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Ya sabéis que la base de la revista es dar un pequeño repaso con las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.
Junto a las listas distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro póster, a doble página en el centro desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música española.
Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Y recordad que siempre estaré abierto a cualquier crítica, consejo, sugerencia o petición que vosotros, Graminoleños, me hagáis.
NUESTRA PORTADA
LA LISTA DE LA GRAMINOLA
Parece mentira que cada nueva semana, cuando confecciono la lista de actualidad de “La Graminola”, lo primero que miro es si hay nuevo reggaetón o no, y cuando no lo hay, como sucede esta semana, me alegro sobremanera. Todo esto lo digo desde el respeto a los artistas que abrazan este estilo y a sus millones de seguidores, pero no puedo evitar sentir cierta tristeza al escuchar una y otra vez el mismo soniquete, interpretado por distintos artistas con diferentes letras pero siempre el mismo ritmo. En fin, que esta semana tenemos una única nueva entrada y se trata de una balada, disfrutémosla.
En realidad no se trata de una nueva entrada propiamente dicha ya que es un tema que debutó en nuestra lista favorita en el mes de junio pasado y nos abadonó hace un par de meses tras 37 semanas con nosotros, pero de manera sorprendente ha logrado reengancharse el pasado sábado. Esto no hace si no confirmar mi afirmación sobre la falta de talento y creatividad que triunfa en nuestros días. Las listas no se renuevan como antes y son muchas las ocasiones en las que las mismas canciones entra una y otra vez en las listas de éxitos, no es una novedad en los tiempos musicales que vivimos.
La protagonista de esa entrada es la norteamericana Julia Michaels, quien a pesar de contar con tan sólo 24 años de edad se había convertido en poco más o menos que en la compositora de cabecera de los jovenzuelos que triunfan por ahí, como por ejemplo Justin Bieber, Demi Lovato, Selena Gómez, Nick Jonas e incluso la más veterana Britney Spears. Cansada de componer únicamente para otros se decidió el año pasado a hacerlo para ella mismo y los resultados han sido más que satisfactorios.
El motivo de saltar del mundo de la composición al de la interpretación ha sido en mayor medida provocado por la historia que cuenta este “Issues”, una balada en la que lo da todo para contar con pelos y señales la historia de la ruptura sentimental con su novio. En su primera etapa ha estado en lista 37 semanas ¿Cuáles serán sus numeros en esta segunda?
LOS PIONEROS
Durante las últimas tres semanas, el protagonismo de esta sección ha recaído en exclusiva en el que posiblemente haya sido el grupo más importante de la historia de la música moderna, The Beatles. La labor de John, Paul, George y Ringo es fundamental para entender la evolución que mostró la música a partir de ese instante y fueron fuente de inspiración para la inmensa mayoría de artistas y grupos, tanto del rock como del pop, que fueron viniendo después.
Hoy vamos a cerrar los cuatro capítulos que hemos dedicado como auténticos pioneros de la música a los cuatro de Liverpool con la música que crearon antes del año 1966 momento en el cual echaron a andar las listas de éxitos de “La Graminola”. El resto de su música seguirá apareciendo por aquí cuando vayamos repasando las listas de los años 60 como hacemos cada semana. Así pues vamos a cerrar el círculo con el último disco previo a nuestras listas, otro de los imprescindibles como fue “Beatles for Sale”.
La actividad del grupo era frenética y Lennon y McCartney apenas daban abasto para componer nuevas canciones a la velocidad que les marcaba la casa discográfica. Por si fuera poco, sus giras eran continuas y su tiempo escaseaba, motivo por el cual tuvieron que plegarse a las exigencias de su sello discográfico y hacer algo que odiaban, introducir en su cuarto álbum algunas versiones de otros artistas.
En menos de dos años que llevaban de carrera, “Beatles For Sale” era el cuarto disco que publicaban y lo hacían solamente tres meses después del anterior, por lo que es comprensible que tuvieran que ceder en esta ocasión en lo relativo a las versiones y de las 14 canciones que formaban parte del álbum, solamente ocho sería nuevas composiciones propias, algunas de las cuales, vienen hoy a “La Graminola” para hacernos disfrutar, como siempre, a lo grande.
NO REPLY
No sé si sería una casualidad o, por el contrario, un fiel reflejo del estado de ánimo de los cuatro, pero este disco se presentaba con unas letras un tanto más sombrías de lo habitual y con una música, versiones al margen, bastante más calmada y menos intensa de la que mostraron en sus tres primeros trabajos. Posiblemente fuese un poco de todo ya que al agotamiento que empezaban a notar por lo deprisa que marchaba todo habría que sumar el malestar que sentían por tener que incluir en el disco material de otros artistas.
Lo que estaba claro es que su hiperactividad les estaba empezando a pasar factura tanto en lo que al cansancio físico se refería como a lo relativo a sus voces, motivo por el cual tuvieron que cambiar sobre la marcha algunas decisiones a la hora elegir quien llevaba la voz principal en algunas de las canciones del disco, como sucedería con la que posiblemente sea la más destacada de todo el álbum.
Se trata de “No Reply”, la canción que además abre el disco, en la que en un primer momento Lennon debería haber cantado los tonos más altos y debido a lo dañada que tenía la voz en el momento de su grabación tuvo que ceder esos honores a McCartney. De cualquier manera, el resultado final nos ofrecería una magnífica canción, una más.
I’M A LOSER
Si en su anterior álbum, “A Hard Day’s Night”, el peso de Paul superó de alguna manera al de John, en esta ocasión las tornas cambiarían, siendo éste último el que llevaría mayor protagonismo a la hora de componer. De hecho, “Beatles For Sale” está considerado como el álbum de The Beatles más marcado por la manera de entender la música de Lennon. Eso sí, os recuerdo que fuera quien fuera de los dos el compositor de las canciones, los créditos que aparecían en el disco señalaban que eran los dos al unísono.
Por este motivo no es de extrañar que otra de las canciones más destacadas del álbum sea obra también del talento compositor de Lennon. Se trata de una composición en la que se nota cierta influencia por la música de Bob Dylan, del que siempre se había declarado un ferviente admirador, ofreciendo en esta ocasión un sonido bastante cercano al folk, con una melodía también bastante más calmada próxima a un medio tiempo.
Se trata de “I’m a Loser”, otro de los grandes clásicos de su carrera, además de la última ocasión en la que Lennon “abusa” del sonido de su armónica, algo bastante habitual en sus primeros tiempos y que a partir de este instantes utilizaría muy esporádicamente.
Vamos ya con la tercera y última canción que he elegido para presentar este cuarto álbum de su carrera, posiblemente el tema más importante del mismo, de manera un tanto inesperada, habida cuenta de que les costó bastante dar con el tono que ellos buscaban con motivo de mostrar un sonido un tanto más experimental de lo habitual.
Lo curioso del caso es que después de siete horas seguidas metidos en el estudio de grabación, el resultado final no les acababa de gustar del todo, pese a lo cual decidieron incluirla en el disco. Posiblemente habían despositado muchas espectativas en esta composición ya que en un primer momento su intención era que fuese el tema principal y el que diese título a su segunda película, algo que finalmente no se produciría debido a las dudas que tenían sobre este tema.
La canción en cuestión no es otra que “Eight Days a Week”, y a pesar de la poca confianza que tenían en ella se convirtió en el sencillo más vendido del disco llegando al número uno en el Reino Unido y varios países europeos más. Hasta cuando ellos creían no estar tan inspirados eran capaces de ofrecer grandes momentos.
Aquí debería haber finalizado la sección “pionera” del día de hoy, pero dado que es el último capítulo dedicado a The Beatles en esta faceta, no he podido resitir la tentación de incluir un tema más de aquella época y que encaja a a la perfección como despedida de lujo a unos artistas tan grandes como ellos.
Su frenética actividad de esos primeros años no se conformaba con publicar cuatro álbumes en 20 meses y realizar giras continuas sino que daba tambien para publicar sencillos al margen de sus trabajos de larga duración, algo muy habitual en aquella época en el funcionamiento de la industria discográfica. A finales de aquel año 1964 publicarían un single con el que obtendrían un grandísimo éxito, con una letra ideal para cerrar la sección de hoy y en el que se incluye una peculiar variante.
La coletilla de “fueron los primeros en …” se ha utilizado una y otra vez para contar la carrera de The Beatles, justificando de manera notable su condición de “pioneros”. Pues bien, con la canción con la que vamos a cerrar los cuatro capítulos que les he dedicado en las últimas semanas volverían a ser innovadores. Os cuento.
La canción en cuestión es “I Feel Fine”, una composición de Lennon llena de optimismo, creatividad y ritmo en la que por primera vez en la historia de la música (aquí está la coletilla) un grupo de rock utilizaba el sonido de un acople de amplificador para introducir la música. Fue un sonido que surgió por casualidad durante la grabación al inclinar John la guitarra sobre el amplificador y decidieron incorporarlo de inmediato, convirtiéndose en una de las introducciones musicales más conocidas de la historia del pop-rock.
Ahora sí, aquí ponemos punto y final a la “época pionera” de The Beatles, aunque posiblemente sea más correcto decir que es un punto y seguido ya que sus canciones van a seguir protagonizando “La Graminola” durante muchas semanas más, bastante antes de lo que podemos imaginarnos … y hasta ahí puedo leer.
LISTA DE LOS AÑOS 60
Comenzamos ya el viaje a traves de los tiempos para deleitarnos con la música de distintas épocas. Para empezar repasamos la lista que se estrenaba el 6 de mayo de 1968 que presentaba nada más y nada menos que cuatro nuevas entradas. Nos encontramos ante una de esas semanas mágicas ya que todas y cada una de las incorporaciones que tuvieron lugar ese día son grandísimos clásicos de la historia de la música y sus intérpretes auténticos mitos. Preparaos pues para disfrutar a lo grande.
Hay ocasiones en las que las distintas secciones de la revista pueden entrelazarse entre sí por distintos motivos y en esta ocasión sucede así. La sección de “Los Pioneros” ha estado protagonizada por The Beatles y que mejor comienzo al repaso de las listas de otras épocas que seguir con la música de los chicos de Liverpool, ya que, efectivamente una de las entradas del día llevaba su sello. Ya os había comentado yo que iban a seguir apareciendo por aquí y mucho antes de lo que nos imaginábamos.
Se trata de otro de esos sencillos que publicaron al margen de sus discos de larga duración y que tan buenos resultados solían darles. En esta ocasión es una auténtica genialidad ya que se inspiran en el sonido que siempre caracterizó a ese grandísimo pionero que fue Fats Domino, por lo que el piano cobra un tremendo protagonismo. Por si fuera poco incluye un solo de saxo al final que le da un aire retro todavía más pronunciado. Estoy hablando de “Lady Madonna” , una grandísima canción que nos acompañaría durante 36 semanas para situarse en el puesto 6 como mejor resultado.
Para que nos hagamos una idea de la trascendencia que tenía todo lo que ellos hacían, basta decir que de esta canción haría su propia versión el mismísimo Fats Domino. Creo que no es necesario hacer más comentarios.
La segunda entrada de aquella semana tiene aire “eurovisivo” por los cuatro costados. Y es que en aquella época participar en el festival de Eurovisión, no digamos ya obtener el triunfo, era un pasaporte abierto al éxito, no como ahora que salvo contadas excepciones la mayoría de los ganadores de cada edición terminan pasando con más pena que gloria por el panorama musical internacional.
De todos es sabido que la triunfadora de la edición del año 1968 fue Massiel con el famoso “La La La”, trayéndose el primer premio para España por primera vez en la historia del festival. El gran derrotado de esa edición sería Reino Unido, cuya si bien acabaría segunda a pesar de ser la gran favorita, se resarciría de tal decepción convirtiéndose en un tremendo éxito a nivel mundial, incluyendo nuestro país donde sus resultados sobrepasaron con creces los conseguidos por nuestra compatriota. En esta ocasión el segundón terminó siendo el verdadero triunfador.
Supongo que nuestros lectores más veteranos ya sabrán que me estoy refiriendo a Cliff Richard y ese tremendo éxito que fue “Congratulations”, una canción que se convertiría en un auténtico bálsamo para el cantante inglés. No atravesaba su mejor momento ni profesional ni personalmente hablando ya que acababa de separarse del grupo que le había acompañado durante tanto tiempo en su carrera, los maravillosos “The Shadows”. Inmerso en un estado de ánimo bastante delicado, se refugió en la religión convirtiéndose al cristianismo y viendo una posibilidad de remontar con su participación en Eurovisión aceptó el reto. En un primer momento, al no conseguir la victoria final, su depresión fue en aumento pero con la repercusión que su canción tuvo a nivel internacional terminaría por iniciar su remontada. Era de justicia.
El éxito que cosecharía este tema fue brutal para aquella época y España no fue una excepción ya que tuvo mucha mayor repercusión que el propio “La La La”. De hecho en nuestra lista permanecería durante 41 semanas llegando a ocupar el número uno, registros a los que no llegaría nuestra Massiel. Vamos, aquello de “los últimos serán los primeros”.
Ya os he comentado al principio que las cuatro entradas de la lista sesentera son cuatro auténticos lujos y dentro de ellas la que viene a continuación me parece auténtica pata negra, tanto por su intérprete como por la canción en sí, ambos igual de brillantes.
Nos encontramos ante una canción que adquirió la calificación de mítica ya no solamente por su calidad sino porque es uno de esos casos que se dan de vez en cuando de temas que logran un tremendo éxito y se convierten en la canción más emblemática de un determinado artista tras su fallecimiento. Y es que el malogrado Otis Redding no pudo ser testigo de la trascendencia que adquiriría esta cancion y del éxito arrolador que lograría, algo que ha perdurado hasta la actualidad ya que se trata de una composición que se mantiene de actualidad incluso en nuestros días.
Otis estaba considerado como “El Rey del Soul”, honor que compartía con Sam Cooke, cuando en el año 1967 falleció en un accidente de aviación. A finales del año siguiente se publicaría esta tremenda canción que es “(Sittin’ On) The Dock of the Bay” que le encumbraría como un auténtico mito. En nuestra lista permanecería 19 semanas para alcanzar el top 19, pero a nivel internacional se convertiría en un clásico entre los clásicos con esos inolvidables silbidos.
Como estamos comprobando el nivel de la música que nos trae la lista graminoleña de los 60 es bastante elevado. Pues por el mismo precio os voy a ofrecer una cuarta canción que también se integraba en el ránking aquel día, otro tremendo clásico, de la mano de otro monstruo de la música, aún en activo, con una letra que en la actualidad habría levantado mucha pero que mucha polémica.
El galés Tom Jones se encontraba en aquel instante en uno de los mejores momentos de su carrera. Su manera de interpretar, su descomunal voz y su físico le habían convertido en uno de los cantantes de mayor éxito del momento, por algo era conocido como “El Tigre de Gales”. En el año 1968 publicaba una de las canciones más reconocidas de toda su trayectoria cuya letra narraba una historia que desgraciadamente está muy de actualidad en nuestros días.
La canción llevaba título de mujer y narraba la historia de un marido despechado que engañado por su mujer terminaba apuñalándola. Como vemos es un claro caso de violencia de género y sospecho que si esta canción se publicase en nuestros días alguna que otra campaña en su contra se habría desatado. Al margen de esto, no cabe ninguna duda de que “Delilah” es una grandísima canción y la interpretación que Jones en ella realiza es simplemente descomunal, tanto como los resultados que obtuvo en nuestra lista en la que se instaló durante 59 semanas alcanzando como no podía ser de otra manera el puesto más alto durante algunas de ellas.
Hay situaciones dentro del mundo de la música que parecen inexplicables aunque no hacen otra cosa que demostrar lo grande que es. En la década de los 90, más de 20 años después de su grabación, los aficionados del equipo de fútbol inglés del Stoke City la adoptarían como una especie de himno no oficial y hoy en día siguen cantándola durante los partidos de su equipo. No veo el nexo lógico que esta situación pueda tener pero como ya digo estos hechos son los que convierten a la música en algo indispensable.
LISTA DE LOS AÑOS 70
El repaso a la lista de los 70 no es tan pródigo en cuanto a cantidad pero sí en lo referente a calidad con respecto a lo que acabamos de disfrutar de la lista de los 60. Nos ocupamos de la que se estrenaba el 6 de mayo de 1978 que presentaba una única nueva entrada pero también de una calidad excepcional. He de advertiros una cosa, el grupo que la protagoniza es una de mis auténticas debilidades por lo que no voy a ser capaz de ser objetivo.
El grupo al que me refiero es “The Sweet”, banda británica encabezada por el vocalista Brian Connolly y el guitarrista Andy Scott que se convirtió en uno de los referentes de lo que dio en denominarse “glam-rock” y que unía un inconfundible estilo en el que la fuerza de las guitarras con un sonido ronco y áspero lo llenaba todo a una imagen impactante para aquello tiempos con pelos de colores, maquillaje en los rostros, mallas apretadas, plataformas y laca, mucha laca. Ya os digo, me vuelve loco este grupo y me encanta el glam-rock.
La canción que entraba en nuestra lista aquel 6 de mayo de 1978 es una auténtica joya. Un tema que se alejaba un tanto de su musica habitual, introduciendo un sonido más maduro y con mayor presencia de los teclados, manteniendo la misma armonía coral que siempre habían mostrado. Su título es “Love Is Like Oxygene” y en mi opinión es la mejor composición de toda su carrera y una de las mejores de la década de los 70. En ella Connolly modula su voz como nunca, con unos acordes suaves y calmados en unos registros nunca antes escuchados en ninguno de sus anteriores temas.
Por si fuera poco grabaron dos versiones distintas de este tema, una de las cuales dura casi siete minutos y tiene una parte instrumental central que me parece excepcional. Es la que os pongo a continuación porque creo que merece la pena.
Sus resultados en la lista sería bastante normalitos: 17 semanas de permanencia y top 22, muy por debajo de lo que realmente merece porque para mí es y será siempre un auténtico número uno y el riff de guitarra del principio considera que ya es parte de la historia de la música moderna.
EL ÁLBUM DE LA SEMANA
Ya sabéis que de vez en cuando me doy un capricho a la hora de elegir el disco que va a protagonizar el póster central de cada semana. Además, en algunas ocasiones los que siguen “La Graminola” habitualmente, los más jóvenes claro está, me han comentado que tengo que poner más música de actualidad. Pues bien, en el número de hoy voy a matar dos pájaros de un tiro porque el álbum de la semana llega de la mano de un grupo que a mí particularmente me encanta y que fue publicado hace tan sólo cuatro años. Vienen de Suecia, se hacen llamar “The Sounds” y en el año 2014 publicaron el que es hasta el momento su último disco, “Weekend”.
The Sounds son un grupo sueco que lleva más de diez años haciendo buena música y que está formado por Johan Bengtsson, Jesper Anderberg, Félix Rodríguez, Fredrik Nilsson, Tim Palmer y la extratosférica vocalista femenina Maja Ivarsson, una mujer que nunca ha dejado indeferente a nadie tanto en lo estrictamente musical como en otros aspectos vinculados a su aspecto y demás circunstancias vinculadas a este extremo … vosotros ya me entendéis.
Desde que aparecieron en escena en el año 199, este grupo siempre me cautivó principalmente por su sonido, muy cercano a la “new wave” de los años 80 y dada su estrucutra, una vocalista femenina, rubia, estilizada, atrevida, sexy, y cinco músicos masculinos acompañándola, de manera inmedianta me recordaron a los míticos Blondie, salvando las distancias, claro está.
En el año 2014 aparecía en el mercado este disco que mostraba sus habituales señas de identidad, música enérgica a ritmo de guitarra, en la que la voz de Maja invita a bailar, aderezada con algún medio tiempo y un par de baladas muy previsibles, pero todo ello con una interpretación muy profesional y de calidad, algo que muestran de manera inmediata con el tema que abre el disco cuyo título lo dice todo: “Shake Shake Shake”. Así que ya sabéis a moverse todo el mundo al ritmo que marca el rompedor estribillo de esta composición.
Las comparaciones son odiosas pero sus similitudes con los citados Blondie son bastante evidentes, lo que nos lleva a calificar a Maja Ivarsson como la Debbie Harry del nuevo siglo. Muchos pensaran que es algo exagerado, pero lo cierto es que el carisma de la primera no tiene nada que envidiar a la segunda y el aspecto provocativo de ambas es bastante similar. La propia Maja se ha ocupado siempre de alimentar estos comentarios afirmando que su fuente de inspiración ha sido, es y será la señora Harry.
Otra de las características habituales de este grupo es la intensidad con la que se desenvuelven en sus actuaciones en directo. Saben como meterse al público en el bolsillo desde el primer momento y la principal artífice de esta capacidad es la propia vocalista quien con su itensidad, su ritmo y su manera de moverse sobre el escenario, sin ningún recato a la hora de enseñar todos y cada uno de sus encantos, termina por conquistar a todos los asistentes a sus conciertos.
Por este motivo, muchas de sus canciones estan dirigidas precisamente a hacer vibrar al público en sus conciertos, como esta “Take It the Wrong Way”, en el que muestran una intensidad instrumental bastante grande, santo y seña del grupo durante toda su carrera.
Como suele suceder en la mayoría de los casos en cualquier artista que se precie, las vivencias personales suelen pasar factura y las letras de muchas de sus canciones muestran el momento personal o la situación anímica en la que cada uno se encuentra en el momento de componerlas. La manera de entender la vida de Maja siempre ha sido bastante peculiar, lo que le ha ocasionado algunos problemas en determinados momentos, por lo que que mejor manera para hacer examen de conciencia que con la letra de otra de las canciones de este disco.
La familia de Maja nunca encajó demasiado bien que se dedicase al mundo de la música y su condición reconocida por ella misma de bisexual no ayudó demasiado a que su relación fuera fluida. Con el paso de los años parece que la cantante ha ido madurando dándose cuenta de algunos errores que ha cometido y encuentra la manera de pedir perdón en la letra de “Hurt the Ones I Love”, un tema calmado en el que muestran una estructura poco uniforme lo que le da empaque suficiente como para ser considerado uno de los mejores momentos que ofrece el álbum.
Una de las curiosidades del disco es el ritmo que posee el tema que da título al álbum. Lo normal que que cuando un grupo hace mayoritariamente música intensa y bailable y su repertorio está dominado por esta manera de hacer música, los temas que coinciden con los títulos de sus discos mantengan estas señas de identidad. Sin embargo, ellos han alternado esta tendencia habitualmente y en esta oportunidad nos ofrecen una balada a la hora de dar cuerpo a “Weekend”, la siguiente canción de este trabajo.
Nos encontramos con una balada, terreno en el que también se mueven a la perfección, con una lastimera historia de desamor en la que la mezcla del sonido de las guitarras con los teclados vuelve a retrotraernos al sonido de 30 años atrás. Será por este motivo por el que me gusta tanto su música.
Si hay algo que me gusta de este grupo es la forma en la que son capaces de encajar sus melodías según mejor le vaya a cada canción. Son capaces de ser eléctricos e intensos así como más acústicos y relajados, atreviéndose asimismo a combinar ambos aspectos en algunos casos. En este sentido, la canción que viene a continuación me parece que es la mejor de todo el álbum, una de esas canciones que si se hubiese publicado en los años 80 a buen seguro que se habría convertido en un grandísimo éxito a nivel internacional.
Se trata de una canción que lleva el título de “Great Day” en la que la guitarra acústica tiene un peso bastante grande, alternando su sonido con un contraste de bajo y el resto de la sección de guitarras. Si a esto le sumamos una melodía ideal para bailar, una letra optimista y la voz más acariciante que Maja pueda ofrecernos, obtenemos un resultado excepcional.
Al igual que ha sucedido en sus anteriores discos, The Sounds nunca se han preocupado en exceso por darle a éstos una estrucutra compacta en lo que al orden de las canciones se refiere. No les ha preocupado en ningún momento mantener ningún tipo de uniformidad o conexión entre sus composiciones, ocupándose única y exclusivamente de presentarnos su música tal como es, sin mayores pretensiones. Esta especie de “sencillez” sea posiblemente otra de las causas por las que me gustan tanto.
Os cuento esto porque supongo que os habréis dado cuenta de que las canciones van surgiendo en el álbum una tras otra sin conexión alguna entre ellas. Ellos componen, tocan, graban y publican la música que les gusta hacer y que tan bien saben hacer, sin más. De esta manera, pasamos de un tema con una melodía más pausada y acústica a otra más potente y eléctrica, y lo mejor de todo es que ellos logran que a pesar de ello todo encaje.
Con todo lo que os estoy comentando os imaginaréis que la canción que viene a continuación rompe totalmente con lo que mostraba la anterior. Se trata de “Outlaw” y muestra un sonido intenso con las guitarras eléctricas dándolo todo y una letra más agresiva en la que nos narran la historia de una rebelde, la historia de una fuera de la ley. El aspecto más punk de The Sounds, que también lo tienen, se hace más que evidente en esta oportunidad.
Los que no conocierais la música de este grupo y los estéis descubriendo en este momento supongo que os habréis percibido todas y cada una de sus señas de identidad. La más marcada es sin lugar a dudas su sonido bastante influido por la música de la década de los 80 (volvemos a caer en la comparación con Blondie) pero hay otras que también pueden considerarse como marca de la casa.
El mayor peso del grupo es evidente que lo lleva su cantante, Maja Ivarsson, auténtica líder e imagen más representantiva de la banda, pero los cinco hombres que la acompaña no son meros espectadores, meros acompañantes como sucede en muchos grupos en el que el carisma de su solista, sobre todo si es femenina, termina tragándose al del resto. Estos cinco chicos son muy buenos tocando y en cada canción lo ponen de manifiesto.
En cualquiera de las canciones del disco los chicos muestran su mejor cara, pero uno de los temas en el que mejor brillan mostrándo su habitual compenetración es “Too Young To Die” otro de los temas recomendables del disco, aunque ahora que lo pienso creo que realmente todos lo son.
A continuación llega otro corte más con unas señas de identidad bastante similares. Podría decirse que es el tema que más y mejor condensa lo que es el sonido de “The Sounds”, mucha guitarra, melodía fácil, letra sencilla y todo ello aderezado con la música de los teclados.
Éste es el sonido que presenta “Emperor”, la canción que según manifiestan los propios miembros del grupo pasa por ser la mejor de todas. Yo no sé si será cierta esta afirmación tan subjetiva, pero lo cierto es que suena de manera espectacular.
Las canciones van surgiendo una tras otra y nos vamos acercando poco a poco al final del álbum. Al contrario de lo que suele suceder en la mayoría de los casos, para cerrar el disco han reservados tres de los mejores temas del mismo, tres de las canciones más originales y trabajadas. Podría decirse que han querido ofrecer un fin de fiesta espectacular y lo cierto es que lo consiguen sobradamente.
Para empezar con la traca final, nos ofrecen la canción más compleja y más trabajada de todo el álbum. Yo diría incluso que es la composición más elaborada de toda su carrera con la que muestran todo su repertorio a la hora de tocar produciendo continuos cambios de estilo. Es algo parecido a la canción que incluyeron en su anterior trabajo “Crossing the Rubycon” que bajo el título de “My Lover” es mi preferida de todas.
La espectacular canción lleva el título de “Panic” y es una especie de “minisinfonía” con arreglos orquestales, constantes cambios en sus estructura y un sonido que recuerda constantemente al tecno de los 80. Para mí es una auténtica joya.
Siguiendo con la parte más creativa que nos ofrecen justo al final del disco llega otro tema en el que muestran nuevamente su versatilidad. Cuando un grupo de las características de The Sounds logra el éxito y abrirse su pequeño camino en el panorama musical internacional es bastante complicado no caer en la tentación de componer temas que se parecen muchísimo unos a otros y terminar por hacer siempre la misma canción. Ese riesgo con ellos no existe porque saben ofrecer cosas nuevas en cada disco e incluso cosas diferentes dentro de cada uno de ellos.
En este sentido, “Animal” muestra también una gran versatilidad, acercándose al glam-rock (nuevamente guiños a los 70 y 80), utilizando el siempre artificio atractivo de los efectos de silbidos y consiguiendo que el bajo le robe cierto protagonismo en esta oportunidad a las guitarras. Una composición que también va rompiendo y cambiando continuamente con un inicio con bastante ritmo, un descenso de intensidad hasta llegar prácticamente a un medio tiempo y volver a crecer de manera exponencial con el estribillo. Una cosa está clara, escuchando su música nunca vamos a aburrirnos y si los disfrutamos en directo mucho menos.
Llega entonces el momento de cerrar el disco y lo cierto es que saben hacerlo bastante bien. Para poner la guinda a ese delicioso pastel que es “Weekend”, Maja y los suyos nos regalan una de esas canciones que se cantan a todo cantar en cualquier garito que ponga su música y que se esperan casi con ansia en sus conciertos. Un tema de los de saltar, cantar y bailar en sus actuaciones en vivo.
Para ello vuelven a deleitarnos con una parte instrumental al principio en la que se lucen todos los miembros del grupo y dar paso a una de las canciones más intensas de todo el álbum, con una letra que habla de la juventud y de la rebeldía y que como ya digo es ideal para poner al público en éxtasis en cualquiera de sus conciertos. Su título es “Young and Wild” y es un magnífico colofón a un disco que a mí personalmente me encanta.
Hasta aquí llega el disco que ha protagonizado la página central de la revista esta semana. En otros tiempos, un grupo como éste se habría convertido poco menos que en un fenómeno de masas y, sin embargo, en nuestros tiempos goza de cierta popularidad pero su música no es de la más promocionada. Una vez más nos encontramos ante la sinrazón de la industria discográfica actual. Y no voy a comentar más que enseguida me enciendo y me deprimo.
Ahora solamente queda esperar la publicación de su siguiente disco, que ya están tardando porque han pasado cuatro años y no he vuelto a saber nada al respecto, porque sería una auténtica pena que un grupo como éste, con una música como la que hacen se pierda tan pronto por el camino.
LISTA DE LOS AÑOS 80
Seguimos nuestro camino y continuamos el habitual recorrido a través de la música de otros tiempos y lo hacemos sin cambiar demasiado de tercio ya que acabamos de disfrutar de un disco de hace tan sólo cuatro años pero que muestra un sonido muy ochentero y vamos ahora a disfrutar del repaso que siempre hacemos a la lista de la década de los 80. Todo se resume en que vamos a continuar con buena música.
Vamos a situarnos en la lista graminoleña que se estrenaba el 8 de mayo de 1988, la cual nos traía dos nuevas entradas además del cambio en el número uno. Tras 3 semanas de ocupar la cima de nuestro ránking, Sting y su “We’ll Be Together” dejaban paso a un tema del que ya os he hablado hace no mucho con motivo de su entrada en la lista y que se hacía con el número 1 ascendiendo nada más y nada menos que desde el puesto número 7, algo bastante poco habitual, ya que normalmente el asalto a la cima suele lograrse desde posiciones más cercanas.
El nuevo número uno desde ese día sería la maravillosa versión que “Pet Shop Boys” realizarían de “Always On My Mind”, el gran clásico de Elvis Presley. Os refrescaré un poco la memoria para recordaros que en el año 1987, con motivo del décimo aniversario del fallecimiento del Rey del Rock, la cádena televisiva inglesa ITV le rendiría un merecido homenaje mediante la emisión de un programa especial titulado “Love Me Tender” y en el que distintos artistas de actualidad realizarían distintas versiones de los mayores clásicos de Elvis. En dicho programa Pet Shop Boys ofrecerían una versión tan grande de “Always on my Mind” que inmediatamente sería grabada y publicada como sencillo, colocándose en los puestos de privilegio de las listas de éxitos de todo el mundo, incluida la graminoleña como estamos comprobando.
Además del cambio de número uno, la lista de aquel 8 de mayo presentaba dos nuevas entradas, una de ellas de auténtico lujo y la otra … la otra no sabría muy bien como calidicarla ya que se trataba de un proyecto encabezado por uno de los críticos musicales más prestigiosos de aquella época y que todavía sigue dando muestras de su sapiencia musical. Pero vayamos por orden.
La primera de las entradas estaba protagonizada por una de las voces más emblemáticas de aquella época. Su voz rasgada, ronca y potente a la vez y su sensibilidad a la hora de cantar le habían hecho acreedor al honorífico título de “El blanco que cantaba con voz de negro” y por aquella época se encontraba en uno de los mejores momentos de su carrera una vez superada su adicción al alcohol. Estoy hablando del grandísimo Joe Cocker.
Acababa de publicar su disco “Unchain My Heart”, en el que la mayoría de las canciones que en él se incluían eran versiones de otros artistas interpretadas a su manera, territorio en el que se ha movido siempre a la perfección recondando la tremenda versión que haría de “With a Little Help From My Friends” de The Beatles. Sin embargo, la canción que entraba en lista la semana de la que nos estamos encargando era un tema nuevo escrito por Dart Hartman con el que volvería a demostrar su maestría a la hora de interpretar canciones con sentimiento.
Se trata de una balada romántica a más no poder que interpretada con su voz rasgada se transforma en un momento estelar. Su título es “A Woman Loves a Man” y nos acompañaría en lista durante 24 semanas para alcanzar el puesto número 2 como mejor registro. Grande Cocker, como siempre.
La segunda entrada de la semana viene de la mano de un proyecto muy peculiar y singular que se sacó de la manga uno de los periodistas musicales más prestigiosos de nuestro país. Estoy hablando de Julián Ruiz, por aquel entonces una de las estrellas de “Los 40 Principales”, quien ya había tomado contacto con la música realizando labores de producción para distintos artistas. En esta oportunidad decidiría dar el salto al otro lado de la barrera y ser parte activa del asunto.
Para este proyecto contaría con la colaboración estelar de Tino Casal en labores de composición, el teclista que siempre le acompañaba, Javier Losada, y el guitarrista de Azul y Negro, Joaquín Montoya, recayendo las labores de vocalista en Losada y el propio Julián Ruiz. El proyecto en cuestión llevaría el nombre de “Norte Lamber”.
La única canción de este proyecto que tendría cierto reconocimiento sería “Jingo Apache”, tema compuesto por Casal y que serviría como carta de presentación y cierre, ya que después de este intento no habría más en lo que a este proyecto se refiere ya que pocos años después Ruiz lo volvería a intentar y en esta ocasión con más éxito con “El Bosco”.. Sus resultados serían bastante discretos, como no podía ser de otra manera, permaneciendo en lista durante 8 semanas para alcanzar el top 25.
LISTA DE LOS AÑOS 90
Continuamos nuestro viaje graminoleño en el tiempo para situarnos ahora en el 10 de mayo de 1998 y hacernos eco de la única entrada que presentaba la lista aquel día, una canción de un artista latino que estaba subiendo como la espuma en aquel momento y que está íntimamente ligada con el mundo del deporte, más concretamente con el del fútbol.
El portorriqueño Ricky Martin se había convertido en una de las estrellas emergentes latinas apenas un par de años antes con su famosa “María” y desde ese instante iba a convertirse en una figura destacada de la música y asiduo a nuestras listas incluso en nuestros días. Acababa de publicar su disco “Vuelve”, con el que repetiría grandes resultados, en el que se incluía la canción que colocaba en la lista aquel 10 de mayo moviéndose en unos terrenos muy similares a los de sus anteriores éxitos.
Esta canción llevaba el título de “La Copa de la Vida” y se beneficiaría de la tremenda promoción que significó que se covirtiera en la canción oficial del Mundial de Fútbol que se celebró ese mismo año en Francia, por lo que no es de extrañar que se convirtiera en una de las triunfadoras de aquel verano. En nuestra lista también lo sería ya que nos acompañaría durante 44 semanas y llegaría alcanzar el número 1.
LISTA DEL NUEVO MILENIO
Toca ya cerrar el repaso semanal a las listas graminoleñas de otras épocas con la única novedad que presentaba la que se estrenaba el 4 de mayo de 2008. Una canción de una artista española de tremendo carácter, considerada como una de las auténticas divas de nuestra música y que ha terminado convirtiéndose en un personaje mediático de la televisión por formar parte del jurado de distintos concursos relacionados con la música. Supongo que ya os estaréis imaginando que hablo de Mónica Naranjo.
El tema que ingresaba en la lista de aquel día tiene una historia detrás de él con bastante miga. Vería la luz en el año 2008 aunque se trataba de una canción compuesta en 2006 pero que tuvo que ser aparcada, junto con el resto de canciones que iban a conformar su disco “Tarántula” debido a las discrepancias que Mónica mantuvo con su casa discofráfica. El mundo de la música se encontraba en una tremenda crisis en cuanto a ventas con la piratería en su máximo apogeo y su sello quería apostar sobre seguro con un disco más comercial y vendible, mientras que ella quería publicar un álbum más innovador, de mayor calidad y sin preocuparle si vendía más o menos. Simplemente quería hacer la música que le apetecía, sin más.
Tanto ella como su casa discográfica no cedieron en ningún momento en sus pretensiones, motivo por el cual el disco quedó aparcado y en su lugar se publicaría un recopilatorio bajo el título de “Colección Privada”. Dos años después, ya en 2008, con nuevo sello discográfico, Mónica publicaría por fin el álbum como ella quería y de él se extraería como primer sencillo “Europa”, según los entendidos en la materia una de las mejores canciones de su carrera, con la que nos acompañaría en la lista graminoleña durante 27 semanas para alcanzar el puesto 18 como mejor registro.
TAMBIÉN ES MÚSICA
La sección más original de “La Graminola” se adentra en el día de hoy en el mundo de las series de televisión. Pero no, no se trata de bandas sonoras de series televisivas, tema que ya abordaré próximamente, sino que se trata de actores de televisión que alcanzaron una tremenda popularidad y aprovechando el tirón decidieron probar suerte en el mundo de la música. Os advierto que alguna sorpresa os váis a llevar ya que la calidad de alguno de ellos es bastante buena, aunque la de algún otro no esté a tanto nivel.
Viajamos hasta el año 1987, momento en el cual el primer protagonista de hoy publicaba su primer disco de los tres que sacaría al mercado en su corta carrera discográfica. Por aquel entonces triunfaba en televisión con una serie que en España se convirtió en un tremendo éxito y que llevaba el título de “Luz de Luna”, siendo acompañado en el papel de protagonista por la actriz Cybill Shepherd. Estoy hablando del mismísimo Bruce Willis.
Lejos de encontrarnos con un capricho de actor que se viene arriba, este primer álbum, titulado “The Return of Bruno”, posee una gran calidad ya que Willis supo rodearse de muy buenos músicos para grabarlo. Gente de la talla de Booker T. Jones, Ruth Pointer (The Pointer Sisters) o The Temptations le arroparon en este trabajo en el que el actor pone voz a algunos clásicos del sello “Mowtown” con unos resultados bastante más que dignos.
Entre las canciones del disco se encuentra una versión de “Respect Yourself”, clásico del año 1971 del grupo The Staple Singers, que se convirtió en su canción más destacada y el mayor éxito que Willis lograría como cantante, colocándose en los primeros puestos de las listas de éxitos de su país y convirtiéndose en uno de los sencillos más vendidos del año 1987 en el Reino Unido. En resumen podría decirse que nos econtramos ante una grata sorpresa.
Bruce Willis publicaría todavía dos discos más, aunque ninguno obtendría la repercusión que su álbum de debut. A partir de ahí su carrera discográfica quedó abandonada definitivamente ya que de la televisión dio el salto al cine para convertirse en una de las estrellas más populares de Hollywood, volcándose desde ese momento en su prolífica y exitosa carrera como actor.
Vamos con el segundo actor que intentó aderezar su carrera como tal con el capricho de introducirse en el mundo de la música. Se trata de un caso bastante similar al que acabamos de ver: década de los 80, éxito absoluto y gran popularidad con una serie televisiva que arrasaba en todo el mundo y corto recorrido como cantante. Su nombre es Donnie Wayne Johnson, pero todos le conocemos como Don Johnson.
Si hay una serie televisiva de los 80 que de manera inmediata nos viene a la cabeza, ésa es “Miami Vice”, o lo que es lo mismo, “Corrupción en Miami”, y si hay un personaje que adquirió una tremenda popularidad dentro de ella, ése es Sonny Crockett, papel que interpretaba el propio Don Johnson. Pues bien, los paralelismos con la trayectoria de Willis son más que evidentes porque él también intentaría abrise un hueco en el panorama musical del momento y sus resultados sería bastante parejos, aunque si yo he de escoger me quedo con Bruce.
Johnson únicamente publicaría dos discos, el segundo sin ninguna trascendencia, y con su álbum de debut, titulado “Heartbeat” y publicado en el año 1986, lograría unos buenos resultados de ventas a ambos lados del Atlántico, en gran medida por aquello de la novedad y por la admiración que el público en general le profesaba en aquel momento. El tema que da título al álbum es el más destacado de ese trabajo y puede considerarse como el primer y único éxito dentro de la música de Don Johnson.
Vamos ya con el tercer y último actor de hoy que se adentró en el mundo de la música y vamos a hacerlo con un caso bastante peculiar, ya que se trata del que es posiblemente el de menor calidad de los tres que protagonizan la sección de hoy pero también es el más prolífico de todos, ya que ha publicado hasta 15 discos llegando incluso a sacar al mercado dos álbumes en un mismo año. Misterios que tiene el mundo de la música.
Eso sí, comparte con los dos anteriores popularidad televisiva, además por partida doble porque protagonizó dos de las series de mayor éxito en televisión, una de la década de los 80 y otra de los 90. Estoy hablando del muy peculiar David Hasselhoff, protagonista de las series “El Coche Fantástico” y “Los Vigilantes de la Playa” y, aunque parezca mentira, prolífico cantante. Sorpresas te da la vida.
La calidad de su música es … la verdad es que no sabría calificarla, pero lo que está claro es que si ha sacado al mercado desde el año 1985 la friolera de 15 discos, algo tendrá que a mí se me escapa. Como botón de muestra voy a ofreceros el que fue el primer sencillo de su primer álbum, titulado “Night Rocker”, una versión de un tema que interpretaron en su día The Everly Brothers”.
La canción en cuestión lleva el título de “Let It Be Me” y está interpretada a dúo con la también actriz Catherine Hickland, apareciendo esta canción en alguno de los episodios de la serie “El Coche Fantástico”, todo queda en casa.
El mundo de la música está repleto de artistas vinculados al mundo del cine que se han visto tentados por lograr también reconocimiento por su talento musical, aunque en la inmensa mayoría de las ocasiones sus resultados han sido bastante discretos. Lo que acabamos de ver y escuchar son tres ejemplos pero hay muchos más casos similares, así que en algún momento habrá que retomar el tema. Por cierto, una opinión personal: por muy incalificables que puedan ser las carreras musicales de estos tres actores prefiero cualquiera de ellas al reggaetón ¿Qué pensáis vosotros?
LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA
Siempre se dice que las despedidas son tristes pero en nuestro caso no lo son porque vienen cargadas sin excepción de buena música y tan sólo hay que esperar siete días para reencontrarnos. Así que despedimos el número de “La Graminola” de hoy con una sonrisa de oreja a oreja y los oídos bien abiertos.
EFEMÉRIDE
Graham Gouldman, que fuera vocalista de 10CC cumple 72 años. Está ya hecho todo un mocito y para celebrarlo disfrutamos de su voz y de la buena música que hicieron todos los miembros del grupo.
Una de mis bandas preferidas de la década de los 70 es sin ninguna duda 10CC. Siempre me han parecido un espectacular grupo con unas composiciones llenas de calidad y un sonido que me encanta. Aprovechando la coyuntura, esto es que un 10 de mayo de 1946 vino al mundo su vocalista principal, Graham Gouldman, nuestra contraportada va a deleitarnos con una de sus mejores canciones, más concretamente con mi canción preferida.
Junto a Eric Stewart, Kevin Godley y Lol Creme fundaría el grupo en el año 1972 y desde el primer momento dieron cuenta de su profesionalidad y de la calidad de su forma de hacer música, logrando unos cuantos éxitos de esos que pueden considerarse como auténticos himnos de la época. Por cierto, los dos últimos formarían años después un dúo que a mí personalmente me fascinaba, Godley & Creme y que nos dejarían una maravilla en forma de canción como es “An Englishman in New York”, pero ésta es otra historia.
En el año 1978 se publicaba el álbum “Bloody Tourists” en el que se incluía mi canción preferida de esta banda. Se trata de un tema que narraba vivencias propias que el grupo había “sufrido” durante unas vacaciones en las Islas Barbados, aunque a algunos pueda parecerles algo disparatado. Se trata de “Dreadlock Holiday”, una canción a ritmo de reggae que me encanta.
LA EDAD DE ORO DE LA MÚSICA ESPAÑOLA
La música española de hoy va de heavy metal, con uno de los grupos más grandes de la época dorada del rock duro español: Ángeles del Infierno.
La mágica década de los 80 mostró una versatilidad y variedad nunca antes vista en cuanto a estilos musicales, por lo que el nivel que se llegó a alcanzar a nivel internacional fue espectacular. No se quedaría atrás el panorama musical español que empapándose continuamente de lo que se hacía fuera de nuestras fronteras comenzó a abrirse camino en estilos nunca antes trabajados por grupos españoles. El ejemplo más claro es el heavy metal, así que hoy vamos a disfrutar de uno de los temas emblemáticos de uno de los mejores grupos de rock duro de nuestro país.
Me estoy refiriendo a Ángeles del Infierno, una banda de heavy metal que irrumpió como un relámpago desde Lasarte (Guipúzcoa) en el año 1978 y que prontó dio muestras de que iban a a hacer algo grande, llegando a ser teloneros en sus conciertos en España de grupos de la talla de AC/DC, Motorhead o Saxon, ahí es nada.
Su momento culminante llegaría en el año 1984 cuando publicaron “Pacto con el Diablo”, su álbum de mayor éxito considerado por los críticos especializados como uno de los discos más grandes de heavy metal que jamás se haya hecho en España. Lo cierto es que el listón lo pusieron tan alto con este trabajo que fue imposible igualar sus resultados por lo que poco a poco fueron perdiendo fuelle en gran medida también por el retroceso que este estilo fue desarrollando desde mediados de la década de los 90.
Entre las canciones de ese disco se encuentra “Maldito Sea Tu Nombre”, un auténtico himno del heavy metal español y que les situaría a otro nivel dentro del rock en español. Un grandísimo grupo, una grandísima canción.
NOVEDAD
Rompió en los 80, intenton mantenerse en los 90 y con el nuevo siglo parecía haber desparecido de la circulación. Sin embargo ha sabido retornar y reinvertarse una de las auténticas damas de la música británica, la indispensable Lisa Stansfield. Tiene nuevo disco recién estrenado y nos hacemos eco de ello.
Tras pasar por el grupo The Blue Zone, Lisa Stansfield irrumpió en el panorama musical internacional en el año 1989 como un auténtico ciclón convirtiéndose en una de las artistas más aclamadas por la crítica gracias a ese descomunal disco que es “Affection”, con el que arrasó en todo el mundo. Su debut en solitario fue todo un acontecimiento siendo considerada como una de las artistas emergentes con mayor progresión en aquel instante.
Como ha sucedido tantas y tantas veces, su álbum de debut fue tan espectacular que ya no fue capaz de reeditar el éxito con él conseguido. Hiciese lo que hiciese a partir de ese momento, y lo que hizo fue también bastante bueno, de manera inmediata era comparado con “Affection” y terminaba pareciendo que no tenía suficiente nivel. Pese a que siguió publicando discos de manera periódica, su repercusión fue decreciendo paulatinamente. Quizás toco techo demasiado pronto.
En el año 2004 desapareció de la circulación y aunque no hubo anuncio oficial todo el mundo dio por hecho que se había retirado definitivamente pero la sorpresa llegría en el año 2014 con su inesperada reaparición y la publicación desde entonces de tres discos. El tercero nos llega ahora bajo el título de “Deeper” y acaba de ser publicado recién salido del horno.
El primer sencillo de este disco lleva el título de “Billionaire” y nos muestra a la Lisa Stansfield de siempre, interpregando con su plácida y dulce voz a ritmo del soul más fresco y actualizado con mayor madurez y profesional si cabe. Un disco que no venderá millones de copias pero que a buen seguró estará entre los mejores trabajos del año.
Lujo y encanto para despedir el número de “La Graminola” de hoy, pero ya sabéis que en apenas siete días estoy otra vez con vosotros. Por cierto, cómo pasa el tiempo, la semana que viene publicaré el número 25 desde que el blog tiene formato de revista, pero lo mejor de todo es que nos queda todavía mucho camino por recorrer.
Hasta la semana que viene, Graminoleños.
JUAN JOSÉ GOMARIZ
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