De galerías por Londres: Anthony Reynolds, Blain Southern y Victoria Miro

Probablemente Londres sea la ciudad con más espacios expositivos de Europa. A la extensa red de museos, en su mayoría gratuitos, hay que añadirle las galerías y espacios alternativos que hacen de ella una de las principales capitales culturales europeas. La calidad de sus museos es incuestionable, resultado de una envidiable tradición democrática que entiende que la cultura es patrimonio de todos. Aprovechando la celebración de Frieze el pasado mes de octubre, visitamos las principales galerías comerciales de la ciudad. Cabe decir con sorpresa que no es la ciudad europea que más ha llamado nuestra atención en cuanto a la calidad de sus galerías, sin duda los espacios son increíbles, pero Berlín y París tienen programas expositivos mucho más interesantes.  A pesar de lo grande que es Londres, las galerías se concentran en un área relativamente pequeña que puede visitarse a pie si así desea. A diferencia de otras ciudades, es habitual que las majors tengan más de un espacio expositivo, recordemos que últimamente parece una exigencia disponer de espacios amplios para exponer esos trabajos tan enormes y a menudo absurdos (los que se exponen en la sección Art Unlimited de Art Basel) que dan cuenta del tipo de coleccionista hacia el que va encarado el mercado del arte. No hemos incluido en esta ruta el espacio de Larry Gagosian cercano a King’s Cross, por ejemplo, o el antiguo espacio expositivo de Victoria Miro.

Vista de Londres desde la Tate. Foto: Camilayelarte

Los barrios que por los que se encuentra la selección de galerías reseñadas son Mayfair, Soho, las cercanías de Picaddilly y Marylebone. Se puede hacer la ruta a pie a excepción de Marylebone que está algo más alejado. No hemos incluido tampoco los espacios expositivos de Christie’s y Sotheby’s que se encuentran en Mayfair, al no tratarse de galerías sino de casa de subastas, pero os recomendamos que visitéis las exposiciones que se allí se celebran los días previos a las subasta. Hemos dejado fuera Hauser&Wirth porque no nos ha permitido fotografiar la Onnasch Collection en muestra en sus tres espacios expositivos. En cuanto a los museos cercanos a esta zona a destacar la Royal Academy of Arts. Sin más, aquí tenéis otra nueva entrega de galerías por Londres.

Leon Golub, Napalm Gates, Anthony Reynolds Gallery, 2013. Foto: Camilayelarte

Leon Golub, Mercenaries II, Anthony Reynolds Gallery, 2013. Foto: Camilayelarte

Leon Golub, Mercenaries II, Anthony Reynolds Gallery, 2013. Foto: Camilayelarte

Mercenaries II and Napalm Gates, Leon Golub
Anthony Reynolds Gallery
Pintor del hombre en conflicto, la violencia física y existencial es una constante en su obra. Anthony Reynolds pone en muestra por primera vez las series Mercenaries II y Napalm Gates, realizadas por Golub entre 1975-76 resultado del compromiso político del artista contra la Guerra del Vietnam. Hacia 1964 de regreso a EE.UU. tras vivir unos años en Europa, Leon Golub se implica directamente en las protestas contra dicho conflicto. En un momento en el que el mundo del arte estaba volcado en el arte conceptual y minimalista, alejado de cualquier relación con la realidad inmediata, política y social, la obra de Leon Golub se presenta como una propuesta valiente, coherente y muy personal, donde la pintura figurativa es el medio de expresión del conflicto histórico que se estaba viviendo en ese momento, una pintura del aquí y del ahora. Una de sus obras más conocidas, que cuelga en las paredes de la Tate, es precisamente Vietnam II, también de este periodo. Las pinturas que presenta Anthony Reynolds son algo posteriores a esta primera etapa en la que Golub decide abordar de forma directa la iconografía de la guerra en sus detalles más ordinarios. Los uniformes, las armas se convierten en imágenes violentas por la forma tan directa y real con la que están representadas, estar ante una pintura de Golub es tomar conciencia de hasta qué punto nuestra percepción del conflicto está mediada por la abstracción, tanto en el arte o en los medios de comunicación. De hecho el conflicto que describen las pinturas no está desligado del conflicto que en su momento vivió el artista en relación a su propia obra. Como reacción algunas obras de este periodo aparecen cortadas, lo vemos aquí en la serie Mercenarios, las telas, austeras, desnudas de cualquier marco y colgadas directamente en la pared están incompletas, son cortes dramáticos, la tela aparece como una piel fragmentada. Este gusto por el corte llega a su máximo expresión en las Napalm Gates, tal vez la más abstracta de las obras de Golub, una reinterpretación simbólica de las puertas de los Leones de Knossos, en clave contemporánea, la destrucción de las puertas de una ciudad desfigurada por el efecto del Napalm.
Anthony Reynolds Gallery
60, Great Marlborough Street - Londres
Del 19/09/2013 al 26/10/2013

Felix Gonzlaez-Torres & Damien Hirst, Candy, Blain Southern, 2013. Foto: Camilayelarte

Felix Gonzlaez-Torres & Damien Hirst, Candy, Blain Southern, 2013. Foto: Camilayelarte

Felix Gonzlaez-Torres & Damien Hirst, Candy, Blain Southern, 2013. Foto: Camilayelarte

Candy, Felix Gonzalez-Torres & Damien Hirst
Blain Southern
Esta exposición me produce una opinión ambivalente, a primera vista la encuentro una exposición oportunista. Nada más lejos de la inmaterialidad poética de Felix González-Torres que las vanitas procesadas por la cultura neoliberalista de Damien Hirst. Las montañas de caramelos de la escultura Untitled (1992) y las pinturas a base de colores de Visual Candy sólo tienen en común el caramelo, material del que está hecha una y palabra que da nombre al título la otra. Eso, y también el color. Empezando por la horrible tipografía del título de la exposición, “Candy”, que da la bienvenida a la entrada de la galería, el diálogo entre Torres y Hirst resulta cuanto menos inquietante, tras un paseo rápido ante los pastiches colorados de Hirst le entran ganas a una de empezar a llevarse los caramelos de Torres para que el diálogo acabe cuanto antes mejor. Es cierto que las pinturas falsamente felices y banales de Hirst esconden una aura de perturbación, incomodan, personalmente mucho, tal vez sea por el memento mori que contienen, Hirst es un poco como el Carnaval, por un lado se celebra el desfase, el salirse de los límites, unos  límites que al fin y al cabo no son otros que los de la propia muerte, y es aquí, en este punto donde sí  subyace un elemento en común con la obra de Félix González-Torres, quien también nos recuerda que nada permanece, que el cuerpo se desvanece lentamente. Podría ser que mi incomodidad ante la exposición no se deba a lo opuesta que me parece la obra de uno y otro artista, o a que la tonalidad cromática me deje aturdida, sino al hecho de que señalan bajo un falso disfraz de hedonismo y banalidad que estamos aquí de paso y nada más.
Blain Southern
4, Hanover Square - Londres
Del 16/10/2013 al 30/11/2013

Yayoi Kusama, White Infinity Nets, Victoria Miro, 2013. Foto: Camilayelarte

Yayoi Kusama, White Infinity Nets, Victoria Miro, 2013. Foto: Camilayelarte

 

Yayoi Kusama, White Infinity Nets, Victoria Miro, 2013. Foto: Camilayelarte

White Infinity Nets, Yayoi Kusama
Victoria Miro
Victoria Miro inaugura nuevo espacio con una exposición clásica, a pesar de que las obras se cuenten entre la reciente producción de su artista. Desde que en 1959 inaugurara su primera exposición individual en la Bratta Gallery de Nueva York, Kusama ha vuelto de forma intermitente a producir la serie Infinity Nets que la hizo famosa en la escena artística estadounidense de los sesenta. Artista obsesiva como ella misma se autodefine, en Victoria Miro cuelgan nueve pinturas en blanco, el mismo color sus primeras Nets. La pintura de Kusama es aparentemente monocromática  pero al acercarse, la tela desvela poco a poco el complejo sistema que le da forma. Los nudos se unen formando una red, un over-all que da lugar a una especie de paisaje entrópico fruto de la angustia de la artista ante la idea de lo infinito. El uso del blanco, la referencia a la luz y el juego entre oscilante entre dos planos, el físico de la superficie de la tela, y el espacio infinito e inmaterial al que hace referencia la intricada red de pinceladas, nos recuerda que la obra de Kusama no se aleja de las investigaciones de artistas como Lucio Fontana, Piero Manzoni o Yves Klein. En una sala adyacente a las pinturas, se ve una instalación, una mesa apareada para comer, las sillas y el armario-alacena, también en blanco, se ven cubiertas por una red, ahora sí, real que las cubre. Yayoi Kusama menciona en una entrevista, que tras iniciar al serie de Infinity Nets, su estudio empezó a cubrirse de la red blanca de tal modo que hasta los muebles parecían absorbidos por la pintura. Si la tela es la imagen de ese espacio mental del artista, obsesivo en el caso de Kusama, la instalación es la prolongación de la esfera de lo mental al plano de lo real.
Victoria Miro
14, St George Street - Londres
Del 01/10/2013 al 09/11/2013
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