“Toque más alto ese pasaje”

Arturo Toscanini. Foto: http://www.immac.it

—Toque más alto ese pasaje.
—¿Discúlpeme?
—Ese pasaje, que lo toque más fuerte.
—Perdone, maestro, me va a disculpar, pero en la partitura está marcado con piano y pianissimo.
—Bueno, hágame caso, yo le digo que así suena muchísimo mejor.

Y era cierto. Cuando volvió a tocarlo, se dio cuenta de que el viejo maestro tenía razón. Aquel pasaje, que al piano podía funcionar si se tocaba más bajo, adquiría otra envergadura cuando emanaba por primera vez del foso del Teatro de la Scala, arropado por el manto cálido de la orquesta. Arturo Toscanini, segundo violonchelo de la formación, podría haberse quedado petrificado cuando el mismo compositor en persona se dirigió a él. Pero apenas reparó en que se encontraba ante el mismísimo Giuseppe Verdi cuando intentaba justificar por qué había tocado esos compases de aquella forma.

Seis años después, aquel joven que apenas superaba la veintena se subió a un podio para dirigir la misma obra. Conservaba recuerdos muy vivos de aquellos días. El estreno de Otello, después de dieciséis años de silencio, fue un éxito sin precedentes en la ciudad. Al compositor lo llevaron en volandas hasta el Gran Hotel y allí estuvieron jaleándolo toda la noche mientras cantaban algunos pasajes de la obra que acababan de escuchar. Aquel era el Verdi genuino, el que era capaz de embrujar una platea con sus melodías hondas y pegadizas, de las que no era fácil desprenderse durante los días posteriores. Detalles aquí y allá, como ese insignificante pasaje de La traviata, “Dammi tu forza, o cielo!”, apenas una frase, un acompañamiento sencillo de la cuerda, bastaba por sí sola para estremecer hasta el último rincón del teatro.

Toscanini se haría cargo de la Scala en el peor momento de su historia. De la noche a la mañana se convirtió en el director más joven de la historia del teatro, con apenas 31 años cumplidos. Alguien debió pensar que, en aquel momento de zozobra, bien valía el riesgo de cambiarlo todo con un director nuevo que estuviera libre de la tradición anterior. Por aquel entonces, la orquesta del teatro no era permanente y la música estaba siempre supeditada a las voces, hasta el punto de que algunos cantantes tenían patente de corso para modificar las partituras a voluntad y permitirse así un mayor lucimiento.

Pero el nuevo director terminaría con todo aquello de raíz. Aquel joven, el mismo que tuvo la osadía de corregir al maestro Verdi, empezó a granjearse la enemistad de los compositores locales porque había decidido no conceder bises en las óperas más populares. Llegó a suspender una Norma después de un ensayo general porque no le gustaron los cantantes. Las interpretaciones eran sagradas y debían hacerse en un nivel óptimo de calidad musical y vocal, aunque acarreara disgustos y enfrentamientos. Y así fue durante toda su vida. Muchos lo recuerdan menudo y apocado mientras esperaba sentado en un banco del foyer, pero cuando entraba al teatro y se introducía en el foso, se subía al podio y alzaba la cabeza para pasar revista a sus huestes con la misma mirada que debió pasear Napoleón por el campo de batalla de Austerlitz. Para entonces, sin una sola palabra, ya había desatado el terror y había aguzado la tensión entre los músicos, que apenas habían tenido tiempo de mirarse entre sí para confortarse. Una vez, en un ensayo, se dio cuenta de que los metales habían entrado más tarde de lo debido al final de La Bohème, de Puccini. Bajó los brazos y los músicos dejaron de tocar. “No puedo sino taparme la cara de vergüenza —dijo, mientras rompía ese silencio incómodo que suele producirse cuando un director detiene abruptamente un ensayo—. Después de lo que ha sucedido esta noche, mi vida se ha acabado. Ya no puedo mirar a nadie a la cara. Pero él, él —recalcó con vehemencia, mientras señalaba a uno de los músicos—, dormirá esta noche con su mujer, como si no hubiera pasado nada”. Todo era hiperbólico y excesivo en él, y lo que no suscitaba una aquiescencia total provocaba la más furibunda reacción. Pero, en aquel momento, tras dos temporadas, había conseguido situar a la Scala como uno de los tres o cuatro mejores teatros del mundo, lugar que no ha abandonado desde entonces.

La primera ópera que dirigió como nuevo director de la Scala no fue italiana. Tras dieciséis meses de clausura, decidió reabrir el teatro con Los maestros cantores de Nüremberg, de Richard Wagner, en su versión íntegra. Era la primera vez que se representaba en Italia. Toscanini siempre concilió su predilección por Verdi con su pasión indisimulable por Wagner. Algo que, incluso hoy, doscientos años después del nacimiento de los dos compositores, se ve como una excentricidad, como si se diera por sentado que sus obras son irreconciliables. No deja de ser una ironía histórica que vaya a dirigir el Réquiem durante las exequias del mismísimo Verdi, sea quien años después llegue a Bayreuth con el honor de ser el primer director extranjero en bajar a su foso.

Toscanini en el foso de orquesta de Bayreuth © De Agostini Picture Library

El flechazo con la música de Wagner surgió en Parma, mientras cursaba estudios en el Conservatorio. Con diecisiete años pudo presenciar una función de Lohengrin. “Desde los primeros compases del preludio —recordará mucho después—, me invadieron unos sentimientos mágicos, sobrenaturales. Esas armonías celestiales me revelaron un nuevo mundo”. Un año después de llevar Los maestros cantores a Milán, visitará por primera vez el teatro de los Festivales de Bayreuth, en Baviera, que Luis II había financiado al compositor para que se escenificaran allí sus nuevos “dramas musicales”. Wagner había revolucionado el concepto de la ópera tradicional desde Tristán e Isolda, y la para su famosa tetralogía El anillo del nibelungo, necesitaba de un recinto que pusiera en práctica alguna de las ideas que había puesto por escrito en su ensayo Ópera y drama. Se trataba de construir un teatro que no tuviera palcos ni balcones regios, sino que todos los espectadores estuvieran sentados a la misma altura, como en los anfiteatros griegos y romanos. La orquesta debía quedar oculta por un foso debajo del escenario y tras un panel que hacia invisible al director. Y, lo más importante, las luces del teatro debían permanecer apagadas durante toda la representación para que los espectadores pudieran concentrarse en lo que ocurría en escena, la mayoría de las veces durante varias horas de duración.

Toscanini se granjeó también muchos enemigos por los teatros del mundo cuando insistía en mantener la sala a oscuras cuando dirigía Tristán. Si alguna vez el teatro osaba contravenir sus indicaciones y encender la luz, era capaz de golpear con violencia la que tuviera más cercana como señal de advertencia. Al igual que Wagner, concebía sus interpretaciones como una gesamkunstwerk, una obra de arte total, en la que todo debía encontrarse en un estado de tensión creativa, fraguada a través de largos y extenuantes ensayos. “Vuelvo ahora a casa —escribe en una carta de 1897 a su prometida— después de cuatro horas y cuarto de ensayos. Estoy muerto de cansancio. Empecé a las 10.30 de esta mañana ensayando el solo del tercer acto de Tristán con el solista de corno inglés; a las 11,30 comí a toda prisa un par de huevos y desde el mediodía ensayé solo con la orquesta; a las seis continúe con los cantantes. En total, once horas de ensayos para tu pobre Arturo”. Este frenesí lo mantendría hasta bien avanzada su edad, como si no concibiera una vida apacible. Cuando no dirigía, sus familiares lo recuerdan deprimido y alicaído, con la mirada perdida y ensimismada.

Arturo siempre fue un niño enfermizo y poca cosa. Era hijo de una familia obrera del barrio de Oltretorrente, en Parma. Su padre, Claudio, había estado enrolado en el ejército garibaldino y prefería el delirio de las charlas políticas en la plaza de la ciudad a su negocio como sastre, que terminaba atendiendo la madre. A los nueve años consigue una beca para estudiar música en el Conservatorio, situado al otro lado del río. Su madre jamás cruzará el puente para ir a visitarle. En medio de todas aquellas carencias emocionales, Toscanini formó su personalidad hasta graduarse como violonchelista y composición con la máxima nota. Peleó con ferocidad contra las condiciones más adversas para conseguir lo que anhelaba en un lugar que le obligaba a dormir en colchones de paja y cenar pescado podrido. Una vez, en venganza contra un profesor, mató al gato que tenía su mujer y se lo comieron entre varios compañeros.

Así que cuando escuchaba que programaba demasiada ópera extranjera en Italia, o que un italiano como él no sabía dirigir a Wagner como lo hacía un alemán, siempre terminaba descendiendo al foso de la orquesta para conjurar a todos esos fantasmas y asaetearlos con su batuta, con toda la rabia de la que era capaz, para crear la obra más perfecta. Cuando eso ya no era suficiente, ponía tierra de por medio y se iba a alguna orquesta donde aceptaran todas sus exigencias. Conquistó Viena y Berlín en 1929, a donde fue con los cuerpos estables de la Scala para interpretar unas memorables funciones de cuatro óperas emblemáticas de Verdi: Falstaff, Rigoletto, Il Trovatore y Aida. En sus memorias, un joven Herbert von Karajan recuerda con arrobamiento uno de aquellos acontecimientos. Al año siguiente, después de pelearse con la orquesta del Festival y de detectar varios errores en las partituras durante los ensayos, obsequió a Bayreuth con Tannhäuser. Aquel verano moriría el hijo del compositor, Siegfried Wagner, su máximo valedor. Aún dirigirá un año más, pero por aquel entonces, Mussolini ya había decidido ponerlo en arresto domiciliario en Bolonia después de llegaran a agredirle justo antes de un concierto. Era mayo de 1931. Llevaba negándose demasiadas veces a dirigir Giovinezza, el himno fascista italiano. “Prefiero morir antes que dirigir en Italia”, sentenció. Cuando Hitler llegó al poder en 1933 y le dirigió una carta para que fuera ese año a Bayreuth, no le quedó otro remedio que negarse “y aquello fue el dolor más grande de mi vida”.

Arturo Toscanini en la casa natal de Giuseppe Verdi, en Roncole (Italia)

Cabe preguntarse cómo se detiene un torrente de vida así. Alguien que, incluso superados los ochenta años, siguiera manteniendo sin mácula aquella tensión que dejaba caer sin cuidado alguno sobre los músicos que tenía delante. Ocurrió de repente. Un día, aquel volcán dejó de escupir fuego. Sucedió en mitad de un concierto. La orquesta de la NBC, formada especialmente para él en 1937 con los mejores músicos que fueron capaces de encontrar, ve a su director detenerse, sin más señas que los brazos extendidos, en la parte final de la bacanal de Tannhäuser (a partir de 18:30). Nunca le había sucedido una cosa semejante. Siempre había dirigido de memoria, en parte porque nunca pudo ver bien de cerca. El rostro que otras veces aparecía retador y altanero había mudado en perdido, contrariado. Todo en un breve lapso de tiempo. Por fortuna, pudo recuperar el compás y continuó la obra hasta el final como pudo.

Hacía tiempo que su familia le había insistido en que dejara de dirigir, que tal frenesí no debía ser muy saludable para un corazón que cuidaba en secreto, con breves visitas a un cardiólogo de la Universidad de Columbia. Le había recetado unas pastillas para controlar su tensión, pero el maestro había comprobado que le adormilaban y lo mantenían al margen de un mundo del que seguía degustando sus placeres, como ocurría con cierta bailarina mucho más joven que él, a la que frecuentaba cada vez que podía. Al final, dejó de tomar aquellas pastillas en vista de los resultados y decidió lanzarse a tumba abierta por una vida que, para él, nunca mereció medias tintas.

El director de la NBC le recomendó otro tanto, asumiendo que sus años con aquella orquesta habían acabado. Visiblemente triste y decepcionado con lo que había ocurrido durante el concierto, firmó ese día el finiquito como director. Falstaff fue la ópera que más veces había dirigido en su vida y el preludio de Los maestros cantores, la pieza más interpretada en su etapa americana. Aún dirigiría un par de veces más, con resultados mucho mejores que los de aquella noche, pero el fin ya lo esperaba al fondo del trayecto. Sus problemas de salud se agravaron y resultaron definitivos. Apenas pudo dedicarse a editar muchas de las cientos de horas que la RCA, el sello discográfico que la NBC creó cuando le contrató, había grabado a lo largo de todos esos años. Apartado de un podio y una batuta, todo terminó un 17 de enero de 1957. Toscanini moría en su domicilio del Bronx neoyorquino de un derrame cerebral.

A Giuseppe Verdi se lo llevaron rápidamente a la habitación cuando se desplomó en uno de los salones del Gran Hotel de Milán. Aún agonizaría unos días más, durante los cuales se esparció paja por toda la calle adyacente, para que el ruido de los carruajes no molestara al maestro. El director del hotel colgaba cada día el parte médico en la puerta principal. Muchos le velaron por la noche y, aunque fue enterrado en la intimidad por deseo expreso suyo, un mes después se trasladó el féretro hasta su lugar actual, la casa de reposo para músicos que mandó construir a su muerte. En el cortejo que lo acompañaba, la orquesta y los coros de la Scala se unía a la muchedumbre en el canto de “Va, pensiero”, el coro de los esclavos de su ópera Nabucco. Allí, en medio, el director del teatro, Arturo Toscanini, intentaba dirigir al conjunto.

Richard Wagner encontró la muerte también de improviso cuando descansaba en su estancia del palacio Vendramin de Venecia. Había estrenado Parsifal el verano anterior y había decidido retirase a descansar a una ciudad a la que siempre había acudido en momentos decisivos de su vida. La primera vez fue con el segundo acto de Tristán debajo del brazo. El poeta y escritor Franz Werfel publicará en 1924 La novela de la ópera, donde relata un encuentro imaginario entre Wagner y Verdi en la ciudad de los canales durante aquellos días de 1883. En esas páginas, los dos compositores llegan a cruzarse por la calle o en góndola. Ninguno de ellos se detiene. Cuando Verdi resuelve ir a visitarle, ese día Wagner muere. Después de diez años retirado en Sant’ Agata, apartado de la composición, deja Venecia en ese viaje irreal para disponerse a ultimar su siguiente ópera. Todos la esperan y Milán es un hervidero. En uno de los ensayos, nota que uno de los violonchelos suena demasiado suave. Cuando termina esa parte, se levanta y se aproxima con lentitud al foso de la orquesta.

—Toque más alto ese pasaje.

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Versión del artículo publicado en el número 143 de Nueva Revista de Política, Cultura y Arte

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