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Ya sabes que la base de la revista es dar un pequeño repaso con las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.
Junto a las listas distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro póster, a doble página en el centro desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música en directo.
Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Y recordad que siempre estaré abierto a cualquier crítica, consejo, sugerencia o petición que vosotros, Graminoleños, me hagáis.
NUESTRA PORTADA
LA LISTA DE LA GRAMINOLA
La lista que recoge todos los éxitos de actualidad viene esta semana con dos nuevas entradas, ninguna de ellas de reggaetón, lo cual es de agradecer. Un tema de música electrónica con tres protagonistas de tres nacionalidades diferentes y uno de los cantautores españoles de mayor progresión en los últimos tiempos son los que animan un poco la lista que acabamos de estrenar el pasado 11 de febrero. Vamos con ellas.
El productor noruego Alan Walker triunfó a lo grande hace unos cuantos meses con ese espectacular “Faded” e intenta repetir éxito contando de nuevo con la colaboración de una voz femenina muy joven y que aprovecha la cresta de la ola de su hermana para intentar abrirse camino en el mundo de la música. Junto a ellos, la ayuda del DJ británico Digital Farm Animals da cuerpo a una canción que cuenta con las habituales premisas de este tipo de música.
La voz femenina no es otra que Noah Cyrus, hermana de Miley Cyrus, que con tan sólo 18 añitos ya hace sus pinitos en esto de la música. Solamente hace falta desear que no siga el camino de escándalos que protagonizó su hermana mayor en los inicios de su carrera. Papá Billy Ray seguro que se lo agradecerá.
La segunda entrada de la semana viene de la mano de un joven cantautor español que en los últimos tiempos ha adquirido gran popularidad y logrado grandes ventas con sus discos, especialmente con el recientemente publicado, de título “Camino, Fuego y Libertad”. Estoy hablando de Pablo López.
Pablo es un producto de Operación Triunfo, ya que participó en el concurso en la edición del año 2008 quedando en una meritoria segunda posición. Sin embargo su camino no fue tan fácil como el de otros artistas que pasaron por OT ya que a él no le llegaría el éxito de manera inmediata ni su promoción fue la adecuada. Tras varios años de seguir luchando por triunfar le ha llegado el reconocimiento merecido con este último trabajo.
El primer sencillo de este álbum lleva el título de “El Patio”, una emotiva canción en la que nos cuenta como con el paso de los años ha perdido ese niño que llevaba dentro y que tanto echa de menos. Ésta es la segunda y última entrada de la semana, veremos cual es su recorrido.
LOS PIONEROS
La semana pasada dedicábamos esta sección en exclusiva a esos pioneros de lujo que fueron The Beach Boys, referentes de muchos de los grupos que fueron llegando después y, sobre todo, uno de los máximos representantes de lo que se dio en llamar “surf rock”. Pues bien, hoy vamos a ahondar más en este estilo descubriendo a otros artistas que también plantaron sus raíces para que el árbol fuera creciendo. Aquí os dejo tres grandes clásicos de esta añorada manera de hacer música.
DICK DALE & THE DEL-TONES / MISIRLOU
Junto a The Beach Boys, el guitarrista Dick Dale y su grupo The Del-Tones son los máximos exponentes del surf-rock. Dale está considerado como el auténtico padre de este estilo y el que enseñó a muchos otros como tenían que hacer música para lograr los favores del público.
Pero si había algo que le diferenciaba del resto de los integrantes de este estilo era su manera de tocar la guitarra. Nos encontramos ante uno de los guitarristas más virtuosos de la historia, con una manera de tocar que estaba al alcance de muy pocos. No en balde está considerado como uno de los mejores guitarristas del rock.
Esta manera única y tan peculiar de tocar se aprecia claramente en “Misirlou”, su canción de mayor éxito y que muchos reconoceréis porque formó parte de la banda sonora de esa espectacular película de Quentin Tarantino que es “Pulp Fiction”.
THE ASTRONAUTS / BAJA
Os habréis dado cuenta de que muchos de los grupos vinculados al surf-rock de aquella época realizaban musica instrumental, por lo que no es de extrañar que la banda que viene a continuación también se moviera en estas aguas.
Se puede considerar a The Astronauts como otro de los grupos de mayor influencia en este tipo de música. Con un sonido inconfundible en el que las guitarras lo llenaban todo lograron bastante éxito tanto en Estados Unidos como fuera del continente, siendo su tema más popular “Baja”.
Si os fijáis bien en la portada del disco os daréis cuenta de que está escrita en japonés, y es que a los nipones les encantaba el “surf-rock” y acogieron la música de The Astronauts con auténtica pasión llevándoles al número uno una y otra vez. Para que os hagáis una idea de la repercusión que allí tuvieron os diré que vendieron por aquellas tierras más discos que los mismísimos Beach Boys.
JAN & DEAN / THE LITTLE OLD LADY FROM PASADENA
Para terminar la sección de “Los Pioneros” de hoy, dedicada al “surf-rock”, vamos con un dúo cuya manera de compenetrarse con sus voces se asimilaba mucho a la de The Beach Boys, siendo considerados incluso por algunos sectores de la crítica como unos simples imitadores de los hermanos Wilson. Lo cierto es que el parecido era muy grande pero con pequeños matices que les diferenciaban y, curiosamente, la relación entre ambos grupos fue de verdadera amistad.
Jan Berry era el alma-máter del grupo ya que él componía y arreglaba todas las canciones, mientras que Dean Torrence era el gran vocalista que con su manera de cantar en falsete logró que el sonido de Jan & Dean triunfara a lo grande.
Como ya os digo muchos intentaron enfrentarles con The Beach Boys, pero lejos de conseguirlo lo que lograron es que la colaboración con ellos fuera muy estrecha, actuando juntos en vivo frecuentemente y cediéndose los unos a los otros canciones constantemente. De cualquier manera, los mayores éxitos del dúo fueron conseguidos con temas de su propia cosecha como por ejemplo “The LIttle Old Lady From Pasadena”, la canción que a mí personalmente más me gusta.
El ascenso de su carrera fue meteórico, pero un triste suceso iba a tirar todo por tierra. Cuando se encontraban en su mejor momento, en la cumbre, Jan sufrió un accidente de coche permaneciendo en coma durante unos días. Afortunadamente pudo recuperarse pero con graves secuelas ya que sus facultades sensoriales se verían afectadas, teniendo que volver a aprender a hablar e incluso a caminar. Lamentablemente su carrera finalizaría en ese momento.
Aquí dejamos por hoy la sección pionera de “La Graminola” dedicada al surf-rock. Supongo que algunos de vosotros echaréis en falta tal o cual grupo, pero tranquilos porque en algún momento retomaremos el tema. Prometido queda.
LISTA DE LOS AÑOS 60
Iniciamos ya el repaso de las listas de distintas épocas que realizamos cada semana y viajamos hasta el 11 de febrero de 1968 cuya clasificación graminoleña nos deparaba dos grandes novedades de la mano de dos grandes artistas, uno francés, que asaltaba el número uno, y otro español. Distinta nacionalidad pero igual carisma y éxito.
Después de dos meses ocupando el puesto más alto de la clasificación, los chicos de Los Bravos cedían esa posición tan privilegiada a un cantante francés, aunque nacido en Egipto por circunstancias de la vida, que se había hecho un hueco entre los artistas más privilegiados del momento y que con una espectacular versión de una obra mágica iba a cosechar el mayor éxito de su carrera.
se trata de Richard Anthony quien en el año 1968 lanzó una versión con letra del famoso “Adagio” del “Concierto de Aranjuez” obra del talento del maestro Rodrigo. Siempre resulta complicado ponerle letra a composiciones tan maravillosas de música clásica, pero Anthony lograría conquistar al público con este “Aranjuez Mon Amour”, logrando el mayor éxito de toda su carrera y vendiendo millones de discos por todo el mundo.
La canción permanecería en lista durante 55 largas semanas, ocupando durante 11 de ellas el primer puesto. Para que nos hagamos a la idea del éxito que Anthony lograría con ella basta con comentar que mucha gente llegó a pensar que esa canción inspiraría al Maestro Rodrigo para componer su famoso concierto. Ver para creer.
Nos quedamos en España para disfrutar de la única entrada que se produjo en la lista de aquel 11 de febrero, con una canción basada en una leyenda mexicana, interpretada por uno de los artistas más importantes de la música melódica de nuestro país y un auténtico número uno en aquella época, aunque en esta ocasión tendría que conformarse con llegar al top 2 después de 43 semanas con la canción que viene a continuación. Estoy hablando de Raphael.
El éxito que estaba teniendo en aquellos tiempos era tremendo y su manera de cantar y de moverse sobre el escenario, de sobra conocida por todos, es auténtica historia de nuestra música. La canción en cuestión es “Llorona” y como podemos comprobar que la interpreta con la pasión que ha mostrado a lo largo de toda su carrera.
La leyenda de La Llorona es muy popular en México, aunque circulan dos versiones sin quedar demasiado claro cual de las dos es la real. La más aceptada tradicionalmente es la de una indígena mexicana que inició un romance con un caballero español en la época del descubrimiento y tras tener tres hijos con él vería como la abandonaba para casarse con una noble española, lo que la llevaría a ahogar a los tres niños en un río y posteriormente suicidarse. La otra versión, la que con el tiempo ha tenido más visos de ser realidad, cuenta la historia de una mujer que desesperada vagaba por su pueblo llorando la pena que la embargaba mientras intentaba encontrar a sus tres hijos desaparecidos. Sea cual sea la real, a Raphael le vino de perlas la existencia de esta leyenda.
LISTA DE LOS AÑOS 70
Saltamos diez años hacia adelante y continuamos el repaso semanal a las listas, situándonos también en el 11 de febrero aunque en esta ocación del año 1978, para ocuparnos de la única entrada que tendría lugar aquel día. Una canción de uno de los intérpretes más populares y de éxito de aquellos tiempos y que se encontraba en uno de los mejores momentos de su carrera.
Estoy hablando de Pablo Abraira, quien un año antes había logrado un tremendo éxito con los dos primeros sencillos de su carrera en solitario y que ahora intentaba repetir la jugada aunque con un resultado ligeramente inferior. Lejos quedaban ya sus primeros tiempos en el mundo de la música cuando con el grupo Grimm, en el que coinciría con Pedro Ruy Blas, interpretaba música de blues.
Esa semana colocaba en lista este “Pólvora Mojada”, con el que nos acompañaría durante 32 semanas alcanzando como mejor registro el puesto número 7.
No sé si calificarlo de casualidad o premonición porque esa misma semana abandonaba la lista el tema “Don’t Cry For Me Argentina” en la voz de Julie Covington, tema central del musical “Evita”. Algunos años después, el propio Abraira interpretaría el papel del Che Guevara junto a Paloma San Basilio en la versión española de la obra. Vosotros juzgáis si avisamos a Iker Jiménez o no.
EL ÁLBUM DE LA SEMANA
El póster central de “La Graminola” está dedicado a un grupo patrio, procedente de Barcelona, que a ritmo de rockabilly nos ha dejado a lo largo de su carrera grandes canciones. En esta ocasión nos centramos en el año 1991, momento en el que publicarían su mejor trabajo, un disco que a mí me encanta y que conservo como oro en paño en vinilo. En él se incluyen unas cuantas joyitas de las que vamos a disfrutar hoy. Ellos son Gatos Locos y el disco “Cruce de Caminos”.
Barcelona siempre ha sido un auténtico paraíso para los rockers de nuestro país. Desde allí han ido surgiendo infinidad de grupos vinculados al rockabilly que durante la década de los 80, sobre todo desde los tiempos de “La Movida”, y principios de los 90 nos hicieron disfrutar a lo grande. El máximo referente sin duda alguna es Loquillo, pero alrededor de él y sus Trogloditas surgirían otras bandas, algunas de las cuales dejaron muy buena música. De entre ellos Gatos Locos son mis favoritos.
Fernando Lavado, Jordi Llobet, Germán Charles y Santi del Campo se convirtieron desde el momento en el que formaron el grupo en los “Stray Cats” españoles, ofreciendo rockabilly del bueno, con unas canciones intensas de esas que invitaban a bailar casi desesperadamente al calor de unas cervezas. Pronto la crítica y el público se percatarían de que había grupo para disfrutar de buen rock & roll.
Cuando en el año 1991 publicaron “Cruce de Caminos” ya habían adquirido cierta popularidad, pero este disco sería su trabajo definitivo consiguiendo unas ventas jamás antes logradas y colocando varias de las canciones que lo integraban entre las más escuchadas en radiofórmulas y similares. Simplemente escuchando el tema que abre el disco y que le da título ya nos damos cuenta inmediatamente de que se acerca un auténtico torbellino.
Sus primeros tiempos podría decirse que fueron más puristas en cuanto a su estilo, pero la entrada en el grupo en el año 1989 de Juan Carlos Baena y Julio Cano les daría el salto de calidad que necesitaban para convertirse en una de esas bandas que terminaban por gustar a todos, fueran más o menos rockeros, mayores o menores seguidores del pop.
El disco estaba producido por uno de los productores de moda de aquella época, Paco Trinidad, y eso era sinónimo inmediato de éxito. Él supo ver que dándole algunos toques más duros por aquí, otros más cercanos al pop por allí y su habitual talento a la hora de buscar buenos arreglos a las canciones, el salto cualitativo y cuantitativo que podían dar era muy grande. Y en verdad lo fue.
De esta manera el sonido del disco, aunque básicamente es lo que podría denominarse “rockabilly al estilo de los 90”, muestra ciertas variantes en algunas de sus canciones, como sucede en “O Te Quedas O Te Vas”, un tema en el que las guitarras suenas con más potencia de lo habitual en ellos.
Como ya os cuento, desde el primer momento pudo comprobarse que no se trataba de un grupo más, de una de esas bandas que inician su andadura con muchas ilusiones pero que terminan siendo engullidas por la amplia competencia con la que iban a encontrarse. El hecho de que un artista vinculado a su estilo totalmente consagrado se convirtiera en una especie de padrino para ellos sería por así decirlo la definitiva “prueba del algodón”.
Y es que el mismísimo Carlos Segarra, líder indiscutible de una de las bandas que reinaban en las tierras del rockabilly español como eran Los Rebeldes, les ayudaría en diferentes ocasiones a componer sus canciones, echándoles una mano en sus primeros tiempos llevándoselos de teloneros. Como suele suceder en estos casos muchos quisieron infrentar a ambos grupos en una hipotética e imaginaria lucha por ser los mejores en su estilo, pero como vemos la realidad era muy distinta.
No es de extrañar entonces que en muchas ocasiones sus canciones pudieran haber sido interpretadas perfectamente por el grupo de Segarra, aunque existía un matiz que les diferenciaba claramente: la voz de Segarra era desgarrada e intensa, mientras que la de Lavado era más estilizada e inflexiva. Sea com fuere, canciones como “Sopla el Viento” merecen mucho la pena.
Como veréis la música que ha sonado hasta el momento lleva una velocidad vertiginosa y un ritmo espectacular para momentos de ánimo y diversión. Eso no quiere decir que no haya algún tema más tranquilo y romántico, de esos para bailar agarrados, aunque una vez más con cierta diferenciación con respecto a lo que ofrecían en estos casos el resto de bandas que se movían en sus mismas aguas.
La balada por excelencia de este álbum es sin lugar a dudas “Mil Razones” y muestra un sonido dulce y tranquilo en el que destacan sobremanera las voces superpuestas de todos los miembros del grupo, lo que la otorga un aire muy especial. Normalmente cuando un grupo de rockabilly crea una balada, ésta suele transportarnos a la década de los 50 y 60 con aquellas maravillosas canciones en las que la sección de viento y metal lo acaparaban todo. Sin embargo, Gatos Locos se desmarcan un tanto de esta tendencia ofreciendo su acercamiento más claro al pop que a otra cosa.
Hasta ahora estamos comprobando que el disco no tiene desperdicio alguno y que cualquiera de sus canciones tiene una calidad excepcional. No es de extrañar que este disco llegara a ser el más vendido en España durante algunas semanas. Habían dado un gran salto, enorme, gigantesco.
Eso no quita para que haya algún que otro tema que obtuviera menos aceptación, algo nada extraño si lo analizamos en profundidad. “En el Laberinto” es la composición que más se aparta del resto de las melodías ya que tiene un ritmo bastante más elevado, un tono más alto y unas guitarras más crudas e intensas. No se trata de una mala canción, ni muchísimo menos, pero sí que es cierto que para algunos no terminaba de encajar en el álbum. Aun pudiendo estar de acuerdo con esta manifestación, creo que es una buena canción. Además, romper de vez en cuando no está nada mal.
He de pediros disculpas por la calidad del sonido de esta última canción pero es que no he sido capaz de encontrar nada mejor. La otra opción era no ponerla y finalmente he pensado que mejor que figure aquí aunque sin poder apreciar en condiciones su sonido a prescindir de ella.
Muchos estaréis pensando que muy bien, que el disco es bueno, que la música tal, que el sonido cual … pero echaréis de menos alguna otra canción que tuviera poder suficiente como para terminar de atraer al público. Pues esta viene a continuación. Supongo que también estaréis pensando el motivo de que haya tardado tanto en aparecer por aquí y yo os lo explico gustosamente.
En aquella época todavía se publicaban discos de vinilo, de hecho ya os he comentado que ése es el formato que yo tengo, y éstos tenían su cara A y su cara B. Por ese motivo era muy habitual que cada una de las caras empezara siempre con una de las canciones de mayor tirón entre el público, motivo por el cual el que yo considero auténtico tema estrella del álbum llega ahora al ser el que abría la cara B. Explicado queda.
Se trata de “Corro Hacia Ti”, una espectacular canción que se convirtió de inmediato en una de las favoritas de sus seguidores y probablemente la mejor del álbum. La intensidad de su ritmo es palpable y tanto las voces como los instrumentos suenan con una gran calidad.
Casi sin solución de continuidad, la canción que sigue marca un ritmo muy similar y de algún modo podría considerase como una prolongación. En ella Lavado muestra todo su poderío y toda su energía a la hora de cantar. Otra gran canción.
Me estoy refiriendo a “O Te Quedas O Te Vas”, una canción que tiene de todo. Su inicio es tranquilo, con la voz de Lavado arropada únicamente por unas tenues notas de guitarra. Posteriormente entra la batería para dar paso a todo el grupo y ofrecernos auténtico rock & roll, con un buen solo de guitarra incluido. Sin duda alguna nos encontramos ante una de las mejores canciones de su carrera.
Os habréis dado cuenta de que el análisis del “álbum de la semana” de hoy esta basándose única y exclusivamente en el aspecto musical, así sin más. Sencillamente música y nada más. No se puede profundizar más que en este aspecto ya que jamás han dado un escándalo, jamás han manifestado enfrentamientos ni comportamientos oscuros y sus letras son sencillas, en las que se habla de amor, desamor, diversión … sin más pretensiones. Ellos no querían involucrar ni concienciar a nadie, únicamente buscaban hacer lo que más les gustaba y divertir al público.
Quizás éste fuera el principal motivo por el que el disco tuvo tanta aceptación. Ofrecía únicamente diversión y música para bailar y escucharla disfrutando, sin tener que profundizar lo más mínimo en letras metafóricas o similares. Cantaban y contaban historias cotidianas en las que los jóvenes se veían reflejados como en “Noche y Día”, otra canción fabricada para que el ritmo no bajara lo más mínimo. Me encanta esta canción.
Como os comentaba hace un momento, el álbum tiene su cara A y su Cara B y en ambas mantiene una estructura bastane similar. El primer tema de cada una de ellas es una canción estrella, publicada como sencillo y de enorme éxito, convirtiéndose en clásicos de su carrera. Los temas que siguen tienen un ritmo trepidante y repleto de buen rock. Así que ahora toca, como sucede en la cara A, un tema más calmado: la gran balada de la cara B.
Nuevamente el amor es el tema central de la letra de esta balada. Una bonita historia cantada con sentimiento y que nos deja otro momento grande. Así que saboreemos sin más este “Dos Locos”.
Poco a poco nos vamos acercando al final del disco y ellos pensaron que era el momento de volver a acercarse a lo que mejor saben hacer: ese especial sonido que circula entre las carreteras del rockabilly y el country rock. Sé que de tanto repetirlo puede estar perdiendo su verdadero significado, pero no puedo evitar decir que me encanta.
Me estoy refiriendo a “No Verás”, otra canción única y exclusivamente para disfrutar. Música sin más … nada más y nada menos.
Como suele decirse en estos casos, “por causas ajenas a nuestra voluntad …” no os puedo poner la canción que cierra el disco. La he buscado por activa y por pasiva y no aparece por ningún sitio. Solamente he localizado un par de versiones de poca calidad, una de ellas de Pignoise que es para matarlos y que creo que no hacen justicia a su música, así que he preferido obviarla. Espero que sepáis perdonarme.
La canción de la que os hablo lleva el título de “Nada que Perder” y ofrece nuevamente rock & roll, resultando una especie de declaración sobre lo que significó para ellos publicar este disco. Hicieron lo que les apetecía y muy bien, por lo que realmente no tenían nada que perder.
Hoy os ofrecido en la página central de “La Graminola” un disco que es muy probable que la mayoría de vosotros no conocieseis, pero a mí me parece un gran trabajo. No sé cuantas veces lo habré escuchado y en cuanto suenan las primeras notas de muchas de sus canciones me retrotraen a muy buenos momentos. Sinceramente pienso que en la actualidad los grupos españoles no hacen ya música como ésta y es una auténtica pena.
LISTA DE LOS AÑOS 80
Retomamos el recorrido semanal por las distintas listas graminoleñas y nos instalamos en la que se estrenaba el bonito día de los enamorados del año 1988, momento en el cual entraba en lista una única canción, un espectacular tema interpretado por uno de los monstruos de la música de aquella época.
Él es el británico Joe Cocker, quien publicaba un álbum por aquel entonces compuesto por versiones de grandes clásicos de la música de todos los tiempos. Un álbum que llevaría el título de “Unchain My Heart” y que tendría un sabor único gracias a esa voz rota, firme, desgarrada que él siempre tuvo. No en balde era conocido como “el blanco de la voz de negro”. Verdaderamente era único.
Como no podía ser de otra manera, el primer sencillo y tema principal del álbum sería el que le da título al trabajo al completo, una canción del año 1961 escrita por Bobby Sharp y cuya versión original correría a cargo del grandísimo Ray Charles. Esta versión del bueno de Ray sería excepciónal, pero la que nos ofreció Cocker en el año 1988 no le iba a la zaga. La introducción del piano, ese bajo del principio, su voz quebrada de principio a fin y unos espectaculares coros femeninos la convierten en mágica.
Lo que son las cosas, un artista consagrado como él y una canción de tanta calidad como ésta solamente permaneció en lista durante 8 semanas, alcazando como mejor registro el puesto 33. Curiosidades del mundo de los rankings musicales … y de la industria discográfica y sus promociones.
LISTA DE LOS AÑOS 90
Avanzamos diez años en el tiempo y abordamos las dos novedades en forma de entrada que presentaba la lista que se estrenaba el 15 de febrero de 1998 con dos grandes artistas españoles que se encontraban en aquella época en su mejor momento. Una masculina, uno de mis preferidos, y otra femenina, un auténtico fenómeno mediático incluso en nuestros días.
Carlos Goñi es Revólver y Revólver es Carlos Goñi. Aunque siguen siendo considerados un grupo lo cierto es que desde hace mucho tiempo la realidad es muy distinta ya que Goñi lo es todo y sabe rodearse en cada momento de grandísimos músicos tanto para grabar sus discos como para realizar sus giras. De lo que no cabe ninguna duda es que él es uno de los mejores artistas patrios de los últimos tiempos.
Su éxito en aquella época era rotundo y acababa de publicar su segundo disco grabado en directo de manera totalmente acústica titulado “Básico 2”, en el que interpretaba las mejores canciones de sus dos últimos discos de estudio y un par de temas nuevos, entre los que se incluía el que colocaba en lista aquel día, con la que nos acompañaría durante 21 semanas alcanzando el puesto 17.
En ella Goñi muestra esa amargura que tantas y tantas veces acompaña las letras de sus canciones narrando tanto vivencias propias como de terceros. Su título es “El Peligro” y viene a decirnos que la vida nos proporciona muchos sinsabores pero que siempre hay que ser consecuente con uno mismo, mirar hacia adelante y continuar nuestro camino. Revólver en estado puro, Carlos Goñi en estado puro.
La segunda entrada de aquella semana supuso el debut en la lista de un auténtico torbellino. De una gran artista, demasiado expuesta en los últimos tiempos en mi manera de entender, que supuso uno de los grandes acontecimientos musicales del aquella época y que irrumpió de una manera brutal y casi exagerada. Estoy hablando de Mónica Naranjo.
Su potente voz y la manera de interpretar sus canciones había pasadado desapercibida al iniciar su carrera un par de años atrás en nuestro país, motivo por el cual decidió emigrar a México para iniciar allí su nueva etapa como cantante. “La Pantera de Figueras”, así es como se la conoció en sus primeros tiempos, arrasó en tierras mexicanas y eso daría un vuelco radical a su carrera. Era solamente el principio.
De vuelta a España sacaría al mercado su segundo disco, titulado “Palabra de Mujer”, y aparecería por primera vez en televisión en el programa “Sorpresa Sorpresa”, interpretando “Desátame”. Su interpretación sería tan grande que prácticamente de la noche a la mañana se convertiría en un fenómeno mediático, logrando unas ventas descomunales de su álbum con el que llegaría al número uno tanto en México como en nuestro país.
Esta canción solamente sería el principio de una carrera repleta de éxitos, con la que permanecería en lista durante 35 semanas alcanzando el top 4. Su popularidad crecería a partir de ese instante como la espuma, aunque en los últimos tiempos su éxito eminentemente musical ha decrecido un tanto, posiblemente por sus continuas apariciones televisivas formando parte de jurados de distintos programas de nuevos talentos. Su carácter y su forma de comportarse en ellos de alguna manera la ha pasado factura.
LISTA DEL NUEVO MILENIO
Viajamos ahora hasta el día 10 de febrero de 2008 para cerrar el repaso semanal a las listas graminoleñas. En esta oportunidad serán dos los temas que disfrutemos, las dos nuevas entradas de aquel día. Una llega de la mano del hip-hop español. La otra de una mágica mujer, una auténtica preciosidad con una voz bastante peculiar que lograría un grandísimo éxito en aquella época pero de la que hace tiempo no sabemos casi nada. Vamos con ellas.
Ha sido bastante habitual en el mundo de la música que de repente, con mayor o menor recorrido, un grupo de destacados artistas hayan protagonizado proyectos juntos al margen de sus carreras, bien en solitario, bien con sus grupos, para dar cuerpo a lo que se dió en denominar “macrobandas”. Pues la que viene a continuación podría considerarse una de ellas al estilo del nuevo siglo, mas que nada porque se trata de una serie de raperos que decidieron dar forma a una peculiar formación.
Su nombre es “Dogma Crew”, y desde Sevilla acojería en su seno a DJ Lazer, Hijo Pródigo, Legendario, Demonio, Puto Largo y Zonah, llegando su momento de mayor gloria precisamente en el año 2008 con la publicación de su disco “La Octava Plaga”.
La canción que entraba en lista aquella semana pasa por ser su tema más representativo. Lleva el título de “Nacen de la Bruma” y permanecería en ella durante14 semanas alcanzando el puesto 26. En ella muestran sus señas de identidad, ya que no son un grupo de hip-hop al uso, con un sonido y unas letras más oscuras y en ocasiones terroríficas de lo habitual en este tipo de música.
La segunda entrada de aquella semana llega desde Canadá, de la mano de una artista que se encontraba en el mejor momento de su carrera gracias a su emparejamiento musical con uno de los productores de moda de aquella época. Ella no es otra que Nelly Furtado y el gran responsable del tremendo éxito de su álbum “Loose”, publicado a finales del año anterior, es el señor Timbaland.
La historia se ha repetido una y otra vez en distintas épocas y con distintos protagonistas. De repente surge la figura de un talentoso productor que logra un gran éxito con algunos de los artistas con los que trabaja y se covierte poco más o menos que en el productor de moda y de cabecera del momento y todos quieren encerrarse en el estudio de grabación con él. Eso es lo que le sucedería a Timbaland durante la segunda mitad de la primera década del nuevo siglo.
Nelly Furtado lograría un disco redondo gracias a él y un tremendo éxito con el tema más destacado del mismo, “Say It Right”, una canción con todas las señas de identidad habituales en el productor que se permite hasta regalar un pequeño acompañamiento y aparecer en el correspondiente videoclip. Durante 43 semanas nos acompañaría en la lista alcanzando el puesto número 4 como mejor registro.
La voz de Nelly siempre ha sido un tanto peculiar, pero ella siempre ha tenido el acierto de saberla encajar a la perfección en las canciones que interpretaba. Además poseía un físico espectacular, con una mirada de esas que te seducen a las primeras de cambio. Ese poder de seducción no lo ha perdido, pero sí que es cierto que en los últimos tiempos se ha descuidado un poco y los kilos han ido apareciendo. Sin duda alguna su vida más tranquila y un tanto alejada de los focos ha tenido mucha culpa de ello.
TAMBIÉN ES MÚSICA
La sección que semanalmente nos trae esas formas tan “originales” de hacer música y que en muchas ocasiones rozan el disparate viene cargada hoy de canciones a las que es muy difícil calificar pero que en su momento lograron un gran éxito. No sé si es demasiado cruel decir que afortunadamente su “reinado” fue muy corto y a la misma velocidad que subieron a la cima terminaron desapareciendo, pero creo que nos libramos de una buena por este motivo. Eso sí, que levante la mano el que no haya cantado nunca el estribillo de estas canciones.
Para empezar nos vamos a situar en el año 1975 y “deleitarnos” con el tremendo éxito que cosecharia una canción interpretada por un grupo formado por cuatro amigos que se conocieron en la Universidad y que tenían unas ganas locas de divertirse. El nombre que adoptarían lo dice absolutamente todo: Desmadre 75.
Para que os hagáis una idea de cual era su objetivo y sus señas de identidad os diré que uno de los integrantes del grupo atendía al nombre de José Julián Monzón, que no era otro que el hermano del Gran Wyoming. Puedo aseguraros que los genes de ambos son idénticos.
Su imagen ya desvelaba lo que iban a ofrecer. Siempre actuaban vestidos o con un pijama o con unos calzoncillos de esos antiguos que unían en una pieza camiseta y pantalón. Además siempre cubrían sus cabezas con sombreros de copa y en su mano portaban habitualmente un paraguas. Nunca el nombre de una banda había sido mejor escogido que en su caso.
Solamente les faltaba escoger bien su canción de presentación y ésta les llegaría por sorpresa gracias a las labores compositoras del segundo grupo que nos acompaña en la sección de hoy, pero eso os lo cuento en un momento. La canción que les daría a conocer, y de que manera, llevaría el título de “Saca el Güisky Cheli” e iba a convertirse en la auténtica canción del verano del año 1975. Ver para creer.
Esta canción fue compuesta por un trío de artistas que ya han pasado por esta sección en otra oportunidad. Un grupo formado por tres ex-componentes de uno de los grupos españoles de folk de los años 70 que dieron un vuelco total a su carrera sumergiéndose en las aguas de la música más disparatada y bebiendo las mieles de lo que ellos dieron en denominar “rock paleto”.
Julio Seijas, Honorio Herrero y Luis Gómez Escolar habían formado parte del grupo Aguaviva, y cuando éste se disolvió decidieron continuar juntos pero haciendo música única y exclusivamente para divertirse. En un primer momento se conformaron con componer para otros artistas como los propios Desmadre 75 o Los Golfos, pero finalmente decidieron dar el salto e interpretar sus propias creaciones.
Ataviados como auténticos paletos lograrían una tremenda popularidad gracias a un tema que incidía en todos los tópicos habidos y por haber por aquella época del “tipical spanish” y lograrían un éxito inusitado y hasta insultante gracias a “Hay Que Lavalo”, una canción burra hasta decir basta y que por mucho que la critiquemos e intentemos desprestigiarla todos los que somos de mi quinta la hemos cantado en más de una ocasión. Sigo sin ver manos levantadas con respecto a la pregunta que hacía al principio de la sección.
Siempre se ha dicho que una imagen vale más que mil palabras … pues eso.
Para acabar con los disparates del número de hoy viajamos hasta Asturias, de donde era un compositor y arreglista que trabajó con muchos artistas, unos serios como Los Ilegales y Los Suaves, y otros no tan serios como Zapato Veloz, que se daría un pequeño capricho publicando un disco interpretado por él mismo para el que optó por música vinculada a la segunda opción que os acabo de exponer, la menos seria.
Su nombre era Pedro Bastarrica, y digo era porque lamentablmente falleció en el año 2001, y alcanzaría cierta popularidad gracias a un tema cuya disparatada letra hablaba de los problemas que tenía con una de sus conquistas femeninas cuyas emanaciones corpóreas no sabía si se acercaban más al cabrales o al camembert. El título de este disparate era “Olor Corporal”.
A pesar de que pueda parecer que Bastarrica fue un personaje prescindible dentro de la música española no hay nada más alejado de la realidad. En el año 1981 abriría el primer estudio profesional de grabación en Asturias por el que desfilarían para grabar sus discos la flor y nata de los músicos de aquella tierra. Como veréis, hasta la música más disparatada tiene su punto de genialidad. Por eso siempre os digo que estas canciones también son música.
LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA
Toca despedirse y como siempre la rúbrica del número de hoy es excepcional. Tiempo para recordar, tiempo para disfrutar de la música en vivo y tiempo para escuchar algún tema recién salido del horno. Terminamos como siempre a lo grande.
EFEMÉRIDE
El 15 de febrero de 1969 alcanzaba por primera vez el número uno en los Estados Unidos un grupo que está considerado como uno de los padres del funk. Su nombre Sly & The Family Stone.
Sin duda alguna el auténtico “Rey del Funk” es el señor James Brown, pero “Sly & The Family Stone” fueron la primera banda que introduciría variantes a este estilo mezclándolo con el rock, la psicodelia e incluso el soul. Fueron una de las primeras bandas formada por miembros tanto de raza negra como blanca y esta circunstancia abriría este tipo de música a un público más numeroso ya que hasta aquel entonces el funk estaba prácticamente reservado para el público de color.
Su trascendencia fue tal que tuvieron el honor de actuar en el mítico festival de Woodstock y según manifiestan los que estuvieron allí, su actuación fue una de las más destacadas y de las más celebradas por el público asistente. Calidad les sobraba por los cuatro costados.
Al tratarse de una banda multirracial, algo nunca visto hasta aquel momento, las letras de sus canciones abordaban sobre todo temas relativos a la igualdad de derechos tanto raciales como de género, algo que pusieron de manifiesto en “Everyday People”, la canción con la que alcanzaban por primera vez el número uno en las listas de ventas aquel 15 de febrero de 1969.
MEJOR EN DIRECTO
El concierto homenaje a Freddie Mercury del año 1992 da para mucho y dejó grandísimos momentos como éste que protagonizaron Elton John y Axl Rose. Irrepetible.
El 20 de abril del año 1992, pocos meses después del fallecimiento de Freddie Mercury, tuvo lugar un concierto tributo a su persona del que ya hemos saboreado algún momento único de la mano de George Michael. A buen seguro que seguiremos viviendo actuaciones de aquel día porque casi todas fueron memorables, pero si hay una para poner la piel de gallina esa es la que ofrecieron Elton John y el inimitable, para lo bueno y para lo malo, Axl Rose, vocalista de Guns ‘N’ Roses.
El tema que interpretaron juntos aquel día fue “Bohemian Rhapsody” y su puesta en escena fue sencillamente sublime. Recuerdo que estuve viendo en directo a través de la televisión el concierto entero y cuando viví en mi casa este momento sentí una sensación de emoción total. He de reconoceros que esa sensación la sigo viviendo cada vez que vuelvo a contemplar la escena.
De todos es sabido que “Bohemian Rhapsody” es una obra maestra, una auténtica sinfonía que va ofreciendo distintos momentos a cada cual más insuperable. Con los otros tres miembros de Queen siempre en el escenario, asistimos al inicio pausado de esta maravilla con Elton John susurrando acompañándose por su eterno piano. Posteriormente asistimos a la parte más espectacular, esa en la que los cuatro miembros del grupo hacen alarde de su compenetración y capacidad vocal, momento en el que se proyectan sobre el escenario las imágenes del videoclip que forman parte del legado de la historia de la música. Pero lo mejor está por venir, cuando de repente la música rompe con un estridente sonido de guitarras, momento en el que las detonaciones de fuegos de artificio rodean el escenario para dar la bienvenida a Axl Rose que aparece surgiendo de la nada llenándolo todo con su voz. Ya os digo, simplemente sublime.
NOVEDAD
Mucho ha llovido desde que Fall Out Boy iniciaron su trayectoria, pero han sabido adaptarse a los nuevos tiempos en cada momento y seguir vivitos y coleando. Acaban de publicar su último álbum bajo el título de “Mania” y aunque no vayan a ser los más vendidos ni llegar al número uno de ninguna lista nos ofrecen un puñado de buenas canciones.
En el año 2001 Patrick Stump, Pete Wentz, Joe Trohman y Andrew Hurley dieron cuerpo a una banda denominada Fall Out Boy que intentaría moverse con éxito en las aguas del pop-rock, algo bastante complicado para los tiempos que corren. Sin embargo, la calidad de sus composiciones lograría calar en el público y sin ser un fenómeno de masas sí que se convertirían en una banda muy reconocida en los Estados Unidos.
Tras más de quince años de carrera, con un buen número de altibajos y sobresaltos, siguen al pie del cañón y con algo de retraso acaban de publicar su nuevo disco, titulado “Mania” con el que siguen demostrando que su capacidad de adaptación a las nuevas tendencias es bastante grande.
El primer sencillo lleva el título de “Young and Menace” y en él se muestran más fantásticos de lo habitual tanto en el argumento de su letra como en el estilo musical. Sin abanonar el pop-rock de siempre introducen arreglos electrónicos y toda esa parafernalia que tanto triunfa en la actualidad. Ya sabéis, renovarse o morir.
Con esta novedad hemos llegado al final de la revista de hoy. Espero que haya sido de vuestro agrado y mientras llega el momento de publicar el siguiente número ya conocéis mi recomendación: no paréis de escuchar música.
Hasta entonces, Graminoleños.
JUAN JOSÉ GOMARIZ
Puzzle Bobble
Karate Blazers
Puzzle De Bloques
Magical Cat Adventure