Puedes seguirnos también desde FACEBOOK, donde os espero a todos con los brazos abiertos, en el siguiente enlace: LA GRAMINOLA. LA REVISTA MUSICAL QUE SE LEE Y SE ESCUCHA. Desde aquí puedes saborear más contenidos y más música.
Ya sabéis que la base de la revista es dar un pequeño repaso con las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.
Junto a las listas distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro póster, a doble página en el centro desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música española.
Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Y recordad que siempre estaré abierto a cualquier crítica, consejo, sugerencia o petición que vosotros, Graminoleños, me hagáis.
NUESTRA PORTADA
LA LISTA DE LA GRAMINOLA
La lista de actualidad de “La Graminola” de esta semana se pone en plan reivindicativo y feminista con dos canciones en las que las mujeres adquieren todo el protagonismo. Ojo no hablo de que sean mujeres las que las interpretan, todo lo contrario, sino que la temática de la que tratan sus letras se centra en la defensa de todas las mujeres del mundo, sobre todo la primera de ellas. Lo de la segunda es … es otra cosa. Vayamos con ellas.
La primera de estas canciones nos llega de la mano de Maroon 5, aunque casi habría que decir que viene de la mano de su carismático líder Adam Levine, ya que con el paso del tiempo su protagonismo en la banda ha crecido de tal manera que prácticamente él acapara toda la atención del público. En esta ocasión se adentran una vez más en el peligroso mundo de las colaboraciones, aunque como veremos a continuación la cantante elegida no es un capricho.
En esta ocasión han elegido una canción que rinde tributo de alguna manera al movimiento “#Me Too” y para ello han contado con la colaboración de Cardi B, una mujer luchadora, criada en el Bronx y que cuando todavía era una cría fue pandillera, habiendo encontrado en el mundo de la música su tabla de salvación. La canción en cuestión lleva el título de “Girls Like You” y como no podía ser de otra manera viene acompañada de un impactante videoclip.
Para rizar el rizo, Levine y los suyos han creado un videoclip en el que aparecen algunas de las mujeres más significativas del momento como son la cantante Camila Cabello, la actriz Phoebe Robinson, la gimnasta olímpica Aly Raisman, las actrices Sarah Silverman y Gal Gadot, la cómica Lilly Singh, la escritora Amani Al-Khatahtbeh, las actrices Trace Liysette y Tiffany Haddish, las activistas Angy Rivera y Franchesca Ramsey, la actriz Millie Bobby Brown, la presentadora televisiva Ellen DeGeneres, la cantante Jennifer López, la deportista olímpica de snowboard Chloe Kim, la futbolista Alex Morgan, la cantante Mary J. Blige, la actriz Beanie Feldstein, la escritora Jackie Fielder, la piloto Danica Patrick, la política Ilhan Omar, la actriz Elisabeth Banks, la modelo Ashley Graham, la cantante Rita Ora, la modelo Behati Prinsloo, la propia hija de Levine, Dusty Rose, y, por supuesto, la citada Cardi B.
La segunda entrada que registra nuestra lista esta semana es una nueva entrega del dichoso reggaetón, con una canción que habla también de las mujeres pero en un sentido muy distinto al reivindicativo del tema que acabamos de disfrutar. Vosotros ya me entendéis.
Los protagonistas en esta ocasión son el dominicano Mozart La Para, al parecer todo un personaje en su país, y el norteamericano de origen portorriqueño Justin Quiles, quienes nos ofrecen un tema titulado “Mujeres” en el que aparecen también un buen número de féminas pero con otro propósito que … Vosotros ya me entendéis.
Por cierto, me parece un grado de engreimiento tan grande el que muchos de estos artistas reggaetoneros tienen que tiende al despropósito. Tomar el nombre de “Mozart” para firmar su música me parece que está totalmente fuera de lugar, simplemene alucino. Siempre lo he dicho y siento repetirme, éste no es el camino. Una pena.
LOS PIONEROS
La sección de “Los Pioneros” de esta semana se queda en nuestro país. Está protagonizada por un dúo que se convirtió en uno de los primeros en introducir en España los sonidos que llegaban procedentes de Estados Unidos revolucionando la música a prinicipios de los años 60. Y es que ya sabemos que durante mucho tiempo las novedades culturales del tipo que fueran siempre tardaban algún tiempo en hacerse notar por estas tierras. Lo de “Spain is different”, ya sabéis.
Seguramente que cuando os diga el nombre de estos chicos pensaréis que me he vuelto loco al considerarlos como auténticos pioneros del rock de nuestro país, ya que su música iría cambiando considerablemente a lo largo del tiempo tomándo tintes mucho más melódicos y alejados de este estilo, pero lo cierto es que sus primeros pasos serían fundamentales para que la música más moderna que había conquistado el corazón de norteamericanos y británicos empezara a ser conocida también en España, abriéndole el camino a los rockeros de pro que poco a poco irían apareciendo.
Ellos son Manuel de la Calva y Ramón Arcusa, aunque todos los conocemos como El Dúo Dinámico y son parte de la historia de la música de nuestro país, tanto por el gran número de composiciones propias que crearon como por las versiones de grandes canciones que fueron realizando. Unos auténticos pioneros como van a demostrar las tres canciones que llegan a continuación.
LOLITA TWIST
Manolo y Ramón se conocieron en una fábrica de motores de aviación de Barcelona, donde entraron los dos a trabajar prácticamente al mismo tiempo. Pronto entablaron amistad y se dieron cuenta de que una de sus pasiones era compartida e hicieron de la música la gran meta por la que pelear a lo largo de su vida. Corría el año 1958 cuando comenzaron a frecuentar clubes de jazz empapándose de la música de gente como Tete Montoliú, llegando incluso a realizar alguna que otra pequeña actuación. Pero sería a finales de ese mismo año cuando decidirían dar el salto definitivo.
Durante una fiesta de celebración de las fiestas navideñas organizada por su empresa, el dúo de cantantes ofreció un pequeño recital que dejó boquiabiertos a sus jefes y compañeros que no dudaron en animarles a seguir por estos derroteros. De esta manera decidirían dar el paso definitivo, abandonarían su trabajo e intentarían abrirse camino en el mundo de la música, algo que iban a conseguir en muy poco tiempo.
Como era habitual entre los grupos y solistas que intentaban mostrar al público español el tipo de música que estaba triunfando a lo grande al otro lado del Atlántico, sus primeros pasos los darían a través de versionar en español las canciones que triunfaban en Estados Unidos, pero pronto empezarían a componer sus propias canciones demostrando que sabían moverse en el terreno de las nuevas tendencias musicales.
En aquella época, una de las tendencias musicales por excelencia era el twist, y en esta aguas se moverían a la perfección. En el año 1962 pubicarían una canción titulada “Lolita Twist”, que mostraba bien a las claras el porqué se les consideran unos auténticos pioneros en nuestro país. Me atrevería a decir que estamos ante una de las mejores composiciones de twist realizadas en España de todos los tiempos. ¿Véis como no todo era música melódica?
QUINCE AÑOS TIENE MI AMOR
Su debut no estuvo exento de algún que otro sobresalto. Tuvo lugar en el año 1958 en el día de los Inocentes en Radio Barcelona. En un primer momento se hicieron llamar “Dynamic Boys”, pero el locutor encargado de presentarlos se negó a hacerlo en inglés, por lo que los presentó como “Dúo Dinámico”. Es curioso que una mojigatería de la época resultara finalmente todo un acierto.
A partir de ese instante su popularidad subiría como la espuma y empezaron a ser considerados como auténticos modernos de la época, quien lo iba a decir, tanto por las melodías que interpretaban como pos sus vestimentas, repletas de más colorido del que se estilaba en aquel momento. Sus famosos chalecos rojos son todo un icono de la música española, sin ningún lugar a dudas.
Ni que decir tiene que se convirtieron en uno de los grupos preferidos de los jóvenes de nuestro país y su música una de las que sonaba una y otra vez en cualquier guateque que se preciase. Esas inocentes fiestas de adolescentes, casi siempre vigiladas por un adulto, en las que los amores se confundía con la música sin solución de continuidad.
Sus canciones eran bailadas una y otra vez, siendo una de las más populares y uno de sus primeros grandes éxitos, la que llega a continuación. Una canción con un título que en nuestros días sería “políticamente incorrecto” pero que es parte de la historia del pop español de todo los tiempos, la mítica “Quince Años Tiene mi Amor”.
ERES TÚ
En alguna ocasión habréis leído por aquí como la progresión de algún artista se ha visto alterada en mayor o menor medida por la realización del servicio militar obligatorio, la famosa “mili”. Pues bien, en el caso de Manolo y Ramón el efecto sería totalmente el contrario y de alguna manera gracias a tener que realizarlo en el año 1960 lograron con ello un impulso más que evidente. Os lo cuento.
El cumplimiento con la patria lo realizarían en la base aérea de Zaragoza y aprovechando el uniforme y estas cosas les ofrecerían rodar un remake de la película “Botón de Ancla” en la que no faltarían las escenas en las que ofrecían sus canciones para deleite del público. El éxito que cosechó la película sería el espaldarazo definitivo a su carrera que se vio revitalizada justo en el momento en que más dudas había por el parón producido por el servicio militar.
A partir de ese momento su carrera fluiría sin más inoportunas interrupciones y siguieron ofreciendo melodías que procedían desde los Estados Unidos demostrando que aquí también se podía hacer ese tipo de música, como sucede con la canción que viene a continuación y con la que vamos a cerrar la sección pionera del día de hoy.
Se trata de “Eres Tú”, posiblemente una de las mejores canciones de su carrera. Una melodía acompañada por palmas y bongos de principio a fin, incorporando poco a poco más instrumentos para terminar con una orquesta al completo a ritmo de swing que habrían firmado cualquiera de los artistas más destacados de estos menesteres del otro lado del charco. Una espectacular canción.
Como hemos podido comprobar, Manolo y Ramón fueron auténticos pioneros de los ritmos más rockeros que fueron llegando a nuestro país. Otra cosa es el camino que tomarían después, pero ésa es otra historia.
LISTA DE LOS AÑOS 60
Iniciamos el repaso habitual de nuestras listas y como siempre viajamos en primer lugar hasta la década de los 60, concretamente hasta el 14 de octubre de 1968. Ese día no se producía ninguna nueva entrada en nuestro ránking, pero ello no será impedimento para que disfrutemos de una de las canciones más destacadas de aquel año, pese a que no llegara a entrar en la lista graminoleña. Una maravillosa canción interpretada por un grande entre los grandes.
La historia de esta composición se remonta a un año antes, y dentro de ese sello discográfico tan mítico como fue la “Motown”. El funcionamiento de esta empresa era muy claro. Primero se componía una nueva canción y luego su jefe absoluto, Berry Gordy, decidía que artista o grupo de los que tenía contratados la interpretaba. Es más, en muchas ocasiones eran varios de ellos los que hacían una prueba para ver si encajaban bien hasta encontrar a los más adecuados, lo que no era impedimento para que en alguna oportunidad se publicara al mismo tiempo dos versiones del mismo tema interpretadas por distintos artistas.
En esta ocasión la canción en cuestión llevaba el título de “For Once in my Life” y en un primer momento fue grabada por The Temptations, con un ritmo lento y cercano al de una balada. Al mismo tiempo, el inimitable y por aquel entonces jovencísimo Stevie Wonder grababa su propia versión dándole un toque mucho más optimista y un ritmo más animoso y bailable. Sin embargo, una vez que Gordy escuchó esta última versión pensó que no tenía potencial suficiente y que el ritmo que Wonder le daba no era el apropiado, por lo que decidió que únicamente se publicara la versión de The Temptations.
Sin embargo, un año después, otro de los directivos de la Motown escucharía por casualidad la versión de Stevie Wonder y lograría convencer a Gordy para que también fuese publicada. El resto de la historia es de todos conocida: “For Once in my Life” se convirtió en un tremendo éxito y en uno de los mayores clásicos de la carrera de Wonder.
Normalmente el instinto de Gordy era casi infalible, pero en esta ocasión no estaría demasiado inspirado ya que la ventas que cosecharía esta versión sería tan grandes que darían lugar a la aparición pocas semanas después de un nuevo álbum de Stevie Wonder que tomaría el mismo título. Hasta el mejor escribano echa de vez en cuando algún borrón.
LISTA DE LOS AÑOS 70
No sé si será la entrada del otoño y la marcha de las buenas temperaturas y la caída de la hoja o qué, pero lo cierto es que las listas graminoleñas están un poco sosas, ya que la que correspondería estudiar en el día de hoy relativa a la década de los 70 tampoco registraba ninguna nueva entrada. El 14 de octubre de 1978 repetían las 40 canciones que ya nos acompañaban la semana anterior, así que volveré a abusar de protagonismo y os ofreceré un tema que se publicó por aquellas fechas y que a mí particularmente me encanta.
Uno de mis grupos preferidos de siempre, The Ramones, publicaban su cuarto álbum por aquellas fechas bajo el título de “Road to Ruin”. Era el primer trabajo que aparecía en el mercado sin la presencia del batería Tommy Ramone que acababa de ser remplazado por Marky Ramone. Con este albúm podría decirse que darían el salto definitivo hacia el estrellato de manera más que merecida.
Dentro de este disco se incluye una canción que en mi opinión es una de las mejores de su carrera. Se trata de “I Wanna Be Sedated”, una composición que muchos se lanzaron a calificar de polémica porque pensaban que aludía al consumo de drogas y demás menesteres, pero su historia real era muy distinta. Fue compuesta por Joey Ramone durante su primera visita a Londres cuando permanecieron recluídos en la habitación de su hotel sin hacer otra cosa que ver la televisión y él pensó que parecía que estaban sedados y por eso no salían al exterior a visitar una ciudad tan mágica como la londinense. Aclarado queda. Ahora a disfrutar de la música.
EL ÁLBUM DE LA SEMANA
Hablar de Madonna es hablar de la auténtica reina del pop y de una carrera de más de 30 años en la que ha ido ofreciendo éxito tras éxito, siendo capaz de reinventarse y adaptarse a los nuevos tiempos como nadie con la publicación de cada nuevo disco. Son muchos los que han intentado enterrarla en repetidas ocasiones buscando sucesoras por todos los lados, pero nunca han conseguido “destronarla”. Con estas premisas era cuestión de tiempo que el póster central de “La Graminola” recogiera uno de sus discos y creo que hoy es el momento oportuno.
Con una trayectoria tan larga y exitosa se hace bastante complicado elegir uno de sus discos para protagonizar la sección de “El Álbum de la Semana”. Lo normal habría sido elegir el que los expertos considran como su mejor trabajo “Ray of Light” (aunque hay alguna discrepancias), pero yo he preferido quedarme con el que creo que es el más importante de toda su carrera por la trascendencia que tendría en su momento.
Se trata de “True Blue”, publicado en el año 1986, que supondría el salto definitivo hasta el estrellato. Podría decirse que hay un antes y un después en la carrera de Madonna con la publicación de este álbum, ya que ademas de lograr un éxito desmesurado y adquirir una tremenda popularidad, podría decirse que con él empezo todo. A partir de ese momento se convertiría en la reina del pop y daría paso a una artista mas provocadora y alineada con la polémica. “True Blue” sería el paso a la edad adulta previó a la pérdida de la virginidad que llegaría con su siguiente álbum, “Like a Prayer”.
Así pues vamos a disfrutar de la maravillosa música que contiene estre grandísimo disco que es “True Blue”, una muestra muy clara de lo que iba a ser el pop internacional de finales de los 80 y principios de los 90.
MADONNA / TRUE BLUE
Os decía antes que éste puede considerarse como el último disco en plan modoso y educado de Madonna, aunque lo cierto es que el álbum se abre con una canción que levantó bastante polémica a partir del momento en que la cantante inició su gira promocional. Podría decirse que este primer corte de “True Blue” es una especie de declaración de intenciones de lo que estaba por venir, pero más que por la canción en sí, por la transformación que ella mostraría en sus actuaciones en vivo a partir de ese instante y el giro que tomarían los acontecimientos con motivo de la reacción que tendría a las desproporcionadas críticas que recibió por esta composición. Os lo cuento detenidamente.
Se trata de una canción cuyo título ya levantó alguna polémica, ya que utiliza una expresión un tanto altisonante, pero esto sería finalmente lo de menos. La gran polvareda la levantaría la letra de esta canción, en la que una joven adolescente le comunicaba a su padre que estaba embarazada y le echaba en cara muchas cosas en cuanto a su educación. Los sectores más conservadores de la sociedad norteamericana se llevarían las manos a la cabeza. Sin comentarios.
La canción a la que me estoy refiriendo es “Papa Don’t Preach”, que traducido viene a decir algo así como “Papá no jodas”, de ahí que ya de entrada fuese recibida con algunos reparos por los de siempre. Luego vendría la polémica y la provocación por su temática, pero de lo que no cabe ninguna duda es que se trata de uno de los clásicos de la carrera de Madonna y de una de las canciones más reconocibles del pop internacional de los 80, con esa maravillosa introducción orquestal.
Los sectores más conservadores y la Iglesia Católica vieron en la letra de esta canción una especie de proclama a la libertad sexual en plan pecador, sigo sin hacer comentarios, y realizarían una campaña bastante agresiva en su contra. Sería entonces cuando aparecería por primera vez la Madonna beligerante y provocadora, pautas que iban a verse todavía más marcadas a partir de su siguiente disco, sobre todo en la puesta en escena de sus espectáculos.
Durante la gira promocional, Madonna utilizaría las imágenes del Papa Juan Pablo II y de Ronald Reagan para escenificar esta canción, lo que llevaría al Pontífice incluso a animar a los jóvenes italianos a boicotearla en plan “no compréis ese disco ni vayáis a sus conciertos que es pecado”. Una polvareda excesiva para una canción que en un primer momento no tenía la más mínima intención de causar ningún tipo de polémica. Me repito mucho pero vuelvo a decirlo: sin comentarios.
Algunas de las canciones que se incluyen en este disco fueron ofrecidas con anterioridad a otros artistas y éstos las terminaron rechazando. Sin embargo, Madonna supo ver su verdadero potencial y con los oportunos cambios en sus arreglos y alguna pequeña modificación en su letra las convertiría en suyas y en temas destacados del álbum. La que viene a continuación es una de ellas.
Se trata de una composición que en el momento de su creación se movía en el terreno del rock y que iba destinada inicialmente a Cyndi Lauper. Finalmente, ésta decidiría recharzar el ofrecimiento, pasando también paso por las manos de The Temptations que tampoco acabaron de verlo claro y dudaron de sus posibilidades. Sin embargo, Madonna se daría cuenta de que con algunas modificaciones encajaba a la perfección con lo que ella quería que fuese su tercer disco de estudio.
La canción llevaba inicialmente el título de “Follow Your Heart” y una vez transformada pasaría a denominarse “Open Your Heart”. Madonna le daría un aire más pop y bailable y la convertiría en otro gran éxito, demostrando su gran acierto a la hora de apreciar las posibilidades de canciones que en un primer momento otros no eran capaces de ver.
The Temptations le seguirían dando vueltas a esta canción y hubo un momento en el que decidieron dar el paso y grabarla, pero cuando se enteraron de que Madonna iba a incluirla en su álbum, decidieron abandonar la idea. Eran conscientes de que no iban a estar a su altura.
Por aquel entonces, Madonna acababa de contraer matrimonio con el actor Sean Penn y mantenían una idílica, romántica y casi empalagosa relación de amor, motivo por el cual el disco está dedicado a su querido marido. Como veremos más adelante, los guiños hacia él son más que evidentes.
Incluso en un primer momento el título del álbum iba a ser “Live to Tell”, que como veremos más adelante está íntimamente relacionado con la figura de Penn, pero finalmente se decantaría por el definitivo de True Blue, que también tiene cierta relación con el actor. Como vemos todo muy amoroso.
De lo que no cabe ninguna duda es que con este trabajo, Madonna quiso dar un paso más en su carrera e intentar atraer no solamente al público más joven, al que ya se había ganado con creces con “Like a Virgin”, sino llegar también a un público de mayor edad, intentando mostrar un pop sencillo y con un ritmo pegadizo como sucede con prácticamente todas las canciones que lo integran, entre ellas la que llega a continuación.
Se trata de una canción muy vinculada al mundo del “cine negro”, ya que está dedicada al actor James Cagney, cuya voz puede escucharse al principio, y en su letra introduce la famosa expresión que Clint Eastwood pronunciaba cada vez que se metía en el papel de Harry el Sucio, su famoso “anda, alégrame el día”. Su título: “White Heat”.
A continuación llega uno de los momentos más importantes del disco. Se trata del tema que fue publicado como primer sencillo, que esta vinculado estrechamente tanto con el mundo del cine como con su amado Sean Penn y que se convirtió en una de las canciones más elogiadas por parte de la crítica. En ella, Madonna demostraría su capacidad para desenvolverse a la perfección en el terreno de las baladas. Un registro más que añadir a su lista.
La canción en cuestión fue en un primer momento compuesta para formar parte de la banda sonora de la película “Fire with Fire”, pero sus productores no acabaron demasiado convencidos de que fuese adecuada para servir de tema central y finalmente la rechazarían. En ese momento caería en las manos de Madonna y aprovechando que el Guadalquivir pasa por Sevilla … Me explico.
Poco antes de la salida al mercado del álbum, Sean Penn iba a estrenar una película titulada “At Close Range”, en España recibiría el título de “Hombres Frente a Frente”, y Madonna vio en ella potencial suficiente como para que se convirtiera en el tema central de su banda sonora. Además iba a matar dos pájaros de un tiro porque tenía ganas de hacer algo diferente, algo que contrastara de alguna manera con el resto de las canciones del álbum y ésta composición era la ideal para ello.
Con los oportunos retoques, nos ofrecería un momento brillante con una balada en la que mostró que se encontraba muy cómoda también interpretando canciones de este corte, algo que se convertiría en habitual a partir de ese momento. Podría decirse que con “Live to Tell” nos mostraría que su madurez era todo un hecho y que nos encontrábamos ante una artista ya asentada y que iba a ofrecer grandes momentos como así sucedería.
Otras de las características más marcadas de este disco es que nos econtramos ante una Madonna más liberada intentando identificarse con las mujeres de su tiempo, algo que se convertiría en algo habitual en sus siguientes discos involucrándose, sin evitar en absoluto en caer en la polémica, en muchas causas de defensa de los derechos feministas. La canción que aparece a continuación en el álbum podría considerase una especie de declaración de intenciones en este aspecto.
El ejemplo más claro es “Where’s the Party”, una desenfadada y animosa canción que habla de una chica que trabaja duro cada día para salir adelante pero que cuando sale de su trabajo se divierte a lo grande bailando de fiesta en fiesta sin ningún tipo de tapujos y sin estar pendiente de lo que opinarán de ella. En mi modesta opinión es casi autobiográfica ¿no creéis?
A continuación llega el que yo considero momento estelar del disco, con la canción que da título al álbum. Una espectacular composición que desde el primer momento en que la escuché me cautivó sobremanera. He de reconoceros que es una de mis favoritas de toda la carrera de Madonna y por lo que trajo consigo creo que no soy el único que piensa así.
De nuevo nos encontramos con un guiño hacia Sean Penn, ya que la expresión “True Blue” (verdad azul) era utilizada por el actor habitualmente para referirse al amor más puro y verdadero, al amor más inocente, al que se suponía que sentían el uno por el otro. Puede parecer todo demasiado pastelero pero merece la pena aguantar mecha porque la canción lo merece.
Además, en esta ocasión Madonna nos ofrece un sonido espectacular, con un ritmo que rememora a las música de los años 50 y 60, el famoso do-woop, con unos arreglos maravillosos y una melodía que engancha desde la primera nota. Sin lugar a dudas “True Blue” es el momento más llamativo del álbum, y su ritmo se repite de algún modo en otra de las canciones. Pero eso ya os lo cuento un poco más adelante.
El éxito que tendría este sencillo sería tremendo, hasta el punto de que la cadena televisiva MTV convocó un concurso entre sus espectadores para que grabasen su propia versión del videoclip, innovando lo que consideraran oportuno. Lo que empezó como una mera ocurrencia terminó con una especie de acontecimiento de masas ya que la cadena se vio desbordada por la cantidad de grabaciones que sus seguidores presentaron, teniendo que nombrar incluso de manera apresurada un jurado para decidir finalmente quien era el ganador. La “Madonnamanía” acababa de empezar y esto era solamente el principio.
El disco está repleto de canciones muy especiales, tanto por su sonido, por sus influencias o por sus letras y el tema que llega a continuación es el que se lleva la palma en este sentido. Una canción con un ritmo latino por los cuatro costados, con un título totalmente en español y en el que Madonna mostró un nuevo registro que añadir a su colección, demostrando que era capaz de ofrecer muchas cosas y de innovar constantemente, como ha ido demostrando durante toda su carrera y áun sigue haciéndolo.
Esta canción fue ofrecida en un primer momento a Michael Jackson que en aquel momento estaba grabando su álbum “Bad”, pero ya tenía suficiente material para su disco y desestimó el ofrecimiento. Si os he de ser sincero creo que acertó en su elección porque creo que esa melodía no encajaba demasiado bien ni con su estilo ni con el resto de canciones que integrarían ese magnífico trabajo.
La composición en un primer momento tenía un sonido con tintes muy cercanos a la música cubana o la samba, pero una vez que Madonna se hizo con ella introdujo algunas modificaciones que la convirtieron en uno de sus clásicos. Le cambió la letra y de alguna manera la españolizó ya que introdujo el sonido de la guitarra española y combinó el sonido latino que destaca de principio a fin con algunos pequeños arreglos aflamencados. Como muchos os habréis imaginado ya me estoy refiriendo a “La Isla Bonita”.
He de confesaros que ésta no es una de mis canciones favoritas de su carrera, pero he de reconocerle su mérito. Además, en esta ocasión parece que voy a contracorriente porque es una de las preferidas del público que acude a sus conciertos y ella lo sabe, motivo por el que está entre las canciones que más ha interpretado en sus giras a lo largo de todos estos años. De lo que no cabe ninguna duda es del cariño que Madonna le tiene a nuestro país con constantes guiños a nuestra cultura, el flamenco, los toros …
Nos vamos acercando al final de este gran álbum y llega el momento de una de las canciones que a mí personalmente más me gustan, aunque tuviera una relevancia menor y no llegase a ser publicada como sencillo.
Volvemos a dar un salto hacia atrás en el tiempo porque Madonna vuelve a adentrarse en un sonido muy cercano a la década de los 60 con una canción con un ritmo muy marcado, un coro femenino bien estructurado y una letra que está dedicada precisamente a uno de los iconos de aquella época, el mismísimo James Dean.
Se trata de “Jimmy Jimmy”, una canción que habla de la atracción que siempre producen en las chicas los chicos malos, y si son como Dean, con más razón.
Llega ya el momento de cerrar el disco con la última canción que lo integra, en la que da la impresión de que debió pensar aquello de “los últimos serán los primeros” ya que este tema fue el primero en ser compuesto, y fue presentado casi un año antes en el famoso concierto benéfico “Live Aid”. En aquel momento nadie de los allí presentes, incluida ella misma creo yo, sabían que esta canción iba a formar parte de su siguiente álbum.
Se trata de un canción que aborda el tema de la lucha contra la guerra y la pobreza, que encajaba a la perfección en el contexto del citado concierto benéfico, en la que muestra mucho ritmo intentando mandar un mensaje de optimismo. Su título es “Love Makes the World Go Round”.
Así se pone fin a “True Blue”, un álbum lleno de buenas canciones y que significaría el despegue definitivo de Madonna. Por primera vez en su carrera la gira promocional de este disco se convirtió en todo un acontecimiento ya que empezó a ofrecer grandes conciertos repletos de sorpresas y con una puesta en escena excepcional, algo que se convertiría en habitual a partir de ese instante.
LISTA DE LOS AÑOS 80
Iniciamos ya nuestra andadura a través de la segunda parte de la revista del día de hoy y lo hacemos trasladándonos hasta el 16 de octubre de 1988 para poder disfrutar de las dos nuevas entradas que presentaba la lista graminoleña que se estrenaba ese día.
Para empezar seguimos con el otro grande del pop. Si el póster central ha estado ocupado por la “Reina del Pop”, la primera entrada que presentaba nuestra lista aquel día está protagonizada por el “Rey del Pop”, el inimitable e indiscutible Michael Jackson, quien nos regalaba otra de las canciones incluidas en ese tremendo álbum que fue “Bad”.
Se trata de una de las canciones más duras y potentes de su carrera, con una estructura muy clara en cada una de sus estrofas, en las que comienza pausada con una voz lamentosa de Jackson para dar paso a un contundente sonido de guitarra y una voz más intensa. Una gran canción titulada “Dirty Diana” que nos acompañaría durante 14 semanas para alcanzar el top 26.
Como suele suceder en estos casos mucho se especuló en su día sobre quien podía ser la “Diana” que protagonizaba esta canción. Algunos dijeron que era Diana Ross de la que Jackson estaba enamorado, algo que no era cierto. Otros especularon con que podría ser Diana de Gales habida cuenta de lo que ella admiraba al artista. Lo cierto es que el propio Jackson se encargaría de desmentir estos rumores. La solución era mucho más sencilla, esta canción estaba dedicada a sus seguidoras y lo del nombre de Diana lo eligió al azar, simplemente.
La segunda entrada que reflejaba la lista graminoleña de la semana que nos ocupa tiene un aire más erótico-festivo y presenta un formato que en aquella época se había hecho muy popular y que ofrecía varias canciones en una sola. Me estoy refiriendo a los famosos popurrís.
Con un formato más apropiado para la canción del verano que otra cosa, el chileno Paolo Salvatore nos puso a bailar a ritmo de cumbia con un popurrí en el que figuraban clásicos como “El Orangután”, “Con Su Pollera Colorá” o “La Banda Está Borracha”, entre otras. Este homenaje cumbiero recibiría el título de “Mix Cumbias” y permanecería en lista durante solamente 2 semanas alcanzando el puesto 37 como mejor registro.
LISTA DE LOS AÑOS 90
Avanzamos en el tiempo los 10 años de rigor y nos situamos en la lista que estrenábamos el 18 de octubre de 1998 que presentaba cambio en el número 1 y una nueva entrada con sabor a recuerdo. Os lo cuento para que entendáis de lo que hablo, pero antes empecemos con el relevo en lo más alto del ránking.
Tras 2 semanas en el número 1, The Corrs y su “What Can I Do” dejaban paso al rapero de moda que sorprendió a propios y extraños con un grandísimo e inesperado éxito a ritmo de hip-hop. Estoy hablando de DJ Kun.
Ya os hablé hace unas semanas de este argentino que a ritmo de rap-latino adquirió una tremenda popularidad aquel año 1998, así que tampoco hace falta extenderse mucho más. Simplemente recordar que “Ponle Sabor” se convirtió en uno de los éxitos más llamativos del hip-hop de aquella época, algo que se confirmó con la llegada al número 1 de nuestra lista, aunque cierto es que permanecería en tan privilegiada posición tan sólo una semana.
La segunda novedad destacada de la semana es la única entrada que se producía en ella ese día, aunque más que entrada habría que hablar de regreso ya que se trata de una versión modernizada de una canción que triunfó a lo grande en el año 1986 de la mano de un dúo alemán que se convirtió en su día en el grupo más identificable con lo que se dio en denominar “Eurodance”. Me explicó.
Durante la década de los 80, Modern Talking se convirtió en uno de los grupos preferidos para bailar su música en las discotecas. Con un sonido más que identificable a base de un poderoso ritmo marcado por los sintetizadores, lo pegadizo de sus letras y sus inimitables falsetes, se convirtieron en los abanderados de la música tecno-discotequera que empezó a llegar desde el centro de Europa.
En el año 1986 publicaban un álbum titulado “Ready for Romance” del que se extraía uno de las canciones más exitosas de su carrera y que, como no podía ser de otra manera, colocarían debidamente en nuestra lista en aquel momento. Se trata de “Brother Louie”, un auténtico clásico del “Eurodance” que comenzó a desarrollarse en los 80 y explotó definitivamente en los 90.
Con la llegada de los 90 y las nuevas tendencias musicales, la andadura del dúo llegaría a su fin decidiendo separarse. Sin embargo, la morriña del éxito así como que los proyectos que sus dos miembros emprendieron por separado no lograron los resultados esperados, todo hay que decirlo, en el año 1998 decidiría retornar con la publicación de un álbum titulado “Back For Good”, en el que se incluían todos sus éxitos remezclados y reversionados, adaptándolos a los nuevos tiempos, y algunos temas inéditos.
Entre las canciones remezcladas se encontraría precisamente la que os acabo de comentar que recibiría el nuevo título de “Brother Louie 98” y que supondría el regreso de Modern Talking a nuestra lista donde permanecerían durante 17 semanas para alcanzar el puesto 19 como mejor registro. Está claro, su tirón ya no era el de antaño.
LISTA DEL NUEVO MILENIO
Vamos a rematar ya la faena en lo que se refiere al repaso a las listas graminoleñas de cada semana, con el que vamos a darle a la que se estrenaba el 12 de octubre de 2008. Ese día nos encontrábamos con una nueva entrada y el regreso de una canción que nos había abandonado quince días atrás. Procedamos.
La nueva entrada propiamente dicha está protagonizada por un grupo gibraltareño resultante de la excisión en dos bandas de Melón Diesel, algo de lo que ya os hablé hace pocas semanas con motivo de la aparición de este grupo en la sección de “La Edad de Oro de la Música Española”.
Según parece, la causa de esta separación fue que algunos de los miembros del grupo querían cantar en inglés y otros hacerlo en español, lo que originó considerables enfrentamientos que dieron al traste con la continuidad de una banda excepcional. De los dos grupos resultantes de esta separación, el que más éxito ha seguido cosechando ha sido Taxi, el que decidió seguir cantando en nuestro idioma, mostrando un sonido y un estilo continuista con lo realizado hasta ese momento.
He de reconoceros que éste es uno de los grupos pop de la actualidad que más me gustan. Sus canciones están llenas de sensibilidad y calidad y creo que ofrecen la frescura de la que carecen la mayoría de las artistas de nuestros días. Como muestra valga el tema que colocaban en nuestra lista aquel 12 de octubre de 2018, una canción titulada “Quiero un Camino”, un medio tiempo con un sonido acústico excepcional con el que permanecieron con nosotros durante 37 semanas para alcanzar el top 11.
La segunda novedad de aquella semana era la “rentré” de un tema que nos había abandonado dos semanas atrás tras permanecer con nosotros únicamente siete días. Como todo está muy reciente seré breve y simplemente os recordaré que se trata de “Ella y Yo” de los gaditanos “Decai”, que como ya os comenté presumían de ser pioneros en fusionar el reggaetón con la rumba. Ellos mismos.
En esta oportunidad darían con la tecla ya que permanecerían en lista 30 largas semanas para alcanzar el top 11.
TAMBIÉN ES MÚSICA
La sección que recoge esas otras maneras de hacer música nos trae esta semana tres auténticos disparates, por lo menos así los veo yo. Dos de las canciones que os ofrezco hoy alcanzaron en su momento un tremendo éxito a base de una melodía repetitiva hasta decir basta y una letra en la que se decía a los que la escuchaban lo que tenían que hacer para llevar a cabo su coreografía. Supongo que ya sabréis por donde van los tiros. La tercera … la tercera mejor que veáis el videoclip.
S. B. S. / FOLLOW THE LEADER
La primera de las canciones es sin duda alguna la más singular de todas. Vamos que es rara, rara, rara. El protagonismo va a ser compartido como veréis a continuación y su historia no tiene desperdicio. Para ponernos en antecedentes vamos a viajar hasta Holanda, donde se fraguó esta especial composición.
En el año 1998, un grupo llamado The Soca Boys publicaba un disco homónimo con música totalmente tropical y latina. De entrada ya es llamativo que desde los Países Bajos alguien se atreva a adentrarse en este estilo. Lo cierto es que entre las canciones que se incluían en ese álbum se encontraba una con la que iban a lograr un tremendo éxito en su país y, dado el estilo en el que se movían, de manera inmediata se convertirían en el acontecimiento musical del verano de ese año en toda Latinoamérica. Ni que decir tiene que pronto llegaría también a nuestro país el éxito de ese increible soniquete.
La canción tenía un ritmo repetitivo pero que enganchó al público sobre todo por su puesta en escena y su coreografía. Su título era “Follow the Leader” (siguel al jefe) y todo consistía en que todos los que asistían al espectáculo tenían que hacer lo que el que se suponía que era el líder hacía. Si él iba a la derecha, todos a la derecha, si iba a la izquierda, todos hacia la izquierda, si se agachaba, todos agachados. Como vemos todo muy simple y destinado a pasarlo bien en cualquier fiesta sobre todo si es veraniega.
Sería la primera vez en la historia, y yo creo que la única, en la que un grupo holandés lograba un éxito tan grande en Latinoamérica. Como era de esperar, sería cuestión de tiempo que artistas sudamericanos comenzaran a publicar sus propias versiones de esta canción, siendo el que se llevaría la palma un grupo cubano que atendía al nombre de SBS y que exportaría a España su manera de decirnos que hay que seguir al jefe. Lo dicho, un disparate.
CLAUDIO CECCHETTO / GIOCA JOUER
Lo cierto es que esta fórmula de bailar en grupo siguiendo una coreografía en la que el protagonista o los protagonistas de la canción marcan las pautas no era nueva. Sin ir más lejos, en el año 1981, casi 20 años antes, ya hubo un antecedente parecido. En esta ocasión dejamos la música latina para adentrarnos en el mundo de la “Italo-Disco”, estilo que triunfó a lo grande durante aqueños años a la hora de hacernos bailar en las discotecas, provocando una auténtica invasión de cantantes italianos que lo coparon prácticamente todo.
Con una melodía más discotequera concebida a la vieja usanza, un disc-jockey italiano llamado Claudio Cecchetto se lanzó al mundo más mediático del momento con una canción en la que apoyado por la música iba diciendo cosas que había que hacer y gesticulaba adecuadamente para que el resto de la gente le acompañase. El soniquete de “caminare … saludare … auto-stop…” y similares era uno de los momentos más esperados en las discotecas de la época para empezar a hacer el ganso en la pista de baile.
La canción en cuestión llevaba el título de “Gioca Jouer”, que viene a significar algo así como “juega a jugar”, que alguien me lo explique, y se convirtió en una de las canciones más bailades del año 1981. Así que ya teneís tarea, todos a jugar … bailando.
Ésta fue prácticamente la única oportunidad en la que Cecchetto logró cierto reconocimiento a nivel internacional, pero lo cierto es que en su país es un personaje bastante popular. Sus principales tareas han sido las de producción y descubrimiento de algunos artistas, entre los que se encuentra por ejemplo Sabrina Salerno. Además ha conducido una gran cantidad de programas televisivos en Italia, pudiendo decirse que nos encontramos con una especie de Raffaella Carrá en masculino y a nivel local.
LORCA / BÉSAME EN LA BOCA Y DÉJAME LA LENGUA ROTA
Para rematar la faena en el día de hoy con esas otras músicas, nos trasladamos ahora hasta el año 2001 para saborear (nunca mejor dicho) una canción que en sí no es nada del otro mundo y tampoco es más horrorosa que otras, pero que vino acompañada de un videoclip de esos que cuando lo ves te quedas preguntándote qué has hecho para merecer ese castigo. Además, el título de esta genialidad ya es … vosotros decidís que es, yo no me atrevo a calificarlo.
En aquella época surgieron una serie de cantantes masculinos que se desenvolvían en un pop facilón e intrascendente, sin apenas arreglos y con marcado sonido de sintetizadores, que llamaban más la atención por su físico que por sus dotes vocales. Unos tendrían más recorrido que otros pero lo cierto es que todos ellos estaban cortados por el mismo patrón.
Entre estos caballeros se encontaraba Lorca, un apuesto joven que publicó como sencillo una canción titulada “Bésame en la Boca” y que para promocionarlo no se le ocurrió otra cosa que grabar un videoclip en el que se iba mostrando la imagen de una serie de chicos y chicas colocados en fila uno junto a otro mientras iban recibiendo el beso del que se encontraba a su izquierda para a continuación girarse a la derecha y ofrecer el correspondiente beso. Así durante los más de tres minutos que dura la canción. Creativos no fueron demasiado, pero lo que es ponerse las botas …
Lo curioso del caso es que la repercusión que tendría esta canción le daría para publicar un álbum ese mismo año y otro más en el 2004. Tras varios años sin saber más de él, volvería a intentarlo en el 2011 con la salida al mercado de un tercer trabajo que supuso su punto y final porque no tuvo repercusión alguna. Vamos, que no lo compró ni el Tato.
LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA
Pasito a pasito hemos llegado al momento de nuestra contraportada que nos trae esta semana no tres sino cuatro canciones para despedir la fiesta. Y es que en las últimas fechas están siendo muchos los grandes artistas que nos están dejando y a los que hay que rendir el debido tributo. Así que sin más nos metemos en harina de inmediato.
EFEMÉRIDE
Empezamos celebrando el cumpleaños de Gary Richrath, guitarrista de uno de los grupos más destacados del mundo de las baladas de los 70 y los 80.
No todo van a ser tragedias en el mundo de la música, también hay tiempo para la celebración de algún cumpleaños. Hoy la efeméride de la semana está dedicada al guitarrista de uno de los grupos de los años 70 y 80 que más canciones románticas supo ofrecernos y que a buen seguro aderezó muchos noviazgos y similares. Estoy hablando de los norteamericanos Reo Speedwagon.
Se trate de Gary Richrath, quien entraría a formar parte del grupo en el año 1970, momento a partir del cual darían un salto cualitativo bastante importante hasta convertirse en una de las bandas más aclamadas de principios de los 70. Además de convertirse en el guitarrista principal y uno de los líderes del grupo, de su talento compositor surgirían sus canciones más representativas y de mayor éxito.
El grupo se especializó en tiempos muy tranquilos, dejándonos algunas de las baladas más destacadas de aquella época entre las que destaca “Keep on Loving You”, del año 1980, en la que ofrecen todas sus señas de identidad: romanticismo, calidad y música para bailar agarrados. Una preciosidad de canción.
Por cierto, el nombre del grupo no es un capricho. Lo tomaron del modelo de un camión de bomberos que se fabricó en los Estados Unidos a principios del siglo pasado. Nota de cultura general.
NOS HA DEJADO
Con simplemente pronunciar su nombre está todo dicho. Acaba de decirnos adiós una de las artistas más grandes de nuestra música y una de las figuras más indiscutibles del mundo de la ópera. Siempre recordaremos su risa espontánea, su simpatía y, por supuesto, su voz. Una grandisima señora llamada Montserrat Caballé.
En las últimas semanas nos han ido abandonando grandes artistas del mundo de la música, algo de lo que desde estas páginos nos hemos hecho eco intentando rendirles un pequeño homenaje. En esta ocasión el homenaje es más que merecido ya que se trata de una persona de aquí, cercana y humilde, cuya vida ha estado marcada por muchos problemas que ha sido capaz de superar siempre con una sonrisa en la boca. Estoy hablando de la inolvidable Montserrat Caballé.
Nació en una familia muy humilde que tuvo que pasar las penalidades de la guerra civil española y la posguerra, pero supo salir adelante. De aquellos tiempos, siendo muy niña, le llegaría la afición por la música pasando horas y horas frente a un rudimentario aparato de radio donde se empapaba de música clásica, sobre todo de ópera, pensando que algún día sería ella la que sonaría en la radio.
Con el paso del tiempo se convertiría en una de las figuras femenínas más grandes del panorama operístico internacional, pero sus principios no fueron demasiado fáciles. Sus primeras actuaciones en Roma y Florencia no recibieron buenas críticas y daba la impresión de que se encontraba ante la eterna historia de lo que pudo haber sido y no fue. Sin embargo no dejó de intentarlo y de seguir creciendo y su gran momento llegaría en el año 1965.
Paso a paso se fue abriendo camino en el mundo de la ópera y en su siempre querido “Liceo de Barcelona” ofreció grandes momentos. Pero sería ese año 1965 cuando daría el salto definitivo hacia el estrellato. Una indisposición de una de las divas del momento como era Marilyn Horne le dio la oportunidad de protagonizar “Lucrezia Borgia” en Nueva York, ofreciendo una interpretación descomunal y consagrándose definitivamente.
Pero si por un momento en concreto es recordada por cualquier buen amante de la música, no solamente el enamorado de la ópera, es por el que ofrecería junto a otra gransísima voz como es Freddie Mercury. Dos voces impresionantes que se compenetraron a la perfección para grabar juntos un disco en el año 1987 y ofrecer un momento inolvidable con una de las canciones que se incluían en ese álbum.
Esta canción se convertiría en poco más o menos que en el himno oficial de los Juegos Olímpicos de Barcelona del año 1992 regalándonos un momento único en la historia de la música. Como todos sabreís ya estoy hablando del mítico “Barcelona”.
Su calidad como artista es indiscutible, pero a ella hay que añadir su calidad humana. Una persona cercana, optimista y luchadora que nunca lo tuvo fácil. Superó un tumor cerebral, tuvo grandes problemas con Hacienda y en los últimos años ha sufrido unas críticas atroces por parte de los independentistas catalanes. Pese a todo ello, su talante siempre fue el mismo, uniendo a su grandeza como artista una tremenda personalidad.
LA EDAD DE ORO DE LA MÚSICA ESPAÑOLA
Estuvieron cerca de grupos como Olé Olé y Mecano en sus comienzos y a base de buen tecno lograron un tremendo éxito con su álbum de debut. Ya han pasado por aquí en alguna otra ocasión y hoy repiten para dejarnos otro de sus temás más significativos. Se trata de Vídeo, un grupo procedente de Valencia que terminaría su recorrido de manera precipitada.
Los que me conocéis bien sabéis que además de un loco de la música soy muy aficionado al mundo del runing. Me encanta salir a correr con mis cascos puestos al ritmo de la música que va sonando en mi reproductor de mp3. Tengo un i-pod de 80 gigas en el que se encuentra absolutamente toda la música que poseo y cuando salgo a correr lo pongo en modo aleatorio para que suene cualquiera de mis canciones favoritas en el orden en que el dispositivo decide.
Muchos os estaréis preguntando a que viene que os cuente esto. Simplemente obedece a que esa música que aleaotoriamente suena cuando salgo a practicar deporte es fuente de inspiración en muchas ocasiones de cara a elegir la música que aparece cada semana en nuestra contraportada para recordar algunos de los mejores momentos que nos ha dado la música de nuestro país. Como ejemplo baste la canción que viene a continuación, la cual me hizo subir mi ritmo de carrera nada más empezar a escuchar sus primeras notas hace pocos días.
En esta ocasión el protagonismo recae sobre un grupo valenciano que ya nos ha visitado en otra ocasión y que durante la década de los 80 nos ofreció un buen puñado de éxitos a base de una imagen y una música muy cercana a la new wave. Estoy hablando de Vídeo. Me encantaba su música y esos ojos tan impresionantes de Pepa Villalba, su vocalista, quien hace ahora un año nos abandonaba víctima de un cáncer.
Su debut se produjo en el año 1983 con la publicación de su primer álbum titulado “Videoterapia”, en el que se incluía esta canción que a mí personalmente me encanta. Se trata de “Fría y Automática”, suena muy bien e invita a bailar desde el primer momento. Buen tecno a la española.
La pinta que tenía este grupo era estupenda y la impresión que daba es que podía convertirse en una de las bandas con más recorrido y éxito de nuestro pop. Sin embargo, las continuas entradas y salidas de sus integrantes y unas relaciones entre ellos no demasiado cordiales daría al traste con esas perspectivas. Una pena.
NOVEDAD
Acaba de aparecer en el mercado una caja con cuatro cds que contiene más de 40 canciones inéditas de esa indiscutible figura que fue Tom Petty. Música para coleccionistas, música para fanáticos del norteamericano, pero sobre todo música para los amantes de la buena música que él supo ofrecer tanto en solitario como al frente de The Heartbreakers.
La novedad de esta semana es un auténtico lujo y un artículo de coleccionista de los grandes. Se trata de una caja con 4 cds que contiene 60 canciones, 41 de ellas inéditas, de uno de los intérpretes más grandes de las últimas décadas y que nos dejó prematuramente no hace mucho tiempo víctima de un infanrto de miocardio a los 66 años de edad. Estoy hablando de Tom Petty.
Este box lleva el título de “An American Treasure” y las canciones que lo integran han sido elegidas por su esposa Dana, su hija Adria y sus antiguos compañeros en The Heartbreakers Mike Campbell y Benmont Tench. Petty dejó una gran cantidad de material inédito que finalmente no fue incuído en ninguno de sus discos a lo largo de sus 40 años de trayectoria y muchas de estas canciones dan forma a esta impresionante colección.
Como siempre, Petty nos ofrece su habitual sonido limpio, fesco y repleto de calidad con el que conquistó en su día primero al público europeo y luego al de su país.Una de las canciones destacadas de esta colección es la elegida para promocionarla y lleva el título de “Keep a Little Soul”, una composición que creó en el año 1982, que ve ahora la luz y que a pesar de tener ya 36 años muestra un sonido de actualidad por todos sus poros.
Ésta ha sido la recomendación de esta semana. 60 canciones son muchas, pero cuando tienen todas ellas la calidad que desprenden éstas, merece la pena hacerse con esta caja.
Por hoy cerramos el quiosco, pero ya sabéis que en siete días estamos de vuelta con la mejor música de todas las épocas. Os espero.
Hasta entonces, Graminoleños.
JUAN JOSÉ GOMARIZ
Puzzle Bobble
Karate Blazers
Puzzle De Bloques
Magical Cat Adventure