Puedes seguirnos también desde FACEBOOK, donde os espero a todos con los brazos abiertos, en el siguiente enlace: LA GRAMINOLA. LA REVISTA MUSICAL QUE SE LEE Y SE ESCUCHA. Desde aquí puedes saborear más contenidos y más música.
Ya sabéis que la base de la revista es dar un pequeño repaso con las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.
Junto a las listas distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro póster, a doble página en el centro desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música española.
Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Y recordad que siempre estaré abierto a cualquier crítica, consejo, sugerencia o petición que vosotros, Graminoleños, me hagáis.
ANTES DE NADA, QUIERO COMENTAROS QUE LA PORTADA DE HOY ES MUY ESPECIAL. SE TRATA DE LA FOTOGRAFÍA DE UN BOLARDO DE LA CALLE GALERÍA DE ROBLES DE MADRID PINTADO DENTRO DE EL ACONTECIMIENTO “PINTA MALASAÑA” QUE TUVO LUGAR EL PASADO 14 DE ABRIL Y EN EL QUE JÓVENES ARTISTAS MUESTRAN SU TALENTO PICTÓRICO DECORANDO LOS CIERRES, ESCAPARATES Y BOLARDOS DEL POPULAR BARRIO MADRILEÑO.
LA IMAGEN QUE APARECE EN NUESTRA PORTADA DE HOY ES EL BOLARDO PINTADO POR UNA MARAVILLOSA ARTISTA COMO ES SILVIA FERNÁNDEZ (QUE ADEMÁS ES MI SOBRINA) Y QUE JUNTO A LORENA MERAKI (TAMBIÉN SOBRINA) Y ANA ITURRALDE CONFORMAN UN PROYECTO ARTÍSTICO DENOMINADO “EKNIA” QUE PODÉIS SEGUIR EN FACEBOOK. JÓVENES ARTISTAS, ARTISTAS DEL MAÑANA. POR CIERTO, ESTE BOLARDO QUE FORMA PARTE DE LA PORTADA DE HOY SE ALZÓ CON EL SEGUNDO PUESTO FINAL, TODO UN ÉXITO.
NUESTRA PORTADA
LA LISTA DE LA GRAMINOLA
Esta semana la lista graminoleña de mayor actualidad, no la de más calidad que quede claro, no presenta ninguna novedad destacable ya que las 40 canciones que la integran son exactamenta las mismas que las de la semana pasada, por lo que no tenemos ninguna novedad que llevarnos al oído, reggaetón Dios mediante. Pero ya sabéis que en estos casos suelo tirar de la lista paralela que confecciono también semanalmente relativa a los álbumes que van saliendo al mercado, así que no cunda el pánico porque vamos a tener un tema actual que nos llega de la mano de uno de los más grandes artistas patrios.
Hace pocas fechas, Manolo García, cincuenta por ciento de El Último de la Fila, sacaba al mercado su séptimo trabajo en solitario bajo el título de “Geometría del Rayo”, un álbum en el que de alguna manera retorna al estilo con el que nos conquistó a todos cuando publicó su primer disco al margen de Quimi Portet, aquel inolvidable “Arena en los Bolsillos”, abandonando de alguna manera los experimentos que ha realizado en los últimos tiempos.
He de reconoceros que con Manolo García tengo sentimientos encontrados. Con El Último de la Fila me parecía el más grande y todos y cada uno de sus discos mostraban siempre algo nuevo, algo mágico. Sin embargo, en solitario ha terminado por darme la impresión de que siempre hace la misma canción y en sus dos últimos trabajos, en su búsqueda de hacer cosas nuevas y fusionar músicas ha terminado por desconectarme un poco de su estilo. Eso sí, su carisma y grandeza siguen siendo los de siempre.
En esta ocasión regresa un poco al sonido original de su primera época en solitario y ha conseguido volver a despertar mi curiosidad sobre su música. Como muestra vaya el que ha sido publicado como primer sencillo del álbum, “Nunca es Tarde”, que nos muestra a Manolo en toda su esencia.
Sea como sea, escuchar esta música en lugar de la que vosotros sabéis creo que no tiene precio. Cuento los días que quedan para que la cosa cambie y la buena música vuelva a copar las listas de éxitos. Aunque me cuesta, yo no pierdo la fe.
LOS PIONEROS
Vamos hoy con la tercera entraga “pionera” de las cuatro que vamos a dedicarle al grupo más importante de la historia del pop y del rock como fueron The Beatles. Prácticamente de su talento, de su música, de su forma de comportarse surgirían la práctica totalidad de los grupos y artistas que vendrían después. Hoy viajamos hasta el año 1964 para hacernos eco de la buena música que contenía su tercer álbum.
Una de las características más llamativas de la carrera de The Beatles, fue su íntima relación con el mundo del cine. Fue bastante habitual que de sus discos se filmara una película que se estrenaba al mismo tiempo de salir al mercado al álbum logrando con ello una promoción todavía más pronunciada. Como estrategia de márketing era un auténtico acierto, hasta en esto dominaban la situación como nadie.
La primera incursión en el mundo del cine llegaría en el año 1964 con la publicación de su tercer disco y el estreno de la correspondiente película. Ambos llevarían el título de “A Hard Day’s Night” y en ellos se incluyen algunas de las canciones más representativas de toda su carrera y aunténticos himnos del pop-rock de todos los tiempos. Vamos con tres de ellas.
A HARD DAY’S NIGHT
El equilibrio compositor que sus dos primeros discos habían mostrado entre Lennon y McCartney quedó un tanto roto en esta ocasión. El protagonismo del primero a la hora de componer sería casi total y la mayoría de las canciones que aparecen en el álbum son obra de su talento. Podría decirse que en este disco John le ganó por la mano a Paul. Lo cierto es que los resultados de ventas y de éxito tanto del disco al completo como de sus canciones en particular fue atronador lo que llenaría de razones a aquellos que siempre opinaron que el talento de Lennon era superior al de su compañero. No seré yo quien les quite la razón.
La canción del álbum que más repercusión obtendría sería la que le da título, un tema que se convirtió en uno de los clásicos de su carrera y que cuenta con una introducción con un distorsionado riff de guitarra que ya es parte de la historia de la música. En este sentido, George Harrison se mostraría espectacular en su labor como guitarrista y los solos que interpreta en algunas de los temas que se incluyen en el álbum están considerados como los mejores de su carrera. Algunos de los guitarristas más prestigiosos que posteriormente integrarían los grupos que vendrían después reconocerían que su fuente de inspiración sería la forma de tocar de Harrison en este disco.
Como anécdota os diré que el título de esta canción y, por consiguiente, del álbum y de la película no sería una casualidad. La actividad del grupo en aquel momento era frenética y se pasaban el día entero trabajando tanto en el álbum como en la película. Tras uno de esos días, ya intentando descansar un poco, Ringo exclamó “Ha sido un día muy duro” y cuando se volvió pudo ver por la ventana que ya era noche cerrada, exclamando “Día de noche muy duro”. De ahí se pasaría a “Que noche la de aquel Día” o lo que es lo mismo “A Hard Days Night”.
CAN’T BUY MY LOVE
Algo que les había obsesionado desde la publicación de su primer disco era el tema de no incluir versiones de otros artistas en sus trabajos, algo muy recurrente en aquella época y que no podían haber evitado hasta ese instante. Sin embargo, podrían decir aquello de que a la tercera fue la vencida ya que en este tercer disco todas y cada una de las canciones que en él se incluían eran nuevas composiciones creadas por ellos mismos. Por fin se habían salido con la suya.
Los resultados de semejante estrategia no podrían ser mejores. Ya eran el grupo más importante en ese instante y nadie vendía más que ellos. Cada uno de sus sencillos llegaba al número uno y sus apariciones en público siempre venían acompañadas de algunos disturbios originados por sus fans que desbordaban todos los sistemas de seguridad que se creaban para protegerlos. Nadie tenía la popularidad que ellos poseían.
Esta situación no era ninguna casualidad ya que este nuevo álbum tenía buena música, muy buena música, como la que mostraba “Can’t Buy My Love”, uno de los pocos temas con protagonismo compositor de McCartney y que pasa por ser el sencillo que más rápidamente ascendió al número uno en ventas de toda su carrera. Una auténtica joya, un grandísimo clásico.
Para cerrar la sección pionera de hoy vamos con una de mis canciones preferidas de toda la carrera de los cuatro de Liverpool. Posiblemente no sea su mejor canción, de hecho no fue publicada ni como sencillo ya que apareció como cara B y muchos la considerarán menor, pero a mí sencillamente me encanta. Simplemente escuchando el principio de esta canción, único en su especie como ahora os explicaré, me entran ganas de ponerme a bailar y cantar.
A pesar de ser la cara B del sencillo “A Hard Day’s Night” es un tema que adquirió mucha popularidad y son muchas las versiones que se harían de él. Sin ir más lejos, en nuestro país uno de los grupos especializados en versionar temas que triunfaban en aquella época, Los Mustang, harían la suya propia con unos resultados más que decentes.
Me estoy refiriendo a “I Should Have Known Better”, escrita por Lennon, cuya exclusividad consiste en que es la única canción que empieza con el sonido de John tocando la armónica. Una melodía, prácticamente podría decirse que una sintonía, que es también parte de la historia de la música de The Beatles y, por consiguiente, parte de la historia de la música. Solamente diré una cosa más: me encanta.
Aquí dejamos por hoy la sección de “Los Pioneros”, tercera entrega de la serie que estamos dedicando a esas canciones de The Beatles que fueron publicadas con anterioridad al inicio de las listas graminoleñas y que merecen tener un lugar destacado en nuestra revista. La semana que viene más música de estos cuatro fabulosos, así que ya estaréis todos contando los días. Es normal, a mí me pasa lo mismo.
LISTA DE LOS AÑOS 60
Iniciamos nuestro camino nostálgico de cada semana repasando algunas de las canciones que fueron noticia y que hicieron historia en los últimos 50 años. Para empezar el recorrido nos vamos a adentrar en la década más nostálgica de todas, la de los 60, para escuchar dos canciones que formaban parte de la lista que se estrenaba el 28 de abril de 1968. Dos temas destacados pero que no son realmente ninguna novedad como comprobaréis en breve.
La principal novedad que presentaba esa lista era la del cambio de liderato, ya que tras 11 semanas de ocupar el puesto más privilegiado, Richard Anthony y su “Aranjuez Mon Amour” daban paso a una nueva canción que llegaba al número 1 con todo merecimiento. Se trata de “Cállate Niña” con la dulce voz de Jeanette al frente del grupo Pic-Nic.
Como sobre esta canción y este grupo está todo dicho ya que os conté su historia cuando debutó en nuestra lista y, sin ir más lejos, hace un par de semanas, con motivo de la entrada de otro de sus temas os refresqué la memoria, no queda sino disfrutar de esta preciosa composición que interpretada con la angelical voz de Jeanette cautivó totalmente al público de nuestro país.
La segunda y última novedad de aquel día era la única entrada que mostraba la lista graminoleña sesentera de la que nos ocupamos esta semana. Una entrada que se veía venir, que es una versión de otro tema que ya estabá en nuestra lista preferida y que tiene detrás una historia que todos conocemos y que también nos he contado en un par de ocasiones recientemente. Os va a sonar seguro.
De todos es conocida la famosa historia del “La La La” y su participación en el festival de Eurovisión con aquello de que en un principio iba a ser Serrat quien la defendiera pero como quiso hacerlo en catalán fue relevado y sustitido finalmente por Massiel que terminaría alzándose con el triunfo absoluto, por lo que no me voy a repetir. Podría decirse que en esta ocasión la versión, el sucedáneo superó con creces al original, y no soamente en el festival, ya que en nuestra lista la madrileña obrendría mejores resultados que el catalán llegando a ocupar el segundo puesto y permaneciendo en ella durante 36 semanas. No está nada mal.
Todo lo que rodeó a esta canción y a su participación en Eurovisión estuvo lleno de polémicas y desencuentros y no solamente en lo que al asunto Serrat se refierre. El régimen del Caudillo Franco hizó suyo el triunfo en el acontecimiento musical intentando convertir a Massiel en un icono propio, algo que a la cantante no le gustó lo más mínimo, produciéndose algún que otro encontronazo entre la cantante y el gobierno español de aquel entonces. Por si fuera poco, algunos rumores indicaban que el Caudillo pudo comprar los votos de algunos países para que España se alzase con la victoria con el objeto de lavar la imagen del Régimen, algo que nunca ha podido probarse. Como podemos ver, el dicho de “Spain is different” en muchas ocasiones es una auténtica realidad.
LISTA DE LOS AÑOS 70
Bastante más variada, tanto en cantidad como en la autenticidad de las novedades, llega la lista de la década de los 70 que repasamos en el día de hoy. Se trata de la que se estrenaba el 29 de abril de 1978 y nos trae también relevo en el número uno y dos nuevas entradas, una de ellas una auténtica joya que nos trae uno de los mejores guitarristas de las historia de la música. Vayamos por orden y empecemos por el relevo en lo más alto del ránking.
La estancia en el liderato de ese genio llamado Jean Michel Jarre y su Oxygene fue bastante corta ya que solamente fue capaz de ocupar el número uno durante siete días, pero su sucesor nos trae muy buena música de la mano de ese grupo que lleva ya tres semanas protagonizando la sección de “Los Pioneros”. Y es que como podéis comprobar cuando afirmo que fueron los más grandes no exageró lo más mínimo, lo inundan todo.
De esta canción que se convertía aquel 29 de abril en el núevo número uno graminoleño ya os hablé en su día con motivo de su entrada en lista el 8 de enero de 1978. Su protagonista era un grupo canadiense que se encargaría de dar un repaso a la música de The Beatles, con una canción en formato medley de casi diez minutos de duración que incluía prácticamente todos sus éxitos. El grupo en cuestión atendía al nombre de “Café Creme” y estaba formado por distintos músicos de estudio. El tema en cuestión llevaría el peculiar título de “Unlimited Citations” y con él triunfarían en medio mundo, incluyendo nuestro país, como no podía ser de otra manera.
Vamos ya con la primera entrada en lista de aquel día. Una canción para disfrutarla una y otra vez. Una auténtica obra de arte protagonizada por uno de los grandes, por uno de los indiscutibles de la historia de la música que supo fusionar como nadie el rock, el blues y el jazz con ritmos latinos. Me estoy refiriendo al descomunal “Carlos Santana”.
Por aquellas fechas acababa de publicar el que en mi opinión es el mejor disco de toda su carrera, con permiso de “Supernatural”, y en el que se incluían entremezclados temas de estudio con algunas grabaciones en directo. Un álbum espectacular en el que ofrece lo mejor de sí y muestra el virtuosismo habitual a la hora de acariciar las cuerdas de su guitarra. Su título: “Moonflower”
Los temas más destacados de este disco, siempre en mi opinión, que quede claro, son los puramente instrumentales en los que Santana se muestra tal como es y ofrece su mejor cara. Cuando el mando lo llevan sus manos y su guitarra obtiene resultados inigualables como la canción que da título al álbum y que es el tema que se colaba en nuestra lista el 29 de abril de 1978. Una de tantas genialidades del mexicano.
Me encanta el sonido de la guitarra de esta canción y ese acompañamiento relajado de sones latinos. Al parecer no sería el único que pensaría así ya que los resultados que obtendría en nuestro ránking sería bastante buenos: 39 semanas en lista para alcanzar el top 5.
Finalizamos el repaso setentero de nuestras listas con la segunda entrada de aquella semana que en esta oportunidad nos llega desde Italia con un tema interpretado en español por una joven artista de la que podría decirse aquello de “de casta le viene al galgo”.
Su nombre artístico era Marcella y su apellido era “Bella” y no era otra que la hermana pequeña del cantautor Gianni Bella que sería el compositor de gran parte de su repertorio y llegaría a interpretar algún que otro tema a medias con ella. De cualquier forma ya os digo yo que no hay color, la carrera de Gianni fue mucho más productiva y exitosa que la de su hermana, sobre todo en nuestro país donde la buena de Marcella, a excepción de con esta canción, no obrendría demasiada repercusión.
Esta sería la única ocasión en la que la cantante colocaría uno de sus temas en nuestra lista. Se trata de una balada titulada “El Último Abrazo” y que obtendría unos resultados bastante discretos, permaneciendo en ella durante 11 semanas alcanzando el puesto 26 como su mejor posición. Lo dicho, Gianni mucho mejor que ella.
EL ÁLBUM DE LA SEMANA
Como el que no quiere la cosa ya nos hemos colocado en el centro de la revista de esta semana y vamos a disfrutar de nuestro póster central que viene a todo color y cargado de muy buena música. Ya sabéis que hoy toca rematar la historia que empezábamos la semana pasada con la primera parte de ese grandioso álbum que fue “Pet Sounds” de los inimitables The Beach Boys. Así que sin más dilación nos metemos en harina y disfrutamos de las canciones que se incluían en la cara B del disco.
THE BEACH BOYS / PET SOUNDS (SEGUNDA PARTE)
Ya os comentaba la semana pasada que nos encontrábamos ante un disco único, no solamente por su calidad sino que también porque rompía con todo lo que el grupo había realizado hasta la fecha. La creatividad y las ganas de adentrarse en otros terrenos de Brian Wilson no tenía límites y mostraría un talento descomunal aunque pusiera de los nervios con sus ideas innovadoras y su perfeccionismo al resto de los miembros de la banda.
Todas y cada una de las canciones que integran el álbum se salen de lo común, tienen algo que las distingue totalmente del resto, ya sea por estilo musical, por sonido, por la forma en que fueron creadas, por su letra e incluso por su título. Muchas de estas características se dan cita en el primer tema del que vamos a disfrutar de este mágico álbum en el número de hoy.
Se trata de “God Only Knows”, una canción en la que de nuevo se utilizan instrumentos poco habituales en canciones vinculadas al pop, que cuenta con una estructura musical bastante original acompañada de los siempre mágicos coros que sólo ellos eran capaces de conseguir, pero cuya mayor peculiaridad radica en su título ya que es la primera canción pop que introduce la palabra “God” (Dios) en él, algo que hasta ese instante solamente se había producido en temas con marcado sentimiento religioso. Hasta en esto Brian quiso ser el primero.
A partir de este instante nos adentramos en la que podríamos denominar parte más sombría del disco, con unas canciones con un sonido más oscuro y en el que sus letras presentan con bastante crudeza el momento por el que estaban atravesando. Las drogas y los problemas personales entre los miembros del grupo se ven reflejados en las composiciones que vienen a continuación.
Desde hacía algún tiempo, Brian Wilson había empezado a consumir LSD y como era de esperar, de manera progresiva su adicción se vería incrementada hasta entrar en un terreno muy peligroso. Su creatividad no tenía fin pero su cerebro se iba deteriorando progresivamente, algo que pagaría, muy caro a la larga tanto él mismo como el grupo al completo. Las secuelas que le provocaría el consumo de esta droga terminarían por dejarle fuera de la circulación durante muchos años en gran medida por la labor de un desalmado que se aprovecharía de la situación. Pero ésta es otra historia, ahora centrémonos en el disco.
Con estas premisas, no es de extrañar que alguna de las canciones del álbum trataran precisamente el tema de las drogas. Esto sucedería concretamente en “I Know There’s An Answer”, una canción inspirada en el consumo del LSD y que inicialmente contaría con una descarnada letra que hablaba explícitamente del tema. Cuando el resto de los miembros de la banda escucharon la canción tomaron la decisión de que era demasiado directa y que había que cambiarle la letra. Inesperadamente, Brian no se opuso a ello y con los retoques adecuados fue incluída finalmente en el álbum pasando de ser una composición que hablaba claramente de las drogas a una canción escrita en sentido metafórico … que hablaba de las drogas. Todos contentos.
Como ya os he comentado, cada una de las canciones por separado puede considerarse única en su especie y muestra algún tipo de innovación. Brian Wilson estaba obsesionado por hacer el mejor disco de la historia de la música y las ideas fluían una tras otra en su cabeza, lo que le llevaba a ir introduciendo características novedosas en cada canción que era capaz de componer. Todo esto convertiría a “Pet Sounds” en una pieza única, no solamente dentro de la carrera del grupo sino que también en lo que se había hecho hasta ese instante en el mundo de la música.
En cada canción, todo estaba entrelazado. El título inspiraba la letra pero también la estructura que iba a tener durante su composición, mostrando que el talento de Brian no tenía fin. El ejemplo más claro es la siguiente canción del disco, un tema totalmente distinto al resto de las canciones del álbum y que puede considerarse como una especie de antecedente a la que posiblemente sea la mejor canción de la historia de The Beach Boys. Me explico.
Me estoy refiriendo a “Here Today”, una canción que habla de una ruptura sentimental y que dado que habla de romper, en este caso una relación amorosa, tiene una estructura musical que rompe hasta en cuatro ocasiones cambiando totalmente de estilo. Es como una especie de pequeña sinfonía y supongo que os suena de algo. Efectivamente, poco tiempo después Brian compondría una obra maestra con una estructura rompedora todavía más marcada que se convertiría en el santo y seña de su carrera y con la que rozaría la perfección, la mítica “Good Vibrations”. Por eso os digo lo de que “Here Today” podría considerarse su antecedente, su prólogo.
La parte más trágica y sombría del disco continúa su camino y si ya hemos asistido a dos temas que hablan de las adicciones y de una ruptura sentimental, situaciones ambas que estaba viviendo en sus propias carnes Brian Wilson, la que llega a continuación se adentra en el terreno siempre pesimista de la depresión. Está claro que en esta parte del álbum Brian nos estaba contando cuales eran sus sensaciones, cuales eran sus vivencias, como se encontraba de ánimo.
Por si fuera poco, esta composición incluye otra novedad instrumental que pillaría a todo el mundo por sorpresa y que también sería utilizada en su momento a la hora de crear “Good Vibrations”. Está claro que en la mente de Brian ya estaba empezando a tomar cuerpo esta pieza. Sé que me repito mucho pero es que su talento era descomunal y era capaz de anticiparse a lo que iba a venir próximamente mientras estaba inmerso en la composición de este disco. Un auténtico genio.
La canción en cuestión llevaría el título de “I Just Wasn’t Made for These Times” y en ella Brian introduciría un curioso instrumento que nunca antes había sido utilizado en una composición pop. Éste instrumento recibe el nombre de “theremin” y su característica principal radica en que para tocarlo no hace falta contactar con él, ya que posee una antena y unos sensores que emiten el sonido simplemente con acercar las manos a él. Os podéis imaginar el espectacular resultado que obtendría con esta innovación, algo que dotaría a esta canción del ambiente apropiado para acompañar a una descarnada letra que a un ritmo de música psicodélica hablaba de la depresión, de las inseguridades que el propio Brian estaba viviendo en aquella época y de las alucinaciones que le provocaba el consumo de LSD. No hay palabras para definirla con justicia, lo mejor es disfrutar escuchándola.
Las innovaciones, los nuevos sonidos, los nuevos instrumentos, en definitiva, la originalidad no tiene fin según seguimos avanzando en el disco. Además, la situación mental que Brian atravesaba por el consumo de LSD en algunos momentos le llevaba a prentender cosas que no estaban en su mano, pese a lo cual nada lo detenía y su talento seguía trabajando y produciendo.
La ocurrencia de Brian en esta ocasión sería componer una canción titulada “Run Run James” para que fuera incluída en una de las películas de James Bond, algo que no conseguiría, evidentemente. Para él no supondría ningún problema ya que le daría los retoques necesarios para dar lugar a otro de los temás destacados del álbum en el que nuevamente sorprende a todos con su sonido.
Se trata de “Pet Sounds”, la canción que le da título al álbum, que cuenta con un intenso inicio a base de tambores y que nos muestra un sonido latino y exótico nunca antes visto en la carrera de The Beach Boys. Es el segundo tema totalmente instrumental del disco y otra de las composiciones con la que dejarían con la boca a bierta a propios y extraños … una vez más.
A estas alturas de la película si hay algo que nos queda claro es que este álbum, a pesar de ser de The Beach Boys al completo, realmente es más bien un disco del propio Brian Wilson, ya que no solamente su protagonismo es superior al del resto del grupo sino que las cosas que cuenta son vivencias propias y exclusivas y el estilo musical que muestra es radicalmente opuesto al que sus compañeros de fatigas querían seguir haciendo. Era evidente que algo no funcionaba debidamente.
Esta circunstancia se pone aún más de evidencia con el tema que cierra el álbum. Se trata de una canción que podría definirse como la de “Juan Palomo”, porque Brian Wilson se lo guisa y él mismo se lo come. Es una canción en la que participa en exclusiva en todas sus facetas, compositor, letrista e intérprete y que además había publicado pocos meses antes de la aparición en el mercado del álbum como un sencillo propio, un sencillo publicado por él como solista. Finalmente sería incluído en “Pet Sounds” y acreditado como si fuera obra del grupo al completo, a pesar de que ninguno de sus compañeros tiene participación alguna en esta composición.
Esta canción llevaría el título de “Caroline, No” y es una manera de echarle su propia firma a un álbum que pese a estar acreditado al grupo al completo y estar considerado como el mejor de toda su carrera, realmente nos encontramos con un disco cuya propiedad pertenece más bien a Brian Wilson en el que deja participar a sus amigos de The Beach Boys como personajes secundarios.
La situación que vivía el grupo en aquellos momentos no era la más aconsejable. El protagonismo de Brian Wilson había crecido de una manera casi desproporcionada y estaba empezando a solapar al del resto del grupo. Si a eso le sumamos que sus compañeros de viaje querían seguir haciendo la música de siempre, que sus disputas eran continuas y que “Papa Wilson”, como representante del grupo les jugaría una mala pasada en unos años vendiendo los derechos de prácticamente todo su repertorio, era más que evidente que todo iba a saltar por los aires no pasando mucho tiempo.
“Pet Sounds” pasa por ser una obra maestra de la historia de la música y el álbum que lo cambió todo tanto para los propios The Beach Boys como para muchos de los grupos que vendrían detrás, pero también fuera posiblemente el prólogo a la crónica de una muerte anunciada. Eso sí, antes de que todo cambiara habría tiempo para que nos dejaran todavía muy buena música.
LISTA DE LOS AÑOS 80
Llega el momento de continuar con el habitual repaso a la música de otras décadas, aprovechando las novedades que fueron mostrando las listas graminoleñas de distintas épocas. Para ello nos trasladamos hasta el día 1 de mayo de 1988 y nos hacemos eco de la única entrada que se producía en nuestro ránking en aquella fecha.
Hay canciones que con el paso del tiempo se convierten en auténticos himnos de la época a la que pertenecen y la que viene a continuación es una de ellas. Aunque realmente habría que decir que es mucho más que eso ya que se trata de un tema de los más representativos del pop español de la década de los 80 consiguiendo este “título” hasta en dos ocasiones en el periodo de seis años. Me explico porque dicho así resulta un poco lioso.
En el año 1982 Alaska y Los Pegamoides publicaban un álbum titulado “Grandes Éxitos” en el que una de las canciones más destacadas era “Bailando”, un tema que compusieron como una especie de homenaje a la música disco que en aquel momento estaba siendo poco menos que vilipendiada y ellos defendía a capa y espada.
Posteriormente, Olvido Gara (Alaska), Nacho Canut y Carlos Berlanga dejarían el grupo para continuar su recorrido juntos en Alaska y Dinarama. Con motivo de los diez años que el trío llevaban juntos, en el año 1988 publicarían un recopilatorio titulado “Diez”, entre cuyas canciones se encontraba una versión actualizada de este tema que entraba en lista aquel 1 de mayo de 1988.
En esta ocasión, sus números estarían por debajo de los obtenidos por la versión original, permaneciendo en lista durante 11 semanas para alcanzar el puesto 21. De cualquier forma puede decirse que “Bailando” se convirtió en un clásico del pop español de los 80 en dos ocasiones.
LISTA DE LOS AÑOS 90
Saltamos en el tiempo los diez años de rigor para situarnos en el día 3 de mayo de 1998, momento en el cual se estrenaba una nueva lista graminoleña que presentaba como novedades más destacadas dos nuevas entradas de la mano de dos temas románticos a más no poder, interpretados a ritmo de balada, uno procedente de Noruega y el otro de nuestro país.
Espend Lind era un cantante y compositor noruego totalmente desconocido en nuestro país cuando publicó su segundo álbum bajo el título de “Red”. Su labor habría pasado totalmente desapercibida a no ser por una de las canciones que se incluían en este disco y que iba a convertirse en el mayor éxito de toda su carrera, el único con proyección internacional.
El sencillo llevaba el título de “When Susannah Cries” y se convirtió en una de las baladas del año logrando un tremendo éxito en toda Europa y parte de Iberoamérica, logrando permenecer en nuestra lista durante 28 semanas para alcanzar el puesto 10 como mejor registro.
Podría decirse que éste fue todo su recorrido a nivel internacional, aunque en su Noruega natal sí que ha seguido publicando discos con unos aceptables resultados. Donde si ha seguido destacando obteniendo el reconocimiento más allá de sus fronteras ha sido en sus labores de compositor habiendo llegado a trabajar con artistas de la talla de la mismísima Beyoncé.
La segunda entrada que registraba la listra graminoleña de aquel día tiene los mismos registros en cuanto a estilo, se trata también de una balada, pero nos llega de la mano de uno de los artistas españoles más destacados de aquella época en gran medida gracias a la repercusión que tuvo durante su estancia en uno de los mejores grupos de la historia del pop español como fueron Duncan Dhu. Estoy hablando de Mikel Erentxun.
Durante los años anteriores, Mikel Erentxun había alternado su actividad en Duncan Dhu con su carrera en solitario al igual que hacía Diego Vasallo al frente de su proyecto Cabaret Pop. Muchos veían en esta duplicidad de carreras la antesala a la disolución del dúo, algo que terminaría por producirse para lamento de gran parte de los aficionados al buen pop en nuestro país.
Erentxun acababa de publicar su tercer álbum en solitario, primero tras haber tomado la decisión de acabar con el recorrido de Duncan Dhu, bajo el título de “Acróbatas”, en el que se mostraba más meláncolico que nunca con un estilo muy cercano al pop británico que triunfaba en aquella época y que tanto le atraía. Habida cuenta de que su carrera en solitario ya era definitiva, él mismo se encargaría de la producción obteniendo resultados como este ¿Quién se Acuerda de Ti?, una bonita balada con la que nos acompañaría en la lista durante 40 semanas quedándose a las puertas del número uno, conformándose con la segunda plaza como mejor posición.
LISTA DEL NUEVO MILENIO
Llegamos al final del repaso a través del tiempo de nuestras listas con la música del nuevo milenio. Para ello nos situamos en el 27 de abril de 2008 para disfrutar de un grandísimo grupo y de una grandísima canción que nos llega desde el norte de Europa. Música de la buena a base del mejor heavy metal aderezado con toques orquestales. Una auténtica joya.
Nightwish se habían convertido en una de las bandas más influyentes del denominado “metal sinfónico” dándole un toque único al rock más duro gracias a unos arreglos de música clásica. La guinda del pastel la ponía su vocalista, Tarja Turunen, una espectacular mujer con cuya voz era capaz de interpretar ópera al más alto nivel como ponerla al servicio del heavy metal que ofrecían las guitarras de sus compañeros de grupo.
Turunen había abandonado el grupo en el año 2005 con motivo de los fuertes enfrentamientos que mantuvo con el resto de sus miembros. Su divismo y exceso de protagonismo dieron lugar a su marcha y muchos pensaron que sin ella el recorrido de Nightwish estaba visto para sentencia. Lo cierto es que la realidad sería muy distinta ya que tras un intenso cásting para encontrar a su sustituta, la elegida sería la sueca Anette Olzon, considerada en un primer momento como una simple cara guapa por los partidarios de Turunen, pero que de inmediato dio muestras de su valía como vocalista demostrando que encajaba a la perfección dentro de la que ya era su nueva banda.
Aquel 27 de abril entraba en lista el primer sencillo que publicaban con Anette como vocalista. Una canción que llevaba el título de “Bye Bye Beautiful” cuya letra estaba dedicada a la salida del grupo de su antecesora. Ellos siempre mantuvieron que lo hicieron como una especie de homenaje a su estancia en la banda, pero escuchando detenidamente su letra las interpretaciones pueden ser muy distintas, ya me entendéis. Sea como sea se trata de una gran canción que nos acompañaría durante 8 semanas para alcanzar el puesto 33 como mejor registro.
TAMBIÉN ES MÚSICA
Hemos podido comprobar en repetidas ocasiones como el mundo de la música ha estado siempre muy vinculado al del cine, tanto en lo que se refiere a la magia de las bandas sonoras de muchas películas como a lo que éstas cuentan en sus argumentos. Pues bien, otra faceta artística que también ha ido siempre de la mano de la música ha sido el humor dejándonos momentos difíciles de calificar.
Las tres canciones que nos regala la sección más divertida de “La Graminola” se mueven precisamente en este terreno, en el del humor, y estoy convencido de que a más de uno de vosotros os van a arrancar una sonrisa e incluso alguna carcajada. No tienen desperdicio y son “tipical spanish” por los cuatro costados. Vamos con ellas.
Vamos a empezar con un dúo de hermanos nacidos en Villanueva de la Serena (Badajoz), al que los más jóvenes no conoceréis pero que a buen seguro recordaréis los más veteranos. Sus nombres eran Manuel y Paco García Lozano y artísticamente eran conocidos como Los Hermanos Calatrava.
En un primer momento su intención fue la de iniciar una carrera musical en plan serio, pero dado el aspecto de uno de ellos, concretamente el de Paco, bastante feo el pobre, con una boca enorme que le hacía pasar por el doble del mismísimo Mick Jagger y una voz y una forma de hablar verdaderamente hilarantes, terminaría por hacerles dirigir sus pasos hacia el del humor adquiriéndo una tremenda popularidad sobre todo en la década de los 70.
Uno de los momentos más descacharrantes de su carrrera “musical” llegaría de la mano de la particular versión que ellos harían de una composición de Domenico Modugno titulada “Llora el Teléfono”, con la que logró un grandísimo éxito y que interpretaba junto a una niña narrando una conversación teléfonica que un padre separado mantenía con su hija a la que hacía mucho tiempo que no veía. Como vemos se trata de un auténtico dramón que Los Hermanos Calatrava convertirían en un espectáculo verdaderamente esperpéntico.
En su particular versión, Manolo, el serio, hacía las veces de padre despechado, mientras que Paco, el feo, interpretaba a la tierna niña ofreciéndonos un momento para reir a carcajadas. En un momento dado el padre le pregunta a la niña aquello de: “en julio, verdad que vas a estar, en el hotel Riviera, ¿Te gusta el mar?”, a lo que la pequeña contesta con una voz incalificable: “el mar lo que se dice el mar no mucho, pero los percebes, los langostinos, las ostras … me gustan mucho”. Aunque no lo parezca, esto también es música.
Cualquier humorista que se precie ha sucumbido en alguna oportunidad a los tentáculos del mundo de la música, versionando a su manera las canciones de mayor éxito en cada momento de su carrera. Hemos podido comprobar como lo hacían Los Hermanos Calatrava y a continuación vamos a “disfrutar” de cómo lo entendía uno de los más prestigiosos humoristas de nuestro país sobre todo durante las décadas de los 70,los 80 y los 90. Hablo de Andrés Pajares.
En el año 1974, la francesa Dalida consiguió un tremendo éxito, el mayor de su carrera en nuestro país, cantando en español “Gigi L’Amoroso”, una canción que narraba las andanzas de un gigolo que se marchaba de su pueblo buscando el éxito en una gran ciudad y tenía que regresar poco tiempo después con el rabo entre las pierntas. El bueno de Pajares nos dejaría su particular visión sobre esta canción.
La música sería idéntica, pero él adaptaría la letra a un gigolo más a la española, más de aquí, más … cateto. La imagen que muestra de ese vividor con una boina calada hasta las cejas y diciendo cosas como que se pensaba que en la ciudad ataban a los perros con longaniza da una señal de lo que nos vamos a encontrar. Esto también es música.
Y si hablamos de Andrés Pajares es inevitable hablar de su álter ego, Fernando Esteso. Durante muchos años, ambos mantuvieron una sana competencia en cuanto a popularidad a la hora de hacernos reir para años después unir sus fuerzas y sus gracias para rodar algunas de las más incalificables películas del cine español, ya me entendéis.
Esteso había mamado desde pequeño el mundo del humor ya que de niño llego a actuar en un circo con su padre haciendo de payaso. Su manera de hacernos reir siempre tuvo un gran reconocimiento y aceptación por parte del público y entre sus “virtudes” se encontraba la de grabar numerosas canciones. En ocasiones eran versiones del mismo tipo de las que acabamos de ver y escuchar y en otras composiciones propias que él mismo realizaba. Para cerrar la sección más incalificable de “La Graminola” del día de hoy vamos con una de éstas últimas.
De nuevo la figura del “cateto tipical spanish” salta a la palestra. Uno de los personajes que el aragonés interpretaba era precisamente el del típico paleto de la España más profunda, haciéndose acompañar de otro personaje de la misma textura que era interpretado por un malogrado actor de la década de los 70 que moriría bastante joven y que atendía al nombre de Venancio Muro.
El personaje que éste último interpretaba tenía nombre y todo y no era otro que el de “Bellotero”. Basándose en él, Esteso compondría la correspondiente canción cuyos resultados es mejor que vosotros mismos juzguéis. Y sí, esto también es música.
Esto es todo por hoy en cuanto a esas “otras músicas” que semanalmente nos visitan. Supongo que muchos de vosotros pensaréis cada semana que ya es imposible superar lo que ven vuestros ojos y escuchan vuestros oídos, pero siempre hay algo que en tan sólo siete días supera todas las espectativas. A pesar de todo, también es música.
LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA
Nuestra revista podríamos decir que es capicúa ya que empieza con buena música y termina con buena música. La contraportada de cada semana es el postre perfecto para endulzar una velada musical que hemos degustado poco a poco y detenidamente. Así que todos preparados para tomar el postre de la casa en forma de música.
EFEMÉRIDE
El Padrino del Soul, el grandísimo James Brown nacía un 3 de mayo y por eso protagoniza la efeméride la semana. Momento de ponernos todos en pie para felicitarle y darle la bienvenida.
Hay personajes del mundo de la música que trascienden más alla de lo puramente musical y a los que suele ponerse algún apodo más o menos afortunado con el que pasan formar parte de la historia de la música. En el caso del artista que protagoniza el recuerdo de la contraportada de hoy, el sobrenombre por el que era conocido encaja a la perfección. Estoy hablando del grandísimo James Brown, estoy hablando del auténtico “Padrino del Soul”.
Llevó una vida repleta de excesos y llena de escándalos, pero su talento era irrefutable. Fue capaz de darle un giro total a la manera de hacer música que tenían en aquel momento los músicos de color, sabiendo acercar el soul al público blanco e ir poco a poco transformándolo hacía lo que luego sería uno de los estilos preferidos para bailar y verdadero antencedente de la música disco que llegaría a mediados de los 70 como fue el funk.
Celebramos hoy que un 3 de mayo del año 1933 nacía este descomunal músico que en el año 1970 le daba un giro total tanto a su carrera como al mundo de la música, con una nueva banda de acompañamiento llamada “The J.B.’s”, con la que dejaría en segundo plano los instrumentos de viento y metal evolucionando su tradicional soul hacia una nueva tendencia como era el funk, dejándonos un momento inolvidable con un clásico entre los clásicos como fue “Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine”.
LA EDAD DE ORO DE LA MÚSICA ESPAÑOLA
El pequeño espacio que le dedicamos cada semana a la música española nos trae uno de los grandes clásicos del rock español que se convirtió en tendencia a finales de los 70 y abrió las puertas a los rockeros que inundarían el panorama musical español en los 80. A disfrutar de todo un clásico del rock & roll de nuestro país.
A principios de la década de los 70 surgió un movimiento musical en nuestro país que aderezaba el buen rock & roll que empezaba a hacerse por aquí con unas letras más comprometidas que no le hacían ascos a entrar en la medida de lo posible en el aspecto político. Me estoy refiriendo al denominado “Rock Urbano”.
Uno de los grupos más destacados dentro de este estilo serían Asfalto, de los que ya os hablaré otro día, quienes sufrieron en el año 1978 una excisión para ver como dos de sus miembros, José Luis Jiménez y Lele Laina formaban junto a Víctor Ruiz y Terry Barrios una nueva banda que atendía al nombre de Topo.
Tras un primer disco de bastante éxito y un segundo trabajo en el que renunciaron de algún modo a sus raíces para darse la mano con un estilo más cercano al pop que al rock, ficharían por una multinacional y publicarían un tercer álbum con el que recuperarían el terreno perdido, retornando a ese “rock urbano” que siempre les había caracterizado.
El álbum en cuestión llevaría el título de “Marea Negra” y la canción que le daba título les proporcionaría el mayor éxito comercial de su carrera con una letra plagada de tópicos ecologistas. Una gran canción, un gran grupo, un corto recorrido.
NOVEDAD
La novedad de la semana nos la trae realmente uno de los lectores de nuestra revista, que semana a semana nos sorprende con sus conocimientos musicales. Se trata del grupo A Perfect Circle y ha habido que esperar 14 años desde su anterior disco. Se han hecho de rogar y hay que pedirle que no se demoren tanto otra vez porque son muy buenos.
La novedad de esta semana es de auténtica calidad y he de reconoceros que me ha pillado por sorpresa, ya que se trata de un grupo que yo no conocía hasta este momento y que gracias a nuestro lector más empedernido, Kim Michael, he descubierto gratamente. Así pues que sepáis que su sapiencia musical es la responsable de que el grupo A Perfect Circle se convierta en parte de la familia graminoleña. Por cierto, os recomiendo que visitéis la página que la revista posee en Facebook ya que en ella podéis encontrar contenido adicional y más música de la buena gracias a las aportaciones de nuestro amigo Kim.
La historia de este grupo es bastante interesante. Un músico desconocido llamado Billy Howerdel le envió una maqueta al cantante del grupo Tool, Maynard James Keenan, quien quedó encantado con lo que en ella pudo escuchar. De esta manera no solamente decidiría apoyar a este joven músico proporcionándole un sello discográfico con el que publicar su música sino que se ofrecería para ser el cantante de su proyecto. Corría el año 2000 y acababa de nacer el grupo A Perfect Circle.
Ahora, 14 años después de haber publicado su tercer álbum vuelven a la carretera con la salida al mercado de “Eat the Elephant”, su cuarto trabajo que nos muestra un sonido repleto de intensidad y una música bastante recomendable. Su carta de presentación es “The Doomed”, primer sencillo en publicarse, una canción con un sonido potente y mucha batería que profundiza en el territorio de las desigualdades que existen entre las distintas clases que conforman la sociedad actual.
Hoy hemos tenido un broche final de lujo gracias a nuestro amigo Kim, sin el que no habría tenido conocimiento de la existencia de esta banda y de la buena música que ofrece. “La Graminola” en tan sólo siete días os traerá más música y más historias como ésta.
Hasta entonces, graminoleños.
JUAN JOSÉ GOMARIZ
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