LA GRAMINOLA. LA REVISTA QUE SE LEE Y SE ESCUCHA
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Bienvenidos Graminoleños a vuestra cita semanal con la música de todos los tiempos. Ya sabéis que “La Graminola”, da un pequeño repaso a las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años, junto a las cuales podemos disfrutar de distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoraremos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro poster, a doble página en el centro, desmenuzará cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le daremos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada será el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música en directo.
Echándole un vistazo a la portada de cada día os podréis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Espero que todos estos cambios os gusten y, como siempre, estoy abierto a vuestras sugerencias y críticas.
LA LISTA DE LA GRAMINOLA
Ya está aquí la lista de actualidad con la que abrimos siempre el repaso a los éxitos de la música de los últimos cincuenta años. En esta oportunidad presenta hasta tres nuevas canciones que el pasado día 24 de diciembre lograron entrar en ella y formar parte de la familia graminoleña. Aviso a mi amigo Juan López que en esta oportunidad no hay tanto reggaetón y se hace más llevadera. No para tirar cohetes pero las novedades de hoy son soportables. Vamos a darles el correspondiente y merecido repaso.
De Ed Sheeran ya os hablé hace unas semanas con motivo de la larga estancia en el número uno de su canción “Shape Of You” y hoy vuelve a protagonizar la lista de la semana al colocar un nuevo tema en ella. Una canción que en un primer momento no estaba considerada por su discográfica como de las más destacadas pero que finalmente ha adquirido gran relevancia.
Se trata de “Perfect”, una preciosa balada que como ya os cuento no iba a ser publicada como sencillo inicialmente, pero que dada la gran aceptación que ha tenido entre sus fans se ha convertido en el cuarto single en publicarse de su último trabajo, “Divide” De hecho ha sido tan grande esa acogida que ha terminado por grabar una nueva versión contando con la colaboración de la mismísima Beyoncé. Yo os dejo aquí la versión auténtica, la original que a mí personalmente me gusta más.
La irrupción en la lista de esta canción ha sido bastante destacable ya que se ha colocado de entrada en el puesto 24. ¿Significa esto que nos encontramos ante otro número uno del británico? Para conocer la respuesta habrá que esperar unas cuantas semanas pero lo cierto es que tiene buena pinta.
La segunda entrada de la semana viene de la mano de una de las habituales colaboraciones entre artistas y también se postula como posible número uno en el futuro, habida cuenta de los precedentes de uno de los artistas que lo protagoniza. La pareja en cuestión está formada por el portorriqueño Luis Fonsi y la estadounidense Demi Lovato.
Del portorriqueño y su éxito veraniego “Despacito” está todo dicho, por eso quién sabe si en esta oportunidad acompañado de Demi puede dar un salto más y llegar al número uno, algo que no ha logrado sorprendentemente con su anterior éxito. La canción con la que vuelve a intentarlo lleva el título de “Échame la Culpa”, y con un ritmo muy similar ha entrado esta semana en nuestra lista con el objetivo de subir hacia los primeros puestos cuanto antes.
El caso de Demi Lovato es uno de esos en los que tras iniciar su carrera como actriz y acabar formando parte de la “factoría Disney”, da el salto al mundo de la música. Evidentemente el hecho de crear junto a Nick Jonas, el que fuera miembro de los Jonas Brothers, su propio sello discográfico, llamado Safehouse Records, ayuda mucho.
Para cerrar las incorporaciones a la lista semanal de La Graminola vamos a marcharnos hasta los Estados Unidos desde donde nos llega una peculiar colaboración entre un grupo que en sus comienzos me atrajo de alguna manera pero que con el paso del tiempo ha ido cayendo en una cierta monotonía, y una artista emergente poseedora de una bonita voz. Hablo de Maroon 5 & SZA.
Siempre he pensado que cuando algún grupo o solista empieza a necesitar de la colaboración de otros artistas para ir publicando sus sencillos es porque necesita un cierto empujón y atraer a otro tipo de público porque su inspiración ha decaído notablemente. Es una apreciación particular mía, pero en el caso de Maroon 5 es muy sospechoso que en los últimos tiempos estén recurriendo a artistas de rap, rhtymy & blues, hip-hop y demás estilos para ir publicando sus canciones. Será casualidad.
En unas ocasiones la mezcla es más afortunada que en otras, así que habrá que ver como funciona en la lista este “What Lovers Do”, una canción que parece más bien concebida para la época veraniega que para la invernal, pero ellos sabrán.
Una vez puestos al día, seguimos avanzando en el número de hoy con la música más mágica de la revista.
LOS PIONEROS
La sección de “Los Pioneros” del día de hoy está dedicada en exclusiva a las mujeres. Más concretamente grupos, en este caso tríos, formados en exclusiva por voces femeninas. Ellas fueron las primeras que abrieron el camino a las que vendrían después, ya que hasta ese instante lo común, lo habitual, era que las chicas llevaran carreras como solistas y menos habitual que lo hicieran en grupo.
De algún modo ellas serían las responsables de que las mujeres fueran adquiriendo mayor importancia en el panorama musical y dieran el paso en el futuro a liderar bandas en las que el resto de sus integrantes eran hombres. Vamos pues con tres ejemplos de tres grandísimos tríos.
THE RONETTES / BE MY BABY
Veronica Bennett, su hermana Estelle y la prima de ambas Nedra Talley formaron en el año 1960 este grupo en un momento en el que este tipo de bandas estaba perdiendo un poco de fuelle en Estados Unidos. Afortunadamente se cruzarían en su camino el compositor y productor Phil Spector que les daría el impulso necesario para convertirse en unas auténticas figuras.
Cuando Spector las escuchó cantar no tuvo ninguna duda de que había posibilidades de conseguir algo grande, pero su primera intención sería la de contar únicamente con Veronica Bennett. De hecho iniciarían una relación sentimental que terminaría en matrimonio y llevaría a la cantante a cambiar su nombre artístico por el de Ronnie Spector.
Sin embargo, Ronnie no estaría dispuesta a prescindir de sus dos compañeras de grupo y se negaría en rotundo a iniciar una carrera en solitario, por lo que Spector empezaría componer canciones para ellas llevándolas a cosechar bastante éxito. Su mejor momento llegaría en el año 1963 con una canción que se colocaría en el número uno de las listas norteamericanas y se convertiría en un clásico de la música de los 60, versionado hasta la saciedad. Estoy hablando del mítico “Be My Baby”.
Durante la grabación en el estudio de esta canción se produciría una situación inesperada. Cuando llegó el momento de grabarla, una de las cantantes que iba a participar en los coros no apareció. Por allí estaba en ese momento Sonny Bono que ofrecería a Spector que su mujer sustituyera a la ausente. Dicho y hecho se llevaría a cabo la oportuna sustitución y “Be My Baby” acabaría convirtiéndose en un enorme éxito. Por cierto, la “corista sustituta” no era otra que la mismísima Cher.
Vamos ahora con otro trío también bastante familiar. Más mujeres grandísimas de pies a cabeza, para lo que damos un enorme salto en el tiempo y nos situamos en la década de los 40.
THE ANDREW SISTERS / BOOGIE WOOGIE BUGLE BOY
Las hermanas Patty, Maxene y Laverne Andrews pueden considerarse como las verdaderas pioneras de todos los grupos femeninos que vendrían a continuación. Sin ellas, sin el éxito que cosecharon, a buen seguro que las que vinieron después lo habrían tenido muchísimo más difícil.
Para entender su éxito hay que situarse en el contexto de principio de los años 40. Desde muy niñas habían empezado a cantar juntas. De hecho, Patty, la más pequeña y la voz cantante del trío, únicamente contaba seis años cuando comenzaron a hacerlo. Los mimbres eran muy buenos y el cesto acabaría siendo enorme. La manera en la que compenetraban sus voces estaba al alcance de muy pocos.
Durante la guerra mundial alcanzarían sus mayores éxitos ya que fue muy habitual verlas animando a las tropas americanas interpretando sus canciones. Rodarían además unas cuantas películas y se convertirían en su momento en las mujeres que más discos habían vendido en la historia de la música norteamericana. Como ya digo, ellas fueron las auténticas precursoras.
Muchas fueron las canciones con las que arrasaron pero como muestra yo me quedaría con este “Boogie Woogie Bugle Boy”.
Para cerrar la sección de “Los Pioneros”, hoy “Pioneras”, vamos con uno de los grupos femeninos más grandes de todos los tiempos, las auténticas reinas de la música de aquel entonces.
THE SUPREMES / STOP IN THE NAME OF LOVE
No sería justo hablar de los grupos de mujeres más destacados e importantes de la historia de la música sin incidir en ellas, en las más grandes de siempre. Florence Ballard, fundadora del grupo, Mary Wilson y, por supuesto, esa maravillosa diva que es Diana Ross dieron cuerpo al grupo integrado únicamente por mujeres de mayor éxito de la historia. Para que nos hagamos una idea de su importancia basta decir que fueron las únicas capaces de hacerle sombra en la década de los 60 en los Estados Unidos a los mismísimos The Beatles.
Muy pronto la figura de Diana iría emergiendo de manera clara para terminar eclipsando prácticamente a sus compañeras. La rivalidad entre ella y Florence daría lugar al abandono del grupo por parte de esta última y a terminar denominándose “Diana Ross & The Supremes”, convirtiéndose en uno de los estandartes más grandes del mítico sello “Tamla Motown”.
Como no podía ser de otra manera, poco tiempo despues Diana iniciaría su carrera en solitario plagada también de grandes éxitos, pero antes con The Supremes cada nueva canción que sacaban al mercado se convertía de manera inmediata en un rotundo éxito. Me ha resultado bastante difícil elegir solamente una de entre todas ellas, pero finalmente me he decidido por esta “Stop in the Name of Love” del año 1965.
Con este broche de oro se cierra la sección de “Los Pioneros” de hoy y he de confesaros una cosa, según lo he estado escribiendo se me han ido viniendo a la cabeza gran cantidad de grupos femeninos que encajan aquí a la perfección, asi que … continuará.
LISTA DE LOS AÑOS 60
La lista graminoleña de hace cincuenta años por estas fechas presentaría una única novedad, aunque bastante destacable ya que vendría de la mano, o mejor dicho habría que decir que de las voces, de uno de los grupos que mayor popularidad adquiriría en aquella época aunque su andadura sería bastante corta. Una vez más el exceso de protagonismo de su solista eclipsaría al resto del grupo y traería consigo la disolución de la banda y el inicio de la carrera en solitario de la cantante.
Estoy hablando de Los Stop, que de la mano sobre todo de Cristina, su vocalista, cosecharían éxito tras éxito a finales de los 60. Como tantos y tantos grupos tendrían unos inicios bastante inciertos tocando en fiestas de pueblos y similares hasta que en el año 1966 ganaron un concurso radiofónico y consiguieron su primer contrato con una discográfica. A partir de ahí todo fue subir como la espuma.
La mayoría de sus canciones eran alegres y desenfadadas y con la que obtuvieron mayor éxito ofrecerían una letra pegadiza hasta decir basta. ¿Quién no ha cantado alguna vez lo de “tres cosas hay en la vida: salud, dinero y amor”. Pues sí con “Tres Cosas: Salud, Dinero y Amor” triunfarían en el año 1967 entrando en nuestra lista el día de Nochebuena de 1967 y permaneciendo en ella durante 36 semanas para alcanzar como mejor puesto el número 8.
LISTA DE LOS AÑOS 70
Saltamos en el tiempo diez añitos y nos situamos en 1977. Concretamente en el día de Navidad, momento en el cual estrenábamos nueva lista en la que se producían dos novedades en forma de entrada de sendos artistas con pasado vinculado al festival de Eurovisión, aunque procedentes de distintos países, Italia e Inglaterra.
La primera de ellas llegaba desde el país transalpino de la mano de un ya curtido cantautor italiano que andaba un poco de capa caída hasta la aparición en el mercado de un nuevo disco a finales de 1976 en el que se incluía una canción que iba a llevarle de nuevo a la notabilidad del panorama musical internacional ya en 1977.
El artista en cuestión no es otro que Fausto Leali, un cantante con un reconocido prestigio en su país cuyo mayor secreto para lograr el éxito y la popularidad era su voz tan característica. Una voz áspera, dura y grave que le haría ganarse el apodo de “El Negro Blanco”. Tras unos años de grandes logros, participación en Eurovisión incluida aunque con no demasiado buenos resultados, con la llegada de los 70 sufriría un claro estancamiento. Las nuevas y jóvenes figuras de la canción italiana tipo Cocciante, Giacobbe, Bella y demás lo habían eclipsado.
Sin embargo, en el año 1977, una de esas emergentes figuras de cantantes italianos llegaría en su auxilio y le proporcionaría una composición con la que iba a volver a lograr un grandísimo éxito en toda Europa. La canción sería “Io Caminero” y el autor que la compondría llevaba el nombre de Umberto Tozzi, curioso al menos ¿no?
En aquella época era bastante habitual que los artistas italianos sacasen al mercado versiones en español de todos sus éxitos para lograr mayor acogida en nuestro país, fórmula que han ido manteniendo con el paso de los años y permenece en nuestros días. Por ese motivo, en la lista del 25 de diciembre de 1977 entraría en la lista la versión en español de título “Yo Caminaré”.
La segunda entrada de la semana estaba protagonizada por un grupo británico que había ganado el festival de Eurovisión de 1976 con la canción “Save Your Kisses for me, baby” y que un año después iba a lograr otro grandísimo éxito con esta nueva creación. Su nombre era “Botherhood of Man”.
El grupo se formó en el año 1969 y en sus primeros momentos tuvo diversas formaciones ya que estaba concebido para que por él fuesen pasando distintos cantantes de estudio que solían hacer los coros a otros grandes artistas. Tras varios años de entradas y salidas lograría consolidarse definitivamente con la formación integrada por Martin Lee, Lee Sheriden, Nicky Stevens y Sandra Estevens. A partir de ese momento irían llegando muchos éxitos.
Dado que el grupo estaba formado por dos chicos y dos chicas y por el tipo de música que hacían, la comparación con ABBA sería bastante habitual, intentando crear una supuesta rivalidad con ellos para conseguir hacer crecer su popularidad. Como los suecos, la importancia vocal que irían adquiriendo las chicas sería cada vez mayor y sus similitudes eran cada vez más marcadas.
El día de Navidad de 1977 entraría en lista una canción que ya había llegado al número uno en el Reino Unido. Su título era “Angelo” y su similitud con el tema “Fernando” de los suecos ABBA era más que evidente, por lo que la polémica se vería avivada nuevamente. Comparad y opinad, pero lo cierto es que el recorrido y el éxito a nivel mundial de unos y otros fue muy distinto como todos sabemos.
EL ÁLBUM DE LA SEMANA
Los que hayáis seguido “La Graminola” durante los dos años de vida que ya tiene sabréis que mi grupo favorito de todos los tiempos es Fleetwood Mac. Tengo absolutamente todos sus discos tanto del grupo en sí como los trabajos que sus miembros han ido publicando en solitario, por lo que ya estaban tardando en aparecer en esta sección y a buen seguro que lo harán en bastantes más ocasiones.
Viene pues a nuestra página central del día de hoy uno de sus mejores álbumes, si no el mejor, con el que la nueva formación que habían presentado con su anterior trabajo quedaba asentada definitivamente y que está considerado como uno de los discos más destacados de la música pop-rock de todos los tiempos. Hoy vamos a disfrutar de la espectacular música que incluye su aclamado “Rumours”, publicado en 1977.
La grabación de este disco vino marcada por las tormentosas relaciones sentimentales de los cinco miembros del grupo. John McVie y Crhistine Mcvie acababan de separarse tras ocho años de matrimonio y no se dirigían la palabra. Por su parte, la relación entre Stevie Nicks y Lindsey Buckingham fue siempre muy tormentosa y llena de altibajos, con lo que los biorritmos cambiaban a cada momento. Mike Fleetwood tampoco se libraba ya que había descubierto recientemente que su mujer no le estaba siendo todo lo fiel que debía. Si a esto le sumamos la aparición de las drogas no es extraño que mientras estuvieron en el estudio de grabación el ambiente se podía cortar con un cuchillo y los rumores de separación fueran constantes.
Los egos de los cinco miembros aparecieron en escena y hubo problemas incluso hasta a la hora de decidir como se colocaba cada uno de ellos frente a los bafles para que el sonido de sus instrumentos se escuchara mejor. Afortunadamente, el talento descomunal que poseían y la profesionalidad que evindenciaron darían a luz un disco fundamental en su carrera en el que las letras de sus canciones vendrían marcadas sobremanera por esos problemas personales que vivián en aquel momento. Está claro que en las situaciones de mayor crisis los grandes artistas son capaces de ofrecer su mejor cara.
El álbum se abre ya con una canción genial compuesta por Buckhingham y en la que de algún modo narra como se sobrepuso a sus crisis amorosas con Nicks a base de entablar relaciones con otras mujeres. Un tema que en un principio iba a ser totalmente acústico pero que finalmente incluiría arreglos más eléctricos para dejar bien claro que lo que venía después iba a ser bueno, muy bueno. Su título: “Second Hand News”.
Como siempre todo el peso compositor recaería prácticamente a partes iguales sobre Lindsey Buckhingham, Stevie Nicks y Christine McVie, encargándose cada uno de ellos de cantar las canciones que habían compuesto apoyados por los magistrales coros de los otros dos compositores. Un lujo al alcance de muy pocos. Además en esta oportunidad el disco en su conjunto es tan bueno y sus canciones tan espectaculares que es imposible decidir si las de alguno de ellos estuvieron por encima de las de los otros dos.
La segunda canción del disco es una de las mayores genialidades. En esta oportunidad es Nicks la creadora y como no podía ser de otra forma, su letra habla de una ruptura sentimental, aunque ella la ve de una manera esperanzadora y como un simple paso más en la vida. Vamos que venía a manifestar que afrontaba su situación personal con muchas ilusiones y mucho optimismo, a diferencia de como lo sentía Buckingham como veremos un poco más adelante.
Se trata de “Dreams” uno de sus clásicos más representativos que alcanzaría el número uno en las listas de éxitos norteamericanas. Un tema en el que la compenetración instrumental de todos ellos roza la perfección.
Como ya os cuento, Buckhingham interpetaba de una manera muy distinta su reciente ruptura con Nicks, él no era capaz de ser tan optimista y veía el futuro con cierto pesimismo. De esta manera, la siguiente canción del disco es la cara opuesta de este “Dreams”, aunque a mí me parece la balada más maravillosa de toda su carrera.
Estoy hablando de “Never Going Back Again”, una preciosa balada en la que la voz de Buckhingham únicamente está acompañada por el sonido de su guitarra acústica y en la parte final los coros femeninos muy en segundo plano. Dulce y sencilla hasta decir basta. Una canción que me conquistó desde la primera vez que la escuché y que podría pasar por un tema propio de Buckingham porque en esta oportunidad la aportación del resto de los miembros del grupo fue casi inapreciable.
Hasta el momento hemos podido saborear canciones compuestas por Buckingham y por Nicks y para cerrar el triángulo de magníficos compositores vamos a continuación con uno de los temas que surgieron del talento de Christine McVie. Como no podía ser de otra manera se trata de una auténtica joya.
La canción que viene a continuación tiene el denominador común de hablar de su reciente separación de John McVie. La relación entre ambos durante la grabación del disco fue inexistente, no se dirigían la palabra y las tensiones eran continuas, a pesar de lo cual la inspiración no la perderían, afortunadamente.
En “Don’t Stop” Christine aborda el futuro con mucho optimismo, evidenciando que su separación de John ha sido en sí una auténtica liberación. Además nos encontramos ante una canción con un ritmo trepidante y uno de los mayores clásicos de toda la carrera de Fleetwood Mac.
Años después, Lindsey, Christine y Stevie reconocerían que las labores de composición de las canciones del disco fueron muy duras. La mayoría de las letras hacían referencia a sus relaciones sentimentales rotas y eran aprovechadas para pasar factura por ello. Esta situación llevaba a que estas letras fueran modificadas una y otra vez para dar réplica a lo que cada uno de ellos iba manifestando, por lo que no es difícil imaginarse las tremendas tensiones que habría en el estudio de grabación.
Lo mejor de todo es que esos resentimientos iban a sacar lo mejor de todos ellos a la hora de componer e interpretar dejándonos el magnífico disco que nos dejaron y canciones auténticamente míticas como otra de las compuestas por Buckingham en la que relataba con toda crudeza sus momentos de mayor enfrentamiento con Nicks.
Uno de los más claros ejemplos de esto es sin duda alguna “Go Your Own Way”, una canción en la que Buckingham aconseja seguir tu propio camino dejando atrás los malos momentos. Un tema espectacular con una compenetración vocal de todos maravillosa.
Como estamos pudiendo comprobar el disco es una auténtica genialidad y está repleto de momentos brillantes. Pues bien el mayor de todos en mi modesta opinión llega de la mano de una canción que es una especie de “macedonia” de distintas composiciones de todos y cada uno de los miembros del grupo y que daría como resultado una de las canciones más auténticas de su carrera.
Es la única canción de todo el álbum que viene firmada por los cinco componentes del grupo y en las labores de composición intervendrían todos ellos de manera muy activa. Mike y John serían los que crearían los primeros acordes y la estructura de la canción y Christine, Stevie y Lindsey irían introduciendo variantes en ella añadiendo partes de algunas de sus composiciones que no habían visto la luz. El resultado sería espectacular.
Escuchar “The Chain” es una auténtica delicia. Una canción con una estructura bien escogida en la que los tres vocalistas del grupo se compenentran ala perfección, con un John McVie que toca el bajo como nunca y un espectacular solo de guitarra eterno del propio Lindsey. Palabras mayores.
La clave para que un disco sea considerado como una obra maestra está en su calidad, obviamente, pero sobre todo en que no tenga altibajos. Si me permitís la “gracia”, “Rumours” no es que no tenga altibajos sino que tiene continuos “altialtos”, ya que cada una de sus canciones mantiene y prácticamente supera el nivel de la anterior. Tendrían unos graves problemas personales, pero su talento era muy superior a ellos.
Las melodías son insuperables, su manera de interpretarlas inmejorables pero es que además sonaban como nunca. El grado de involucración de todos llevaría a que cada uno de ellos a la hora de tocar sus instrumentos llenara de un ambiente mágico el estudio de grabación. Canciones como “You Make Loving Fun” son una muestra en la que sin excepción todos tocan con una calidad excepcional.
Hay una canción que de algún modo resume todos los problemas y enfrentamientos que rodearon la grabación del disco. Fueron muchas las ocasiones en las que todo estuvo muy cerca de saltar por los aires y ellos mismos reconocerían años después que fue un milagro que no lo hiciera y que de algún modo este álbum les haría más fuertes y les ayudaría a seguir adelante todos juntos.
Años atrás, en una época en el que Buckhingham y Nicks estaban en su mejor momento sentimental juntos, habían grabado y publicado una serie de canciones al margen del grupo. En el tintero se había quedado una que él recuperaría para “Rumours” pero sin que ella lo supiera. De hecho los otros cuatro miembros la grabarían a espaldas de Nicks, que era quien la había compuesto y posteriormente anunciarían que tenía que incorporar su voz ya que esta canción iba a ser incluida en el disco en sustitución de otra también compuesta al opinar que no encajaba con el resto de las que componían el disco.
La canción sustituida iba a llevar el título de “Silver Springs” y he de deciros que la sustitución fue todo un acierto ya que “I Don’t Want to Know” se convertiría en otro momento inolvidable con una melodía con ese pequeño aire country que en ocasiones eran capaces de darle a sus canciones y con una sintonía vocal entre Lindsey y Stevie maravillosa.
No todas las canciones de este disco iban a servir para contar sus sentimientos personales e intentar pasarse factura los unos a los otros, no. También habría un momento para la ternura y para una canción en la que uno de los integrantes de la banda le dedicara una preciosa melodía a otro de ellos.
Mike Fleetwood no estaba atravesando tampoco un buen momento sentimental ya que su matrimonio se había sumergido en una profunda crisis. Christine McVie quiso rendirle un pequeño homenaje por este motivo y compondría una canción titulada “Oh Daddy” que estaría dedicada a su persona ya que en aquel instante era el único miembro de la banda que tenía hijos, concretamente dos. Una preciosa y emocionante balada.
Está canción vendría acompañada de una curiosa anécdota. Durante la grabación, mientras Christine tocaba el piano hubo un momento de cierto revuelo en el estudio y ella quiso llamar la atención de los técnicos tocando las teclas de manera aleatoria e inconexa. Esta situación se produjo muy al final de la canción y de una manera muy breve y finalmente se dejaría tal cual a la hora de grabar el disco. Geniales hasta la saciedad.
Pasito a pasito nos hemos ido acercando al final del disco y es una pena porque yo personalmente he disfrutado como un loco mientras iba escribiendo y escuchando el artículo. Para acabar con la sección del álbum de la semana del número de hoy vamos con la canción que cierra el disco, una especie de epílogo que también venía a contar el mundo en el que el grupo estaba viviendo.
El problema de las tortuosas relaciones sentimentales y de la lucha de egos de todos los miembros del grupo no era el único que los rodeaba. Las drogas también habían entrado en sus vidas e iban a pasarles factura en el futuro. De este tema se encarga esa canción que cierra el álbum.
Se trata de “Gold Dust Woman”, tema escrito por Nicks, algo que no debe de extrañarnos ya que fue la que más problemas tendría con esa lacra. Un final de fiesta un tanto dramático pero majestuoso como todo el álbum.
Hasta aquí llegamos pues en el día de hoy con este descomunal disco del que espero hayáis disfrutado todos. Eso sí, aviso a navegantes, no será el último de Fleetwood Mac que pase por esta sección. Son mi debilidad, no lo puedo evitar.
LISTA DE LOS AÑOS 80
Como iréis comprobando a lo largo de las publicaciones de la revista, habrá una serie de artistas que irán apareciendo con gran frecuencia sea cual sea la década de la que nos encarguemos. Serán esos grupos y cantantes que se han ido convirtiendo en auténticos mitos de la historia de la música. Vamos, los más grandes entre los grandes.
En la lista del 27 de diciembre de 1987 se produciría la entrada de un tema de uno de estos grandes monstruos a los que me refiero. Una de las artistas con más presencia en nuestra lista, ya que desde el momento de su debut en el año 1985 han sido 37 los sencillos que han pasdo en algún momento por nuestra lista. Estoy hablando de la inimitable, aunque siempre imitada, Madonna.
Su popularidad a esas alturas había crecido como la espuma y hasta se permitía el lujo de protagonizar películas en las que no podían faltar en sus bandas sonoras sus canciones. La entrada de esa semana vendría de la mano de una canción incluida en la película “Who’s That Girl”, en España ¿Quién es esa Chica?”, que tendría cierto éxito gracias a su presencia y a su música.
La nueva entrada no es una de sus canciones de mayor repercusión pero sí que tuvo buena acogida. Se trata de “Causing a Commotion”, la cual permanecería en lista durante 21 semanas alcanzado el puesto 14 como su mejor posición.
El título de esta canción no es ninguna casualidad. Por aquella época Madonna mantenía una relación sentimental con el actor Sean Penn y con el carácter que ambos siempre han mostrado no era de extrañar que existieran grandes turbulencias entre ellos. La cantante confesaría que esta canción se inspiró en la conmoción que Penn provocaba cada vez que estaba con ella.
En 7 días más música de los 80.
LISTA DE LOS AÑOS 90
Viajamos ahora hasta el día de los inocentes del año 1997, momento en el cual estrenábamos nueva lista en la que iba a producirse como única novedad la entrada de una canción de un grupo español, concretamente de Murcia aunque afincado en Valencia, que acababa de iniciar un nuevo ciclo y no con demasiadas buenas sensaciones.
El grupo al que me refiero no es otro que Presuntos Implicados, quienes iniciarían su andadura allá por el año 1983 con una formación y un estilo muy apartado del que les llevaría al éxito. En un primer momento la banda esta formada por hasta once miembros y se movían en las aguas del funk. Cuando se dieron cuenta de que las cosas no acababan de funcionar como ellos quería comenzaron los cambios y éstos serían profundos a la par de acertados.
El grupo se vería reducido finalmente a tres miembros: Sole Giménez, con su inigualable dulce voz, Juan Luis Giménez, su hermano mayor, y Nacho Mañó, convirtiéndose en uno de los discos más elogiados por la crítica y ganándose sus discos la etiqueta de “calidad”.
En el año 1997 iniciaban una nueva etapa en su carrera dándole un pequeño giro a su estilo que abrazaba definitivamente el pop más comercial. Producto de esos cambios publicarían su séptimo álbum bajo el título de “Siete”, siendo el primer sencillo en aparecer este “Todas las Flores”, la única entrada en la lista del 28 de diciembre de 1997, tema que permanecería en la misma durante 37 semanas alcanzando el top 4.
Podría decirse que a partir de ese instante nada sería como antes y el éxito de este nuevo disco estaría bastante por debajo del cosechado con sus anteriores trabajos. De alguna manera su decadencia había aparecido hasta el extremo de que en el año 2006 Sole Giménez tomaría la decisión de abandonar el grupo para iniciar su carrera en solitario, siendo sustituida por Lydia Rodríguez. Ni la una ni los otros han sido capaces de reproducir los resultados de sus mejores tiempos juntos.
La música de los 90 volverá con todos vosotros en siete días.
LISTA DEL NUEVO MILENIO
Parece que es un denominador común en las listas de finales de cada año, por lo menos de los que nos estamos encargando en el número de hoy, que las novedades sean muy pocas, ya que en la que se confeccionó el 23 de diciembre de 2007 también tuvimos una única entrada. Tampoco debe extrañarnos, en la época navideña lo que más abundan son recopilatorios y similares y las novedades en plan más serio se reservan para finales de enero o principios de febrero. Así que toca esperar un poco.
Pero vayamos con esa entrada que realmente es una “reentrada” ya que se trata de una canción que ya había permanecido durante 22 semanas en lista en una etapa anterior. Vendría desde Asturias de la mano de uno de los grupos noveles del panorama musical español que más habían crecido en popularidad y que mayor éxito habían consechado en los últimos tiempos: El Sueño de Morfeo.
Formado por David Feito, Juan Luis Suárez y Raquel del Rosario, esta última vocalista y verdadera alma máter del trio, inicialmente tomaron el nombre de Xemá y lograron su espaldarazo definitivo al aparecer en uno de los episodios de “Los Serrano” interpretando la canción “1 Más 1 son Siete” que alcanzaría un gran éxito en la voz de Fran Perea.
En el año 2007 se encontraban en su mejor momento y su estilo musical mezclando un pop sencillo con el sonido de la música tradicional asturiana, o lo que es lo mismo, la gaita, estaba calando en el público español. Ese año publicaron el álbum de mayor éxito de su carrera, titulado “Nos Vemos en el Camino”, del que se extraía “Para Toda la Vida”, uno de sus mayores éxitos que entraba en nuestra lista el 28 de diciembre de 2007 permaneciendo en ella un total de 33 semanas y alcanzando como mejor puesto el 11.
Un par de aclaraciones antes de acabar con esta sección. Primera: Raquel del Rosario no es Asturiana como todo el mundo cree sino que es canaria. Segunda: pese a que hace ya más de cinco años que no se sabe nada de ellos y han desaparecido de la circulación, oficialmente nunca han anunciado su separación, así que quien sabe lo que puede suceder en el futuro.
TAMBIÉN ES MÚSICA
Vamos ahora con la sección más especial de “La Graminola” donde le damos un repaso a estos otros artistas, a esos otros cantantes que nos han dejado momentos en ocasiones inolvidables, en ocasiones incalificables. Os advierto que en el día de hoy la imagen va a ser tan importante como el sonido, así que a abrir bien los ojos y los oídos.
Con el primer personaje vamos a viajar a la época de la movida madrileña tan querida y recordada de los años 80. Se trata de un personaje que sin ser un auténtico cantante adquiriría una tremenda popularidad y sin el que es imposible entender lo que sucedió en aquella época. Una persona vinculada al mundo de la música en distintas facetas, desde crítico musical a conductor radiofónico de un programa en la actualidad pasando, por supuesto, por la faceta de cantante y casí más exactamente showman. Hablo del irrepetible Paco Clavel.
Francisco MIñarro López, ése es su verdadero nombre, se convirtió en una de las imágenes más recordadas, en un auténtico icono de la Movida Madrileña. Él fue el creador de lo que se dio en denominar “El Guarripop” y “El Cutrelux”, y su manera de vestir y de interpretar no pasaría desapercibida para nadie.
Su irrupción en el mundo musical llegaría en el año 1980. Por aquel entonces creó un grupo denominado “Clavel y Jazmín” con el que grabó algunas maquetas. Una de ellas llegaría a las manos de la mismísima CBS que les ofreció un contrato y publicar un álbum que llevaría el título de “Reina por un Día”. De ese disco se extraería como sencillo el que fue su primer y más grande éxito, una canción que sonó hasta la saciedad y que se convirtió en uno de los temas del verano de ese año. Se trata de “El Twist del Autobús”, la carta de presentación de Paco Clavel en sociedad.
Pero si hablar de La Movida sin referirse a Paco Clavel es imposible, referirse a ella sin considerar al personaje que viene a continuación es un auténtico pecado. No era cantante, no era bailarín, no tocaba ningún instrumento, no sabía pintar, no componía, pero su figura fue indispensable para muchos de los artistas que aparecieron por aquella época. Hablo de Fanny Mcnamara, hablo de Fabio Mcnamara.
Sus primeros pasos los daría de la mano de Tino Casal, formando parte de su grupo de acompañamiento. Solía aparecer tocando los teclados aunque realmente él no tocaba absolutamente nada, simplemente se ponía detrás de ellos y aportaba su imagen con plataformas y vestimentas imposibles que encajaban a la perfección con todo lo que rodeaba a a Casal.
Poco después conocería a los pintores Juan Carrero y Enrique Naya con los que compartiría piso al que bautizaría como “Costa Costus”. Ese sería el momento en el que se cruzarían en su vida las dos personas que le catapultarían, Alaska y Pedro Almodóvar. La primera de ellas le reclutaría para que se encargase de presentar en plan showman todas y cada una de las actuaciones de Alaska y los Pegamoides. El segundo le haría aparecer en la mayoría de sus películas. De hecho “Pepi, Lucy y Boom y Otras Chicas del Montón” se basaba en lo que era el piso que compartía con los pintores, un auténtico caos.
La relación entre el director de cine y él se hizo muy estrecha y llegaron a formar el dúo Almodóvar & Mcnamara realizando actuaciones en directo y llegando a grabar algunos sencillos. Su momento más esperpéntico y conocido llegaría con la aparición de ambos cantando en la película de Almodóvar “Laberinto de Pasiones” del año 1982. Este “Gran Ganga” es uno de los momentos más auténticos de los tiempos de La Movida.
Para cerrar la sección de “También es Música” de hoy vámonos con uno de esos casos verdaderamente esperpénticos de la mano de un deportista español que llegó a ser campeón del mundo y que terminaría convirtiéndose en un juguete roto. Hablo del boxeador Perico Fernández.
Perico fue uno del os deportistas más conocidos en la década de los 70 y en el año 1973 lograría alzarse con el título de campeón del mundo del peso “superligero”. Fue una época grande para él. Su popularidad no tenía límites y en aquel momento era un auténtico ídolo para la mayoría de los españoles.
En el momento más alto de su carrera haría sus pinitos en el mundo de la música. Grabaría un par de canciones para un sencillo a ritmo de rock en el que aparecía este “Fuera de Combate” que resultaría ser premonitorio. A partir de ahí su carrera caería en picado y acabaría de bastante mala manera.
Hace ahora un año que nos enteramos de su fallecimiento. Arruinado, durmiendo en la calle, con alzheimer provocado por los golpes que recibió durante su actividad deportiva dejaría este mundo olvidado por todos. Fue uno de los más grandes en su momento y acabó roto tanto por fuera como por dentro.
LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA
EFEMÉRIDE
El que fuera líder de Motorhead, el muy peculiar Lemmy Kilmister fallecería un 28 de diciembre de hace ya dos años. Por su manera de entender la vida y de desenvolverse en ella, tenía que dejarnos en el día de los inocentes. Sería su última “travesura”, su última “broma”.
Si hablamos de heavy metal hay que hacer mención de manera categórica a Motorhead, una de las bandas más grandes de este estilo, sino la mejor de todas, en la que la figura de su cantante y líder indiscutible destaca sobremanera. Es imposible hacer historia del rock duro auténtico y genuino sin acordarse de Lemmy Kilmister.
Vivió toda su vida con la misma intensidad que cantaba sus canciones y siempre comentó que le parecía mentira no haber muerto muy joven después de todos los excesos que había cometido. Su fatídico momento le llegaría el 28 de diciembre de 2015, a la edad de 70 años, cuando le detectaron un cáncer muy agresivo. Tan agresivo como que se lo diagnosticaron solamente dos días antes de morir. Ya os digo, ese era Lemmy, intenso y rápido incluso a la hora de marcharse de este mundo.
De entre todas las canciones de Motorhead que podrían servir para rendirle el tributo que merece, finalmente he escogido una muy especial. Al menos es la que a mí más me gusta. Se trata de “Enter Sandman”, una composición intensa como todas las suyas y de la que en su día haría una espectacular versión el grupo Metallica.
Para que nos hagamos una idea de la personalidad de este hombre, un buen día en una entrevista le preguntaron que era para él mejor si el matrimonio o un concierto y su contestación literal sería: “la elección está clara porque el sexo dura 30 minutos y un concierto dura hora y media”. Genio y figura.
MEJOR EN DIRECTO
Los más grandes siempre suelen dejar grandes momentos en sus conciertos. Eso es lo que ha hecho en repetidas ocasiones Madonna. Hoy disfrutaremos con una versión muy especial de uno de sus clásicos, por supuesto en directo.
Todos nos imaginamos a Madonna vestida en plan Marilyn, muy ajustada y muy escotada bailando con unos cuantos caballeros trajeados en cuanto escuchamos las primeras notas de esa espectacular canción que es “Material Girl”. Pues bien, en plena gira de su espectáculo “Who’s That Girl Tour” iba a sorprendernos a todos con una manera de interpretarla y una coreografía totalmente alejadas de lo habitual.
Por aquel entonces también triunfaba a lo grande Cyndi Lauper y muchos estaban empeñados en crear una rivalidad entre ellas intentando compararlas y decidir cual era más grande de las dos. Esto la llevaría a interpretar esta canción en la gira ataviada con una vestimenta muy similar a la que Lauper solía llevar y con una voz en plan ingenuo total y con una entonación casi idéntica a la de su supuesta rival.
Lo cierto es que nos dejaría un momento memorable que no haría sino aumentar esa continua comparación entre ambas. Comparación inútil porque cada una de ellas es grande a su manera y discutir lo logrado por la Ciccone es perder el tiempo.
NOVEDAD
Los hermanos Andrea, Sharon, Caroline y Jim Corr, o lo que es lo mismo, The Corrs, acaban de sacar un nevo álbum al mercado bajo el título de Jupiter Calling. Cualquier tiempo pasado fue mejor, pensarán muchos.
Cuando irrumpieron en el panorama musical internacional allá por el año 1990, los irlandeses The Corrs se convirtieron en un soplo de aire fresco al saber mezclar a la perfección el sonido pop con instrumentos tradicionales del folclore irlandés. Sin embargo, con el tiempo fueron abandonando cada vez más estos últimos sonidos lo que a la larga supondría el inicio de su decadencia.
En el año 2005 lo dejarían y Andrea iniciaría su carrera en solitario. Poco después la imitaría su hermana Sharon pero ninguna de ellas lograría demasiada repercusión, por lo que hace un par de años, diez después de separarse, decidirían volver a publicar un disco todos juntos. La experiencia les gustaría y ahora repiten con el segundo álbum después de su retorno que lleva el título de Jupiter Calling.
El disco es una colección de canciones poco trascendentes, incluyendo en algunas de ellas ese sonido irlandés que en su día les llevó al éxito. Bueno, por lo menos lo intentan porque lo cierto es que no consiguen seducir como lo hicieron antes. Eso sí, escuchar la cristalina voz de Andrea siempre merece la pena, así que disfrutemos de ella y de sus hermanos con este “S.O.S.”
Por cierto, el título de la canción no es una llamada de socorro hacia sus fans para que compren su disco, no. Se trata de las siglas de “Song of Siria”, ya que está dedicada precisamente a la trágica situación que vive desde hace ya mucho tiempo este país. Ya que no triunfas, por lo menos toca la fibra al personal.
Y esto es todo por hoy. Os espero a todos los graminoleños el próximo jueves.
JUAN JOSÉ GOMARIZ
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