Las 50 mejores secuencias iniciales de la historia

Las grandes películas deben serlo desde el principio. Eso es así. En un mundo como el de hoy, en el que cada vez tenemos más estímulos y en el que cada vez hay más actores que buscan ser protagonistas dentro de nuestro tiempo libre, los principios son clave, y si no logran enganchar, el espectador rápidamente pasará pantalla para dar con algo mejor. Factor que nuestros compañeros de Film.com han debido tener muy en cuneta a la hora de obsequiarnos con las las 50 mejores secuencias iniciales de la historia del cine. Muchas de ellas, lucen en filmin.

50. Ojos de Serpientes - Brian de Palma (1998)

48. El Rey León - Rob Minkoff (1994)

47. Scream - Wes Craven (1996)

¿Cuál es tú película favorita de miedo? Es cierto que ha sido parodiada y ridiculizada en innumerables ocasiones, incluso en sus propias secuelas. Sin embargo, el sentido del humor negro está perfectamente complementado por la habilidad para diseñar una pieza de horror freaky, que resulta ser la mejor de todos los tiempos.

46. Reservoir Dogs - Quentin Tarantino (1992)

''Perdón por no ser el mayor fan de Madonna del mundo". Bienvenido al panteón, Mr. Tarantino. Conoces la escena. Un grupo de gánsteres está sentado alrededor de una mesa en la que ese ofrece una lectura alternativa de una famosa canción pop. Así es. Ni si quiera me refiero a la propaganda del icónico título en cámara lenta que le sigue. Y sí, el rap pre-crédito "Pup Fiction" -con Tim Roth- debería ser más emocionante. Pero justo aquí está el retrato de un artista revelando la esencia de su acercamiento al medio, cogiendo una idea establecida de la cultura y haciéndosela propia, con esa manía y sinceridad con la que parece que nos encontramos por primera vez. 

45. Las Margaritas - Vêra Chytilová (1996)

44. Magnolia - P. Thomas Andersson (1999)

43. La Chica del Puente - Patrice Leconte (1999)

42. Brazil - Terry Gilliam 

41. Cabaret - Bob Fosse (1972)

40. Breve Encuentro - David Lean (1945)

A primera vista parece que la primera escena no equivale a nada. Los trenes pasan a lo largo de las plataformas mientras suenan las persistentes notas de "Piano Concerto No.2" de Rachmaninoff, pero la película se vuelve rápidamente a lo mundano de las idas y venidas de la cafetería de una estación encantada. La camarera coquetea con un cliente. Una joven pareja en la esquina trasera se ve interrumpida por un conocido. La escena es casi insignificante al verla por primera vez. Sin embargo, después de haber visto este clásico romántico de David Lean, las lágrimas brotarán desde el plano general del interior de la cafetería. Una obra maestra sobre la añoranza. 

39. Uno de los Nuestros - Martin Scorsese (1990)

38. La Red Social - David Fincher (2010)

37. Aguirre: La cólera de Dios - Werner Herzog (1972)

A Werner Herzog le gusta auto-mitificarse, y te necesita para saber que no está jodido. "Aguirre: La cólera de Dios" es la mejor obra de una carrera llena de legítimos contendientes, y su primera escena es un perfecto resumen de la filosofía de todo su trabajo. El relato de una expedición condenada en el siglo XVI a la ciudad de El Dorado, Aguirre presagia su caída de héroe a loco con un descenso literal de él mismo, en un desfile de extras bajando el camino de montaña más terrible del mundo. 

36. Los Viajes de Sullivan - Preston Sturges (1941)

35. Hijos de los Hombres - Alfonso Cuarón (2006)

34. Europa - Lars von Trier (1991)

Muchas películas son descritas como "hipnóticas" pero la única película capaz de llevarse tal adjetivo es la deslumbrante "Europa", que empieza hipnotizándote. "Ahora va a escuchar mi voz",  dice Max von Sydow sobre una imagen en blanco y negro de un tren rodando lentamente en el olvido, donde la resistencia es inútil. Uno no solo debe ver "Europa" debe dejarse seducir por la película. Y antes de que lo sepas, te habrás visto seducido en un sueño noir salvaje, preparado para recibir las imágenes alucinantes con las que von Trier cuenta la historia de un trabajador ferroviario estadounidense que se enamora de una femme mal en la bizarra Alemania ocupada por los EEUU. Allí a las diez, o perderás el tren.

33. El Beso Mortal - Robert Aldrich (1955)

32. El Desprecio - Jean-Luc Godard (1963)

31. Apocalypse Now - Francis Ford Coppola (1979)

30. Mamma Roma - Pier Paolo Pasolini (1961)

Muy, muy pocas actrices tienen la presencia en pantalla de Anna Magnani. Y nadie, tal vez con la excepción de Roberto Rossellini, supo captar mejor la esencia de la película de Pier Paolo Pasolini. "Mamma Roma" comienza en un banquete de bodas, con la volcánica actriz conduciendo a unos cerdos al salón de banquetes con una escoba, como si fuese una broma para los novios y sus invitados (un momento muy Pasolini). Sin embargo las cosas realmente se encienden cuando cantan pareados italianos. Magnani absolutamente dueña de la pantalla, cantando a todo pulmón y riendo con tal espíritu que no tenemos ningún problema en absoluto para asignar a "Mamma Roma" la maternidad profana y espiritual de toda una nación. 

29. Melancolía - Lars von Trier (2011)

28. El Séptimo Samurai - Akira Kurosawa (1954)

27. UP - Pete Docter & Bob Peterson (2009)

26. Tres Colores: Azul - Krzysztof Kieslowski (1993)

"Tres Colores: Azul" es una película sobre música, autoría y memoria. Pero antes que todo, es una película sobre la pérdida (y el color azul, naturalmente). Esta película comienza casi en silencio, hasta que este es interrumpido por el brutal accidente de coche que destruye de repente una familia entera. Es de la lista una de las escenas más bellamente fotografiada, la apertura de la famosa trilogía de Kieslowski es en cierto modo enigmática -Juliette Binoche, protagonista y estrella- ni siquiera aparece en la pantalla. Es más sobre la tragedia misma, enmarcada en un campo de tonos azules magníficos y sombríos. Hay música para este campo, aunque sea difícil de escuchar. 

25. Lost in Traslation - Sofia Coppola (2003)

24. Trainspotting - Danny Boyle (1996)

23. Ciudadano Kane - Orson Welles (1941)

22. Centauros del Desierto - John Ford (1956)

21. La máscara del demonio - Mario Bava (1960)

Mario Bava era un maestro de la atmósfera. Sus películas se arrastran bajo la piel, prosperando en una calidad totalmente espantosa. "La máscara del demonio" funciona más rápido que cualquier otra obra en la construcción de una textura de temor. Comienza con un prólogo centrado en siglos pasados. Una bruja moldava en el siglo XVII se enfrenta a la prueba de fuego: la marca y la condena eterna. Sin embargo, la última máscara del demonio hace que esta sea una secuencia icónica, una imagen evocadora de la violencia que no olvidará fácilmente. 

20. Indefenso - Mike Leigh (1993)

David Thewlis, teniendo sexo en un callejón. Él es violento, algo sádico y prácticamente Dostoievskiano en su perspectiva en la que se ve absorto en sí mismo brutalmente. Al principio, sin embargo, no lo sabemos. Todo lo que tenemos es un par de imágenes de Thewlis sosteniendo a una mujer contra una pared, en un principio con su permiso, pero pronto sin. Ella grita y sale corriendo en la noche, su breve encuentro resulta un desastre. Es una instantánea de la narrativa oscura que ha de venir, un preludio apropiado para una de las obras más desconcertantes del cine de arte.

19. El juego de Hollywood - Robert Altman (1992)

18. Vértigo - Alfred Hitchcock (1954)

17. Una luz en el hampa - Samuel Fuller (1964)

16- Tiburón - Steven Spielberg (1975)

15. West Side Story - Jerome Robbins & Robert Wise (1964)

14. Las Harmonías de Werckmeister - Béla Tarr (2000)

13. La Dolce Vita - Federico Fellini (1960)

En 1960 un plano desde un helicóptero era una verdadera hazaña, y se maneja con tal estilo aquí que uno desea que los directores de hoy en día tomen nota de cómo iniciar su película con un sentido de grandeza. Se toma una amplia panorámica, y una estatua de Jesús cuelga del helicóptero, la unión de la tecnología y el mundo antiguo se yuxtaponen con mujeres en bikini que anuncian la llegada de un nuevo ícono religioso. La secuencia de apertura muestra una increíble cantidad de conocimiento técnico, enorme talento el de Federico Fellini. 

12. James Bond Goldeneye - Martin Campbell (1995)

11. Fraude - Orson Welles (1974)

10. El Hombre con la Cámara - Dziga Vertov (1929)

Para Dziga Vertov, la cámara se pierde al adaptarse a otros medios, ya que los cineastas estaban negando al cine su verdadero potencial. Siempre presentaban los mismos dramas y las mismas historias que en la palabra escrita. Como escribió en 1923 en "El Consejo de los Tres" a los directores de fotografía: ''El cine se envenena con la terrible toxina de la rutina." Cuando Vertov mira a una cámara, no ve un medio para preservar lo que el ojo humano puede ver, sino un artilugio capaz de mejorarlo. Para Vertov, la cámara ofrece el mundo tal cual lo conocemos, y considera que no ha de ser así. "El Hombre con la Cámara" fue una película que utilizó el propio formulario para ilustrar la ideología de Vertov y su secuencia de apertura -como en Holy Motors- revela el poder que el cine ha puesto a su disposición. 

9. Pozos de Ambición - P. Thomas Andersson

La escena inicial de "There Will Be Blood" muestra el precio a pagar por el petróleo, y un largo camino hacia la explicación de por qué Daniel Day-Lewis, Daniel Plainview es un hombre tan duro e implacable. Él no es un villano, pero no es un héroe cualquiera, está simplemente haciendo lo que debe hacer, y está motivado por el hecho de que podía morir mañana. Vive trabajando duro en el polvo y la suciedad de América, los primeros cuatro minutos retratan su férrea determinación y sacrificio. 

8. El Cielo sobre Berlín - Wim Wenders (1987)

"El Cielo sobre Berlín" comienza con una secuencia inolvidable de 11 minutos que parece difusa y desconcertante hasta que te das cuenta de que es precisamente lo contrario. Abrimos en una ciudad, parece Berlín, pero es difícil decirlo seguro desde el cielo. La cámara de Wim Wenders se mueve en torno a un grupo de ciudadanos aparentemente aleatorios, capturando sus monólogos interiores. Y así sucesivamente, flotamos por encima, como si nada, y no hay nada más allá de nuestro ámbito de competencia, ni siquiera el corazón humano. Todo está disperso, es un lío de secretos y hechos sin contexto. Todo simpatía, pero no hay empatía. Berlín como la vemos aquí es demasiado preciosa en la mitad, sublime y brillante, pero un poco fuera de su propio alcance. Cuando Wenders finalmente nos deja caer en una conversación entre dos ángeles, el descenso genera que asombro y lástima enlacen perfectamente, y "El Cielo sobre Berlín" ya está volando.

7. Manhattan - Woody Allen (1979)

6. Malditos Bastardos - Quentin Tarantino (2009)

5. Sed de Mal - Orson Welles (1958)

4. Walkabout - Nicolas Roeg (1971)

3. El Padrino - Francis Ford Coppola (1972)

2. Hatsa que llegó su hora - Serigo Leone (1968)

1. 8½ - Federico Fellini (1963)

La apertura de "8 ½" es brillante por la misma razón que la película en su conjunto es brillante. Es tan rica en simbolismo, con carácter, visualmente impresionante y emocionalmente resonante. "8 ½"es un triunfo de sonido y música que comienza con un silencio total y absoluto. Para alcanzar finalmente su carácter abierto, se necesita una exultante liberación final que debe abrir atrapada, estrecha y falta de aliento. "8 ½" es como una montaña rusa de la conciencia, esta secuencia es el tren que sube la primera colina, deteniéndose brevemente en la parte superior a mirar en silencio desde el cielo, antes de caer en una jovial y palpitante aventura a través de la mente torturada de un hombre.