Zilvinas Kempinas

“Poetic, minimal, the artist then creates ‘living’ sculptures whose infra-thin form always succeeds in totally investing the space. From the depths of an unbearable lightness, Zilvinas Kempinas creates the monumental with minimal means, like a fleeting but spectacular act, a game with the void.”
De Yodel à la physique quantique, Palais de Tokyo, Archibooks, Paris, 2007

  Nautilus (2005)

Zilvinas Kempinas nació en la localidad lituana de Plunge en 1969 y sus fascinantes creaciones llenas de ligereza y movimiento le han llevado a ser uno de los jóvenes artistas más prometedores de la escena internacional. Acabó sus estudios en la Vilniaus Dailės Akademija en 1993, el lugar donde empezó a investigar las fascinantes propiedades artísticas y escultóricas que ofrecían las obsoletas cintas magnéticas de grabación (que con el tiempo se convertirían en su seña de identidad). Por aquel entonces las bibliotecas de Vilnius estaban deshaciéndose de cintas y cintas de microfilms y el artista se fijó en su naturaleza translúcida y en sus sugerentes formas. También se sintió atraído por la idea de obsolescencia que las cintas trasmitían: a pesar de que en su momento llegaron a contener una información de vital importancia para una persona o institución, ahora se habían convertido en fósiles industriales que nadie quería. 

Desde entonces no ha dejado de realizar exposiciones con este tipo de materiales por toda Europa, siendo particularmente destacables las muestras que realizó en Reykjavik y Praga. La exposición Paintings from Nature realizada en el Šiuolaikinio Meno Centras de Vilnius, fue su primera instalación full-room en la cual dejó de emplear microfilm para investigar con enormes cantidades de rollos de 35 mm. que encontró tirados tras la producción de una película. La idea básica era colocar estos gigantescos rollos de cinta en el suelo y coger del extremo final (en el centro del rollo) para transformar las cintas en una especie de bosque de gigantescos gusanos translúcidos compuestos de espirales. Visto desde fuera este micro mundo de alegorías se convertía en una elaborada composición de formas abstractas, de modo que estas estalagmitas de celuloide se asemejaban a bancos de coral, donde no se puede establecer a ciencia cierta la existencia de vida o no en estos organismos estáticos. Con el fin de parodiar la monotonía soviética del pasado reciente de Lituania durante el transcurso de esta exposición el propio artista continuó realizando dibujos de espirales que empleó para cubrir gradualmente el suelo de la sala de exposiciones  de forma que los espectadores debían de extremar el cuidado para no pisar alguna de sus creaciones.En 1994, en la exposición 1995: Lithuanian Art continuó analizando con humor la influencia soviética en Lituania con su obra Hapiend, para la que recubrió y llenó de cinta de vídeo de 35 mm. una cabina para cambiarse de ropa de las que tradicionalmente había en las playas. A través de una comicidad ciertamente provocativa esta obra criticaba la demagógica actitud que las autoridades soviéticas mantenían con respecto al nudismo.
En su obra de 1999 Spoon Kempinas comienza a interesarse por los trompe l’oeil o efectos ópticos, al intentar alterar la percepción de la realidad jugando con la perspectiva u otros efectos ópticos. Para ello intentó “burlar” el principio físico de refracción de la luz, según el cual una onda experimenta un cambio de dirección al pasar de un medio material a otro con distinta densidad. Este es el motivo por el cual, cuando introducimos una cuchara en un vaso de agua, parece que ésta estuviese partida o quebrada: al ser el agua un medio con una densidad mayor que la del aire, los rayos de luz “se tuercen” desviándose de su trayectoria rectilínea. Con esta idea en mente, y aprovechando este mismo principio físico el artista alteró una cuchara, de forma que cuando se sumergía en un vaso de agua parecia estar completamente recta.

En el año 2002 decide dar el gran salto a USA, para ampliar sus estudios en el Hunter College de NY, ciudad donde vive y trabaja desde entonces en el barrio de Brooklyn. Es aquí donde realiza la transición definitiva a la cinta de video VHS al darse cuenta de su potencialidad a la hora de hacer instalaciones tridimensionales. No hay que olvidar tampoco sus connotaciones metafóricas como soporte de datos prácticamente olvidado en la era digital. Además sus creaciones se vuelven más “americanas”  al ver sus obras despojadas de cualquier tipo de comicidad y mostrar de un modo más evidente su estructura objetiva. Es por ello que la interpretación de la obra de Kempinas lleva al descubrimiento de una asombrosa polifonía de significados, pese a lo lacónicas que parecen sus creaciones a simple vista.
Su obra intenta llevar a la tridimensionalidad la obra de los artistas op de los ‘50 y los ‘60 (Bridget Riley, Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, Yaacov Agam, Eusebio Sempere, Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Díez…) logrando obtener, con una sorprendente economía de medios (luz, aire, sombras…) resultados extraordinarios que pueden ser calificados como auténticas poesías visuales que trascienden a la banalidad de sus elementos configuradores.

Video tape has perfect sculptural qualities; it looks ephemeral but is actually a durable material, at once super light, micro thin and highly flexible. It’s pure black, yet has a shiny surface that reflects light and becomes even more animated when set in motion. Videotape is inexpensive, replaceable and easily recognizable by everybody as a familiar commodity, yet at the same time it has the ability to be perceived as an abstract line. It has connections with the idea of time and memory, and I like the fact that it’s a medium being pushed aside now by new technologies. Very soon, perhaps, there will be no such thing as magnetic tape. So there is a moment of nostalgia imbedded in it already.   O2 (2007)

Kempinas recibió su primera oportunidad para exponer en una galería estadounidense durante su primer año de estancia en el país. Para una muestra en la Times Square Gallery de NY Kempinas ideó la obra site specific Fifth Wall, en alusión al concepto escénico de cuarta pared, que es la pared invisible imaginaria que está al frente del escenario de un teatro, en una serie de televisión, o en una película de cine, a través de la cual la audiencia ve la actuación. Pero si de pronto un actor se dirige al público para pedir su participación o si el guión exige interactuar con los espectadores, entonces se dice que se está rompiendo la cuarta pared. Con esta idea en mente y aprovechando las impresionantes propiedades de la cinta de vídeo el artista creó una de sus obras más paradigmáticas. Colocando tiras de cinta VHS desde el suelo al techo de una habitación en un mismo ángulo, de forma que el filo de la cinta acabe mirando a la entrada, consigue que el visitante tenga la impresión de estar entrando en una estancia completamente vacía. Sin embargo a medida que el espectador se mueve por la habitación y cambia su perspectiva de la instalación ésta se va materializando poco a poco ante sus ojos, revelando una estructura similar a un muro. De nuevo cuando se camina hacia la salida y se mira hacia atrás se tiene la impresión de que la escultura se ha volatilizado y que la habitación vuelve a estar completamente vacía.

La presencia de los ventiladores como elemento esencial de su obra supuso una progresión natural al darse cuenta de las sorprendentes propiedades de las cintas VHS. Todavía en el Hunter College, Kempinas experimentó con una instalación para la que colocó cuatro ventiladores en el centro de una habitación y cuatro arcos de cinta (uno para cada pared de la habitación). Las corrientes de aire de los ventiladores hacían que los arcos se elevasen, descendiesen y se desplazasen a lo largo de la pared, convirtiéndose en esculturas vivas. Por un lado las esculturas de cinta parecían libres de cualquier atadura, ya que no estaban enganchados ni al suelo ni a la pared, pero por otro el viento de los ventiladores parecía retener a las cintas en una posición fija contra de su voluntad, mientras que éstas luchaban por echar a volar. Por primera vez Kempinas logró aunar en una misma obra 3 elementos configuradores distintos:

• Luz (gracias a los reflejos de los focos en la superficie brillante de las cintas)
• Sonido (a través de la constante y monótona vibración de los ventiladores industriales)
• Movimiento aleatorio de los arcos de cinta 

OOO (2006)

En 2003 Kempinas realiza dos instalaciones site-specific en el PS1 Contemporary Art Center que revelan una obra a medio camino entre el minimalismo, el op art y el arte cinético que obliga a la contemplación con el fin de darse cuenta de que lo más bello es a veces lo más simple:

• Still (2001): Kempinas colocó cintas magnéticas de VHS de un lado a otro de la sala con el fin de crear una ilusión de profundidad y monumentalidad. A través de la repetición de formas mínimas, el artista transforma la ligereza de los materiales que emplea: la estructura de cintas paralelas unas a otras hace que parezcan sólidas y pasadas a medida que se curvan hacia el suelo. El contraste de la cinta negra con las paredes blancas también sugiere además un  notable esfuerzo por balancear visualmente el espacio y la forma en esta instalación.
• 186,000 miles/second (2004): Se trata de una pieza que trata exclusivamente  sobre la luz, y en la que el artista, siguiendo el espíritu de los artistas del Grupo Zero, emplea la luz natural como un material escultórico más. Para ello el artista clavó a distintas alturas unas  agujas pintadas de blanco en una pared blanca iluminada desde arriba por dos lámparas convencionales y siguió con tenues marcas de lápiz las sombras proyectadas por cada una de las agujas en la pared. El hecho de que las agujas pintadas casi no se viesen en la pared blanca hizo que resaltase aún más la telaraña de sombras que estas proyectaban.  La luz hizo emerger unas estructuras geométricas en forma de diamantes, mucho más estrechos en la parte de arriba (donde las agujas estaban mucho más cerca de los focos) que en la de abajo. A través de esta obra el artista explora las propiedades físicas de la luz, llegando incluso a darle forma.  Esta obra estaba operativa durante el tiempo de  exposición, mientras las luces estuviesen encendidas, pero bastaba con apagar las luces, una vez que el museo cerraba, para que la obra perdiese por completo su razón de ser.

Desde entonces su carrera ha sido tan fulgurante que en 2007 el Art Review Magazine le incluyó dentro de la lista de Future Greats: 25 Artists You Need to Know. Una gran parte de su obra fue adquirida en 2006 por la Margulies Collection de Miami, y durante esta etapa  2003-2007 ha venido realizando exposiciones en solitario en el Palais de Tokyo de París y  en el Šiuolaikinio Meno Centras de Vilnius. También merecen destacarse las cinco obras realizadas para las cuatro exhibiciones (tres individuales y una colectiva) realizadas hasta el momento en la Spencer Brownstone Gallery de NY:

- Flying Tape (2004): Kempinas tergiversa completamente lo que hasta entonces se había entendido como video instalación al emplear la cinta de video no como portadora de imágenes sino como material escultórico en forma de lazo gigante que rodea completamente toda la estancia. Siete ventiladores industriales  forman un círculo en el centro de la sala  y hacen que la cinta de video flote y gire a medida que asciende y desciende aleatoriamente en el aire, permitiendo a los visitantes acceder dentro del lazo, introduciéndose dentro de la obra de arte con un fin lúdico. La monumentalidad serena y ascética de esta obra se logra través de un equilibrio entre las características arquitectónicas del espacio físico en el que se encuadra la obra y la orientación y potencia a la que se regulan los ventiladores del centro de la sala. De este modo se logra resaltar la aparente contradicción que ofrece la cinta de vídeo como material escultórico: pese a su flexibilidad y resistencia, su sorprendente ligereza hace que desafíe las leyes de la gravedad con un delicado baile alrededor de la habitación sin perder por ello su estructura circular. -Moon Sketch: Original propuesta en 3 dimensiones de Kempinas realizada para la exposición colectiva Drawings/Works on Paper by Gallery Artists en la cual se juega con las disfunciones entre lo que el ojo ve y el cuerpo experimenta. Para ello ideó una novedosa instalación de 90×10x90  que consistía en un tubo a través de cuyo extremo el espectador podía mirar como si se tratase de una mirilla. En el otro extremo había un dibujo realizado en carboncillo. El efecto logrado era el estar contemplando una escultura tridimensional y no un simple dibujo.- Columns (2006): Trece columnas  de 60 cm. de diámetro realizadas a partir de cinta de video transformaron por completo el espacio de la galería, haciendo que el visitante experimentase una auténtica experiencia óptica (en este sentido parece legítimo pensar que se trata de una especie de remake de su obra anterior Paintings from Nature). Esta vez las columnas estaban compuestas de tiras de cinta que se extendían del techo al suelo. Dichas cintas se alternaban en su orientación con respecto al espectador, de forma que tras una cinta colocada mostrando su superficie lisa y brillante, la siguiente estaba girada 45º, de forma que sólo revelaba la estrechez de su filo, y así sucesivamente. Esta estructura creaba un efecto vibrante y distorsionador a medida que uno se acercaba y se alejaba de la columna o giraba alrededor de ella. El haber fabricado estas efímeras y frágiles columnas de cinta de vídeo suponía un desafío a las propiedades básicas atribuidas a los elementos arquitectónicos, caracterizados habitualmente como inmutables e indestructibles.- Bike Messenger (2006): Pieza de videoarte compuesta por cuatro canales de video y ocho de audio de un extraño y alocado viaje en bicicleta. Para su realización Kempinas montó cuatro cámaras (cada una enfocando en una dirección distinta) en su bicicleta con el fin de documentar un paseo de una hora de duración alrededor de Manhattan y Times Square. El destino o el rumbo de ese viaje no importaba; la única premisa que había que mantener era el no parar de moverse. La instalación resultante recrea la odisea del artista mediante la proyección sincronizada de todo el recorrido en las cuatro paredes de una sala, de forma que el espectador se sienta transportado y  experimente las mismas sensaciones que en su momento sintió el artista. Los sonidos ensordecedores, el traqueteo de la bicicleta y el movimiento constante hacen que el espectador que se sitúe en el centro de la sala se sumerja sensorialmente en ese viaje de manera visceral. - White Noise (2007): Esta obra supone un nuevo progreso en el uso que Kempinas da a la cinta de vídeo en sus instalaciones al emplearla para evocar los juegos tautológicos minimalistas de los artistas conceptuales Joseph Kosuth y Robert Irwin. Nada más entrar en la galería se percibe un estruendoso sonido y al intentar averiguar su procedencia el espectador accede a una habitación oscurecida donde se ve confrontado con lo que parece ser una gran pantalla de ruido blanco en el extremo opuesto de la sala. La pantalla vibra con lo que parecen ser píxeles fragmentados en blanco y negro y se puede oír el ruido característico de esta señal aleatoria.  Al acercarnos, la pantalla muestra lo que parece ser un mareante efecto óptico y nos damos cuenta de que lo que en un principio parecía ser un plasma es en realidad una apertura en la pared cubierta de líneas horizontales de cintas de video que vibran por el efecto de unos ventiladores situados en la sala contigua. Sin embargo el espectador continúa experimentando la misma sensación de fascinación ante este sorprendente truco visual artesanal difícil de describir en palabras. Para esta obra Kempinas parece haberse inspirado por las magníficas fotografías en blanco y negro que Hiroshi Sugoto hizo de interiores de cine completamente vacíos, en las que el tiempo de exposición de la fotografía coincidía exactamente con la película que estaba siendo proyectada.

Además Kempinas participó, junto a los jóvenes artistas Stefan Hirsig y Tessa Farmer en el stand de la Spencer Brownstone Gallery durante la feria de Art Basel Miami Beach ‘07, en la que presentó dos interesantísimas propuestas artísticas que se convirtieron en la sensación de la feria ese año:

• Mounted Discs: Aglomeración de DVDs en blanco, apilados unos sobre otros y cuyo reflejo causaba un efecto sorprendente e inesperado en el espectador.
• Leminiscate: La figura geométrica del leminiscate es aquella que corresponde a un único plano curvo cerrado consistente en dos lazos simétricos que se encuentran en un punto común. En 1655 el matemático inglés John Wallis introdujo por vez primera el símbolo del leminiscate pare referirse al infinito y desde entonces esta notación permanece intacta. Lo curioso es que la iconografía hindú esta misma figura representa exactamente la misma idea, al ser el símbolo de Adisesha, la divinidad del infinito y de la eternidad que evoca el samsara (el ciclo interminable de nacimiento, muerte y re-nacimiento se asume como un hecho irrefutable de la naturaleza) y el valor emocional de lo eterno y lo infinito (ananta).
  Lo cierto es que a lo largo de la historia este simple símbolo ha representado un concepto que siempre ha constituido un enigma para la humanidad. Su construcción con la técnica habitualmente empleada por el artista es relativamente sencillo y el resultado final constituye una de las obras más bellas del artista, al “proyectar” sobre una pared el símbolo formado por un lazo de cinta VHS con la ayuda de dos potentes ventiladores.

De vuelta temporalmente en Europa y durante la exposición realizada en 2007 en el Šiuolaikinio Meno Centras de Vilnius mostró por vez primera su obra Parallels realizada con 25 km. de cinta de vídeo virgen dispuesta monótonamente en líneas paralelas a lo largo del techo de una sala. El hecho de que la cinta de video estuviese en blanco llevaba implícito una sensación de vacío, de quietud, ausencia y carencia que se transmite a toda la estancia, la cual permanece completamente desprovista de otras obras. En medio de este vacío, el hecho de tener que elevar la cabeza para contemplar la obra sugiere una cierta espiritualidad tranquila mientras se tiene la impresión de estar mirando al infinito.

…suddenly a boring room became magical…

A comienzos de 2008, el talento creativo de Kempinas le llevó a ser seleccionado como artista residente, durante los meses de enero-junio ‘08 del prestigioso Atelier Calder, gestionado en la localidad francesa de Saché por la Calder Foundation. Durante este periodo el artista estudió con detenimiento el interés hacia los efectos visuales que artistas como Vassarely y Calder demuestran en sus obras, e intentó dotar a sus obras aquellos elementos necesarios para convertirlos en auténticas experiencias estéticas y sensoriales. Fruto de esta investigación nacieron cuatro obras fundamentales en el recorrido artístico de Kempinas (sin contar con la grandiosa Tube, de la que hablaremos más adelante):

• Slow Motion: Curiosa y extraña obra de Kempinas en la que plantea una interesante reflexión sobre el paso del tiempo grabando sobre una plancha de acero unos dibujos oscilantes que se asemejan a las manecillas de un reloj girando en torno a un eje inexistente.
• Big O: Gigantesca instalación que sólo puede ser realizada en el exterior (tal y como fue mostrada en el Atelier Calder) o en monumentales dependencias interiores. Comprende un enorme lazo de cinta magnética que es mantenido en vilo desafiando las leyes de la gravedad mediante la ayuda de 3 potentes ventiladores a cada lado. La misma fuerza del viento que mantiene la cinta levitando hace que gire sobre si misma provocando un bellísimo efecto visual, como si se tratase de un dibujo realizado en el aire.
• Double O: Implica una progresión y una evolución con respecto a la obra O Between Fans realizada y presentada en la feria de Art Basel Miami Beach dos años antes, en 2006.  En dicha escultura un aro de cinta VHS levitaba en perfecto equilibrio entre la fuerte corriente de aire formada por dos potentes ventiladores.  Esta vez, en Double O son dos los aros de cinta magnética atrapados entre dos ventiladores formando una etérea instalación de una elegancia sublime que se pudo contemplar durante la feria de ARCo’09 en el stand de la Galerija Vartai.
  
• Tripods: Se trata de su primera escultura realizada en el exterior, dado que en NY no es fácil encontrar un espacio apropiado para la instalación de obras al aire libre. El material no podía ser, por tanto la cinta VHS sino que debía tratarse de algo ligero pero a la vez lo suficientemente fuerte para aguantar los fenómenos atmosféricos. Por ello, inspirado por las esculturas al aire libre de Calder, realizó una obra a base de varillas de aluminio, que “atrapasen” y reflejasen la luz solar. Agrupó las varillas en grupos de tres, de forma que se uniesen en la parte de arriba, como un trípode. El conjunto escultórico está compuesto de 100 trípodes unidos por la base lo que la convierte en una escultura frágil y fuerte al mismo tiempo. Las varillas tienen sólo 15 mm. de diámetro y se llegan a doblar ligeramente, lo que les da una apariencia mucho más orgánica. Sin embargo al estar unidas por la base son capaces de resistir todos los embates de la naturaleza.
  Se trata en definitiva del perfecto matrimonio entre lo natural y lo artificial, entre lo tribal y lo futurista; a pesar de estar hecho de aluminio sus curvaturas son naturales  y reflejan el sol, pudiendo captar la atención del espectador desde lejos.

La práctica totalidad de estas obras producidas durante su estancia en el Atelier Calder fueron mostradas desde el 18 de junio al 7 de septiembre ‘08 en Le Grand Café Centre d’Art Contemporain. Sin embargo, esta exposición, comisariada por Sophie Legrandjacques, también incluía muestras de obra anterior de Kempinas, como Flying Tape o Parallels, que servían para hacerse una idea general acerca de la trayectoria creativa del artista. La instalación de Big O, también formó parte de esta exhibición, pero dadas sus especiales dimensiones, tuvo que trasladarse a la Galerie des Franciscains de Saint Nazaire.

  Equilibrium (2006)

Durante el verano de 2008, Kempinas también fue seleccionado en Manifesta 7, la Bienal Europea de arte, celebrada en la región autónoma italiana de Trentino-Alto Adige del 19 de julio al 2 de noviembre de 2008. En la ciudad de Bolzano el artista se aprovechó de un elemento arquitectónico preexistente (una claraboya de una antigua fábrica de aluminio de 12 metros de altura) para instalar su Skylight Tower. Allí, con cable de pesca invisible colgó múltiples hileras de cinta VHS, que se desplegaba hasta llegar a escasos centímetros del suelo formando una espesa columna gigante. A pesar de que, dadas sus dimensiones, Skylight Tower parece dotada de cierta estabilidad, lo cierto es que es, como todas las instalaciones del artista lituano, una estructura ligera, vulnerable, efímera y etérea.En el SFMoMA y durante los meses de agosto-noviembre’08 Kempinas participó en una de las muestras colectivas que hace periódicamente el museo bajo el título genérico de New Work. Durante esta edición el museo deseaba investigar las más recientes tendencias en el arte basado en la luz, por lo que invitó, junto a Kempinas, a las artistas Alyson Shotz y Mary Temple. En esta muestra Kempinas presentó la obra Link, muy similar conceptualmente a la obra presentada en 2003 en el PS1 Still. Ciertamente ambas obras consisten en largas franjas de cinta VHS que se contemplan no como elementos independientes, sino como un corpus unificado debido a la presencia monumental de la obra pese a la naturaleza efímera del material con el que están hechas. Sin embargo, el efecto logrado en ambas es muy diferente por dos motivos fundamentales:

• Las proporciones de Link son de 1:1′5, es decir, considerando  la anchura de la cinta VHS como 1, el espacio entre las cintas es de 1′5. Esta proporción otorga a la obra un efecto óptico mucho más agresivo que Still dado que las cintas están colocadas de forma mucho más apretada entre si.
• El impacto y la naturaleza de la iluminación en ambas es muy diferente. Pese a que Kempinas no trabaja con sombras en sus obras debido a la teatralidad que normalmente llevan asociadas, a muchos de los espectadores de Link, les llamó mucho la atención la estructura de sombras entrecruzadas que la cinta VHS hacía sobre la pared y el modo en el estas sombras se sobreponían visualmente sobre la propia instalación. De este modo el movimiento de los visitantes animaba la pieza ópticamente con efectos ondulantes, convirtiéndola sin querer en una estructura propia del op art. Este efecto no se da ni mucho menos en Still, ya que esta instalación fue iluminada por tubos fluorescentes, los cuales no crean unas sombras tan nítidas en las paredes, pero que por el contrario, dan la sensación de que la pieza está flotando.

Tras una participación, junto con el artista eslovaco Roman Ondak dentro del programa Go East de adquisición de obra de artistas del este de Europa que está llevando a  cabo el MudAM de Luxemburgo, Zilvinas Kempinas finalmente culminó un apoteósico 2008 con la mayor retrospectiva de su obra hasta la fecha en la Kunsthalle de Viena (31 de octubre’08 – 25 enero’09). Esta exposición, comisariada por Gerald Matt y esponsorizada por el Ministerio de Cultura de Lituania incluía tres de sus mayores creaciones hasta la fecha (White Noise, Parallels y Columns). Ya en 2009, la presencia de su obra Big O dentro de la exposición colectiva The Immediate Future en el Lunds Konsthall (junto  a los artistas Manon de Boer y Melvin Moti) servía de aperitivo para la grandiosa participación de Kempinas como representante de Lituania en la 53ª edición de la Biennale di Venezia, uniéndose a la larga nómina de reputadísimos artistas lituanos que ya habían venido participando (Eglė Rakauskaitė, Mindaugas Navakas, Deimantas Narkevičius, Svajone & Paulius Stanikas…).
El proyecto Tube presentado para la Biennale ya había sido gestado y presentado durante su estancia en el Atelier Calder de Saché, pero no hay duda de que el entorno privilegiado en el que se exhiben las obras en la Biennale contribuye a resaltar cualquier pieza. El pabellón de Lituania en la Biennale estaba localizado en la Scuola Grande della Misericordia proyectado en el S. XVI por el arquitecto veneciano Jacopo Sansovina. En este impresionante edificio renacentista del barrio de Cannaregio es donde Kempinas instaló su obra Tube, comisariada y curada por Laura Rutkuté y Laima Kreivyté (ambas de la Galerija Vartai). La obra puede ser definida como un enorme túnel traslúcido de líneas paralelas creadas con cinta magnética que se zarandean ante la más leve brisa de viento creada por el tránsito de los visitantes. Sin embargo me fascinan las palabras con las que el comunicado de prensa intenta expresar la naturaleza de la obra:

(…) resonates with the environment of the floating city and creates a space where vision and movement are linked by means of the body. Tube addresses the physical and optical experiences of the viewer, and the passage of time, while creating the feeling of being inside and outside simultaneously. One can describe Tube metaphorically or geometrically but to be appreciated it must be experienced directly. No image can convey the gradual accumulation of sensory experiences awaiting visitors who pass through the translucent tunnel of parallel lines. Kempinas changes the function of magnetic tape from an information carrier to a linear map of time and space…

Durante la edición de VOLTA5 celebrada en Basel durante el mes de junio de 2009 pudimos ver las dos últimas creaciones del artista hasta la fecha. En ellas se aprecia una continuidad en las temáticas, objetivos y materiales que han  caracterizado el conjunto de su obra durante su breve pero intensa carrera artística. En ellas se aprecia como el arte puede llegar a transformar los espacios donde se sitúa mediante el uso de las herramientas más sencillas que uno pueda imaginar. Ambas piezas fueron presentadas en Basel por la Spencer Brownstone Gallery de NY:

•   Light Formation: Reedición de la obra de 2004 186,000 miles/second en el que bajo la apariencia de un simple cuadro lo que realmente encontramos una pequeña instalación que se basa en el juego de sombras proyectadas por unos pequeños clavos blancos que sobresalen de la estructura de madera rodeada por un marco sobre la que está construida la obra.
• Flux: Es la última pieza cinética a gran escala del artista y sin duda una de las más espectaculares, al lograr que dos cintas magnéticas leviten sobre un pedestal con la ayuda de dos potentes ventiladores situados justo encima, en el ángulo preciso para evitar que los  aros toquen la superficie.

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