Puedes seguirnos también desde FACEBOOK, donde os espero a todos con los brazos abiertos, en el siguiente enlace: LA GRAMINOLA. LA REVISTA MUSICAL QUE SE LEE Y SE ESCUCHA.
Ya sabes que la base de la revista es dar un pequeño repaso con las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.
Junto a las listas distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro poster, a doble página en el centro desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música en directo.
Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Y recordad que siempre estaré abierto a cualquier crítica, consejo, sugerencia o petición que vosotros, Graminoleños, me hagáis.
NUESTRA PORTADA
LA LISTA DE LA GRAMINOLA
Deberíamos marcar el día 14 de enero de 2018 como un día muy especial, porque en él se estrenó la última lista de actualidad de “La Graminola” y aunque llega con nada más y nada menos que tres novedades, ninguna de ellas es de música electrónica ni reggaetón. Tampoco es que sea para tirar cohetes pero al menos ofrece música más variada. A ver si esto crea escuela.
Vamos a ir por el orden de mejor posición que creo que es lo correcto, por lo que para empezar vamos a viajar hasta Gran Bretaña desde donde nos llega uno de los muchos jóvenes cantantes que han ido surgiendo en los últimos tiempos. Están todos cortados por el mismo patrón y ofrecen una música bastante similar: melódica, mucha balada, romanticismo, abuso de los gorgoritos … El nombre muchas veces es lo de menos porque casi todos suenan igual, pero en esta ocasión se trata de Charlie Puth, uno de los asiduos de la lista últimamente.
En las próximas semanas está prevista la publicación de su segundo disco, que llevará el título de “Voicenotes”, y como uno de los adelantos nos llega “How Long”, una canción que ofrece más de los mismo y que ya forma parte de nuestra lista desde el pasado domingo. Veremos hasta donde llega.
La segunda entrada de la semana nos llega desde Colombia, pero que no se asuste nadie que se trata de música pop, con sus toques latinos de rigor, pero buen pop. Nos llega de la mano de uno de los grupos emergentes más de moda del momento que siempre ha sabido rodearse de grandes artistas para que colaboren en sus canciones y en esta ocasión vuelven a repetir el buen gusto a la hora de elegir.
Supongo que a estas alturas muchos os imaginaréis ya que me estoy refirendo a Morat, un grupo formado por cuatro amigos que se conocieron en el instituto y que desde su debut de la mano de Paulina Rubio no han parado de lograr éxito tras éxito. Después llegaría la colaboración con Álvaro Soler y en esta oportunidad el elegido ha sido su compatriota Juanes.
Morat han colocado una nueva canción en la lista del 14 de enero que llega con su habitual sonido. Música divertida y bailable, un pop muy sencillo en el que no falta el sonido del banjo que les da ese toque latino tan personal. Su título es “Besos en Guerra” y habrá que seguirlos muy de cerca hasta donde son capaces de llegar. Porque ya se sabe que estos grupos que entran arrollando en el panorama musical de actualidad muchas veces desaparecen a la misma velocidad. Daremos tiempo al tiempo para conocer su recorrido.
Para terminar con la tercera entrada en lista vamos a regresar a nuestro país, concretamente hasta Málaga, porque de allí es la artista que llega a continuación, una cantante y compositora muy especial que desde su debut en el año 2006 no ha parado de crecer y de progresar y ya es sinónimo de buena música. Su nombre: Vanesa Martín.
He de reconoceros que Vanesa es una de mis debilidades entre las artistas de actualidad. Seguramente será porque me recuerda mucho a otra cantante y compositora que en mis tiempos más mozos me tenía cautivado como era Mercedes Ferrer. Ambas siempre han mostrado tener carisma, talento y ser auténticos torbellinos encima de un escenario.
Precisamente con el escenario tiene que ver la canción con la que ha entrado en nuestra lista esta semana, que por cierto es la primera ocasión en la que lo consigue. Se trata de “Hábito de Ti”, un tema inédito que ha sido compuesto en exclusiva para promocionar el DVD que contiene una de sus actuaciones en la gira de presentación de su último álbum, “Munay”, con el que ha logrado el mayor éxito de su carrera … hasta el momento.
Una lista sin una entrada de reggaetón es una excepción, pero hay que disfrutarla. ¿Se repetirá en breve? La respuesta en siete días.
LOS PIONEROS
La sección de “Los Pioneros” del día de hoy es muy especial a la vez que de auténtico lujo. Vamos a darle todo el protagonismo a tres jóvenes músicos que tenían toda la vida por delante y que se han convertido en auténticos mitos del mundo del rock & roll, cuyo futuro se vería truncado con motivo de un desgraciado accidente de aviación.
El 3 de febrero de 1959, con un tiempo infernal, en medio de una tormenta de nieve el avión que traslada a Buddy Holly, The Big Bopper y Ritchie Valens, pilotado por un joven e inexperto piloto de apenas 21 años, terminaba estrellándose tan sólo ocho minutos después de despegar llevándose por delante las vidas de tres artistas que estaban llamados a escribir muchas de las páginas más destacadas de la historia de la música. El triste suceso recibiría el nombre de “El Día en Que Murió La Música” y hoy quiero desde esta revista rendirle tributo a tres auténticos mitos del rock & roll.
BUDDY HOLLY / THAT’LL BE THE DAY
Los tres artistas estaban embarcados en una agotadora gira que había organizado precisamente Buddy Holly, quien tras su separación de su grupo de acompañamiento de siempre, The Crickets, se encontraba prácticamente en la bancarrota. Habitualmente los traslados se realizaban en un autobús, pero éste se había quedado sin calefacción por lo que Holly tomaría la decisión de alquilar una pequeña avioneta en la que él y un par de acompañantes pudieran trasladarse.
En un primer momento, su bajista Waylon Jennins iba a ser uno de los que se subiera al avión, pero éste finalmente le cedería su asiento a The Big Bopper que padecía un fuerte proceso gripal. Cuando Holly se encaminaba a embarcar en el avión se cruzó con Jennins y bromearía con él diciéndole: “espero que tu autobús se congele”, a lo que el bajista le contestaría en el mismo tono desenfadado: “espero que tu avión se estrelle”. Las palabras resultarían premonitorias y provocarían en Jennins una eterna sensación de culpabilidad.
El carisma y la genialidad de Holly le habían llevado a convertirse en fuente de inspiración de muchos otros artistas. El mismísimo Elvis Presley siempre comentó que uno de los grandes culpables de que se dedicase al rock & roll fue el malogrado cantante. Con apenas 22 años ya había cosechado grandísimos éxitos, pero si yo me tengo que quedar con uno sería este mítico “That Be’ll The Day”.
Cualquier muerte de un artista, más si cabe si se produce en plena juventud, es un auténtico drama y una gran pérdida, pero la desaparición de Holly nos privaría sin ningún lugar a dudas de un músico que habría estado a la altura de gente como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Chuck Berry y el resto de grandes monstruos de la historia del rock.
THE BIG BOPPER / CHANTILLY LACE
Jiles Richardson era el verdadero nombre de The Big Bopper, el más veterano de los tres músicos pero con solamente 28 años de edad. Su carrera había sido más fácil que la de sus dos jovencísimos acompañantes, ya que sus inicios llegarían en el mundo de la radio donde se haría muy popular por su manera de dirigir sus programas y de presentar las canciones de puro rock & roll que siempre pinchaba en su emisora.
Dado el tremendo carisma que poseía y la atracción que ejercía sobre su audiencia, pronto le llegaría el ofrecimiento para dar el salto al otro lado y convertirse en un verdadero ídolo interpretando sus propias canciones. De esta manera nacería el fenómeno Big Bopper cuyo mayor éxito y auténtica seña de identidad sería “Chantilly Lace”, su primer número uno que sonaba a todas horas en la emisora. Aquel grito inicial de “Hello baaaaaaaaby” se convertiría en uno de los sonidos de la historia del rock.
La fama le había desbordado y tenía pensado dejar a un lado su carrera de cantante durante una temporada y retomar sus tiempos de presentador radiofónico. La razón principal era la de disfrutar de ese bebé que estaba a punto de llegar ya que su mujer estaba embarazada. Desgraciadamente no podría llevar a cabo sus deseos.
RITCHIE VALENS / LA BAMBA
Ritchie Valens era el más joven de todos, solamente tenía 17 años, pero ya estaba demostrando que poseía un talento descomunal. Pese a su juventud su figura crecía día a día habiendo surgido prácticamente de la nada. Es uno de esos casos de artistas que nacen de manera inesperada dentro de una familia muy humilde, sin apenas medios para subsistir y que encuentra en el mundo de la música la salida a todas sus penurias. Lamentablamente, el fatal accidente daría al traste con su carrera como cantante y dejaría a su familia sumida en la más profunda depresión. Lo que pudo haber sido y finalmente no fue.
Californiano de nacimiento y de ascendencia mexicana, su verdadero nombre era Ricardo Valenzuela, pero si quería abrise camino en el mundo de la música tenía que “americanizar” más su nombre, escogiendo finalmente el de Ritchie Valens. Es muy difícil pasar a la historia de la música cuando se tienen solamente 17 años de edad, pero él sería capaz de hacerlo, porque una canción como “La Bamba” ha sido versionada hasta la saciedad y pasen los años que pasen siempre estará de actualidad.
Como os podéis imaginar muchos han sido los homenajes y reconocimientos que otros artistas han ido dedicando a estos tres personajes a lo largo de sus carreras, bien dedicándoles alguno de sus discos, bien haciendo mención a lo sucedido en alguna de sus canciones. Sin lugar a dudas, una de ellas, que sería grabada en el año 1971, se lleva la palma, por lo que creo que es un magnífico broche de oro para la sección de hoy acabar con esa composición.
Se trata de uno de los clásicos de la música de los 70 obra de ese monstruo que es Don McLean. Su famoso “American Pie” habla del nacimiento y la evolución del rock & roll hasta el momomento en que la compuso y su punto de partida es precisamente el triste acontecimiento. Para el bueno de Don, el día en que murió la música también fue el día en el que nació el rock & roll para todo el mundo. El merecido homenaje dura más de ocho minutos, pero ciertamente la situación requería recrearse en la suerte ese tiempo y más.
He de reconoceros que cuando más disfruto al escribir los distintos artículos que se incluyen en “La Graminola” es precisamente cuando hablo de nuestros queridos pioneros. Creo que la verdadera esencia de la música, de toda la música, está aquí. Tampoco me queda ninguna duda de que Holly, Bopper y Valens tienen gran parte de culpa de todo lo que ha ido viniendo detrás y que tanto tanto nos gusta.
LISTA DE LOS AÑOS 60
Iniciamos ya el viaje en el tiempo a lo largo de las distintas listas de “La Graminola” y como siempre para empezar nos trasladamos hasta los años 60. En esta oportunidad lo hacemos concretamente al día 14 de enero de 1968, día que estrenábamos el nuevo ránking semanal que venía con dos novedades muy distintas entre sí. Vamos con la primera.
Desde Estados Unidos nos llegaría ese día el nuevo éxito de un grupo que en sus inicios se sumergería en la música folk-rock de aquel país sin tener demasiada trascendencia. Sin embargo, en el momento en que comenzaron a versionar canciones vinculadas a la música latina empezarían a calar hondo en el público. Su nombre: “The Sandpippers”.
Dos años atrás habían logrado su mayor éxito al versionar la tan popular “Guantanamera” y en esta oportunidad no se alejarían lo más mínimo de las tierras cubanas haciendo lo propio con una de las más famosas composiciones de Luis Aguilé. Ese 14 de enero de 1968 lograban colocar en la lista su segunda canción, “Cuando Salí de Cuba”, con la que permanecerían en lista durante 14 semanas alcanzando el puesto 20 como mejor posición.
La otra incorporación a la lista viene de la mano de auténticos “cinco estrellas”, por lo que os invito a todos a poneros de pie para recibir a los inconfundibles e inimitables The Beatles.
El enfrentamiento entre Lennon y McCartney era público y notorio y a estas alturas de su trayectoria juntos, el ambiente que rodeaba a los cuatro músicos de Liverpool estaba claramente enrarecido. Por este motivo no era de extrañar que cada nueva canción que componían siempre venía rodeada de una sospecha de pasarse factura mutuamente, aunque en la mayoría de las ocasiones la realidad era bastante distinta.
La canción en cuestión es “Hello Goodbye”, compuesta por McCartney, y dado que la letra va contradiciéndose continuamente, muchos vieron en ella una especie de crítica hacia Lennon, aunque ellos siempre lo desmintieron alegando que era una simple canción de amor y desamor. Con ella alcanzarían el número uno tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, una vez más, aunque en nuestra lista se conformarían con el número 4 como mejor posición durante las 38 semanas que permanecieron en ella.
Eso sí, ninguno de los dos dejaba de pasar una oportunidad para pasar factura de alguna forma al otro. Lennon manifestaría con el paso del tiempo que esa canción no acababa de convencerle y se hacía cruces de pensar que la cara B del sencillo incluía “I Am The Walrus”, curiosamente compuesta por él mismo. Genio y figura.
LISTA DE LOS AÑOS 70
Damos ahora el habitual salto en el tiempo de diez años para situarnos en el día 15 de enero de 1978, con el estreno de una nueva lista que presentaba dos notables novedades, una procedente de nuestro país y otra del Reino Unido. Empezaremos con la de por aquí pero advierto que la que procede de las islas británicas es el pistoletazo de salida de un movimiento musical que iba a revolucionar totalmente la década de los 80. Pero eso será a su debido tiempo.
En un primer momento, el grupo Laredo emprendió su andadura discográfica moviéndose en el terreno de la musica folk con tendencias pop que por aquella época había cosechado bastante éxito. Sin embargo, la música estaba cambiando y de algún modo ese estilo estaba empezando a plegar velas, por lo que sus primeros movimientos no tendrían la repercusión debida, al menos en España porque en Latinoamerica conseguirían cierta aceptación.
Lo curioso del caso es que el éxito cosechado por otros artistas les llevaría a imitarles y lograr por fin el espaldarazo que necesitaban. Ya han aparecido por aquí un par de canciones que enlazando temas de éxito de otras épocas terminaban por enganchar al público. Café Creme y su “Unlimited Citations” es uno de estos ejemplos pero el más claro y evidente es el “Rockollection” de Laurent Voulzy que esa semana todavía continuaba en el número uno.
Las pretensiones de Laredo no serían demasiado grandes y se centrarían en canciones que habían triunfado en la década de los 60 en nuestro país de los principales grupos españoles de aquella época. Por “El Último Guateque”, la verdad es que el título está muy bien escogido, pasarían Juan y Junior con “La Caza”, Los Sírex con “La Escoba”, Los Canarios con “Get On Your Knees” y Los Brincos con “Mejor”. La duda: ¿llegarán también al número uno como sus antecesores? Lo sabremos con el paso de las semanas.
Ya os aviso que el éxito que cosecharían sería extraordinario, pero cuando parecía que había grupo para rato solamente cosecharían un éxito más. Pero eso ya os lo contaré en unas semanas. Prometido queda.
Como os comentaba hace un momento, la otra entrada en la lista del día 15 de enero de 1978 está considerada como el auténtico himno del punk, que por aquella época daba sus primeros coletazos y amenazaba con provocar una auténtica revolución en el mundo de la música como así sería.
Pronunciar los nombres de Johnny Rotten, Steve Jones, Paul Cook Glen Matlock, Sid Vicious y el de su manager Malcolm McLaren es hablar de la historia de la música. Sex Pistols permanecería juntos únicamente tres años y únicamente publicarían un disco de estudio pero su fuerza, su manera de provocar y su música les convertirían en auténticas leyendas.
Su mayor éxito, su tema más emblemático y, además, el himno oficial del punk es la canción que entraría en lista ese día. hablo de “God Save The Queen”, una irreverente composición que ataca claramante a la Reina de Inglaterra y que fue censurada de manera brutal en el momento de su publicación. Muchas tiendas de discos se negarían a vender el disco pero el efecto que conseguirían, como suele suceder en estos casos, sería el contrario ya que su popularidad y su éxito serían descomunales.
Para que nos hagamos una idea de la censura que tuvieron que soportar baste con un detalle. La canción llegaría al número 2 de las listas de ventas en el Reino Unido y según parece no llegó al número uno porque desde amplios espectros de la política británica presionaron para que se “retocara” esa lista y no aparecieran en lo más alto que era el lugar que verdaderamente les correspondía. Lo que queda claro es que algo estaba cambiando en España porque aquí se vendió sin mayores incidentes y, como vemos, incluso formaría parte de la familia graminoleña.
EL ÁLBUM DE LA SEMANA
Lo prometido es deuda. La semana pasada dedicábamos el póster central al que para muchos es el mejor disco de The Beatles, uno de sus discos más versátiles y originales que mostraría innumerables peculiaridades. El trabajo quedó a medias ya que dejábamos para hoy la parte más curiosa de este álbum, un medley de nueve canciones y de algo más de dieciséis minutos de duración que muestra muchas situaciones distintas.
Recordad que en aquella época lo que se llevaba eran los discos de vinilo con su cara A y su Cara B, pues bien, estas nueve canciones de las que nos vamos a ocupar en el día de hoy ocupaban esa cara B que está considerada como la mejor de la historia de la música. Yo no sé si será la mejor pero la más original y extraordinaria sin ningún lugar a dudas.
El medley se abre con “You Never Give Me Your Money”, una canción escrita por McCartney que habla de el estado cercano a la bancarrota en el que se encontraba “Apple Corps”, la empresa que habían creado para pagar menos impuestos y gestionar todos sus ingresos. Se trata de una canción en la que nos encontramos a un George Harrison más brillante y potente que nunca a la hora de tocar la guitarra, siendo él el verdadero protagonista de esta composición.
Si cuando la semana pasada abordamos la primera parte del disco nos encontramos con que el denominador común más claro era la originalidad y, en ocasiones, rareza de algunas de sus canciones, el medley del que nos ocupamos hoy redunda en estas características.
La segunda canción iba a titularse en un prinicipio “Here Comes the Sun King”, pero para evitar equivocaciones finalmente llevaría el nombre de “Sun King”. Estaría compuesta por Lennon y está repleta de originalidad en los apenas dos minutos que dura.
La fuente de inspiración sería “Albatross” de Fleetwood Mac que por aquella época habían abrazado el sonido de la psicodelia. Finalmente Lennon le daría un toque menos estridente a la par que original. Para empezar en este tema cantan tanto Lennon como McCartney como Harrison y su final roza el esperpento. Por un lado terminan cantando en una lengua extraña que es mezcla de inglés, italiano, español y portugúes y finaliza abruptamente, como si estuviese inacabada, para dar paso sin solución de continuidad a la siguiente composición. Ya os lo había dicho, cualquier parecido con lo hecho hasta entonces es pura coincidencia.
De los cuatro componentes del grupo, el que menos fe tuvo en este trabajo sin duda alguna fue Lennon. Como ya os he comentado en varias ocasiones, la decisión de disolverse estaba tomada y solamente faltaba escoger el momento, por lo que podía decirse que de alguna manera se estaban dejando llevar. De hecho, la aparición de “Abbey Road” tenía la intención en un primer momento de ser una especie de epílogo en su carrera juntos.
De ahí que en algunos momentos Lennon se mostrase demasiado crítico no tan solo con las composiciones que McCartney aportó al disco sino incluso con las suyas propias. Una de sus aportaciones sería “Mean Mr. Mustard”, una composición que creó durante la estancia del grupo en India y con la que no se sentiría demasiado satisfecho. Lo que sucede es que cuando alguién tiene el talento que el poseía, hasta cuando componen por componer logran grandes resultados.
Cualquier medley que se precie tiene como principal base argumental el equilibrio a la hora de escoger como enlazar las canciones que lo componen. Quiero decir que para que una serie de canciones unidas sin pausas logren sonar bien es muy importante escoger el orden en que van a ir apareciendo y en que momento de cada una de ellas se va a producir el correspondiente cambio. A ellos esta circunstancia no pareció preocuparles en exceso.
Puede parecer escuchando estas nueve canciones unidas sin solución de continuidad que las colocaron de manera totalmente aleatoria, pero eso no es cierto. Quisieron hacer algo distinto y lo consiguieron. Buscaron que cada nuevo corte fuese una sorpresa y en ocasiones rompiera totalmente con lo que acababa de sonar. Esta manera de crear su medley fue sin duda la clave de su gran éxito.
La mayoría de las canciones apenas superan el minuto de duración y siempre queda la sensación de quedarte con ganas de más. Da la sensación de que la canción no está completa y que te encantaría escucharla entera. Ésta era otra de las sensaciones que quisieron provocar: dejarnos siempre con ganas de más, como sucede con otra de las composiciones de Lennon, este “Polythene Pam”, otro de los momentos álgidos de esta colección de composiciones.
A diferencia de lo que sucedía con Lennon, McCartney sí que daba la impresión de poner todo su empeño en el que el disco fuese excepcional y lograra un gran éxito. Sus composiciones aportaron en esta ocasión mucho más que las de su compañero y en ellas puso mucho empeño en contar cosas que sucedía alrededor del grupo, vivencias propias. Podría decirse que mientras Lennon se tomó la grabación de “Abbey Road” como una obligación más, Paul lo vería como la oportunidad de hacer algo muy grande ahora que estaban tan cerca de arrojar la toalla.
En una de sus canciones, McCartney haría referencia a un suceso acontecido en sus propias carnes, cuando un grupo de fans entró por una ventana en su casa y se llevó algunas fotografías personales. Lo curioso del caso es que la cabecilla de esa “invasión”, terminaría siendo contratada por el grupo para trabajar en su corporación. Eran originales hasta decir basta. Eso sí, el buen rollito ayudaría a que pudiese recuperar la mayoría de esas fotos. Todos contentos.
La canción en cuestión llevaría el título de “She Came In Through The Bathroom Window” y muestra un sonido contundente muy similar al del resto de las aportaciones de Paul al disco.
La uniformidad que ha brillado por su ausencia hasta este momento aparece por fin en las tres últimas canciones del medley. Una parte simplemente excepcional, una auténtica genialidad, una especie de pequeña sinfonía de algo más de cinco minutos que puede considerarse como una de las mejores creaciones que fueran capaces de ofrecer en toda su carrera. Aunque solamente fuera por disfrutar de estas tres pequeñas composiciones unidas magistralmente, merecería la pena haber comprado el disco.
Analicemos brevemente estas tres maravillas:
La primera de las tres canciones es “Golden Slumbers” y McCartney se basaría para componerla en una canción de cuna que escuchaba cuando era niño. En ella contrasta de manera notable la dulzura y suavidad de la melodía con la gran intensidad y contundencia que Paul muestra en esta oportunidad con su voz.
A continuación llega otra auténtica genialidad ya que nos encontramos ante un momento nunca antes repetido y casi único. Se trata de “Carry That Weight” la única oportunidad que hemos tenido de escuchar la voz de los cuatro miembros de la banda cantando en una misma composición. Para quitarse el sombrero.
El cierre y momento culminante llega de la mano del tema titulado “The End”, aquí no se quebraron mucho la cabeza para elegir el título, una cancion impresionante, prácticamente instrumental y con arreglos orquestales que muestra un solo de batería de Ringo y a continuación un solo de guitarra de cada uno de los otros tres miembros del grupo, como si de un desafío se tratase. No podían haber elegido un final más espectacular.
No queda más que disfrutar de este excepcional trío de composiciones, en el que se incluye una magistral frase que lo resume todo: “Y al final, el amor que te llevas es equivalente al amor que das”.
Así es como debería haber acabado el disco, pero como todo él es una auténtica caja de sorpresas, todavía quedaría un brevísimo “número final” en forma de una canción que pasa por ser la más corta de toda la carrera de The Beatles con tan sólo 23 segundos de duración.
Esta breve composición lleva el título de “Her Majesty” y en un principio iba a ser el enlace entre los temas “Mean Mr. Mustard” y “Polythene Pam”, pero finalmente fue descartada esta posiblidad porque no les acababa de convencer. Sin embargo, la discográfica decidiría incluirla en el álbum en el último momento y al final del todo, por lo que se produce una pausa entre “The End” y esta última sorpresa que le da un efecto todavía más misterioso.
Esta canción está considerada como el primer “tema oculto” de la historia de la música, ya que su inclusión fue tan tardía que las portadas ya estaban fabricadas por lo que no aparece en los créditos de ninguna de ellas. Un disco único con un broche final también único.
Éste parecía que iba a ser su último disco juntos, pero después vendrían dos más a cada cual más genial: “Hey Jude” y “Let It Be”. Nunca sabremos si la estructura de “Abbey Road” habría sido la misma de saber que todavía iban a aguantar un año más juntos, pero de lo que no cabe duda es de que es un álbum digno de ocupar dos de nuestras páginas centrales como ha hecho en las dos últimas semanas. El listón se ha colocado muy alto pero os aseguro que lo que nos visitará en las próximas fechas en esta sección merecerá igualmente la pena.
LISTA DE LOS AÑOS 80
Tras disfrutar de la espectacular página central de hoy, retomamos el viaje que hacemos a través de las listas y en el tiempo, para situarnos en la mágica década de los 80. Más concretamente en el día 17 de enero de 1988 momento en el cual estrenábamos nueva clasificación que presentaba una única novedad en forma de entrada, de la mano de uno de los grupos más importantes de la historia del pop español que se encontraba en su mejor momento.
Acababa de salir al mercado uno de los discos más emblemáticos de nuestra música y que iba a convertirse en un auténtico acontecimiento. Me estoy refiriendo al mítico “Camino Soria” de los inconfundibles Gabinete Caligari con Jaime Urrutia a la cabeza. Habían sido uno de los grupos abanderados de la movida madrileña y habían sabido evolucionar debidamente hasta convertirse en una de los bandas más destacadas del momento.
El primer sencillo en aparecer de este disco sería “La Sangre de tu Tristeza”, el que podía considerarse como la primera canción de su nueva y exitosa etapa. Sabían que se jugaban muchísimo y resultaron ganadores. Qué mejor puesta de largo que presentar el correspondiente videoclip en el también mítico programa televisivo “La Bola de Cristal”.
Ésta sería la única novedad que presentaría la lista graminoleña ese día, pero como podemos comprobar fue de auténtico lujo. “La Sangre de tu Tristeza” permanecería en lista 23 semanas alcanzando el top 12.
LISTA DE LOS AÑOS 90
El repaso a las novedades de la lista de los años 90 va a ser igual de breve que el que acabamos de darle a la de los 80, ya que no tendríamos más que una nueva canción que llevarnos a la boca en el ránking que estrenábamos el día 18 de enero de 1998. Eso sí, ya os advierto que es una canción de una calidad indiscutible.
Lighthouse Family habían irrumpido en el panorama musical internacional años atrás, convirtiéndose de inmediato en uno de los dúos más reconocidos en el Reino Unido. Sus composiciones de gran calidad, la manera de tocar el piano de Paul Tucker y, sobre todo, el carisma y la particularísima y acariciante voz de Tunde Baiyewu calarían claramente en el público.
Acababan de publicar su álbum “Postcards From Heaven” y como primer sencillo del mismo aparecería “Raincloud”, la canción que iba a suponer su debut en las listas graminoleñas y que tras 44 semanas en lista se quedaría al borde de llegar a lo más alto, teniendo que conformarse con el segundo puesto como mejor registro.
Sin duda alguna se encontraban en su mejor momento y durante un para de años más todavía disfrutarían de un gran prestigio. Sin embargo, fue tanta su exposición mediática, tantas sus actuaciones, tan grande su promoción que finalmente terminarían como vulgarmente se dice “quemándose”. Tras diez años juntos terminarían separándose y sus momementos de gloria se irían tan rápido como llegaron. Una pena porque su música era espectacular.
LISTA DEL NUEVO MILENIO
Acabamos el repaso semanal de nuestras listas más graminoleñas adentrándonos en la música de hace apenas diez años. Concretamente con la única novedad que iba a presentar la que estrenábamos el día 13 de enero de 2008, un dueto, entonces se llamaban así y no estaban tan extendidos, que permanecería con nosotros durante mucho, mucho tiempo.
Eros Ramazzotti acababa de publicar un recopliatorio de grandes éxitos titulado “E2” y como suele ser habitual en él se incluían algunos temas inéditos. El más destacado y elegido para promocionar el álbum sería una colaboración con el mismísimo Ricky Martin que se atrevería a cantar en italiano junto a Eros el tema “Non Siamo Soli”.
Por supuesto que no faltaría la versión en español tanto del álbum al completo como de esta canción en particular. En nuestro país llevaría el título de “No Estamos Solos” y permenecería en la lista durante nada más y nada menos que 57 semanas, alcanzando como mejor posición el puesto número cuatro. Además, esta canción es la última que Ramazzoti ha sido capaz de colocar en lista, suerte muy distinta a la de Martin que continúa siendo asiduo al ránking graminoleño.
TAMBIÉN ES MÚSICA
Poco a poco nos vamos acercando al final y por ello nos adentramos en la sección más especial de “La Graminola”, la que siempre nos trae una música distinta y, al menos eso espero, muchos recuerdos. Hoy tiene un carácter muy distinto al habitual, más serio, de mayor calidad. Hoy vamos a deleitarnos con tres ejemplos de música étnica, de música con raíces, de la mano de tres grandísimos grupos que no son de los que más venden pero que merece la pena escuchar. Para empezar vámonos hasta Francia.
En el año 1972 iba a tomar forma en el país galo un grupo que iba a realizar música totalmente instrumental basándose en ritmos tradicionales y étnicos, bebiendo de las fuentes de distintas influencias, siendo la más marcada la de la música tradicional irlandesa, sin hacerle ascos al jazz, a la música clásica e incluso al rock. Su nombre: Gwendal.
De manera inmediata se convertirían en una referencia para muchos de los grupos que vendría después. De hecho, cualquiera de los grupos de heavy que incorporan en su música arreglos de música folk y similares, sin duda alguna Mago de Oz son el máximo exponente en nuestro páis, siempre han manifestado que beben de esa fuente que los franceses han sabido mostrarnos desde hace más de cuarenta años.
Su primer disco ya mostraría bien a las claras el esplendor de su gran talento. Su título sería “Iris Jig” y la canción que le da título alcanzaría un grandísimo éxito. Sin duda alguna nos encontramos ante una auténtica obra maestra.
Ni que decir tiene que Gwendal son una auténtica banda de culto y un fenómeno de masas en su país, pero el tirón que siempre han tenido en España ha sido también bastante notable. Baste con decir que el primer disco en directo que grabaron en su carrera en el año 1981 tuvo como escenario el Colegio Mayor San Juan Evangelista de Madrid. Este éxito entre el publico español sigue latente hoy en día, ya que los galos han sabido ir evolucionando en la instrumentalización de su música con el paso del tiempo. Son grandes, muy grandes.
Cambiamos radicalmente de registro y nos trasladamos ahora hasta tierras africanas, más concretamente hasta Sudáfrica, donde surgiría en el año 1960 un grupo coral que interpretaba su música utilizando como único instrumento sus propias voces y que se convertiría en uno de los abanderados por la lucha de la regeneración política de su país y por el fin del apartheid. Me estoy refiriendo a Ladysmith Black Mambazo.
Sin embargo, su repercusión internacional llegaría años más tarde, concretamente en el año 1986, cuando Paul Simon publicó su afamado y triunfal álbum “Graceland”, en el que daría la oportunidad a los sudafricanos de participar en varias de las canciones que en él se incluía y suponiendo el lanzamiento a nivel mundial de este grupo que calaría profundamente en el público de casi todo el mundo.
De hecho, algunas de las canciones fueron compuestas a medias por el propio Simon y el alma máter de los sudafricanos, Joseph Shabalala, dejándonos canciones espectaculares en las que el talento del norteamericano se veía arropado por la música tradicional zulú cantada a capella por un grupo de acompañamiento simplemente espectacular, dejándonos joyas como este “Diamonds on the Soles of Her Shoes”.
Para cerral la tan especial sección de “otras músicas” del día de hoy, vamos a volver a dar un grandísimo salto trasladándonos en esta oportunidad hasta el continente americano, más concretamente hasta Brasil, desde donde nos llega una preciosa y maravillosa historia de dos hermanos que casi sin proponérselo se convirtieron en un grupo de referencia de la música tradicional lationamericana. Sinceramente con la mágica historia que les rodea no me excplico que nadie haya sido capaz de rodar una película al respecto. Os lo cuento.
Mussapere y Herundy eran dos de los treinta hijos de uno de los caciques de una tribu indígena brasileña que vivía bastante apartada de la civilización. Corría la década de los años 30 cuando ambos se encontraron en la selva una guitarra olvidada por un grupo de exploradores blancos que habían pasado por allí. Ellos no habían visto en la vida un instrumento similar y tardaron unas cuantas semanas en darse cuenta de lo que podían hacer con ella, pero finalmente comprendieron que tocando sus cuerdas podían lograr sonidos bastante agradables.
De una manera inexplicable, ambos fueron capaces de aprender a tocar la guitarra de manera autodidacta, tomando la decisión de abandonar la tribu y encaminarse hasta la civilización buscando más respuestas y adentrarse más profundamente en el mundo de la música. Para ello se dirigieron a Río de Janeiro donde pronto llamaron la atención de los cazatalentos al darse cuenta del diamante en bruto que tenían ante sus ojos … y ante sus oídos. Tras la oportuna promoción iban a convertirse en uno de los dúos de música instrumental lationamericana más grandes de la historia.
Como véis la historia es una auténtica delicia, digna de una película o de un cuento de hadas. El dúo de hermanos brasileños tomaría el nombre artístico de Los Indios Tabajaras, ése era el nombre de su tribu, y durante muchos años lograron un grandísimo y rotundo éxito en toda Latinoamérica y en nuestro país. Su repertorio es gigantesco, pero yo me quedo con su versión de esa maravillosa canción que es “El Cóndor Pasa”.
No me canso de deciros que la música es algo muy especial que nos deja de manera inesperada historias tan mágicas y especiales como ésta. Hoy la sección de “También Es Música” ha dejado a un lado su habitual espíritu “erótico-festivo” y se ha puesto más serio, pero de lo que no me cabe ninguna duda es de que ha merecido la pena entrar en este territorio que a buen seguro protagonizará estas páginas en alguna ocasión más.
LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA
Llega el momento de cerrar el número de “La Graminola” de hoy, y como siempre vamos a hacerlo con esa música que nos sigue llevando a otros tiempos y otros lugares y a alguna de las suculentas novedades que se cuecen actualmente en el panorama musical internacional. Es nuestro postre de cada semana, el que siempre nos deja un buen sabor de boca, aunque también un momento triste con la desaparición de una grandísima artista.
NOS HA DEJADO
El día 15 de enero se ha convertido en un día muy triste con la desparición de una cantante con mayúsculas: Dolores O’Riordan, la inconfundible voz de The Cranberries
Suele decirse cuando una persona desaparece de nuestras vidas eso de “siempre se van los mejores”, pero es que en casos como éste es simplemente la verdad pura y dura. Es difícil encontrar una vocalista tan maravillosa como ha sido la irlandesa Dolores O’Riordan, capaz de pasar en décimas de segundo de los graves a los agudos, de una voz suave y acariciante a otra contundente y arrebatadora.
Al frente de The Cranberries, junto a sus inseparables Feargal Lawler, Mike Hogan y Noel Hogan se convertiría en una de las bandas de referencia de los años 90, dejándonos una lista muy amplia de grandes éxitos y de canciones que se transformarían en auténticos himnos de esta década. Un grupo espectacular con una cantante espectacular.
Su vida siempre estuvo marcada por la tragedia y las dificultades. Cuando era muy niña su padre quedaría postrado en una silla de ruedas tras un accidente de tráfico y desde los ocho hasta los doce años sufriría abusos sexuales de una persona muy cercana a su entorno de la que nunca ha querido facilitar su identidad. Todas estas circunstancias la llevarían a padecer anorexia y en repetidas ocasiones ha caído en las garras de la depresión, intentando incluso quitarse la vida en una ocasión. Por si fuera poco, últimamente sufría fuertes dolores de espalda que la obligaban a suspender muchas de las actuaciones que tenía programadas en directo con motivo de la vuelta a la actividad del grupo después de varios años separados.
Sin duda alguna, su tema más representativo, el más conocido y el que es su auténtica seña de identidad es “Zombie”, una canción incluida en su segundo álbum, “No Need To Argue” publicado en el año 1994 y que habla del conflicto que vivía en aquella época Irlanda del Norte, más concretamente con un atentado del IRA que supuso la muerte de dos niños de corta edad. Una agria crítica, una maravillosa canción, una genial interpretación.
The Cranberries siempre han sido uno de mis grupos preferidos de la década de los 90 y por eso me voy a permitir obsequiaros con otra de sus canciones. Concretamente con la que a mí más me gusta y que considero una de las mejores composiciones de la música pop de esa época.
Se trata de una de las canciones incluídas en su álbum de debut, “Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?”, publicado en el año 1992 y que lo tiene absolutamente todo. Un inicio espectacular totalmente instrumental para dar paso después a la voz de Dolores más dulce que nunca y mostrar todos sus registros vocales con constantes inflexiones de voz. Se trata de “Dreams”, una canción mágica, una canción para soñar.
Nos dice adiós una artista de las grandes que nunca tuvo las cosas fáciles. De hecho la reunión del grupo de nuevo tras varios años separados estaba siendo también un auténtico infierno por sus constantes enfrentamientos con Noel Hogan. Todavía no ha trascendido las verdaderas causas de su muerte, aunque la policía ha descartado “causas extrañas”, pero habrá que permanecer atentos a las noticias que lleguen cuando se conozcan los resultados de la autopsia. De lo que no cabe ninguna duda es de que su música y, sobre todo, su manera de cantar ya se han convertido en irrepetibles.
MEJOR EN DIRECTO
Que mejor canción para adornar el apartado que cada semana le dedicamos a la música en vivo que un auténtico himno que ensalza la música interpretada en directo. Además en un escenario tan espectacular como es la Ópera Estatal de Viena. La versión original es una maravilla, pero la que nos ofrecen en el día de hoy es una obra antológica.
He de reconoceros que cuando se me pasó por la cabeza este apartado de “La Graminola” en el que disfrutamos de magníficas versiones de grandes canciones interpretadas sobre un escenario en directo dudé bastanta a la hora de darle un título. Finalmente me decanté por el conocido de “Mejor en Directo”, pero por un momento pensé en denominarlo “Live is Life”, como la canción que viene a continuación, todo un clásico ochentero.
En el año 1985, un grupo austriaco llamado Opus logro un éxito de esos descomunales, gracias a una canción titulada “Live is Life” y que venía a rendir homenaje a la música en directo. Su melodía pegadiza y ese estribillo que invitaba al público a cantar lo de “na na na na na” les llevaría a los más alto de las listas de éxitos del mundo entero y se convertiría en una de esas canciones con las que pones a la gente en órbita en cualquier fiesta que se precie. Como ya digo, todo un clásico.
Más allá de este éxito, su trascendencia fuera de su Austria natal ha sido bastante poca, pero por aquellos lares si que se han mantenido en el candelero y son uno de los grupos mejor considerados en su país. En el año 2009, prácticamente 25 años después de triunfar con esta canción, publicaron un disco grabado en directo nada más y nada menos que en la Ópera Estatal de Viena, titulado “Tonight at the Opera” y en el que no podía faltar su famoso “Live is Life” que se vestiría de etiqueta con un espectacular acompañamiento orquestal. Merece la pena disfrutar de la canción de siempre, con un público más selecto de lo habitual pero entregado como el que más. Hoy os dejo una auténtica joyita.
EFEMÉRIDE
Tal día como hoy pero del año 1954 venía al mundo uno de los cantautores españoles más prolíficos y exitosos de siempre: José Luis Perales. Que levante la mano el que no haya cantado en alguna ocasión alguna de sus composiciones.
El 18 de enero de 1945 nacía en la localidad conquense de Castejón José Luis Perales, uno de los cantautores españoles más respetados y que más discos ha vendido en España y Latinoamérica. Hablar de él es hablar de prestigio. Hablar de él es hablar de la música en lengua española de los 70 y los 80.
Aunque sigue publicando discos regularmente, sus mayores logros fueron los cosechados en estas décadas que os menciono y últimamente ha desarrollado también su faceta como escritor. Su capacidad creativa está fuera de cualquier duda tanto por los éxitos logrados interpretados por él mismo como por grandes composiciones para otros artistas como el archiconocido “Porqué Te Vas” interpretado por Jeanette.
Para felicitarle debidamente por su 73 cumpleaños voy a marcharme al principio de los principios, al año 1973, momento en el cual publicaba su primer disco bajo el título de “Mis Canciones” y en el que se incluía la que iba a ser su puesta de largo en escena: “Cosas de Doña Asunción”.
NOVEDAD
Siempre se ha dicho que los viejos rockeros nunca mueren, y en el caso de Morrissey esa afirmación es una verdad como un templo. Acaba de publicar nuevo disco con las mismas ganas y las mismas fuerzas que siempre. Menos mal que nos siguen quedando los artistas de siempre para salir al rescate de la poca originalidad de la música de hoy en día.
La figura de Morrissey nunca ha dejado indiferente a nadie, y no solamente por su música. Su carácter indomable, por momentos insoportable, su involucración en temas sociales y políticos, nunca se ha mordido la lengua, y el haber sido el líder indiscutible de una de las mejores bandas de la historia del pop británico como fueron The Smiths, forman parte de su “historial académico” y le convierten en uno de esos artistas que está muy por encima del resto, en un auténtico referente.
Su nuevo trabajo lleva el título de “Low in High School” y nos muestra a un Morrissey más luchador y peleón que nunca, una vez superado un agresivo cáncer, y en el que despliega toda su fuerza tanto musical como letrista de siempre, con párrafos por momentos hirientes, por momentos melancólicos y suaves. Es un pedazo de disco, de lo mejorcito del año sin ningún lugar a dudas.
Cada nuevo disco es capaz de introducir algún pequeño avance que le hacen mantener una evolución lenta pero constante y en esta oportunidad no le hace ascos a utilizar sintetizadores de última generación. De lo que no cabe ninguna duda es de que su talento permanece intacto, ofreciéndonos canciones como “I Wish You Lonely”, un tema que invita a pensar que no todo está perdido en el mundo de la música de actualidad y que mientras sigan existiendo tipos como él capaces de hacer estas cosas, algún día la buena música volverá a reinar en el mundo.
Esto ha sido todo por hoy, Graminoleños.
Ya sabéis, nos vemos y nos escuchamos otra vez en siete días. Hasta entonces.
JUAN JOSÉ GOMARIZ
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