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Ya sabéis que la base de la revista es dar un pequeño repaso con las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.
Junto a las listas distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro póster, a doble página en el centro desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música española.
Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Y recordad que siempre estaré abierto a cualquier crítica, consejo, sugerencia o petición que vosotros, Graminoleños, me hagáis.
NUESTRA PORTADA
LA LISTA DE LA GRAMINOLA
Lo de las colaboraciones entre artistas es el pan nuestro de cada día y a mí es algo que ya me aburre, que queréis que os diga. Además, ya no se trata de que dos cantantes decidan unir sus voces para publicar una canción sino que con eso no ya basta y lo habitual empieza a ser que, cuanto menos, sean tres los que protagonicen estas canciones y a mí personalmente me suena a falta total de imaginación. Si a eso le sumamos el sonido “reguetonero” de siempre tenemos el cóctel habitual de cada semana en la única entrada que se produce en la lista que estrenábamos el pasado 12 de agosto.
Me da mucha pena que artistas consagrados, artistas que han logrado grandísimos éxitos mostrando su verdadera esencia caigan en la tentación de dejarse arrastrar por los ritmos de moda. En este caso dos de nuestros cantantes mas importantes bajan considerablemente el listón a pesar de que nos presentan una canción que a buen seguro va a triunfar a lo grande en nuestro país. Ellos son Alejandro Sanz y Melendi.
En el caso del primero todo se puede perdonar ya que su carrera ahí está, pero lo de Melendi me parece una auténtica tomadura de pelo, como ya os comentado en otras ocasiones. De ser el cantante más rebelde, polémico y creativo en sus primeros tiempos ha pasado a la ñoñería más absoluta y a dejarse llevar por las tendencias de la música facilona que hace todo el mundo. Ha pasado de ser un especimen único a convertirse en uno del montón. Él sabrá.
Por si fuera poco, la tercera pata de este trípode nos llega del mundo del hip-hop. Se trata de Arkano, un joven rapero que está considerado como uno de los mejores de nuestros país y que junto a sus dos compañeros ha colocado en lista este “Déjala Que Baile”, una canción reivindicativa en plan feminista con un videoclip marcado por el “body paint” que presentan sus protagonistas. Le auguro unos buenos resultados en nuestra lista porque con ese ritmo y esa letra lo van a tener muy fácil.
LOS PIONEROS
Hay artistas que con tan sólo pronunciar su nombre a todos nos llena una sensación de respeto hacia ellos ya que su figura está muy por encima de cualquier matiz musical que podamos imaginar. Son artistas de los pies a la cabeza cuya trayectoria y legado son tan grandes que es inevitable calificarlos de auténticos reyes. El protagonista de la sección de “Los Pioneros” del día de hoy es uno de esos grandes genios.
Muchos de los entendidos en la materia afirman que el blues es en esencia la madre de todos los estilos musicales que podamos imaginarnos. Dicen que esta manera tan emotiva de sentir e interpretar la música es la que ha inspirado en mayor o menor medida a cualquier artista que se ha ganado un espacio a lo largo del tiempo en el panorama musical internacional. Y si hablamos del blues hay que hablar del que está considerado como uno de sus auténticos reyes, el mítico e inigualable B. B. King cuya figura ya os digo que trasciende mucho más allá de la calidad de su música.
Así pues vamos a dedicar a este descomunal compositor, guitarrista y cantante la sección pionera del día de hoy y para ello he elegido tres canciones del que fue su álbum de debut, titulado “Singin’ the Blues” que en mi modesta opinión es una especie de catecismo de lo que es el buen blues. Llega el momento de disfrutar a lo grande.
PLEASE LOVE ME
Una de las señas de identidad de este enorme artista es su forma de tocar la guitarra. En todas sus canciones introducía unos potentes y peculiares solos de guitarra que muy pronto se convirtieron en referencia para los artistas que irían surgiendo posteriormente. Cualquier banda de rock que triunfara en la década de los 60 se fijaba en la manera de tocar este instrumento por parte de B. B. King para ir creciendo en el mundo de la música.
La música que aparece en su álbum de debut es simplemente impresionante. Sus raíces eran bastante humildes ya que había nacido en una plantación sureña de algodón y todos sabemos lo que eso significaba. Como la mayoría de los artistas de color de aquellos tiempos sus inicios musicales estuvieron marcados por el góspel pero él se dio cuenta de inmediato que lo que le gustaba hacer era muy distinto y el blues y los aficionados a la música se lo agradecemos enormemente.
El primer tema que quiero ofreceros de ese primer álbum, publicado en el año 1956, es una canción que curiosamente no apareció como sencillo pero que creo que tiene toda la esencia de la música de B. B. King. Un sonido claro y contundente, una sensibilidad especial y una guitarra que por momentos le roba el protagonismo incluso a su propia voz y a la letra de la canción. Un tema, como muchos otros, en los que su guitarra parece ser la que verdaderamente manda. Su título, “Please Love Me”.
BAD LUCK
Además de tocar la guitarra de manera excepcional, de interpretar con una tremenda sensibilidad su música ayudándose de su grave vozarrón y ser la gran referencia del blues, su personalidad era simplemente arrolladora. Su guitarra lo era todo para él hasta el punto de que le pondría nombre a una de ellas, tras un suceso que vivió poco antes de que su primer disco saliera al mercado.
El peculiar “Bautismo” tiene una curiosa historia detrás. Durante una de sus actuaciones en un local de aforo reducido se produjo un incendio. El concierto tuvo que ser suspendido de manera inmediata y todos los presentes fueron desalojados apresuradamente. Cuando King se encontraba ya en el exterior se dio cuenta de que se había olvidado dentro del local su querida guitarra y pese a que el fuego era bastante considerable no dudo en regresar y rescatar su preciado tesoro.
Poco después conoció que el incendio se originó por una pelea entre dos hombres con motivo de ganarse los favores de una mujer llamada Lucille. Desde ese mismo instante, la guitarra que rescató de las garras del fuego tomaría ese nombre y se convertiría en un auténtico icono en su carrera y, posiblemente, la guitarra más famosa de la historia de la música.
Desconozco si la música que se incluye en “Singin’ the Blues” fue tocada o no con “Lucille”, pero lo cierto es que suena espectacular. Como por ejemplo la que posiblemente sea la mejor canción del álbum, titulada “Bad Luck” en la que además de su guitarra, el acompañamiento de metal la convierten en una auténtica joya
YOU UPSET ME BABY
Sus comienzos estuvieron vinculados al mundo de la radio desde donde empezó a dar a conocer su música. Era bastante habitual en esos tiempos que acudiera a distintas emisoras a interpretar sus canciones en directo acompañado única y exclusivamente por su guitarra y ni que decir tiene que de manera inmediata llamó la atención del público y el interés de algunos sellos discográficos. Su salto a la fama fue bastante rápido.
Su tirón fue tan grande que logró calar desde el primer instante tanto en el público de color como en el de raza blanca. Recordemos que esos inicios de su carrera, principios de los 50, estaban marcados por la segregación racial y el continuo acoso hacia los negros norteamericanos algo que no era ajeno al mundo de la música. En aquella época todavía había artistas para blancos y artistas para negros aunque realizaran el mismo tipo de música. Con él todo cambiaría.
Y es que B. B. King iba a convertirse en el primer cantante de blues de color capaz de gustar a los blancos, algo que le granjearía curiosamente algunos problemas con los de su propia raza que veían el asunto como una manera de venderse y una especie de traición dejándose manipular por los que les acosaban en las calles a diario. Afortunadamente, su talento demostraría que lo que realmente sucedía es que la buena música no conoce de distinciones de razas. Si es buena, es buena para todos.
Escuchando canciones como “You Upset Me Baby” no resulta nada extraño que el público en general empezara a admirar su figura al margen de razas y similares.
Su carrera fue tan prolífica, se alargó hasta el momento de su fallecimiento en el año 2015, y su música tan espectacular que no he podido resistir la tentación de ofreceros un cuarto tema en el que participa en esta ocasión con un acompañamiento de lujo. La verdad es que me resulta bastante complicado saber quien acompaña a quien porque tanto su figura como la de los miembros del grupo con los que comparte protagonismo es sumamente alargada. Vamos con ella.
WHEN LOVE COMES TO TOWN
En el año 1988 U2 publicaban un nuevo disco bajo el título de “Rattle and Hum” que incluía muy buena música además de un tema en el que compartían protagonismo con B. B. King. La mezcla nos dejó un resultado espectacular.
La compenetración que el grupo y el “Rey del Blues” alcanzaron fue enorme. El contraste de la voz casi desgarbada de King contrastaba a la perfección con la habitual manera de interpretar de Bono y el duelo de guitarras entre el veterano cantante de blues y The Edge nos dejaría uno de los momentos estelares de la historia de la música.
Así que para cerrar la sección pionera de esta semana os ofrezco esta obra maestra titulada “When Love Comes to Town” que deja bien a las claras que la figura de B. B. King nos hizo disfrutar durante casi siete décadas y su legado siempre estará de actualidad.
LISTA DE LOS AÑOS 60
Llega el momento de iniciar el habitual repaso que damos cada semana a las listas graminoleñas de otros tiempos y para ello nos situamos en el día 12 de agosto de 1968 para comprobar que la lista que se estrenaba en aquella fecha no presentaba ninguna novedad digna de reseñar por lo que toca una vez más tirar de inventiva y memoria para ofreceros una canción que pese a no formar parte de nuestra lista en ningún momento sí que logro cierto éxito.
En aquellos momentos nos encontrábamos en pleno apogeo del movimiento hippie y de todos es sabido que la música fue uno de los acontecimientos que se verían más influenciados por ese mensaje de “paz y amor” que tan popular se hizo, así que la canción que viene a continuación redunda de algún modo en estos parámetros.
Nos llega de la mano de un grupo que fue fundado por el saxofonista Neil Rush y su esposa Merrylee y que adoptó el nombre de Merrylee Rush & The Turnabouts y que si bien es cierto que no tuvo una carrera demasiado larga ni un éxito descomunal, aquel 1968 obtuvo bastante relevancia con su álbum de debut gracias sobre todo al sencillo de presentación de este disco.
Se trata de una balada titulada “Angel of the Morning” en la que la dulce voz de Merrylee lleva el mando y que se convirtió en un gran éxito sobre todo en tierras norteamericanas.
En un primer momento esta canción fue ofrecida a Connie Francis quien la rechazó manifestando que su letra era demasiado atrevida y podía perjudicar su “inmaculada” carrera. El puritanismo excesivo de muchos veían en los mensajes del amor libre y los romances de una sola noche algo pecaminoso y de eso es lo que habla precisamente esta canción. Una vez más me abstendré de hacer comentarios.
LISTA DE LOS AÑOS 70
Avanzamos en el tiempo los diez años de rigor para repasar la música que triunfaba en los 70 y nos situamos en el 12 de agosto de 1978 momento en el que se estrenaba nueva lista graminoleña que contaba como principal novedad una entrada que llegaba de la mano de uno de los artistas latinos de mayor éxito y prestigio de aquel momento.
El brasileño Roberto Carlos se había convertido desde hacía ya algún tiempo en uno de los artistas del otro lado del charco que más triunfaba y el artista sudamericano que más discos vendía. Lejos quedaban aquellos primeros tiempos de su carrera en los que intentó abrirse camino en el territorio de la bossa-nova y que no le reportó los resultados esperados. Afortunadamente su inmersión en una música más pop y, sobre todo, más romántica sería un total acierto ya que desde ese momento su popularidad subiría como la espuma.
España no era una excepción y en nuestro país cosechaba éxito tras éxito con cada uno de los nuevos discos que iba publicando y nuestra querida lista era fiel reflejo de estos buenos resultados ya que continuamente entraban sus canciones a formar parte de la familia graminoleña. Aquel 12 de agosto de 1978 otro de sus grandes clásicos iniciaría una andadura de 19 semanas que obtendrían como mejor resultado el puesto número 19.
Se trata de una canción que habla de un tema bastante recurrente en la carrera del brasileño como es el de la amistad. Su título es “Amigo” y nos dejó aquella repetidísima frase de “tú eres mi hermano del alma realmente el amigo”.
EL ÁLBUM DE LA SEMANA
El póster central de esta semana nos hace viajar hacia Suecia y disfrutar de la música que se incluía en un álbum publicado en el año 1986 que iba a suponer el lanzamiento meteórico hacia el estrellato de un dúo de artistas de aquel país que hasta ese momento apenas habían tenido repercusión fuera de su entorno geográfico. Lo mejor del caso es que todo empezaría gracias a una simple casualidad como en breve os contaré.
Este dúo estaba formado por Marie Fredriksson, una ya curtida cantante de cierta relevancia en Suecia, y Per Gessle, un joven compositor y cantante que estaba empezando a abrirse camino en el mundo de la música. Juntos dieron cuerpo al grupo sueco de mayor éxito de la historia después de ABBA, claro está, a base de buen pop y grandes canciones. Como muchos os estaréis imaginando me estoy refiriendo a Roxette.
Si hay un álbum que marcó su carrera y se convirtió en uno de los discos del año 1986, ése es “Look Sharp”, cuya música va a protagonizar en exclusiva la doble página central de “La Graminola” de esta semana.
En un primer momento el disco solamente tuvo repercusión en su país natal donde logró unos resultados de ventas espectaculares, pero en el resto de Europa y en Estados Unidos continuaban siendo unos auténticos desconocidos. Sin embargo su suerte iba a cambiar de manera radical prácticamente de la noche a la mañana gracias a una afortunada casualidad.
El disco se abría con una canción que en un primer momento no fue publicada como sencillo pero que unos meses después de la aparición del álbum en el mercado iba a suponer su lanzamiento mundial. Un estudiante de intercambio norteamericano que había estado durante un tiempo en Suecia regresó a su país y se llevó una cinta de cassette con la canción a la que me estoy refiriendo grabada en ella. Cuando llegó a los Estados Unidos se la pasó a un amigo suyo que trabajaba en una emisora de radio local y le gustó tanto que empezó a emitirla sin parar. Sus ecos fueron haciéndose cada vez más grandes hasta el punto de que uno de los grandes sellos discográficos norteamericanos contactaría con el dúo y les ofrecería lanzar al mercado como sencillo la citada composición a nivel mundial.
La canción en cuestión no es otra que “The Look”, cuyo riff inicial es ya parte de la historia de la música moderna. Una composición de Gessle de una tremenda intensidad que pondría en órbita a Roxette y que se convertiría en el primer número uno de su carrera en Estados Unidos. El éxito fue tan grande que de manera inmediata el álbum se convirtió en un superventas a ambos lados del Atlántico y el dúo sueco en uno de los grupos más populares del momento.
He de reconoceros que a mí esta historia me parece sacada de un guión cinematográfico pero lo que es increíble es que con la buena música que contenía el álbum su trascendencia no hubiese surgido antes. Y qué decir del detalle de que “The Look” en un primer momento no se publicase como sencillo y no saliera al mercado como tal en Suecia hasta que logró romper como lo hizo en Norteamérica.
En un primer momento la formación del dúo estuvo rodeada de una tremenda incógnita sobre si iba a tener o no recorrido. Inicialmente se había pensado que Per llevase el peso compositor y se luciera con la guitarra mientras que la parte vocal correspondiera prácticamente en exclusiva a Marie, pero lo cierto es que cuando se encerraron en el estudio de grabación la situación cambió y la parte vocal de Per que en un primer momento debía de ser testimonial tomó también relevancia.
Posiblemente éste fuese uno de los grandes atractivos del grupo ya que la compenetración que llegaron a mostrar a la hora de interpretar sus canciones resultaría clave para que no solamente triunfaran con este álbum sino que se convirtieran en una de las principales bandas del pop europeo.
Esto no quiere decir que no surgieran algunos roces entre Marie y Per y que en algunos momentos saltaran chispas durante la grabación del álbum. Una de los momentos más tensos se viviría durante la grabación de otro de los temas destacados de este disco, otro de sus grandes clásicos. Se trata de “Dressed for Success” una canción en la que les costó muchísimo tiempo y varias sesiones de grabación hasta dar con la interpretación adecuada, lo que originó unos cuantos incidentes entre ellos, aunque la propia Marie siempre ha dicho que precisamente por este motivo creen que el resultado final fue tan bueno.
El sonido que muestra el álbum es bastante uniforme y la forma de tocar la guitarra de Per, tan característica, podría considerarse que se convirtió en una especie de marca de la casa. El “sonido Roxette” era inconfundible aunque alguna que otra de las composiciones que forman parte de “Look Sharp” muestre algunas variantes que las alejan un tanto del resto.
En este sentido, el tema que más se diferencia del resto de las canciones que la acompañan es “Sleeping Single”, una composición en la que el acompañamiento del saxo le da un contraste bastante especial al sonido que muestra en su conjunto. Una gran canción de Roxette que suena menos a Roxette.
He de reconoceros que en su momento yo me compré este disco porque me encantaba “The Look”. Me encantaba esa línea tan delgada en la que se movía que estaba tan cercana al rock como al pop y tuve curiosidad por saber si el resto del álbum sonaba igual de bien. Hemos de situarnos en el contexto de que en aquella época no sucedía como ahora que con simplemente conectarte a internet puedes conocer como suenan todas las canciones de un disco en concreto. En aquella época cuando te comprabas un disco te la estabas jugando.
Lo cierto es que la jugada me salió bastante bien porque el disco está repleto de grandes canciones. Incluso algunas de las que no fueron publicadas como sencillo tienen calidad suficiente como para que sí lo hubieran hecho, algo que podemos comprobar de inmediato con el tema que viene a continuación.
Se trata de “Paint” un tema intenso y contundente que se convirtió en una de las piezas fundamentales en sus actuaciones en vivo y que a mí me encanta. Me parece espectacular la parte vocal de Marie que se muestra más dulce que nunca. Además esta es una de las oportunidades en las que Per más participa en las labores de vocalista.
Como os comentaba al principio, en un primer momento se pensó que la parte vocal del dúo recayera exclusivamente en Marie, pero la insistencia de Per por tener más protagonismo en esta faceta y el buen contraste que se producía cuando se combinaba la voz potente, contundente y aguda de ella con la más grave, casi susurrante de él lo cambiaron todo y aunque la vocalista principal seguía siendo Marie, el protagonismo de Per creció de manera exponencial.
Esto no quita para que en algunos de los temas que forman parte del álbum Marie fuese la única vocalista y Per simplemente realizara algunos coros e incluso ni eso. Cada uno de ellos tenía muy claro cuál era su mayor talento y se repartían de esta manera los papeles pero poco a poco ambos fueron adentrándose en los de su compañero obteniendo resultados más que llamativos.
Uno de los temas en el que la parte vocal corresponde en exclusiva a la componente femenina del dúo es “Dance Away”, una de las canciones más bailables del álbum, que se aleja más del rock y se acerca más al pop y en la que los sintetizadores toman bastante protagonismo.
Con el paso de los años se irían especializando en ofrecer grandes momentos a la hora de interpretar baladas, hasta el punto de que tiempo después llegarían a publicar un recopilatorio que recogía todas las canciones más románticas de su carrera con el que obtuvieron un éxito contundente.
Aunque “Look Sharp” está marcado sobre todo por sonidos intensos y contundentes, en él aparecen también algunos temas más lentos con los que dieron muestra de que eran capaces de moverse a la perfección en este terreno, sobre todo con la canción que cierra el disco y que escucharemos en su momento.
Pero para abrir boca en el aspecto más romántico, disfrutemos de la primera balada que aparece en el álbum, una canción titulada “Cry” en la que nuevamente Marie es la única vocalista, realizando su compañero los correspondientes coros.
A continuación llega otro de los sencillos que se publicaron de este álbum. Concretamente fue el primero que apareció en Suecia donde llegó de manera inmediata al número 1, mientras que en el resto de Europa y en Estados Unidos obtuvo unos resultados algo más discretos. Comparándola con “The Look” llama poderosamente la atención que este tema fuera el elegido como carta de presentación de “Look Sharp”.
Se trata de “Chances” una de las canciones en la que el contraste de voces aparece más marcado, convirtiéndose en otra de las señas de identidad del grupo. Cuando Marie rompía a cantar sola daba gusto escucharla, pero el efecto que causaba la voz susurrante de Per enfrentada a la suya se convertiría en uno de los grandes atractivos de su música.
La canción que viene a continuación es otro de los momentos culminantes y podría decirse que es la que más tirón tendría después, claro está, de “The Look”. A mí no me extraña nada en absoluto ya que es una espectacular composición llena de ritmo y con una introducción bastante espectacular en lo que a la versión del single se refiere, bastante diferente de la que se incluye en el álbum.
Da la impresión de que ésta fue la gran apuesta de la discográfica que publicó el disco en su país natal ya que es la única que tiene dos versiones distintas dependiendo de si hablamos del sencillo o de la que aparece en el álbum. Además es con la que más se volcaron a la hora de grabar el correspondiente videoclip ya que ésta se realizó en uno de los conciertos más multitudinarios que ofrecieron en Suecia.
Estoy hablando de “Dangerous”, una canción ya de por sí bastante destacable pero que subiría un tanto de nivel en la versión incluida en el single en la que su inicio difiere del que aparece en el álbum, suprimiendo el sonido de los instrumentos para mostrar una introducción en la que lo único que se escucha son las voces de Marie y Per entonando el estribillo. Una gran canción, un gran éxito. Eso sí, el correspondiente videoclip recoge la que aparece en el larga duración.
En líneas generales el sonido que se incluye en las canciones que forman parte de “Look Sharp” es muy sencillo. Es lo que los expertos en la materia denominan “comercial”, aunque ya sabéis que a mí este calificativo no me gusta en absoluto para la música ya que normalmente se utiliza en tono despectivo.
Esto no quiere decir que no haya espacio dentro de este álbum para canciones más sofisticadas, de mayor calidad, “menos comerciales”. Una de ellas es sin duda “Half a Woman, Half a Shadow”, la composición en la que Marie muestra todas las variantes vocales que posee mostrándose por momentos intensa y contundente, por momentos suave y pausada.
Como no puede ser de otra forma, también hay algún momento un tanto más flojo, alguna canción que de alguna manera desentona un poco con el nivel que muestran las demás. Como suelo decir no es que esté hablando de una mala canción pero sí que es cierto que está un peldaño por debajo del resto.
Posiblemente esta percepción personal de menor nivel esté un tanto influenciada porque es una canción que se aparta totalmente del sonido que muestran casi todas las demás que aparecen en el álbum. El contraste es más que evidente y al romper demasiado con la uniformidad casi total que ha mostrado la música de “Look Sharp” hasta ese instante, puede que sea lo que me lleve a considerarla como la más prescindible del disco.
Se trata de un tema titulado “View From a Hill”, en el que el ímpetu y la intensidad mostrada hasta ese momento pegan un giro bastante evidente con algunos toques cercanos al funk que nos enseñan a unos Roxette cuanto menos diferentes.
El disco se va acercando al final y llegan ya los dos últimos temas que lo componen. Ya os advierto que el cierre es apoteósico y da la impresión de que como una especie de anticipo quisieron ofrecer una canción que fuera preparando el terreno para una de las mejores canciones de toda su carrera. Pero vayamos por partes y por orden y disfrutemos antes de la penúltima canción incluida en “Look Sharp”, de ese pequeño aperitivo.
Ya os comentaba hace un momento que la canción que cierra el disco es una balada y como la que la antecede es un aperitivo perfecto, ésta no podía ser otra cosa que un medio tiempo para ir creando el ambiente más adecuado. La verdad es que la elección de estas dos canciones para cerrar el álbum me parece todo un acierto.
Se trata de una canción titulada “Shadow of a Doubt” que comienza con una espectacular parte instrumental de algo más de medio minuto y en la que una vez más Marie luce todos sus encantos vocales. A mí personalmente me encanta.
Llega pues el momento de cerrar el álbum y, por consiguiente, el póster central de “La Graminola” de esta semana y hay que reconocer que Per y Marie lo hacen a lo grande con una descomunal canción, una maravillosa balada que demostraba bien a las claras que el futuro que les esperaba era bastante prometedor.
En esta ocasión el talento compositor de Per llega a una altura excepcional. Compuso esta canción basándose en la historia de un amigo que en aquel momento se encontraba inmerso en un mar de dudas entre el amor hacia su novia de toda la vida y los sentimientos que afloraban hacia otra mujer que acababa de conocer. Per quería mandarle un consejo al respecto diciéndole que escuchara a su corazón.
Su letra es muy emotiva pero lo mejor de esta canción es sin ningún lugar a dudas su sonido. Per compuso un tema en el que no escatimó ningún medio dotando a esta canción de un sonido similar al que ofrecían las grandes bandas de rock sinfónico que triunfaban en aquella época. Cuando comenzaron a grabarla hubo un momento en que pensó que se estaba excediendo, pero cuando Marie aportó su granito de arena con su voz se dieron cuenta de que habían creado una de las mejores canciones de su hasta ese momento corta carrera. El resultado fue esta maravillosa obra que es “Listen To Your Heart”.
Con este disco, que en un primer momento no estaba previsto ni tan siquiera que viera la luz más allá de sus fronteras, y gracias a un tremendo golpe de suerte, Roxette dieron un tremendo salto en cuanto a popularidad que confirmarían poco tiempo después con su siguiente disco, “Joyride” que en un futuro puede que protagonice nuestra doble página central.
Delo que no cabe ninguna duda es que se convirtieron desde ese mismo instante en uno de los grupos favoritos del público, continuando con un largo recorrido lleno de éxitos que de alguna manera se vería interrumpido por la enfermedad de Marie que tuvo que ser operada a vida o muerte de un tumor cerebral, cuyas secuelas han provocado que desde hace un par de años no salga de gira junto a Per y se limite a grabar los discos en el estudio.
Más allá de estas desgracias, de lo que no cabe duda es de que Roxette merecen el calificativo de grandes y “Look Sharp” el de uno de los mejores discos de finales de la década de los 80.
LISTA DE LOS AÑOS 80
Nos adentramos ya en la sección que semanalmente le dedicamos a la música de la decada de los 80 y para ello nos centramos en la lista graminoleña que se estrenaba el 14 de agosto de 1988 que presentaba como única novedad destacada la entrada de una grandísima canción obra de uno de los mejores dúos, sino el mejor, de la historia del pop español, los irrepetibles El Último de la Fila.
En aquel momento ya estaban considerados como uno de los mejores grupos españoles pero curiosamente no habían logrado todavía entrar en nuestra lista. Algo que cambiaría ese 14 de agosto de 1988 con uno de los temas incluidos en el que para muchos es su mejor trabajo: “Como la Cabeza al Sombrero”.
Manolo García y Quimi Portet debutaban en nuestra lista con el primer sencillo de este álbum, una canción titulada “Ya No Danzo al Son de los Tambores” en la que no hacían más que mostrar el sonido más acústico y el ritmo más suave que presentaba este maravilloso disco.
LISTA DE LOS AÑOS 90
Nos situamos a continuación en el 16 de agosto de 1998 para disfrutar de la única entrada que se producía en la lista graminoleña que se estrenaba ese día, un tema que nos llegó desde México, que logró un tremendo éxito en toda Latinoamérica y en nuestro país y que estuvo rodeada de una tremenda polémica, tanto por su letra como por todo lo que la rodeó. Os cuento su historia que merece mucho la pena.
Molotov eran un grupo que había alcanzado cierta popularidad tocando en distintos garitos de moda de Ciudad de México y teloneando a algunas bandas menores que empezaban a abrirse camino por aquel entonces. En una de esas actuaciones llamarían la atención de un importante sello discográfico que les daría la oportunidad de grabar su primer disco. La bomba de relojería que esto iba a suponer se acababa de poner en funcionamiento.
De inmediato darían muestra de que no se trataba de un grupo a la usanza y que la polémica y no casarse con nadie iban a ser sus principales señas de identidad. El título de ese primer álbum sería “¿Dónde Jugarán las Niñas? parodiando de alguna manera el título de uno de los mejores trabajos de los también mexicanos Maná como es “¿Dónde Jugarán los Niños?”, aunque en el caso de Molotov el título llevaba implícito un significado bastante menos inocente como os contaré en breve.
El tema estrella de este álbum sería “Gimme Tha Power” una canción que fue vetada a la hora de ser transmitida por las emisoras de radio ya que era una tremenda crítica hacia los políticos de su país, en especial a los del PRI que habían estado la friolera de 60 años consecutivos en el poder y ya sabemos todos lo que eso significa y cuál es la situación que México sigue viviendo a nivel institucional y político incluso en nuestros días.
Ni que decir tiene que precisamente esa censura provocaría el efecto contrario al que los censores pretendían. Cuando aprenderán los politicuchos que padecemos en todas partes que cuando más censuran cualquier manifestación artística más interés hay por ella. No dan para más los pobres. El éxito sería total con una melodía que llegó al público y una letra que podía aplicarse a muchos dirigentes de muchos países: “Dame, dame, dame todo el power / para que te demos en la madre / Gimme, Gimme, Gimme todo el poder / So I come around to joder”. Esta genialidad permanecería en nuestra lista durante la 60 semanas, tantas como años de corrupción del PRI en su páis, y alcanzaría como era de esperar el número 1
Si la letra de esta canción originó una tremenda polémica que decir con la portada del álbum. En ella aparecía la imagen de una colegiala en el asiento trasero de un coche con su ropa interior a medio quitar. Esta imagen daría pie a que en un primer momento se prohibiera su venta en las tiendas de discos tomando la decisión los miembros del grupo de salir a venderlos ellos mismos por las calles. Entre esta situación y la repercusión que estaba teniendo “Gimme Tha Power” su éxito sería demoledor por lo que finalmente la situación volvió a los cauces que nunca debió de abandonar y el disco comenzó a ser vendido con normalidad en las tiendas convirtiéndose en el más vendido de aquel año en México.
LISTA DEL NUEVO MILENIO
Será porque es verano, pero lo cierto es que esta semana está un tanto sosa en cuanto a entradas en las listas graminoleñas de otras épocas se refiere. En la correspondiente al nuevo milenio, la que se renovaba el 10 de agosto de 2008, tampoco se produjo ninguna novedad a este respecto, por lo que voy a aprovechar para ofreceros una canción de un grupo que volvía a intentarlo diez años después de su traumática separación y a pesar de publicar buen material no lograron enganchar al público como pretendían.
La historia de The Verve ya os la he contado en alguna ocasión. En el año 1998 lograron un tremendo éxito con su álbum “Urban Hymns” gracias al gran tirón que tuvo el sencillo “Bitter Sweet Symphony”. Lo tenían todo a favor para llevar a cabo una larga y exitosa carrera pero una demanda por plagio y el empecinamiento de su líder Richard Ashcroft en no llegar a un acuerdo terminaría arruinándolos económicamente y a la disolución del grupo.
Ashcroft iniciaría poco después su carrera en solitario con resultados bastante desiguales y discretos por lo que en el año 2008 decidiría reunir de nuevo al grupo e intentarlo una vez mas con la publicación del que iba a ser su cuarto y último álbum bajo el título de “Forth”.
Dentro de este nuevo trabajo se incluía una canción titulada “Love Is Noise” que a mí me parece excepcional, pero su aceptación como la del álbum al completo no fue lo definitiva que ellos esperaban. Daba la impresión de que su tiempo ya había pasado y de que la química entre ellos había desaparecido casi por completo por lo que volverían a dejarlo y desde entonces nada más se ha vuelto a saber de ellos. Lo que pudo haber sido y finalmente no fue.
TAMBIÉN ES MÚSICA
Dentro de la música que se escucha verano tras verano hay estilos que encajan mejor que otros, todos lo sabemos y todos sabemos cuáles son esos estilos. Uno de ellos es sin duda el “reggae” ya que su sonido y la manera en la que nos lleva imaginariamente a tierras tan exóticas como las jamaicanas encajan a la perfección en nuestras “canciones del verano” preferidas.
Así pues, las tres canciones veraniegas de esta semana tienen un inconfundible sonido reggae aunque como veremos no todas ellas nos llegan desde Jamaica ni de la mano de los grandes monstruos de este estilo. Eso sí, a veraniegas no las gana nadie.
LAID BACK / SUNSHINE REGGAE
Para empezar nos situamos en el verano del año 1982 y viajamos hasta una tierra tan opuesta a la cuna del reggae como es Dinamarca. No, no me he vuelto loco, simplemente es que una de las grandes triunfadoras del verano de aquel año fue una canción a ritmo de reggae que llegó de la mano de un dúo danés llamado Laid Back.
Cuesta bastante trabajo pensar que un grupo de un país tan frío y poco exótico como Dinamarca pueda surgir una canción tan caribeña como ésta, pero ya os digo que es una excepción.
La canción de “reggae a la danesa” lograría un tremendo éxito en primer lugar en Dinamarca, dando de inmediato el paso a Europa y de ahí al resto del mundo. Incluso en la propia Jamaica el público la adoptaría casi como propia llegando al número uno. De lo que no cabe ninguna duda es de que este “Sunshine Reggae” fue la gran y sorprendente triunfadora del verano de aquel año y se bailó hasta la saciedad en todo el mundo.
En la actualidad continúan en activo y en Dinamarca siguen cosechando algún éxito que otro, pero en el resto del mundo no han vuelto a tener ninguna trascendencia. Por este motivo podría considerarse que nos encontramos ante un inequívoco caso de “One Hit Wonder”.
JIMMY CLIFF / REGGAE NIGHT
Nos marchamos ahora al verano del año siguiente, al de 1983, y en esta oportunidad acompañados de un artista que sí está vinculado al maravilloso mundo del reggae. Un artista descomunal que para algunos está considerado como el artista de este estilo más importante detrás, claro está, del mítico Bob Marley. Estoy hablando del señor Jimmy Cliff.
Nos encontramos ante un artista bastante peculiar. Siempre vinculado al reggae fue el primer cantante dentro de este estilo en triunfar con una balada, la maravillosa “Many Rivers To Cross” y nos dejó un momento inolvidable interpretando a un cantante de reggae en la infravalorada película “The Harder They Come”. Además tuvo su momento de devaneo religioso haciéndose musulmán y abandonando durante un tiempo la música, pero sus raíces eran las que eran y apenas un año después retomaría la senda que nunca debió de avandonar.
En el año 1983 le llegaría uno de los momentos de mayor éxito dentro de su carrera con una canción que triunfó a lo grande en los meses estivales y que se convirtió de inmediato en uno de sus clásicos y en una de las canciones más reconocidas de toda su carrera. Un tema que encajaba a la perfección en los parámetros que debe reunir una verdadera “canción del verano” como es la famosísima “Reggae Night”.
Esta canción no está exenta de una pequeña peculiaridad y es que la compositora es nada más y nada menos que La Toya Jackson. Quién lo iba a pensar.
10CC / DREADLOCK HOLIDAY
Para finalizar la sección de hoy dedicada a alguans de las canciones del verano vinculadas al reggae vamos a retroceder en el tiempo hasta el año 1978 y disfrutar de un grandísimo tema de una banda inglesa que si bien es cierto no era un grupo de reggae propiamente dicho sí que entre su discografía hay un buen puñado de canciones que encajan a la perfección en este estilo. Me estoy refiriendo a 10CC.
El grupo estaba formado por Graham Gouldman, Eric Stewart, Kevin Godley y Lol Creme y presentaba una estructura bastante curiosa ya que los dos primeros eran los responsables de componer las canciones que en un primer momento se suponían iban a tener mayor repercusión comercial, y así era, mientras que los dos últimos tenían como tarea componer canciones más experimentales y de mayor calidad con la que completar sus álbumes. El reparto de tareas resultó ser un acierto porque durante su carrera nos dejaron muy buenos momentos musicalmente hablando.
En el verano de 1978 nos ofrecieron un tema con sonido reggae por los cuatro costados que se convirtió en un nuevo número uno en su carrera. Una canción que a mí personalmente me encanta y que sin ser creado por un artista vinculado a este estilo se ha convertido en un clásico que se incluye en cualquier recopilatorio de reggae que se precie. Me estoy refiriendo a “Dreadlock Holiday”.
Por cierto, cuando el grupo se disolvió, los dos miembros sobre los que recaían las tareas de mayor creatividad y música más experimental siguieron adelante como dúo bajo el nombre de “Godley & Creme” dejándonos como legado una descomunal canción como es “An Englishan In New York”. Pero ésa es otra historia que ya os contare cuando corresponda.
LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA
Cada día se me hace más corto y cada día disfruto más creando cada nuevo número de “La Graminola”, pero como todo lo que empieza tiene que acabar, llega el momento de cerrar capítulo por esta semana como siempre con tres canciones más para disfrutarlas a lo grande.
EFEMÉRIDE
Rememoramos hoy la figura de un cantautor español de lujo que no obtuvo el reconocimiento del público que merecía. Hilario Camacho nos dejaba tal día como hoy del año 2006.
Hay artistas que a pesar de mostrar un tremendo talento durante toda su carrera, por diversos motivos, no reciben el trato que verdaderamente merecen y a lo largo de su trayectoria muestran continuos altibajos, con grandes momentos y etapas de olvido. Dentro del mundo de los cantautores estas continuas variaciones son más pronunciadas y en algunos casos el final no es nada feliz, como sucedería con el enorme artista que protagoniza la efeméride de esta semana.
Hilario Camacho fue uno de los cantautores españoles que mayor calidad y más sensibilidad mostró a lo largo de su carrera, pero siempre le faltó ese disco redondo, ese gran superventas que le lanzara definitivamente. Estaba mejor considerado por parte de la crítica que por parte del público, pero de lo que no cabe ninguna duda es que durante su trayectoria nos dejó una serie de composiciones de un nivel altísimo.
Además, fue referencia para otros cantautores más jóvenes que fueron surgiendo y en los primeros momentos de su carrera colaboraría con el mismísimo Joaquin Sabina que siempre considero a Hilario como una auténtica fuente de inspiración. Grandes, muy grandes ambos.
El momento culminante de su carrera le llegaría casi por casualidad gracias al mundo de la televisión. En el año 1986 se estrenaba una serie televisiva llamada “Tristeza de Amor” protagonizada por Alfredo Landa, Carlos Larrañaga y Concha Cuetos que alcanzó una tremenda popularidad y cuyo tema de apertura musical corrió a cargo de Hilario Camacho, convirtiéndose en el mayor éxito de toda su trayectoria.
La irregularidad de su carrera siempre atormentó psicológicamente al bueno de Hilario Camacho que no entendía que su carrera no terminara de romper definitivamente. Lo que se rompería sería algo dentro de su cabeza el 16 de agosto de 2006 cuando decidió tomarse una sobredosis de pastillas e introducirse en la bañera de su domicilio para abrazar una muerte que hacía tiempo le rondaba demasiado cerca con motivo de una profunda depresión. Se fue como vivió, sin escándalos, sin llamar la atención, con discreción. Disfrutemos de su legado.
LA EDAD DE ORO DE LA MÚSICA ESPAÑOL
Hoy nos visita uno de los tantos grupos con raíces y ganas de comerse el mundo pero que tendían un paso por el panorama musical español muy efímero: V Congreso.
El protagonista del pequeño apartado que le dedicamos cada semana a la música hecha en España en el día de hoy es un grupo bastante original con una manera bastante peculiar de hacer música y con unos buenos intérpretes pero que no tendría la promoción que merecían para que su carrera fuese larga y fructífera. Una historia que se ha repetido, se repite y se repetirá una y otra vez en el mundo de la música. Estoy hablando de V Congreso.
Su fundador sería Luis Farnox, que procedía de un grupo francés que hacía música en el metro y terminaría grabando un disco obteniendo bastante popularidad llamado Street Boys que en el año 1983 lograrían un tremendo éxito con una canción titulada “Some Folks”.
Con la experiencia adquirida y ya de regreso a España, en el año 1984 formaría V Congreso, siendo su carta de presentación la canción titulada “Desparecido”, que realmente sería una premonición porque tras obtener bastante popularidad con ella, el grupo desparecería por completo.
Luis Farnox no abandonaría el mundo musical y a lo largo del tiempo fundaría diferentes grupos sin conseguir demasiado éxito, siendo el único que alcanzaría algo de popularidad el llamado El Mecánico Del Swing. Por cierto, a título de anecdotario, el batería de V Congreso no era otro que Carlos del Soto, que dicho así seguro que os resulta un total desconocido, pero si os digo que su nombre artístico es “Bermúdez” ya sí que os acordaréis de él en su faceta de humorista.
NOVEDAD
La mezcla del rock más duro y potente con sonidos sinfónicos y orquestales siempre nos ha dejado momentos espectaculares. Pero si además se recogen en un doble álbum en vivo y de la mano de una auténtica diva como es Tarja Turunen el resultado se acerca a la excelencia. La finlandesa acaba de publicar nuevo disco y os lo recomiendo a todos. Una auténtica joya.
La novedad que nos presenta “La Graminola” esta semana es un auténtico lujo. Un doble álbum grabado en directo por una artista que a mi particularmente me tiene conquistado desde su paso por “Nightwish”. Una mujer cautivadora tanto en lo que se refiere a su voz como a su físico y su personalidad. Estoy hablando de la finlandesa Tarja Turunen.
Este nuevo disco, titulado “Act II”, fue grabado durante la gira promocional del que es hasta el momento su último álbum de estudio “The Shadow Self” y contiene dos partes bien diferenciadas, una llena de intensidad y sonido heavy por los cuatro costados y otra más tranquila y acústica en la que brilla con luz propia.
La primera parte de este disco fue grabada en el “Metropolis” de Londres justo antes de que el disco saliera al mercado y ante un público formado por tan sólo 20 personas ganadoras de un sorteo. A pesar de lo reducido del aforo la intensidad que Tarja mostró fue simplemente espectacular presentando por primera vez las canciones de su nuevo disco.
La segunda parte de este trabajo fue grabada en Milán en un formato más acústico y con unos acompañamientos orquestales que lo convierten en una auténtica joya. La figura de Tarja lo llena todo como siempre dejándonos momentos verdaderamente apoteósicos repasando gran parte de su carrera tanto en solitario como durante su breve pero intenso paso por Nightwish.
Cualquiera de las canciones que se incluyen en este álbum podría servir para mostrar la categoría que posee y lo recomendable de su escucha, pero finalmente me he decantado por uno de los temas que componen el concierto ofrecido en Londres, esta majestuosa y espectacular “Love To Hate”. Cómo me habría gustado ser uno de los 20 afortunados que asistieron al evento. Por cierto, ahora firma sus discos únicamente como “Tarja”.
Éste es el cierre de lujo del número de “La Graminola” de esta semana. En tan sólo siete días, más lujos.
Hasta entonces, Graminoleños.
JUAN JOSÉ GOMARIZ
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