él a la hora de publicar su primer disco en solitario que llegaría en el año 1969. En su caso concreto aparecería un año más tarde y merecería la pena la espera, ya lo creo.

Pero antes de ese momento, para abrir boca, en el mismo año 1969 aparecería el que es su canción de debut en solitario. Un tema mítico que se ha convertido en un auténtico himno al pacifiscmo y que con una melodía sencilla y pegadiza y un estribillo muy fácil y contundente se convertiría en su primer gran éxito. Estoy hablando de la maravillosa “Give Peace a Chance”.

Lo curioso del caso es que al estar bastante harto de su excesiva popularidad y a su exposición continua a los medios de comunicación, decidiría no fimar el sencillo con su nombre sino que lo haría como Plastic Ono Band, algo que dejaría bastante confundido a más de uno y más de dos. Además sería la primera vez que llevaría a cabo un acto que se volvería casi una costumbre como es que en la cara b del disco figurara un tema intepretado por su adorada Yoko Ono.

Una vez roto el hielo, y antes de publicar su esperado primer álbum, Lennon demostraría que todas y cada una de sus canciones iban a llevar un mensaje tras ellas, bien para contar alguna de sus vivencias y experiencias, bien para hacer una crítica o una defensa sobre algún tema de actualidad.

Si con su primer single nos hablaría de paz y amor, tema muy recurrente en aquella época, con el sencillo abordaría un tema más personal. Se trata de “Cold Turkey” y en él habla de su recién abandonada adicción a la heroína, labor en la que le acompañaría su inseparable Yoko.

Todavía llegaría un tercer sencillo antes de la aparición de su primer larga duración y sería el útimo firmado como Plastic Ono Band. En esta ocasión vendría marcado por el tema espiritual que tanto le atraería desde que iniciara su relación con Yoko y se convirtiera en una especie de filosofía de vida para él.

La canción en cuestión llevaría el título de “Instant Karma” y sería la primera ocasión en la que colocaría uno de sus temas en los puestos de mayor privilegio de las listas de éxitos a ambos lados del Atlántico. Claramente el título lo dice todo.

Este éxito mostraría bien a las claras que la carrera de Lennon en solitario iba a ser muy distinta a la que había firmado con The Beatles en cuanto a estilo musical, pero muy parecida en lo relativo a ventas y acogida popular, por lo que se esperaría con grandes ansias la aparición de su primer larga duración que como digo llegaría en el año 1970 bajo el título de “John Lennon / Plastic Ono Band”.

El disco tendría una gran acogida por parte del público, que había superado como había podido la separación de The Beatles y estaba deseoso de poder saborear la música que sus cuatro componentes eran capaces de hacer por separado. Las críticas sería bastante buenas en líneas generales, habida cuenta de que para los especialistas, Lennon siempre había sido considerado como el más talentoso de los cuatro fabulosos.

El sonido que mostrarían las canciones incluidas en su álbum de debut tienen como denominador común la sencillez. Los arreglos se alejan de nuevas técnicas y los instrumentos suenan siempre destacando la voz de Lennon. Su filosofía de vida desde que se enamorara de Yoko le había llevado a intentar alejarse de los focos y de los fuegos de artificio.

Entre las canciones más destacadas figura “Mother”, en la que le da un repaso a su niñez y a las carencias padecidas durante esos años. Un padre que le abandonó y una madre que nunca se ocupó debidamente de él y que moriría en un atropello cuanto él contaba únicamente 17 años. Un auténtico lamento hecho música.

Cada canción de este disco es una auténtica emoción, una auténtica vivencia. En ocasiones aborda temas personales, en otras sociales, pero sus letras no dejan indiferente a nadie. El contraste entre la sencillez de su sonido y la lucided, acided y crítica de sus letras lo hacen único.

Entre las canciones más volcadas con temas de actualidad y sociales nos encontramos con “Working Class Hero”, un tema dedicado a la clase trabajadora que le convertiría en un abanderado de diversas causas relacionadas con la lucha por los derechos frente a la opresión.

Como iremos viendo en este artículo, sus andanzas durante estos años y los siguientes no estarían exentas de cierta polémica. Sus actos y declaraciones provocaban opiniones para todos los gustos y en algunas ocasiones las letras de su música sacaban de quicio a las facciones más conservadoras de la sociedad de aquellos tiempos. Supongo que os suena.

Y es que abordar el tema religioso en una canción era sinónimo de polémica, censura y discusión, algo que traería consigo este “God”, un tema en el que Lennon deja bien a las claras su opinión al respecto, haciendo un guiño metafórico a la reciente separación de The Beatles, ya que en su momento él mismo afirmaría que eran más populares que Jesucristo y ahora todo esto no existía.

Durante su carrera en solitario, Lennon rompería algunos esquemas habituales en los artistas de la época. Uno de ellos sería el de publicar sencillos previos a sus álbumes, hasta aquí nada fuera de lo normal, pero que luego no serían incluidos en sus discos, aquí está la novedad. Así que algunos de sus temas más representativos o se adquirían como sencillos o había que esperar a que fuesen incluidos en algún recopilatorio.

Esta fórmula la repetiría justo antes de publicar su segundo trabajo, apareciendo en el mercado un sencillo que iba a convertirse en otro de sus clásicos. Se trata de “Power to the People”, una canción que habla de la unidad de los hombres para alcanzar todas sus metas. Un tema grandilocuente con un espectacular acompañamiento de un coro formado por más de 40 personas.

Su carrera como solista viajaba viento en popa y a toda vela y con su segundo larga duración iba a confirmar esta tendencia. Llegaría en el año 1971 bajo el título de “Imagine” e iba a convertirse en un éxito rotundo asentándole definitivamente en el panorama musical internacional. Los que dudaban de que por separado The Beatles pudieran seguir cosechando éxito tendrían que admitir su grandísima equivocación.

Como hemos ido comprobando y seguiremos haciéndolo, una de las mayores preocupaciones de Lennon, uno de sus temas preferidos en sus canciones es el de la paz. Pacifista reconocido siempre tenía alguna declaración en contra de cualquier guerra y de los gobiernos que las promovían. Pues bien, en este disco se incluye el himno pacifista más grande jamás escrito y la que es posiblemente su canción más reconocida.

Como todos os estaréis imaginando me estoy refiriendo a la mágica “Imagine”, posiblemente su mejor canción, en la que la sencillez vuelve a ser su seña de identidad con la voz de Lennon acompañada únicamente de una dulce melodía de piano. Grandísima canción.

En líneas generales el disco muestra una cierta apertura hacia arreglos algo más arriesgados pero sin caer en la exageración. Además los mayores éxitos de este álbum vendrían de la mano de los temas más tranquilos de las baladas que conquistarían rotundamente al público y, sobre todo, a la crítica.

En este sentido, otra de las baladas incluidas en el disco cosecharía bastante éxito y años después repetiría la jugada intepretada por otro de los grandes grupos de la historia de la música. Se trata de un tema que inicialmente iba a llevar el título de “Child of Nature” ya que fue compuesto por Lennon en su etapa de estancia en la India buscando su esencia personal y su esperitualidad. Sin embargo, la canción fue poco a poco evolucionando por una pequeña crisis en su relación con Yoko provocada por los celos. De ahí a que finalmente viera la luz esta sencilla pero indispensable “Jealous Guy”.

Diez años después, en 1981 y tan solo un año después del asesinato de Lennon, los chicos de Roxy Music le rendirían tributo realizando una versión que, con todos los respetos, a mí me parece muy superior al original. Lennon la hace grande, pero es que Ferry y los suyos la convierten en inmensa.

Las críticas hacia el disco fueron muy favorables y sus ventas le llevaron a los primeros puestos de las listas de todo el mundo. Además Lennon contaría con la colaboración desinteresada en algunas canciones del mismísimo George Harrison que iba a formar parte de una especie de venganza hacia McCartney sin él saberlo.

Las relaciones entre Lennon y McCartney se fueron deterierando con el paso de tantos años juntos, como todo el mundo sabe, y éste último en su disco “Ram” introdujo unas cuantas canciones cuyas letras pasaban factura a la manera de ser del primero. La herida estaba abierta y Lennon no se iba a quedar de brazos cruzados.

Así pues, la letra de la canción titulada “How Do You Sleep?” sería un feroz ataque hacia el que en tiempos de juventud había sido su gran amigo y cuya rivalidad les terminaría de separar casi definitivamente. Mientras tanto, el pobre Harrison ofrecería su talento colaborando en este tema sin imaginarse lo que su letra escondía verdaderamente.

En el mes de diciembre del año 1971 recurriría nuevamente a la fórmula de publicar un sencillo al margen de cualquier larga duración, y aprovechando las fechas le daría un título típicamente navideño, aunque su intención era muy distinta a la de componer un simple villancico.

De todos es sabido la ideología pacificista y antibelicista que Lennon mostró durante toda su vida. Cada vez se involucraba más en estas reivindicaciones y sus peleas con gobiernos y autoridades eran contínuas. De esta forma se le ocurriría componer una canción que tiene todos los ingredientes de un tema navideño pero cuya letra muestra su animadversión hacia los gobernantes que provocan las guerras y, sobre todo, contra el conflicto de Vietnam.

Con estas premisas vería la luz “Happy Xmas (War is Over)” una canción que escuchamos hacia la saciedad cada Navidad aunque lo que realmente esconde no es un villancico. Eso sí, tiene todos sus ingredientes incluyendo un coro de niños procedentes del Harlem Community Choir y, como no, la habitual colaboración vocal de Yoko Ono.

Podría decirse que esta canción sería la gota que colmaría el vaso, ya que desde ese instante el gobierno del entonces presidente Richard Nixon se embarcaría en una cruzada en contra de dúo Lennon-Ono negándose a concederles el permiso de residencia indefinido. Durante varios años, la administración central norteamericana intentaría desprestigiar a la pareja que se mantendría firme en sus pensamientos. Ni que decir tiene que Nixon no supo comprender que no hay mayor poder que el de la música.

Enfrascado en diversas batallas legales por su enfrentamiento con las autoridades norteamericanes, con los sectores más conservadores de la sociedad haciendo campaña contra él e inmerso en ciertos problemas con el alcohol que derivarían en una pequeña crisis con Yoko Ono, en el año 1972 Lennon publicaría su tercer disco en solitario. Se trata de su trabajo más personal, elaborado y comprometido de todos así como el más flojo y de menor éxito de toda su carrera.

El disco llevaría el título de “Some Time in New York City” y se convertiría en el primer disco en el que la participación de Yoko es tal que prácticamente se trata de un trabajo compartido, en el que ella llevaría el peso compositor y vocal de algunas de las canciones. Para su grabación contarían asimismo con la colaboración de la banda “Elephant’s Memory” que iba a convertirse en el grupo de acompañamiento en sus giras durante algunos años.

Desde el primer momento las críticas hacia el disco fueron bastante malas. Los especialistas tacharían su tercer trabajo de mediocre y decadente y por si fuera poco sus ventas caerían en picado. Daba la impresión de que sus seguidores se estaban empezando a cansar de esa imagen de cruzado contra las injusticias. Ellos querían simplemente disfrutar de su talento como músico y lo cierto es que desde hacía algún tiempo el personaje se estaba comiendo al artista.

Por si fuera poco, el sencillo elegido para ser publicado como presentación del disco desataría una tremenda polémica en los Estados Unidos. Se trata de “Woman is the Nigger of the World”, una canción compuesta en un principio para defender los derechos de la mujer y denunciar la marginación que ésta recibía en el mundo pero que sería censurada y criticada hasta la saciedad por introducir en su título la palabra “nigger” que es la manera más despectiva para referirse en inglés a una persona de color. Una vez más la polémica iba por delante de su música.

A pesar de todo sus giras seguirían siendo multitudinarias, pero lo cierto es que se encontraba en un momento de cierta crisis creativa. Los acontecimientos personales le empezaban a desbordar, lo que sumado a que la participación de Yoko en sus discos era cada vez mayor, una vez más el debate sobre la influencia de su gran amor saltaría a la palestra.

Otra de las canciones destacadas de este disco viene cargada de tintes políticos. Se trata de una composición que aborda el tema de las relaciones entre el Reino Unido y el Ulster y que lleva el mismo título que otra canción de U2 que se introduce en la misma temática. Me estoy refiriendo a “Sunday Bloody Sunday”, pero ojo, no hay que confundirlas entre ellas.

En líneas generales este trabajo es una especie de punto negro en su trayectoria. Los distintos boicots por sus constantes enfrentamientos personales y sociales con distintos estamentos, algunos que le estaban esperando para pasarle factura a Yoko y, no hay que obviarlo, que parecía que la inspiración se le había escapado un tanto, nos deja un disco que no está a la altura de lo que él siempre ha sido capaz de ofrecer.

Eso sí, no quiero cerrar el apartado dedicado a este disco sin destacar una canción que a mí me gusta bastante y que creo que es obligado reseñar. Desde que iniciara su carrera en solitario no había sido demasiado habitual que se moviera en las aguas del rock sino que el pop fuese su más fiel compañero. Pues bien, en esta ocasión haría una pequeña excepción con este “New York City”, un tema con puro sonido rock & roll.

De lo que no cabía ninguna duda es de que algo había cambiado. Lennon se econtraba cada vez más lejos de ser un artista conocido exclusivamente por su música y su talento sino más bien por sus polémicas. Todos estos problemas le llevarían a empezar a beber más de la cuenta y ni la propia Yoko era capaz de hacerle recapacitar y retonarlar a la senda correcta. Así las cosas la situación empeoraría todavía más.

La crisis sentimental de la pareja tocaría fondo y se haría insostenible por lo que en el año 1973, en pleno proceso de grabación de un nuevo disco, la pareja decidiría separarse. Como era de suponer, este hecho sumiría a Lennon en una profunda depresión que repercutiría tanto en la confección del disco como en su vida personal.

Después de muchas dificultades, en un ambiente enrarecido y casi año y medio después de iniciar su grabación, por fin aparecería en el mercado su nuevo trabajo. Llevaría el título de “Mind Games” y sus letras tratarían casi en exclusiva su reciente separación y el estado anímico en el que se encontraba, tratándose pues del álbum más sombrío de toda su carrera.

La figura de Yoko Ono siempre ha sido objeto de debate. Muchos, muchísimos son los que la consideran la culpable de la separación de The Beatles y el que Lennon la considerara su verdadera fuente de inspiración se consideraba una exageración y una pérdida de visión de la realidad. Sin embargo, casualidad o no, en este disco en el que Yoko no estaba a su lado puede comprobarse tanto el amor que siempre le ha tenido como que con ella lejos su música no era la de siempre.

Aunque las ventas de este trabajo fueron superiores a las del anterior, las críticas fueron feroces. En general, los especialistas en la materia consideraron que Lennon había perdido el rumbo y se había convertido en poco menos que una caricatura de sí mismo. Parecía que ya nada quedaba del genio que había sido considerado hasta ese momento.

La impresión que da es que incluso el propio Lennon no tenía demasiado interés en promocionar adecuadamente este disco. De hecho, únicamente se publicaría un sencillo que sería el que le da título al disco: “Mind Games”.

Ésta es una canción en la que habla del poder de la mente y le da otra vuelta de tuerca al aspecto espiritual que tanto marcaría su carrera como solista, dejando al margen esas canciones de crítica social y enfrentamiento con las autoridades que marcaron su anterior trabajo. De cualquier manera, el tema casí exclusivo del que hablan las letras de “Mind Games” no es otro que el de su reciente ruptura con Yoko.

En este sentido, cabría destacar “Aisumasen (I’m Sorry)”, un tema que más que una canción es un gran lamento reconociendo que con su ruptura sentimental posiblemente estuvieracometiendo la mayor equivocación de su vida.

Tras la decepción de este disco pocos serían los que apostarían por una remontada de vuelo. Y es que el estado de ánimo en el que se había sumergido le estaba llevando a un situación casi crítica. Su depresión era evidente y el alcohol comenzaría a convertirse en su habitual compañero de viaje.

Por si fuera poco, en aquella época entablaría amistad con Harry Nilson, un artista que estaba ya de capa caída totalmente alcoholizado. La mezcla sería explosiva y ambos empezarían a ser más conocidos por sus conflictivas juergas y borracheras que por su talento musical.

Así las cosas, era una tremenda incógnica conocer cual iba a ser el futuro de Lennon. Había sido el más grande con The Beatles y sus primeros pasos al margen del grupo habían sido excepcionales y prometedores, pero las cosas se habían complicado inesperadamente y daba la impresión de que su futuro no era demasiado ilusionante. Muchas eran las dudas … las cuales despejaremos en el próximo artículo de “La Graminola”, así que ya sabéis, en unos días os espero aquí como siempre.

Hasta la próxima, Graminoleños.