Rembrandt, Sarah K. Bolton

Deformidad y decrepitud, el ghetto, la taberna, el hospital, la muerte; hizo, en resumen, una revisión del cielo y la tierra, y hizo que todas las cosas fueran visibles por una luz de los arcanos de su propia imaginación.

REMBRANDT.

"Se dijo que el contraste de luz y sombra correspondía en él a diversos movimientos [Pág. 287]de pensamiento. Schiller, antes de comenzar un trabajo, escuchó dentro de sí una armonía de sonidos indistintos, que eran como un preludio a la inspiración; de la misma manera, Rembrandt, cuando estaba en el acto de concebir una imagen, tuvo una visión de rayos y sombras, que le habló a su alma antes de animarlos con sus personajes. Hay en sus cuadros una vida, y lo que casi se puede llamar una acción dramática, completamente aparte de las figuras humanas. Vivos rayos de luz penetran en la oscuridad como gritos de alegría; la oscuridad vuela aterrorizada, dejando aquí y allá fragmentos de sombras llenas de reflejos melancólicos y trémulos que parecen lamentaciones; profunda oscuridad llena de tenues amenazas; chorros de luz, destellos, sombras ambiguas, transparencias dudosas, preguntas, suspiros, palabras de un lenguaje sobrenatural, escuchado como música, y no entendido,

"Y en esta atmósfera planta sus figuras, algunas de ellas vestidas bajo la deslumbrante luz de una apoteosis teatral, otras veladas como fantasmas, otras reveladas por un toque de luz en la cara, vestidas con hábitos de lujo o miseria, pero todas con algo extraño y fantástico, sin distinción de contorno, pero cargado de colores poderosos, relieves escultóricos y toques audaces del pincel, y en todas partes una calidez de expresión, una furia de inspiración violenta, la impresión soberbia, caprichosa y profunda de un genio libre y audaz ".

Este extraño y gran pintor, Rembrandt, nació, no en un molino de viento, como dice Amicis, sino en Leyden, Holanda, el 15 de julio de 1607. Su padre, Gerrit Harmen van Rhijn, un molinero, tenía entonces cuarenta años, era fácil circunstancias, casado con la hija del panadero Willems van Snydtbrouck, entonces de treinta y cinco años, una mujer vigorosa, de fuerte personalidad, a la que el niño, después de años, amaba pintar, una y otra vez.

De sus seis hijos, Adriaen, que se hizo molinero, Gerrit, Machteld, Cornelis, Willem, que se hizo panadero, y Rembrandt, este último estaba destinado a la ley. Se le enseñó latín temprano, como preparación para la Academia Leyden, pero antes de cumplir los doce años mostró un gusto tan decidido por la pintura y el diseño que sus padres lo sacaron de la escuela y lo colocaron con un pariente, que era un artista, Jacob van Swanenburg. Había regresado de estudiar en Italia en 1617, y Rembrandt entró en su estudio, probablemente en 1620, año en que nuestros antepasados ​​salieron de Holanda.

Durante tres años, el muchacho se inclinó por el trabajo que amaba. Hizo un progreso tan notable que, al final de este tiempo, fue enviado al conocido pintor, Pieter Lastman de Amsterdam. Permaneció allí solo seis meses, y luego regresó a su casa en Leyden.

Desde los diecisiete hasta los veinte años, en su casa de Leyden, sabemos poco de la juventud, salvo que estudió la naturaleza con amorosa fidelidad, vagó por el país bajo y pintoresco con [Pág. 289]su canal y molinos de viento, y observó personas y cielos y paisajes.

La primera obra atribuida a Rembrandt fue pintada en 1627, cuando tenía veinte años, "St. Paul in Prison", mostrando cuidado en los detalles y riqueza de color. Durante los siguientes dos años, hizo grabados de sí mismo y de su madre, que parece haber sido su ideal.

Sus primeras pinturas al óleo fueron hechas en 1630; uno, ahora perdido, mostrando a un filósofo en una gruta; y el "Busto de un viejo hombre", que, según el Prof. John W. Mollett de Francia, en su Life of Rembrandt, "es el más interesante de todos los Rembrandts en la Galería Cassel, por el hecho de que primero mostró su conocimiento del gran secreto, que luego desarrolló tan maravillosamente, de concentrar la luz sobre las cabezas de sus retratos. Pintó otras cabezas de ancianos en la misma fecha, y todos son notables por la infatigable elaboración y cuidado. En este mismo año, Rembrandt produjo más de treinta grabados ".

Después de pasar varios años en Leyden, Rembrandt se mudó de su estudio a Amsterdam, una rica y floreciente ciudad de cien mil personas en ese momento, adonde le había precedido su fama. Contrató apartamentos en una tienda del Bloemgracht, un muelle en la parte occidental de la ciudad, donde pronto acudieron numerosos alumnos y comisiones de los ricos. Una de sus primeras obras principales fue "La presentación en el templo", ahora en el museo de La Haya. [Pg 290]"La imagen", dice el Sr. Sweetser, "presenta un gran interior del templo, con grupos de ciudadanos y prelados, y, en el centro, bajo una luz brillante, la Sagrada Familia, con el simeón ricamente vestido que adora al niño Jesús. Está lleno de tonos fuertes y brillo contrastante de la nueva escuela de arte, repleto de poder poético y personalidad fresca, cálido en luces doradas, y en ciertas partes que muestran una rara minuciosidad de acabado en detalle. Este tema siempre fue un favorito con Rembrandt y varias otras pinturas se conservan, junto con numerosos bocetos y grabados, que muestran al venerable Simeón en el Templo de Jerusalén.

"La 'Susannah' fue ejecutada durante el mismo año, y ahora está en La Haya. La figura desnuda y encogida de la bella bañista, aunque carezca de belleza escultural y simetría, es totalmente natural y tierna, palpitante de vida e iluminada con un brillo cálido y armonioso. Este, también, fue un tema favorito de Rembrandt, y sustituyó convenientemente a Diana y Actæon de los pintores clásicos con un tema no menos atractivo, y quizás más permisible ".

Rembrandt también pintó "San Jerónimo", ahora en Aix-la-Chapelle, las imágenes perdidas de "Lot y sus hijas" y el "Bautismo del eunuco"; "The Young Man", ahora en Windsor; la "Profetisa Ana", en la Galería Oldenbourg; el "Retrato de un hombre", en el Museo de Brunswick; y unos cuarenta aguafuertes, entre ellos dos [Pág. 291]retratos de su madre, varios de él mismo; el "Baño de Diana" y el Encuentro de "Danaë y Júpiter".

En 1632, Rembrandt pintó su famosa "Escuela de Anatomía", ahora en La Haya, para la cual el gobierno holandés, dos siglos más tarde, dio treinta y dos mil florines.

"Esta imagen representa al célebre anatomista, Nicolaus Tulp, amigo y mecenas de Rembrandt, en un salón abovedado, dedicado a explicar la anatomía del brazo de un cadáver. Lleva una capa negra con un collar de encaje y un ala ancha. sombrero blando. Con su mano izquierda medio levantada, hace un gesto de explicación, mientras que con la derecha está diseccionando un tendón del brazo de su sujeto. El cadáver yace sobre una mesa frente a él. A la derecha de Tulp hay una grupo de cinco figuras, y otros dos hombres sentados a la mesa de enfrente. Estos oyentes no son estudiantes, sino miembros del gremio de cirujanos de Amsterdam, como lo muestra un artículo en poder de uno de ellos. Ellos asisten a la conferencia. con muy diversas expresiones.

"Están todos con la cabeza descubierta, vestidos de negro y con collares vueltos, excepto uno, que todavía usa la anticuada falda vertical. Hay, tal vez, otras personas presentes en la sala, ya que Tulp parece estar mirando más allá la imagen, como si estuviera a punto de dirigirse a una audiencia que no es visible para el espectador, y es digno de destacarse que las composiciones de Rembrandt nunca están encerradas en sus marcos, sino que transmiten una idea de un amplio espacio [Pg 292]más allá de ellas. Es algo singular que el espectador parezca no darse cuenta del cadáver que yace ante él en toda su extensión, cuyos pies puede tocar casi por completo, aunque está fuertemente iluminado en contraste con las prendas negras circundantes, y presenta con mayor fidelidad el peculiar matiz de un cadáver, sin dejar ninguna duda de que fue pintado de la naturaleza, así como las cabezas vivientes. El arte admirable de la composición consiste en su poder de captar la atención a la vida en presencia de la muerte ".

Amicis dice: "Es difícil expresar el efecto producido por esta imagen. El primer sentimiento es el de horror y repulsión del cadáver. La frente está en la sombra, los ojos abiertos con las pupilas vueltas hacia arriba, la boca medio abierta como si en asombro, el cofre hundido, las piernas y los pies rígidos, la carne lívida, y mirando como si, si lo tocas con la mano, se sentiría frío. Con este cuerpo rígido se produce un contraste poderoso por las actitudes vivaces, el rostros juveniles, los ojos brillantes y atentos, llenos de pensamiento, de los discípulos, que revelan en diferentes grados la avidez por el conocimiento, la alegría de aprender, la curiosidad, la maravilla, la fuerza de la inteligencia, el suspenso de la mente. rostro tranquilo, el ojo sereno y el labio casi sonriente de alguien que siente la complacencia del conocimiento.En el aspecto del grupo hay un aire de misterio, gravedad y solemnidad científica que inspira reverencia y silencio.

"El contraste entre la luz y la sombra es tan maravilloso como el que existe entre la vida y la muerte. Todo se hace con un acabado extraordinario, se pueden contar los pliegues de las gorgueras, las líneas de la cara, los pelos de las barbas. que el escorzo del cadáver es incorrecto, y que en algunos puntos el final se encuentra con la sequedad, pero el juicio universal coloca la 'Lección de Anatomía' entre los mayores triunfos del genio humano.

"Rembrandt tenía solo veintiséis años cuando pintó esta imagen, que, por lo tanto, pertenece a su primera manera, en la que todavía no se ve ese fuego y audacia, esa seguridad soberana en su propio genio, que brilla en las obras de sus años más maduros: pero ya existe esa potencia luminosa, ese maravilloso claroscuro , esa magia de contrastes, que forman el rasgo más original de su genio ".

Recuerdo, al estar parado frente a esta imagen, haber tenido la misma "repulsión" de la que habla Amicis. ¡Qué diferente se siente uno ante esa otra maravilla de La Haya, el "Toro" de Paul Potter, tan uno con la naturaleza, tan tierno, tan tranquilo! ¿Qué maravilla que una vez colgó en el Louvre, junto a la "Transfiguración" de Rafael, el "San Pedro Mártir", de Tiziano, y la "Comunión de San Jerónimo" por Domenichino?

Durante este año, 1632, Rembrandt ejecutó varios retratos de hombres; la "Violación de Proserpina" en la Galería de Berlín; "Moisés salvó del Nilo"; "Cristo y Nicodemo"; el "Oriental [Pg 294] depie", en la galería del Rey de Holanda; la "judía prometida"; la "Violación de Europa"; y retratos de seis mujeres. Sus grabados de este año fueron, "Hombre a caballo", "Cabaña con Palings blancos", su primer paisaje, "Vendedor de veneno de rata", "Jesús fue llevado a la tumba" y la "Resurrección de Lázaro".

En el año siguiente pintó "Susannah Sorprendida por los Ancianos", que ahora está en Rusia; "El barco de San Pedro", una concepción poderosa, que muestra oscuras sombras de tormenta que rodean la corteza surcada por el mar, con una gran luz arrojada sobre las olas cercanas a las montañas y sobre los hombres en las velas; "La elevación de la cruz" y "El descenso de la cruz", comprado por el príncipe Federico Enrique de Holanda, y ahora en Munich; "El buen samaritano", ahora en la colección de Sir Richard Wallace; "Los filósofos en meditación", dos cuadros delicados, ahora en el Louvre; "The Master Shipbuilder and his Pipe", ahora en Buckingham Palace, se vendió por dieciséis mil quinientos francos, en 1810; retratos de Madame Grotius, una joven en Dresde, otra en la Colección Pourtales, se vendió por siete mil dólares en 1865; y no menos de dieciséis más, además de muchos grabados. Uno de estos retratos, el de un niño, fue comprado por J. de Rothschild, en 1865, por cinco mil dólares; y un retrato de Saskia, ahora en Cassel, por diez mil dólares.

De la imagen de Saskia en el Museo de Dresde, pintada este año, el profesor Mollett dice: "La cabeza [Pg 295]en este retrato está ligeramente inclinada, los largos rizos castaños están cubiertos por un bonete de color cereza adornado con plumas blancas. la luz que cae sobre la figura desde arriba ilumina el borde del capó y la parte inferior de la cara, mientras que la frente está cubierta por la sombra arrojada por el sombrero ".

Del retrato grande de la Galería Cassel, pintado el mismo año, dice: "En esta imagen, Saskia está muy bien vestida y cubierta con profusión de perlas y piedras preciosas. La cara, un perfil delicado de un color brillante y fresco. , dibujado contra un fondo marrón oscuro, está completamente a la luz, casi sin sombras ".

El retrato de ella en la última Fesch Gallery, dice Sweetser, "muestra la tez blanca de la doncella, grandes ojos profundos, labios rosados ​​y abundante cabello castaño rojizo, adornado con plumas blancas y verdes, y llevando perlas en el cuello, y una cadena de oro en su mantilla de seda verde ".

¿Quién era Saskia? La bella y hermosa mujer cuya vida era para Rembrandt como la luz trascendente que arrojaba a sus cuadros; cuya muerte lo dejó para siempre a la sombra de las sombras, que él, de todos los pintores, sabía mejor cómo pintar.

Saskia van Ulenburgh era la hija huérfana de Rombertus Ulenburgh, un abogado frisio de alto rango, enviado de Frisia a la corte de Guillermo de Orange. Ella era rica, de carácter encantador, y atractiva en la cara y en la forma. [Pg 296]Su cuñado, el pintor Nijbrand de Geest, era un hombre influyente, y su primo, Hendrik Ulenburgh, era el editor de los grabados de Rembrandt. Por lo tanto, naturalmente se conocieron. Ella era joven y de familia distinguida; la joven artista, que se enamoró de ella, tuvo su genio solo para ofrecerla.

El devoto amor de Rembrandt ganó la refinada y feliz Saskia. Se casaron el 5 de junio de 1634, cuando ella tenía veintiún años y Rembrandt veintisiete, y se fueron a vivir a su agradable casa en Amsterdam.

Los siguientes ocho años fueron dedicados a trabajos arduos, bendecidos por la casi omnipotente influencia de un amor aparentemente perfecto. En su año de matrimonio, pintó "Reina Artemisia", ahora en Madrid; "La incredulidad de Santo Tomás", ahora en el Hermitage; "Arrepentimiento de Pedro", "Judas y el dinero de sangre"; un "Descendimiento de la cruz" más grande, ahora en San Petersburgo; "El reverendo Ellison y la esposa de la Iglesia inglesa en Ámsterdam", vendidos en Londres, en 1860, por cerca de nueve mil dólares; varios retratos de él mismo y varios de Saskia. En la gran "Judía Esposa", en "Betsabé recibiendo el Mensaje de David", en el perdido "Vertumnus y Pomona", Saskia, la amada Saskia, siempre es el modelo.

Al mismo tiempo se hicieron cinco bocetos y dieciséis grabados, siendo el más notable "La Anunciación a los Pastores". "Esto", dice el profesor Mollett, "es un efecto nocturno, con una masa [Pg 297]de árboles en la mano derecha, y una distancia en la que se ve una ciudad, con sus fábricas y puentes en un nido de follaje, y En primer plano, los pastores y sus rebaños están alarmados por la repentina aparición de la gloria celestial, en los círculos luminosos de los cuales miles de querubines están volando, un ángel está avanzando y, con la mano derecha levantada, está anunciando la noticia a los pastores. Toda la composición es maravillosa por la energía que muestra, y parece como si hubiera sido arrojada sobre el cobre con toques rápidos, nerviosos e inspirados,

En 1635 nació un hijo de Rembrandt y Saskia, llamado Rombertus, en honor a su padre, pero el niño murió poco después, la primera sombra en la casa del famoso artista. Este año pintó "Sansón amenazando a su suegro", ahora en el Museo de Berlín; la "Violación de Ganímedes", ahora en Dresde; "Cristo expulsando a los cambiadores de dinero"; "El martirio de San Esteban"; en total, ocho retratos, otras siete pinturas, nueve diseños y veintitrés grabados. Una de las imágenes más atractivas de esta época es Rembrandt en casa, con Saskia, de tamaño natural y llena de felicidad, sentada sobre su rodilla.

Tres escenas de la historia de Tobias siguen. El primero, el padre ciego que espera el regreso de su hijo, está en el Museo de Berlín; el segundo contiene a Tobias y su esposa sentados en una cámara; el tercero ilustra a Tobias devolviendo la vista a su padre.

En 1636 pintó "El Entierro", "La Resurrección" y "La Ascensión", imágenes de la "Crucifixión" pintadas para el príncipe Federico Enrique cuatro años antes; "El reposo en Egipto", ahora en Aix-la-Chapelle; "La Ascensión", en la Pinacoteca de Munich; "Sansón cegado por los filisteos, con Dalila en vuelo"; y "St. Paul", en el Belvidere de Viena, además de tres retratos y diez grabados.

El mejor grabado de este período fue "Ecce Homo", una maravillosa composición, que consiste en un inmenso número de figuras admirablemente dispuestas. Nuestro Señor se ve al frente de pie, rodeado de guardias. Sus ojos están elevados al cielo, sus manos están esposadas y juntas, y en su cabeza está la corona de espinas. "Lo es", dice Mollett, "una de las obras más grandiosas del pintor".

"El 'Ecce Homo'", dice Wilmot Buxton, "para no decir nada del esplendor, la luz y la sombra y la riqueza de la ejecución, nunca ha sido superado por la expresión dramática, y perdonamos lo común de la forma y el tipo, en la expresión de tocar el pathos en la figura del Salvador, ni sería posible expresar con mayor intensidad la terrible furia de la muchedumbre, las súplicas innobles y serviles y crueles de los sacerdotes, o el ansioso deseo de complacer a Pilato ".

El año siguiente, "El Señor de la Viña", ahora en el Hermitage, fue pintado, representando al maestro en una cámara inundada de luz, escuchando las quejas de los trabajadores; "Abraham [Pág. 299]enviando a Agar e Ismael"; y varios retratos de él mismo y Saskia. Ahora está sentada en una mesa cara a cara con su marido, sus ojos azules se ven complacidos y felices con los de él; ahora caminan cogidos de la mano en un hermoso paisaje.

En julio de 1638, un segundo niño alegró a la familia Rembrandt, esta vez una hija, llamada Cornelia en honor a la madre del artista. En menos de cuatro semanas ella salió de los brazos de Saskia, dejándolos de nuevo sin hijos. El padre de Rembrandt había muerto seis años antes, y de sus hermanos y hermanas, Gerrit, Machteld y Cornelis también habían muerto. Aún así, el pintor trabajó con valentía, porque no tenía la única inspiración que le daba un poder casi sobrehumano para superar obstáculos, e hizo del trabajo un placer, ¿el amor de su Saskia de ojos azules?

Durante este año ocurrieron algunos pleitos en la familia sobre su propiedad, y Rembrandt demandó a algunos de sus familiares por calumnias, porque insinuaron que Saskia "ha malgastado su herencia en adornos y ostentación". Lo poco que el pueblo de Frisia conocía de la poesía del corazón del pintor, que, por el amor que le dio a Saskia, engalanó, con su rica imaginación, cada imagen de ella con más que collares reales, y cubrió sus túnicas con preciosas gemas, porque ella era su ídolo!

Este año, 1638, pintó la gran imagen "La fiesta de Asuero", o "La boda de Sansón", ahora en Dresde, donde a mediados de [Pg 300]la mesa se sienta la alegre reina, Ester o Dalila, vestida en seda blanca, y ricamente enjoyado, por supuesto con la cara de Saskia; "Cristo como jardinero", propiedad del príncipe de Hesse-Cassel, presentada a Josephine en Malmaison y comprada por Jorge IV. para el Palacio de Buckingham, donde aún permanece; "José contando su sueño"; "La pequeña novia judía", representando a Santa Catalina y su rueda de martirio (el pelo, las perlas, la cara son todos de Saskia) y otras obras.

El año siguiente, entre sus muchos y magníficos retratos, se encuentran tres de su madre: uno en Viena, pintado un año antes de su muerte, con una capa de pelo y apoyando las manos juntas en una vara; otro con un chal rojo en la cabeza; y otra más sentada, con las manos unidas; las dos últimas en el Hermitage. También terminó "The Entombment" y "The Resurrection", que comenzó tres años antes. Él dijo: "Estas dos piezas han terminado con mucho estudio y celo ... porque es en ellas que me he tomado la precaución de expresar la mayor naturalidad y acción, y esta es la razón principal por la que he estado ocupado tanto tiempo en ellos ". Instó a que los colgaran bajo una fuerte luz, porque dijo: "Una imagen no está hecha para ser olida. El olor de los colores no es saludable".

Grabó "La muerte de la Virgen", "La presentación", "Jóvenes sorprendidos por la muerte" y otros.

El año siguiente, 1640, se escuchó nuevamente la voz de un bebé en la hermosa casa de Rembrandt, una pequeña hija [Pg 301]llamada, por segunda vez, Cornelia, pero en unos pocos meses la casa volvió a sufrir la muerte.

La actividad de Rembrandt ahora era maravillosa. En los dos años siguientes pintó "Le Doreur", un retrato de su amigo artista Domer, que se vendió en 1865 por más de treinta mil dólares; también se llama "The Gilder", y ahora se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York; el retrato de una mujer anciana, comprada en 1868 para la Colección Narishkine, por once mil dólares; "Mujer con el ventilador", del Palacio de Buckingham; la misteriosa "Bruja de Endor", Galería Schönborn en 1867, por cinco mil dólares; "The Carpenter's Household", ahora en el Louvre, representando a Joseph en el trabajo, con la tierna madre amamantando a su hijo; "The Salutation", en la Galería Grosvenor; "Susannah en el baño"; "La ofrenda de Manoah", en el Museo de Dresde, mostrando a Manoa y su esposa postrados ante el altar, desde donde asciende un ángel coronado de flores; un magnífico retrato de sí mismo a los treinta años, en la Galería Nacional, con una gorra negra y un albornoz de piel, con los brazos cruzados sobre el alféizar de una ventana; dieciséis grabados finos, entre ellos tres cazas de leones, el predicador Anslo y su esposa sentados en una mesa llena de libros; varios retratos exquisitos de damas, y dos de la querida Saskia: una está llena de vida y salud, con la expresión más dulce, y cuidadosamente terminada; el otro, en 1642, está ricamente vestido, pero la cara es delicada y soñadora, como la de entre ellos tres cazas de leones, el predicador Anslo y su esposa sentados en una mesa cargada de libros; varios retratos exquisitos de damas, y dos de la querida Saskia: una está llena de vida y salud, con la expresión más dulce, y cuidadosamente terminada; el otro, en 1642, está ricamente vestido, pero la cara es delicada y soñadora, como la de entre ellos tres cazas de leones, el predicador Anslo y su esposa sentados en una mesa cargada de libros; varios retratos exquisitos de damas, y dos de la querida Saskia: una está llena de vida y salud, con la expresión más dulce, y cuidadosamente terminada; el otro, en 1642, está ricamente vestido, pero la cara es delicada y soñadora, como la de[Pg 302] alguien que puede haber recibido un mensaje del mundo invisible.

La cara ya no muestra la belleza serena de la juventud y la fuerza, pero sus rasgos etéreos y delicados tienen una expresión pensativa y soñadora. Probablemente fue pintado de memoria, después de la muerte de Saskia ".

En septiembre de 1641, nació un hijo de Saskia, Titus, llamado así por su hermana Titia van Ulenburgh. Este último murió el mismo año. El 19 de junio del próximo año, Saskia fue enterrada en la Oude Kerk de Ámsterdam, dejando a su hijo, que no tenía ni un año de vida, a su marido, para quien su pérdida era irreparable.

Este año completó su mejor trabajo, "The Night Watch", ahora en el Museo de Ámsterdam, y se mantuvo en el cenit de su fama. A partir de este momento, mientras hacía un trabajo notable, parece un hombre en la cima de una montaña, mirando hacia un lado a los prados dulces llenos de flores y luz solar, y del otro al desolado paisaje sobre el que se oculta un sol nublado. Con Saskia murió lo mejor de Rembrandt. Antes de su muerte, había pintado varias imágenes de sí mismo, todas alegres, incluso fantásticas, a veces como guerrero, a veces con túnicas enjoyadas y atuendos cortesanos. Ahora, durante cinco años no hizo ningún retrato de sí mismo, y luego uno simple y severo, como un hombre que vive y hace su trabajo porque debe hacerlo.

"The Night Watch" o "Sortie of the Banning Cock Company" representa a la compañía de arcabuceros del capitán Frans Banning Cock que sale de su casa de la cofradía en Singel. Amicis dice al respecto: "Es más que una imagen, es un espectáculo, y sorprendente. Todos los críticos franceses, para expresar el efecto que produce, hacen uso de la frase, ' C'est écrasant! ' "¡Es abrumador!") Una gran multitud de figuras humanas, una gran luz, una gran oscuridad: a primera vista, esto es lo que te llama la atención, y por un momento no sabes dónde fijar tus ojos para comprender ese gran y espléndida confusión.

"Hay oficiales, alabarderos, muchachos corriendo, arcabuceros cargando y disparando, jóvenes golpeando tambores, personas inclinándose, hablando, gritando [Pg 304]gesticulando -todos vestidos con diferentes disfraces, con sombreros redondos, sombreros puntiagudos, plumas, cascos, moriones, gorgets de hierro, collares de lino, jubones bordados con oro, grandes botas, medias de todos los colores, brazos de todas las formas, y toda esta muchedumbre tumultuosa y reluciente comienza en el fondo oscuro del cuadro y avanza hacia el espectador.

"Los dos primeros personajes son Frans Banning Cock, Lord of Furmerland e Ilpendam, capitán de la compañía, y su teniente, Willem van Ruijtenberg, Lord of Vlaardingen, los dos marchando lado a lado. Las únicas figuras que están a plena luz son esta Teniente, vestido con un jubón de piel de búfalo, con adornos dorados, bufanda, gorguera y pluma blanca, con botas altas, y una niña que viene detrás, con cabello rubio adornado con perlas y un vestido de satén amarillo; las figuras están en una sombra profunda, excepto las cabezas, que están iluminadas. ¿Por qué luz? Aquí está el enigma. ¿Es la luz del sol? ¿O de la luna? ¿O de las antorchas?

"Hay destellos de oro y plata, luz de luna, reflejos coloreados, luces ardientes, personajes que, como la niña con trenzas rubias, parecen brillar con una luz propia, rostros que parecen iluminados por el fuego de una conflagración, deslumbrantes destellos , sombras, crepúsculo y oscuridad profunda, todo está allí, armonizado y contrastado con maravillosa audacia y arte insuperable ... A pesar de la censura, los defectos, los juicios contradictorios, él [Pág. 305]ha estado allí durante dos siglos triunfante y glorioso , y cuanto más lo miras, más vivo y brillante está, e incluso visto a simple vista, permanece para siempre en la memoria, con todo su misterio y esplendor, como una visión estupenda ".

Charles Blanc dice de la imagen: "A decir verdad, esto es solo un sueño de la noche, y nadie puede decidir qué es la luz que cae sobre los grupos de figuras. No es ni la luz del sol ni la de la luna. , ni proviene de antorchas, es más bien la luz del genio de Rembrandt ".

La casa del artista en ese momento, de ladrillo y piedra tallada, de cuatro pisos de altura, en uno de los muelles del río Amstel, debe haber sido la más atractiva y feliz hasta la muerte de Saskia.

Dice el Sr. Sweetser: "La casa sigue en pie y, con la ayuda de un inventario legal existente (fechado en 1656), podemos incluso volver a acondicionarla tal como era en tiempos de Rembrandt. Al ingresar al vestíbulo, encontramos el pavimento de losa cubierto con madera de abeto, con sillas españolas acolchadas en negro para los que esperan, y para entretener su ocio con varios bustos y veinticuatro pinturas, cuatro cada una por Brouwer y Lievens, el resto principalmente por Rembrandt.

"La antecámara, o salón, era una gran sala amueblada con siete sillas españolas tapizadas en terciopelo verde, una gran mesa de nogal cubierta con tela de Tournay, un espejo con marco de ébano y una vinoteca de mármol. Las paredes estaban cubiertas con treinta y nueve cuadros, muchos de los cuales estaban en marcos grandes y elegantes había religiosa. [Pág 306]escenas, paisajes, dibujos arquitectónicos, obras de Pinas, Brouwer, Lucas van Leyden, y otros maestros holandeses; dieciséis cuadros de Rembrandt, y costosas pinturas de Palma Vecchio, Bassano y Rafael.

"La siguiente habitación era un pequeño museo de arte perfecto, que contenía una profusión de cuadros del maestro, con obras raras de Van Leyden, Van Dyck, Aartgen, Parsellis, Seghers y copias de Annibale Caracci. La prensa de roble y otros muebles indicaban que los maravillosos grabados de nuestro artista fueron grabados e impresos aquí.

"El próximo salón era la joya del establecimiento, y estaba equipado con un gran espejo, una mesa de roble con un paño bordado, seis sillas con cobertores azules, una cama con colgaduras azules, un armario de madera de cedro y un cofre del Las paredes incluso aquí mostraron el profundo gusto artístico del ocupante, ya que fueron superpuestos con veintitrés cuadros de Aartgen, Lievens, Seghers y otros pintores del norte: The 'Concordi', 'Resurrection' y 'Ecce Homo 'de Rembrandt, una Virgen de Rafael y la gran imagen de Giorgione de' El samaritano '.

"En el siguiente piso el maestro tenía su estudio y el museo El gran arte-cámara contenía materiales de semanas de estudio;. Las paredes estaban cubiertas con ricos y costosos bric-à-brac estatuillas de mármol, porcelana, y yeso; la romana emperadores, bustos de Homero, Aristóteles y Sócrates: porcelanas y dibujos chinos y japoneses, vidrio veneciano, moldes de la naturaleza, armas curiosas y armadura [Pág. 307], con un escudo atribuido a Quentin Matsys; minerales, plantas, pájaros disecados, y conchas, extraños ventiladores, globos terráqueos y libros. Otra característica era una noble colección de diseños, estudios y grabados, que llenaba sesenta carteras de cuero e incluía muestras de las mejores obras de los principales artistas y grabadores italianos, alemanes y holandeses ".

Para obtener esta hermosa colección de obras de arte, Rembrandt no ahorró dinero, pagó ochenta y seis dólares por un grabado único de Lucas van Leyden, y mil cuatrocientos florines por catorce pruebas del mismo pintor.

Después de la muerte de Saskia, la marea de la fortuna pareció cambiar. Varios artistas que habían estudiado en Italia regresaron a Holanda y popularizaron el estilo italiano, por lo que las obras de Rembrandt parecían desvanecerse un poco de la mirada pública. Con orgullo y tristeza siguió pintando, pero debe haber sido profundamente herido.

En 1643 y '44, pintó "Betsabé en el baño". "La figura desnuda de Betsabé", dice el profesor Mollett, "se destaca en un deslumbrante efecto de luz desde un fondo de sombras cálidas y confusas. La figura no es bella a los ojos de un escultor, ni al estilo italiano, sino en animación, en el color carne, y en el modelado es excelente. La armonía de los tintes y del tono general es muy hermosa, tintes de bronce y oro se combinan con tonos de violeta, marrón, verde y amarillo ocre en un cálido, poético y misteriosa gama. "Esta imagen debe colgarse bajo una luz fuerte, para que el ojo [Pg 308]pueda penetrar en las sombras", dijo Rembrandt.

Las otras obras de esta época fueron la "Diana y Endymion" de la Galería de Liechtenstein en Viena; "Filemón y Baucis"; el "Old Woman Weighing Gold", ahora en el Museo de Dresde; "La mujer tomada en adulterio", que trajo treinta mil dólares en venta pública, y ahora está en la Galería Nacional inglesa; un retrato de Jan Cornelis Sylvius, que se vendió en 1872 por casi ocho mil dólares, y el "Burgomaster Six" por seis mil dólares. Este último era el retrato de Jan Six, un joven patricio, un entusiasta estudiante y poeta, casado con Margaret, la hija del famoso cirujano Dr. Tulp.

Otras imágenes en los próximos años fueron "The Tribute Money"; el "Burgomaster Pancras dándole un collar de perlas a su esposa", ahora propiedad de la Reina Victoria; "Abraham recibiendo a los Tres Ángeles"; dos pinturas de la "Adoración de los pastores", una ahora en Munich y otra en la Galería Nacional; "El buen samaritano" y "Los peregrinos de Emaús", ahora en el Louvre; y "La paz de la tierra", celebrando la paz de Westfalia, ahora en el Museo de Boymans en Rotterdam. "Representa el recinto de una fortaleza, cuyas paredes son visibles en el fondo de la derecha, donde los cañones están ardiendo y un grupo de soldados luchando, el primer plano a la derecha está completamente ocupado por un grupo de jinetes, de notable vigor y la verdad, a la izquierda hay dos tronos,uno de los cuales se apoya en una figura de Justicia, juntando sus manos como en súplica. El centro, que está a la luz, está ocupado por un león cantor que gruñe, su única garra en un manojo de flechas, el símbolo de las Provincias Unidas. El león está atado por dos cadenas, la que está unida a los tronos, la otra sujeta a una elevación, llevando sobre un escudo los brazos de Ámsterdam, rodeado por las palabras, 'Soli Deo Gloria' ".

"Samuel enseñó por su madre", "Cristo se apareció a María", "La profetisa Ana", "Jesús bendijo a los niños pequeños", compró para la Galería Nacional por treinta y cinco mil dólares; - "El bañista", en la Galería Nacional , de lo que Landseer dice: "Es la cosa más ingeniosa que se haya hecho en la pintura, y la más simple"; una semejanza del hijo de Rembrandt, Titus, ahora con doce años, fueron sus siguientes obras. Cincuenta y siete aguafuertes se hicieron entre 1649 y 1655, siendo el más célebre el "Estampado de los cien florines" o "Jesús curando al enfermo".

"El tema de este grabado está tomado de las palabras, 'Y Jesús recorría toda Galilea, predicaba el evangelio del reino y sanaba toda clase de enfermedades y enfermedades en la gente'. La serena y serena figura de Jesús se destaca de la sombra del fondo, predicando a las personas que le rodean. Por una antítesis soberbia, los fariseos y saduceos, los sacerdotes y los curiosos e incrédulos, están a la derecha de Cristo, bañados en luz, [Pg 310]mientras que desde las sombras que envuelven el lado izquierdo de la imagen están llegando los enfermos, los poseídos y desafortunados de todo tipo. La composición está llena de sentimientos, dibujada y ejecutada con un genio raro, los detalles revelan un mundo de expresión y carácter: las luces y sombras, dispuestas en grandes masas, son de maravillosa suavidad. El grabado, comenzado con aqua-fortis, se completa con la punta seca, los tintes plateados neutros de la túnica de Cristo y las sombras suaves que se producen de esta manera ".

Frederick Wedmore dice en su "Masters of Genre-Painting", "Debería estar agradecido por el 'Hundred-Guilder Print', solo por la media docena de líneas en las que Rembrandt ha grabado una figura, para mí la central. , un hombre alto, de edad y de repuesto, y un poco encorvado, con los brazos caídos y las manos entrelazadas en un gesto de asombro leve y suavemente sintieron sorpresa, como de uno de cuyos aflojada la vitalidad del poder de la gran sorpresa o de muy gran interés tiene "En su rostro hay un registro de mucho dolor, de sufrimientos no solo propios, no solo del cuerpo, sino de experiencias tristes que lo han dejado sofocado y para siempre grave".

El nombre surgió del hecho de que un comerciante romano le regaló a Rembrandt un grabado de siete grabados de Marc Antonio, valorados en cien florines, y el artista nunca vendería ninguna de estas imágenes por debajo de este precio. Solo existen ocho impresiones del primer plato; dos [Pg 311]están en el Museo Británico, uno está en París, uno en Amsterdam, uno en Viena, uno en la colección del Duque de Buccleuch, uno en el Sr. Holford, y uno propiedad de M. Eugene Dutuit de Rouen , vendido en 1867 por alrededor de seis mil dólares.

Cuando Saskia murió, ella dejó su propiedad, trajo a Rembrandt cuarenta mil florines, a su pequeño hijo Titus, con la condición de que su marido pudiera usar el dinero hasta su muerte o su segundo matrimonio. Si el chico moría, Rembrandt recibiría todo el patrimonio, salvo en caso de un segundo matrimonio, cuando la mitad debería ir a su hermana.

Los amigos de Saskia ya vieron que el dinero le pasaba al artista, y trajeron trajes por el bien de Titus, para recuperarlo. Finalmente, en 1656, transfirió su casa y tierra a Titus, con el privilegio de permanecer allí durante el placer de los parientes de Saskia.

Las cosas no mejoraron, y al año siguiente toda la rica colección de obras de arte y artículos para el hogar se vendió por subasta para satisfacer las demandas de los acreedores. Al año siguiente, sus grabados y diseños se vendieron de la misma manera, y el año siguiente a la eliminación de la casa, a Rembrandt se le permitió quitar solo dos estufas y algunas pantallas. Estos deben haber sido días amargos para el otrora feliz artista. Fue una suerte que Saskia no viviera para ver un cambio tan terrible.

Durante toda la lucha y la desgracia, Rembrandt siguió trabajando. En 1656 y '57 pintó para [Pg 312]el Gremio de Cirujanos, una gran imagen, "Lección sobre Anatomía de Joan Deyman", que contiene los retratos de nueve doctores famosos; "Predicación de San Juan Bautista", un lienzo con más de cien figuras pequeñas; "La Adoración de los Magos", ahora en el Palacio de Buckingham y muy admirada; "José acusado por la esposa de Potifar" y "Jacob bendijo a Efraín y Manasés".

El profesor Mollett dice que el "Jacob" pertenece tanto a todos los tiempos como a todas las naciones como las obras maestras de la escultura griega. Esta conmovedora escena, que se representa simplemente con todo el poder del arte de Rembrandt, representa al anciano patriarca extendiendo sus manos, Joseph está guiando, hacia los niños, que están arrodillados frente a él. Detrás de la cama está su madre, Asenath, con las manos juntas. La luz que cae detrás de Jacob, a la izquierda, deja su rostro a la sombra. Su cabeza está cubierta por una gorra amarillenta, bordeada de pelaje de color claro, la manga del brazo derecho es de un hermoso color gris, la mano pintada con toques grandes y amplios. La cama está cubierta con una sábana y una colcha de color rojo pálido y color beige.

"José usa un turbante y su esposa una gorra alta, un velo largo y una túnica de color gris y marrón leonado. El niño rubio tiene un chaleco amarillo, y su cabeza, brillante con luces reflejadas, tiene un tono muy fino, y de extrema delicadeza. Vemos que los colores que aquí se emplean son grises y de color marrón leonado, que, en las notas más altas, solo alcanzan el rojo apagado o [Pg 313]amarillo. El conjunto tiene un aire misterioso, en una luz fina y luminosa, lleno de tonos y medios tonos que son indefinibles. El toque es de tal audacia y facilidad que, cuando se ve en detalle, la imagen se puede llamar un boceto, si la armonía y la integridad del todo no indica la madurez y profundidad del trabajo ".

Después de que se vendiera la casa de Rembrandt, él contrató una casa en el Rosengracht, una parte retirada pero respetable de la ciudad, a dos cuadras del Bloemgracht, donde comenzó su vida con su amada Saskia. Aquí, como en otros lugares, reunió a los alumnos admiradores sobre él y se mantuvo diligente en su trabajo. Es probable que estuviera casado en este momento, o más tarde, porque en 1663 pintó un cuadro conocido como "Rembrandt y su familia", ahora en el Museo de Brunswick, donde una mujer sonrosada y sonriente está sentada con un niño en su regazo. , mientras que dos niñas de unos cinco y siete años la apoyan. El hombre de cabello castaño se para a la izquierda y le da una flor a una de las chicas.

Las obras principales de Rembrandt ahora fueron "Moisés descendiendo del Sinaí y rompiendo las Tablas de la Ley", "Jacob luchando con los Ángeles", una impactante imagen de "Ziska y sus Adherentes jurando vengar la Muerte de Hus" y "Los síndicos". del Gremio de fabricantes de telas, "ahora en el Museo de Amsterdam.

El Profesor Springer escribe sobre la última imagen, la "Escuela de Anatomía" y "La Guardia Nocturna": "El arte nunca más ha creado una mayor [Pág. 314]riqueza de imágenes conmovedoras o poesía de color tan fascinante como revelan estas tres imágenes. "Inconscientemente, nuestros pensamientos vuelven a las creaciones familiares de Shakspeare, y reconocemos en estos dos poderosos campeones del arte de las naturalezas afines del norte y una inclinación correspondiente de la fantasía".

En 1668, Tito, que ahora tiene veintisiete años, estudió pintura, pero se convirtió en comerciante, estuvo casado con su prima Magdalena van Loo, una de las familias frisonas, y murió en septiembre del mismo año. El próximo mes de marzo, su viuda tuvo una hija que recibió el nombre de Titia, por su padre muerto. Magdalena murió en el mismo año en que nació su hijo. Así, con frecuencia el dolor sombreaba el camino del gran maestro de las sombras.

Este año, Rembrandt pintó varios retratos de sí mismo. "En la del Palacio Pitti, lo vemos envuelto en pieles, una medalla cuelga de su cuello, y lleva una gorra ajustada, de la que escapa su abundante pelo blanco. Su rostro está surcado por la edad, pero el el brillo del ojo no se ve disminuido ...

"En el espléndido retrato de la Colección Doble en Rouen, nuevamente se para frente a nosotros, con actitud inclinada y cabeza ligeramente inclinada, en traje teatral, con su bastón en la mano, riendo con ganas. ¡Y esta es la despedida de Rembrandt! Su rostro está arrugado al otro lado y por el tiempo y cuidado, pero no es un misántropo melancólico aplastado por la mala fortuna a quien vemos, sino el hombre que [Pág. 315] seopuso a todas las fortunas el talismán del Trabajo, y así pinta el secreto de su vida en su final retrato de sí mismo, en medio de su trabajo, despreciando el destino ".

Un año después de la muerte de Tito, la muerte llegó a Rembrandt, a los sesenta y dos. Fue enterrado simplemente en la iglesia de West, ¡tan simplemente que el gasto registrado de su entierro es de quince florines!

Su poder de trabajo fue maravilloso. Pintó más de seiscientas veinte imágenes, ejecutó trescientos sesenta y cinco grabados, además de doscientas treinta y siete variaciones de estos, con cientos de dibujos y bocetos diseminados por Europa. Entre los grabados más conocidos están "Retrato de Rembrandt con la espada", "Lázaro saliendo de los muertos", el "Plato de los cien florines", "Anunciación", "Ecce Homo", "El buen samaritano", "El gran descenso desde la Cruz, "el paisaje con el molino, y eso con los tres árboles".

Que él era un hombre de gran profundidad de sentimientos se demuestra por su amor hacia su madre, su adoración a Saskia, y su ternura hacia sus hermanos y hermanas después de haber perdido sus fortunas. También le gustaba apasionadamente la naturaleza y los animales. Sweetser cuenta este incidente: "Un día estaba haciendo un grupo de retratos de una familia notable, cuando se le informó que su mono favorito había muerto. El afligido artista hizo que trajeran el cuerpo al estudio, y realizó su retrato en el mismo La familia [Pág. 316], antes mencionada, se indignó naturalmente ante tal interpolación, y exigió que se borrara, pero Rembrandt prefirió mantener todo el trabajo por sí mismo, y dejar que sus patrocinadores buscaran un lugar más complaciente. artista."

Taine le paga a Rembrandt este brillante tributo en su "Arte en los Países Bajos": "Rembrandt, recolectando constantemente sus materiales, viviendo en soledad y soportado por el crecimiento de una facultad extraordinaria, vivió, como nuestro Balzac, un mago y un visionario en un mundo creado por su propia mano, y del cual solo él poseía la llave. Superior a todos los pintores en la delicadeza y agudeza nativa de sus percepciones ópticas, comprendió esta verdad y se adhirió a ella en todas sus consecuencias, que, a la vista , la esencia de un objeto visible consiste en el punto ( tache)), que el color más simple es infinitamente complejo, que cada sensación visual es el producto de sus elementos junto con su entorno, que cada objeto en el campo de visión no es más que un único punto modificado por otros, y que de esta manera es la característica principal de una imagen es la atmósfera siempre presente, trémula y de color en la que las figuras se hunden como peces en el mar ...

"Libre de todas las trabas y guiado por la aguda sensibilidad de sus órganos, ha logrado retratar en el hombre no solo la estructura general y el tipo abstracto que responde al arte clásico, sino también lo que es peculiar y profundo en el individuo, el infinitas e indefinibles [Pág. 317]complicaciones del ser moral, la totalidad de esa huella cambiante que concentra instantáneamente en un rostro toda la historia de un alma, y ​​que solo Shakespeare vio con una lucidez igualmente prodigiosa.

"A este respecto, él es el más original de los artistas modernos, y forja un extremo de la cadena del cual los griegos forjaron el otro, el resto de los maestros, florentino, veneciano y flamenco, se interponen entre ellos, y cuando, hoy en día, nuestra sensibilidad exagerada, nuestra curiosidad extravagante en la búsqueda de sutilezas, nuestra búsqueda incansable de lo verdadero, nuestra adivinación de lo remoto y lo oscuro en la naturaleza humana, busca predecesores y maestros, es en él y en Shakespeare que Balzac y Delacroix puede encontrarlos ".

Título: famosos artistas europeos Autor: Sarah K. Bolton

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