13 de Octubre del 2014 | etiquetas: Festival de Sitges, Festivales 2014
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Lo avisamos en nuestra previa, abarcar lo inabarcable sin enloquecer en el intento. Ésta ha sido la misión imposible para todos aquellos que nos hemos sumergido durante estos últimos nueve días en la delirante vorágine fantástica que caracteriza Sitges. Pues bien, con el banquete finiquitado y el plato rebañado (aunque aún en pleno proceso de digestión y a la caza de aquellos pocos títulos que se nos han escapado), os dejamos con neustro Top-20 disfrutado en Sitges 2014 cuya huella quedará eternamente impresa en nuestra retina cinéfila, aunque sea por razones bien diferentes. Así pues, al lío.
1. FISH & CAT de Shahram Mokri
Nuevas Visiones
En pocas palabras:
Un cruce imposible entre "El Desconocido del Lago" (sin sexo y con registro caníbal en vez de gay) y el poso existencial de Nuri Bilge Ceylan rodado en un único y ante todo, insólito plano secuencia.
En unas cuántas:
Probablemente estemos ante el empleo del plano secuencia más justificado que jamás podríamos llegar a imaginar. "Fish & Cat" es una obra única y apabullante que, propulsada por un prodigio técnico que aparantemente debería limitarlo y anclarlo en un solo momento del presente, reflexiona ante todo sobre el tiempo, el futuro, el pasado, y por descontado el presente. Sobre como plasmar una perspectiva en el tiempo y al mismo tiempo, fisurarlo y desquiciarlo. Un reto ambicioso y extremadamente complicado que Shahram Mokri tiene la delicadeza de afrontarlo desde la más absoluta honestidad y austeridad, pero también desde la descarada valentía, una precisa y rigurosa planificación, y una inabordable creatividad. Estamos ante un plano secuencia de dos horas y cuarto en el que no hay noticias de la steadycam (pese a los innumerables paseos que sus personajes recorren siguiéndoles su director cámara en mano), tampoco atisbo alguno del empleo de cualquier artificio formal. Lo que si que presenta es una película que se antoja tan cruda como estratosférica, tan fabulesca como pesadillesca. Una mirada rebosante de matices dramáticos, terroríficos, cómicos, poéticos o incluso folklóricos, que también levita sobre un antológico poso existencial, que se siente tan técnicamente portentosa como atmosféricamente arrebatadora, cuya sideral grandeza viene marcada por la inaudita ruptura de la relación espacio-tiempo que articula, que bien podría leerse como una descarnada métafora sobre el vulnerable sometimiento al que se ve abocada la juventud iraní ante el opresivo poder político y gubernamental. Una juventud devorada por su propia sociedad que asimismo también podría compararse con el cuento de Caperucita Roja y el Lobo Feroz. Cuando la vean (ojalá así sea) me entenderán. Puro arrojo y absoluto genio que encumbran un plano secuencia único en su especie. Brutal, absolutamente magistral.
2. GOODNIGHT MOMMY de Veronika Franz y Severin Fiala
Melies de Plata Mejor Film Fantástico Europeo, Mención Especial de la Crítica
En pocas palabras:
Un digna heredera de "Funny Games" con retazos de Cronenberg, esencia de "Canino" y fugas a lo Malick. Quien está detrás de ella no es otro que Ulrich Seidl (quien produce) y su mujer (quien dirige).
En unas cuantas:
Una demente incursión en el género de puro terror, una prometedora y colosal muestra de cine de autor. "Goodnight Mommy" sacude con el horror cotidiano más afilado, perturbador e inteligente visto desde "Funny Games", y lo hace partiendo desde la turbia sugerencia, desde el siniestro misterio y una penetrante y detallada puesta en escena, demostrando así una rebelde y reveladora economía de recursos. Desde su elegante y elaborada fotografía hasta su incisivo trabajo de sonido, pasando por unas interpretaciones potentes envueltas de un paisaje que aparenta ser un paraíso, pero que desde su primera secuencia se revela en un demoledor infierno que no da pie a respiro. Welcome to the Jungle. Como bien mandan los cánones de la escuela austríaca a la que representa, "Goodnight Mommy" no muestra piedad alguna por el espectador ni sus personajes. Partiendo desde la más estimulante sugerencia y desembocando en la más incomoda y explícita frontalidad, Veronika Franz y Severin Fiala sacuden con el más retorcido y violento sadismo, basculando sobre un trasfondo tan hermético y complejo como sobrecogedor, enfermizo y malrollero, que por si fuera poco, también luce apabullantes y audaces giros. Y todo ello al servicio de una introspectiva muestra de terror social que apunta a la familia y la identidad con certero objetivo, permitiendo incluso que el torture-porn irrumpa en escena sin que se adueñe de ella. Sin duda, una de las grandes estrellas de esta neuva edición del Festival de Sitges.
3. THE WORLD OF KANAKO de Tetsuya Nakashima
Mejor Actor
En pocas palabras:
Un cruce entre Laura Palmer y "Oldboy" rodado con sello pulp a lo Seijun Suzuki.
En unas cuantas:
Uno de los mejores y más memorables títulos por los que seguro, recordaremos esta Sección Oficial de Sitges. Tetsuya Nakashima sigue incurriendo en su particular universo desde su inconfundible registro. Es decir, tal y como hiciera en sus tres primeras (e igualmente fascinantes) películas, vuelve articular un violento y enervado thriller criminal, que también es un siniestro y perverso drama familiar, enmarcándolo desde el formato eminentemente videoclipero y publicitario. El resultado es una obra estéticamente sobrada de excesos, argumentalmente pasada de vueltas, que se siente tan estridente, ampulosa y sobrecargada, como penetrante, inquietante y definitivamente cautivadora. Un artefacto sobrado de provocativos contrastes que tiene el descaro de retorcer hasta la saciedad aquellos tabús sociales que se sienten más mórbidos y escabrosos (la prostitución de menores, las turbias relaciones paternofiliales o el bullying están entre ellos) desde una mirada eminentemente esteta y agresivamente reiterativa. Y aunque todo ello apunte a lo contrario, el aclamado director japonés no solo sale ileso de la quema, sino que más bien, tan inabarcable reto lo supera con nota. No en vano, es su marca de la casa. "El Mundo de Nananko" es una indomable delicia audiovisual que, comunicándose no tanto por los diálogos de sus personajes como a través de su frenético e hipervitaminado montaje, sorprendentemente abduce mucho más de lo que supuestamente epata. Su merecido protagonismo en el palmarés final atisbaba una apuesta segura y así fue. Por más que el Premio a Mejor Actor sepa más bien a poco.
4. THE DUKE OF BURGUNDY de Peter Strickland
Mención Especial Nuevas Visiones
En pocas palabras:
"El Sirviente" + "Belle de Jour" con aroma vintage y corazón de "Mulholland Drive".
En unas cuantas:
Lo que prácticamente deberíamos señalar como una genuina y estilizada obra maestra. La experiencia de visionado de "The Duke of Burgundy" resulta un deleite romántico tan abrumador como hipnótico y penetrante, tan jocoso como perturbador, elusivo y amenazante, tan siniestramente hermoso como seductoramente turbio. Partiendo del sugerente paralelismo que Peter Strickland articula entre una excéntrica relación lésbica de sometimiento en el que los registros mutan y se intercambian los papeles, y una singular mariposa británica denominada "Duke of Burgundy" (que no casulamente, hablamos de un pequeño lepidóptero que al igual que la sirvienta protagonista, es en primavera cuando frecuenta los pastizales claros de los bosques soleados, y que es también de los ejemplares más delicados, frágiles y minoritarios), surge un melodrama perversamente amoroso y desconcertantemente pasional que se siente mucho más sensual que áspero, mucho más emocionante que terrorífico. Y es que a través de ella recorremos las diferentes etapas del amor en su estado más sentimental y puro. El enamoramiento, la atracción desbocada, el amor maduro o el inevitable desencanto recorren una película deliciosamente vintage que, sustentada sobre una surreal y afilada atmósfera, la celestial banda sonora de Cat's Eyes de la que se envuelve, el constante juego de sonidos con el que sacude o el sofisticado y refinado trabajo de fotografía con el que se plasma, respira un cautivador aroma setentero que bien podríamos englobarlo al género del (pseudo)terror psico-erótico, aunque entre sus referentes no solo surga el David Lynch de "Mulholland Drive", también el Jospeh Losey de "El Sirviente" o el Luis Buñuel de "Belle de Jour". Sugestivos nombres que como no podía ser de otra forma, desembocan en una fascinante obra visualmente arrebatadora, emocionalmente audaz y arrolladoramente engatusadora. Una obra prácticamente maestra, que resulta tan dementemente sutil como exquisitamente lozana y radiante. Era nuestra gran favorita a liderar el palmarés final de Nuevas Visiones. Todo un ejemplar, y es que su título no miente.
5. LA DISTANCIA de Sergi Caballero
Sección Oficial
En pocas palabras:
Su director la señala como "un cruce entre Tarkovsky y Kung-Fu Panda", nuestro compañero Neil Young la define en The Hollywood Reporter como "una película de robos con un giro tan exquisitamente bizarro que hace que Origen parezca Ocean's Eleven. Compramos tanto una como la otra. Y si a ellas les añadimos Bresson y Terry Gilliam, ya tenemos el pastel completo.
En unas cuantas:
"Un filme con tres enanos que hablan por telepatía en atmósferas extrañas solo podía estrenarse en Sitges". Es la inmejorable presentación que su director, Sergi Caballero, podría brindar al estreno nacional de "La Distancia". Todo un acontecimiento, y no tan solo por significar la tercera película que surge con sello Sónar, también por suponer, y probablemente de largo, la película más socarronamente marciana que disfrutamos esta nueva edición de Sitges. Una destilada mezcla de géneros (en ella convergen el fantástico, la comedia, el thriller, o el drama existencialista) que partiendo de un singular registro que resulta tan surrealista como minimalista, y un irreverente humor absurdo que tiene la capacidad para convertir lo soez y grotesco en incentivo y estímulo, articula la película de robos más peculiar y bizarra jamás filmada. Tanto es así, que tiene el descaro, más bien la ingeniosa agudeza, de convertir un paraje desolado de Teruel, que en su tiempo fue la central más grande de España, en la Siberia más remota y profunda, proclamándolo así (y con el permiso de nuestros 3 particulares 'fantásticos') en el gran y verdadero protagonista de "La Distancia", una hermética y provocativa rareza entre cuyos encantos telequinéticos destaca su capacidad para convertir la voz en off en telepatía. Una distopía neorrealista de índole tan artística como plástica, que subvierte dos de los subgéneros más manidos del cine comercial (como es el caso del cine de superhéroes y robos) en una muestra del cine autorial más desconcertante y radical. Un extravagante y poderoso WTF que bien merecía su debido protagonismo en el palmarés final.
6. THE BABADOOK de Jennifer Kent
Premio Especial del Jurado y Mejor Actriz Sección Oficial
En pocas palabras:
El hombre del saco la estilo Polanski. "La semilla del diablo", "El quimérico inquilino", "El exorcista", "Déjame entrar" o "La profecía" son algunos de los ilustres referentes confesados por su propia directora. Ninguno sobra, aunque probablemente más de uno falte. Empezando por el giallo de Mario Bava o acabando en "Alta Tensión". Y es que, hablando en términos futbolísticos, "The Babadook" sería algo así como el Yaya Touré del terror. Un todoterreno que, sin prácticamente inmutarse, arrolla con todo a su paso. Implacable.
En unas cuantas:
Una obra magna del género rey que tiene la inapelable virtud de revelarse en una poderosa monster movie, también en una película de posesiones ejemplar y multidireccional, y ante todo en una penetrante y vigorosa pieza de terror psicológico. Un portentoso y creativo refrito de subgéneros que por defecto viene envuelto de un aura turbadoramente polanskiana, que articula un tono tan agresivo y enfermizo como imprevisible y siniestro, que bascula sobre una esencia tan estremecedora como inicua y transgresora, que imprime un registro tan clásico como definitivamente moderno. Virtudes, contrastes, que encumbran "The Babadook" en lo más alto, no solo el mito del hombre del saco, también en lo más alto de lo que presuponemos como cine de autor. De aquel cine que gracias a Jennifer Kent y a la precisa inteligencia que demuestra poseer en cada estimulante detalle de su complejo planteamiento, irrumpe una obra sólida y potente que bien merece ser venerada como cine de género con sello de autor. No en vano, la perversa y macabra "The Babadook" transita una puesta en escena claustrofóbica y una trama deasosegante que esta mucho más centrada en alimentar la atmósfera orpresiva de la que se envuelve (para ellos us prodigioso juego de sonido es clave), que sacudirnos con inesperados giros, aunque también los tiene. Tan frágil, sutil y delicada como descarada, sobrecogedora y brutal, estamos ante una descomunal ópera prima cuya condición de hype para nada le va grande. Y lo hace partiendo de la sugerencia, pero golpeando con absoluta contundencia. Escalofríos de los de verdad. Para dar y tomar.
7. STARRED UP de David Mackenzie
Nuevas Visiones
En pocas palabras:
Cine carcelario en la mejor de sus versiones.
En unas cuantas:
Un tour de force en todas sus vertientes (tanto a nivel de cámara como interpretativo) que es también la mejor película de David Mackenzie, y de largo. Un clásico instantáneo del cine de prisiones que no tan solo destaca por su violencia extrema y salvaje aspereza, por su feroz visceralidad y sobrecogedora crudeza. También por significar aquella película que de forma más desgarradora, seca y abrupta aglutina más agresiones y hostias que un servidor recuerda desde "The Raid", por mucho que una se sitúe en las antípodas de la otra. Y es que "Starred Up" se desmarca del cine de género, es decir, del thriller carcelario, para incurrir en el drama íntimo (aquel que aborda la autodestructiva relación entre padre-hijo) y la denuncia social (aquella que reivindica la terapia grupal para enderezar la conducta y el comportamiento en detrimento de la incomunicación y vapuelo físico que hoy día se emplea). Para que nos entendamos, "Starred Up" es como si soltaramos a dos toros desbocados entre rejas, que a pesar de amarse incondicionalmente, no han sido criados ni enseñados para poder transmitirse su amor. Y claro, lo que ello provoca es una constante sensación de penetrante amenaza, una violenta sacudida tras otra que supura tanto a nivel físico como a nivel emocional. Intensa y opresiva, brutalmente agresiva y devastadoramente épica, "Starred Up" paradójicamente, también siginifica la película más humanizadamente deshumanizada que uno recuerda en lo que a cine carcelario se refiere. De hecho, podría compararse a "Un Profeta", a pesar de que indiscutiblemente resulte mucho más frontal y directa, mucho menos ambiciosa y compleja. Y aún y así, sería lícito anteponerla. Para agarrarse los machos, vamos.
8. COLD IN JULY de Jim Mickle
Mejor Director Sección Oficial Órbita
En pocas palabras:
Un "Pulp Fiction" oscuro, bizarro y texano.
En unas cuantas:
Cine de género, cine de serie B, que también significa una muestra extraordinaria de cine negro. Sus demoledores giros, sus múltiples referencias al thriller ochentero, sus inesperados golpes de humor o un constante agetreo del tono que lo lleva a alcanzar cotas insospechadas de esquizofrenia y desconcierto, provoca que estemos ante un siniestro y desmadrado divertimento, tan aparantemente naif e ingénuo como verdaderamente espeluznante, esecrable y sórdido. Un contundente, perverso y carismático descenso a los infiernos destinado a causar un sobrecogedor furor allá por donde pasa. Sitges ha sido una nueva prueba de ello. Fenómeno.
9. A GIRL WALKS HOME ALONE AT NIGHT de Ana Lily Amirpour
Mención Especial Sección Oficial, Mejor Film Jurado Joven, Mejor Director Novel
En pocas palabras:
Un abrazo entre el primigenio y último Jim Jarmusch. Como si "Noche en la Tierra" se cruzara con "Solo los Amantes Sobreviven" bajo la mirada de Kaurismäki, el espíritu nouvelle vague, la personalidad de "Johnny Suede" y el sello "Persépolis", para desembocar en un particular western situado en un NO lugar llamado Irán.
En unas cuantas:
Desde su apabullante primer plano, sus evocadores títulos de crédito y su música de apertura, sabemos a lo que nos atenemos, y digamos que en el mejor de los sentidos: un debut embriagadoramente simpático y definitivamente memorable del que se atisba una descomunal obra de futuro culto. Rodada en un pulcro y radiante blanco y negro, enmarcada desde un apabullante empleo del enfoque panorámico que luce sus mejores galas, "A Girl Walks Home Alone at Night" es un western iraní vampírico y rockero en el que principalmente resuenan los ecos del cine de Jim Jarmusch, pero en el que también tienen cabida referentes que directamente nos podrían llevar a los"Lenningrad Cowboys", a "Johnny Suede" o por descontado, al espíritu aparantemente naif de la nouvelle vague. Y es que, todo apunta a que la ópera prima de Ana Lily Amirpour se propulsa por el hecho de imaginar como sería, qué haría, la protagonista de "Persépolis" convertida en vampira. Pues probablemente, lo que precisamente hace en este caso nuestra principal protagonista. Escuchar rock a todo trapo, maquillarse, andar en skate, y tan solo morder aquel que considere vil y deleznable. Estamos ante una curiosa mirada que resulta tan entrañablemente marginal (en el que incluso tienen cabida padres yonquis y mucha heroína) como seductoramente cool y molona, tan hilarantemente naif como perversamente enigmática. En definitva, sugerentes contrastes que desembocan en una desbordante y desvergonzada ópera prima que resulta todo un acontecimiento. Más aún si recordamos que viene de Irán. No la perderemos de vista.
10. AMOR ETERNO de Marçal Fores
Premio Emergentes Jurado Joven
En pocas palabras:
Directamente nos lleva a "El Desconocido del Lago", pero en ella también resuenan los ecos de Pasolini, Gregg Araki, William Friedkin, Gus van Sant, Larry Clark, Abel Ferrara o incluso Philippe Grandrieux. Suma y sigue
En unas cuantas:
Marçal Fores hace suyo el difícil reto que supone dar forma al amor a primera vista, de plasmar en imágenes y dotar de narrativa a lo que significa el supuesto sentimiento de amor eterno al que nos aboca todo (in)esperado flechazo. Y aunque su empalagosa carta de presentación lo sugiera, aquí no topamos con un 'pastel' de por medio, más bien todo lo contrario. Como era de esperar ateniéndonos a su reveladora ópera prima, el director de "Animals" vuelve a decantarse por el camino más subversivo, cínico y arriesgado, el que bien puede tener el descaro de dibujar las despreocupadas relaciones sexuales esporádicas que un profesor maduro tiene con uno de sus alumnos, y hacerlo sin juzgar a ambos personajes en ningún momento. Un alma solitaria que al igual que la conflictiva 'tribu' adolescente a la que se somete, ha preferido ser verdugo antes que víctima a manos del despiadado y disfuncional mundo adulto del que depende. Propulsada por una turbia y visceral poesía del desamparo, "Amor Eterno" es una mirada que se siente tan magnética y hermosa como escabrosa, sórdida y siniestra, tan provocativa e irreverente, como distintiva, sofisticada y honesta. En resumidas cuentas, "Amor Eterno" según Marçal Forés se traduce en un contundente ejercicio de cámara que incomoda tanto como penetra, que pervierte tanto como seduce. Un radical salto sin red que tiene en el Gus van Sant de "Paranoid Park" y "Last Days", el Larry Clark de "The Smell of Us", el William Friedkin de "A la Caza y "Los chicos de la banda", el Philippe Grandrieux de "Sombre", Pasolini, Araki, Ferrara o en el mismísimo "El desconocido del Lago", sus estimulantes e inabarcables referentes. Nunca mejor dicho, lo que uno acaba sintiendo es un descorazonador "Amor Eterno" por los enfants terribles. Buena señal.
11. IT FOLLOWS de David Robert Mitchell
Sección Oficial
En pocas palabras:
Un Carpenter made in Sundance.
En unas cuantas:
"It Follows" se sumerge en una absorbente pesadilla adolescente que al igual que ya hiciera "The Myth of American Sleepover", versa sobre el sexo, el amor y los horrores imperceptibles que nos persiguen en la adolescencia. Y lo hace a partir de una turbadora y hermosa muestra de terror indie maravillosamente rodada, que tiene además, el descaro de adaptar los códigos del género rey a su propia obra y semejanza. Tan divertida y genuinamente estilizada como salvajemente violenta y definitivamente impredecible, "It Follows" enamora tanto como retuerce a través un brillante relato paranoico que aúna todos los emblemas del género rey (desde el slasher a los fantasmas pasando incluso por los monstruos o zombies) en una figura imperceptible, cuya invisibilidad se erige en uan inmejorable arma para provocar la inquietante sensación de constante amenaza. El horror no se ve ni se toca, aunque paradójicamente, adquiere todas sus posibles formas en la fascinante "It Follows". Cine indie de terror en la mejor de sus vertientes.
12. AUX YEUX DES VIVANTS de Julien Maury y Alexandre Bustillo
Sección Oficial
En pocas palabras:
Bien podría señalarse como un "Super-8" pasado por el filtro de Rob Zombie, o directamente, por el realmente violento y terrorífico sello de Juilen Maury y Alexandre Bustillo.
En unas cuantas:
Una monstruosa, terrorífica y definitivamente, subvertida vuelta al cine almibarado que producía Amblin en los años 80. Julien Maury y Alexandre Bustillo no solo demuestran una vez más su desbordante cinefilia con aplomo y contundencia, también atisban tener su pequeño corazoncito emanando una apasionada y (relativamente) luminosa nostalgia por el cine fantástico que marcó a toda una generación en los años 80'. Es decir, la evocación de títulos míticos como "Los Goonies", "Cuenta Conmigo" o incluso "E.T." irrumpen en escena, pero que nadie se equivoque, sin llegar nunca aduñarse de ella. Y es que bien podríamos afirmar que estamos ante un nuevo "Super 8", de la misma forma que también podríamos asegurar que se nos evoca desde sus más remotas antípodas. Es decir, lo dulce y empalagoso resulta en en este caso, extremadamente violento, desesperanzadoramente turbio y visceralmente sanguinario. Así es como "Aux Yeux Des Vivants" vuelve demostrar una vez más el dominio del género rey por el que se caracterizan sus rabiosos directores, transgrediendo en este caso el entrañable aroma que emana el melancólico cine de los 80', así como reinventando el cine monstruoso. Como única nota negativa, uno podría advertir del atabalamiento que padecen el segundo y tercer acto. Y es que, da la sensación de que los directores galos se apresuran en querer cerrar la película de un portazo, de forma no tan precisa y detallada como construyen su fenomenal primer acto. Sobre ese majestuoso paisaje que suponen unos grandes estudios en ruinas surge una cinefilia pura, pero ante todo brutal y descarnada.
13. THE GUEST de Adam Wingard
Sección Oficial
En pocas palabras:
Un desfasado cruce entre "Teorema", "Homeland" y "Drive" pasado por el filtro del mumblegore que incluso en algún momento concreto, puede llegar a evocar a Lucky McKee o a Rob Zombie.
En unas cuantas:
Un descarado y gamberro divertimento que al igual que ya hiciera "Tu eres el Siguiente", vuelve a tener la familia en el punto de mira, aunque en este caso también suma la deleznable política de matar (es decir, la militar) de Estados Unidos a su target. Dos pájaros que mata de un tiro mostrando como aquello que debe suponer seguridad nacional acaba por dinamitar aquel valor que supuestamente más se promueve desde los propios estamentos conservadores que veneran el ejército en tierra de Obama: el núcleo familiar. Y todo ello pasado por el personalísmo e inconfundible registro de Adam Wingard. "The Guest" es cine de acción, es thriller psicológico, pero también es un slasher desmadrado, una comedia taimada y vacilona que levita al compás del aura retro-ochentera que imprime su nostálgica, cachonda y omnipresente banda sonora. Al fin y al cabo, son sus carismáticas señas de identidad. Aquellas que en este caso acercan "The Guest" mucho más al espectro social sobre el que levitan polémicos títulos recientes como un "Borgman" sin ir más lejos, y no tan recientes como es el caso de "Boudu salvado de las aguas" y "Teorema". A lo Pasolini, pero Born in the USA, vamos.
14. I ORIGINS de Mike Cahill
Mejor Película Sección Oficial
En pocas palabras:
Una sugerente muestra de sci-fi de autor que en cuanto a tratamiento y aura sigue la estela de "Upstream Color".
En unas cuantas:
Estamos ante una inmejorable prueba de que las grandes historias pueden ser maravillosamente contadas con pocos recursos. La clave del éxito, un híbrido de indie-sci-fi que es también un thriller conceptual, una hermosa (y doliente) historia de amor y un asombroso planteamiento que sobrado de tacto y audacia, pone patas arriba nuestro concepto de existencia abriendo las puertas de par en par a la posibilidad de la reencarnación. Siguiendo la senda de muestras de culto tan divisivas como “Primer” o “Upstream Color”, pero desde un registro mucho más accesible, mucho menos mind-blowing que digamos, la segunda película de Mike Cahill es excepcionalmente arriesgada y está originalmente rodada. Lo que de ella emerge es una película cautivadoramente atmosférica, prodigiosamente aventurera y brillantemente emprendedora, que logra un equilibrio asombroso entre los aspectos emocionales e intelectuales de su insólita historia. Una ejemplar muestra de ciencia ficción profundamente conmovedora que provoca el sobrecogimiento y la reflexión mediante un puñetazo emocional en el estómago. Insólita ciencia, puro amor.
15. MUSARAÑAS de Juanfer Andrés y Esteban Roel
Sección Oficial
En pocas palabras:
"Misery" + "¿Qué fue de Baby Jane?" con un toque de "Mientras Duermes", pero a lo cañí y castizo.
En unas cuantas:
Una grata sorpresa, tanto es así que le auguramos un puesto destacado entre los más grando de la producción española de este año. "Musarañas" es un cuento gótico que se mueve con absoluto equilibrio entre el terror puro, el drama costumbrista, la comedia descerebrada o el thriller psicológico. Un visceral juego de espejos de carácter tan estridente como contenido, tan aparentemente solemne y anquilosado como realmente degenerado y encolerizado. Una desconcertante dualidad tonal que precisamente, es también una de las múltiples virtudes que la prometedora ópera prima de Juanfer Andrés y Esteban Roel atesora. Virtudes entre las cuales bien podemos destacar la claustrofóbica y asfixiante atmósfera sobre la que levita, así como la apabullante economía de recursos con la que se plasma. Sin salir nunca de casa, "Musarañas" le basta con la imponente solidez y el feroz prodigio con el que interpretan quienes se exponen ante cámara, el pulso y descaro con el que irrumpen quienes están tras ella, o el ágil y compacto montaje en el que se sustenta, para ganarse por derecho propio su merecido protagonismo en la taquilla española, así como en los premios Goya. Luces entre las que también se atisba alguna que otra sombra, como lo es el innecesario uso del flashback destinado a masticar y erradicar todo posible atisbo de perversa y estimulante sugerencia. Una inevitable purga que rápidamente queda condonada gracias a sus sutiles giros, a sus abruptos y enfermizos golpes de pérfida violencia (incluso de torture porn y gore) o a su irreverente espíritu. Con todo lo dicho, atisbamos otro posible fenómeno a la vista. "Magical Girl", "La Isla Mínima", "El Niño" o "10.000 Km" ya tienen quien les siga.
16. THE VOICES de Marjane Satrapi
Sección Oficial
En pocas palabras:
El retrato más compasivo y singular de un serial killer jamás rodado.
En unas cuantas:
Un serial killer como nunca nos lo retrataron. Marjane Satrapi incurre en el cine criminal, involuntariamente psicópata, en una comedia negra deliciosamente hilarante y retorcida, que tiene en su ambíguo e incisivo tono (escandaliza y perturba tanto como provoca la constante risa), su desbocado ingenio y su particular irreverencia, sus principales puntas de lanza. Formalmente tan elegante, colorida y estilizada como argumentalmente brutal, abrupta y degenerada, en la sanguinaria, pero también cándida "The Voices", se atisban ecos de John Waters, también de Tim Burton o incluso de Wes Anderson. Sin embargo, lo que de ella surge es un sello tan inconfundible como propio, el de una artista brillante y ambiciosa cuyo irrefrenable estado de gracia ha desembocado en una comedia pintoresca, descerebrada y no vamos a negarlo, entrañablemente mezquina. Tanto es así que incluso los animales hablan y el asesino canta. Única en su demente especie.
17. PRINCESA (HAN GONG JU) de Lee Su-Jin
Mejor Película Nuevas Visiones
En pocas palabras:
La película revelación del cine coreano.
En unas cuantas:
Un viaje a dos tiempos a través del trauma de una adolescente atrapada en el recuerdo de una fatal violación. Pasado y presente se entrelazan a la perfección en un baile de flashbacks magistralmente articulados que nos desvelan la verdad que se esconde tras Han Gong Ju. Cada recuerdo supone un verdadero latigazo a nuestra conciencia, y nosotros tan solo podemos perma-necer impasivos ante la mascarada de hipocresía social que vemos pasar ante nuestros ojos. Han Gong Ju es una víctima, como muchas de las mujeres y hombres que hoy en día siguen sufriendo todo tipo de abusos. Pero como muchos otros antes que ella, y desgraciadamente, también después, Hang Gong Ju no solo jugará este papel, si no también le tocará ser culpable. La tendencia a la criminalización de las víctimas alcanza sus cuotas más crudas en este drama surcoreano que nos expone ante uno de los grandes fallos que siguen latiendo en nuestra sociedad. Lo hemos visto estos días con el trato que se le ha dado a la enfermera del ébola, lo vimos cuando el Ministerio del Interior lanzó sus infames consejos para prevenir la violación, y lo vemos también en una ciudad surcoreana donde una adolescente debe esconderse para evitar el acoso simplemente por haber denunciado a sus agresores. “Han Gong Ju” se postula así como una dura crítica social e institucional a una Corea que tras una fachada de absoluta modernidad se muestra en sus entrañas profundamente arcaica. Una auténtica joya que no deja espacio a la condescendencia pero sí una ligera brecha donde el optimismo puede penetrar. Es un fino hilo de luz, pero existe, y lo demuestra con su abierto final.
18. YOUNG ONES de Jack Paltrow
Mejor Guión Sección Oficial
En pocas palabras:
Un ecléctico cocktail entre cuyas inspiraciones bien podríamos incluir títulos que van desde "Pozos de Ambición" a "La Carretera" pasando por "Almas de Metal", "Mad Max" o "Sin Perdón", entre cuyos referentes bien podríamos señalar Jeff Nichols, Ramin Bahrani o Terrence Malick, y entre sus homenajeados a todo un Sergio Leone (el primerísimo primer plano con el que "Young Ones" abre fuego lo deja claro).
En unas cuantas:
"Young Ones" es intrínseca ciencia ficción, es un western peculiar, y es ante todo un poderoso drama existencial. Una sugerente muestra de cine indie que rehuye el manido cliché para darse de bruces con lo arrojado, complejo y novedoso, en el que la robótica sci-fi abraza un vasto y árido paisaje postapocalíptico digno del más crepuscular western. Partiendo de una narrativa que directamente evoca la tragedia griega, sustentándose en una visceral aplicación de la taquigrafía cinemática y teatral, estamos ante una obra laudable que huele a futuro culto, que se siente trascendente y distintiva, y lo hace sin pararse a reflexionar sobre su propia materia tanto como lo hacen sus personajes sobre su propia existencia. Es decir, en de "Young Ones" no hay atisbo de posible metáfora ni discurso político. Lo suyo no es deshumanizar al ser humano ni debatir acerca de aquellos condicionantes que pueden llevarnos al fin del mundo y tal. Su objetivo no es otro que cocerse a fuego lento y levitar de forma envolvente sobre un aura lángida y desoladoramente espacial, sobre una esencia mucho más espiritual que social, que le permitan incidir en el alma así como hurgar en el corazón de sus hastiados personajes, sin dejarse meramente llevar por lo temperamental, violento y opulento. Y es precisamente en este sentido por lo que la segunda peli de Jack Paltrow podemos emparentarla mucho más con el cine de Jeff Nichols, Ramin Bahrani o Terrence Malick, que con el de un George Miller o Ridley Scott, por ejemplo. Tiene lo suyo.
19. TUSK de Kevin Smith
Sección Oficial Especiales
En pocas palabras:
Una astracanada que se mueve entre la comedia indie gamberra, la irreverencia cinéfila o referentes como "The Human Centipede", "Misery", "La Mosca", "La Matanza de Texas" o "La piel que habito". Todo en uno.
En unas cuantas:
La muestra de body horror más vesánica y enfermiza, pero igualmente cachonda y desatada, que la mente más gamberra y retorcida jamás podría llegar a imaginar. "Tusk" se encumbra en lo más alto su status de comedia bizarra con un planteamiento digno del más perverso torture porn, en el que no solo tiene cabida un punto de partida tan enajenadamente WTF como puede resultar la transformación de un humano en morsa a manos de un demente 'viejete' inválido, también incurre con un alto grado de inspiración en la comedia descerebrada, en aquella que precisamente más caracteríza el sello autorial del director de "Clerks". Sus irreverentes guiños cinéfilos (en los que tienen cabida "Drácula", "El Gran Lebowski" o incluso Matthew McConaughey), sus lúcidos vacileos a lo que supone ser 'intrínsicamente' norteamericano (es decir, haz el amor, pero también la guerra) en contraposición con la solera que caracteriza la identidad canadiense (ya se sabe, el ejemplo a seguir lo tienen en sus vecinos, al otro lado de la frontera), o sus constantes incursiónes en el humor más insanamente absurdo, son también santo y seña de "Tusk". Un descarriado delirio ante el que queda prohibida la indiferencia, que si por algo peca es por dilatar en exceso alguna que otra secuencia por la que, no vamos a negarlo, acaba perdiendo 'aceite'. Síntomas de vaga realización que sin embargo, teniendo en cuenta el singular y disparatado paisaje en el que se mueve, quedan en un segundo plano. Y es que, lo nuevo de Kevin Smith funciona tanto como sobrecogedor terror extremo, como afilada y alocada comedia o conmovedor drama romántico. Cosa de morsas, supongo.
20. CREEP de Patrick Brice
Mención Especial Panorama
En pocas palabras:
El Perfecto Anfitrión teñido de mumblecore y rodado en formato found footage.
En unas cuantas:
La muestra de found-footage más retorcidamente cachonda y sinuosamente ambigua que un servidor ha disfrutado en los últimos tiempos. Cámara en mano, con presupuesto de guerrilla, propulsado por su estrafalario protagonista, su tono perverso, humor abrupto y bizarro tratamiento, "Creep" presenta la peculiar virtud de recorrer los trillados caminos comunes del falso documental para sin embargo, desembocar en una genuina muestra de mumblecore que se revela significativamente insólita y particularmente terrorífica. Y es que, uno nunca pierde la sensación de inquietante provocación, de turbador pavor, pese a ser consciente en todo momento que lo que tiene ante sus ojos es primordialmente una singular comedia que se siente estrafalaria y cínica, pero también degradante y sórdida, tan inquietante y siniestra, como desatadamente gamberra. Un mezquino divertimento que sin tan siquiera tomarse a si mismo en serio, da verdadero miedo. Somos conscientes, lo sabemos, Y aún así, semejante rareza también aterroriza por su inspirado humor absurdo, por su cruel capacidad para amenazar desde el chiste y perturbar a base de risas. Un innato descubrimiento ante el cual uno queda tan sonriente y sorprendido como acojonado y definitivamente tieso. No fue un mal comienzo (fue nuestra particular peli inaugural), más bien excepcionalmente extremo.
BONUS TRACK: UNDER THE SKIN de Jonathan Glazer
En pocas palabras:
"Species" + Philippe Grandrieux en formato videoclip + el aura de "Nunca me abandones".
En unas cuantas:
Una de las películas más esperadas de los últimos tiempos, "Under the Skin" abre fuego con la contundencia, energía y personalidad que de ella se espera. Coquetando con el cine más extremo y experimental, lo nuevo de Glazer me impregna y devora con absoluto aplomo y ambiciosa inventiva, tanto que no tarda en venirme a la cabeza la mirada de Philippe Grandrieux, especialmente la de "La Vie Nouvelle" y "Sombre". Ambas, de una intensidad difícilmente comparable, se traducen en absorbentes experiencias físicas tanto como emocionales que indagan en la violencia sobre los cuerpos y sobre la mirada, hasta alcanzar una rara, violenta pero magnética cualidad abstracta. Oscura e inquietante virtud que también atribuyo a la intensa mirada, conceptualmente radical, con la que Glazer nos apunta en su nuevo film. Una mirada que lamentablemente, no acaba por explotarla, acercando sus rompedoras fugas al formato videoclip y difuminándo su austera locura y su áspera sensorialidad en un tercer acto mucho más previsible y esperado que sorprendente y arrojado. Sensaciones encontradas para una película tremendamente estimulante y a ratos fascinante, cuyo discurso existencial no resulta tan asombroso y atractivo como la penetrante atmósfera y agresiva creatividad sobre la que bascula. Bajo la piel de Jonathan Glazer hay mucha tela que cortar.
3 FENÓMENOS DE SITGES 2014 QUE SI HUBIERAN LLEGADO A NUESTROS OJOS, PROBABLEMENTE ENTRARÍAN EN NUESTRO TOP-20:
CUB de Jonas Govaerts (Mejor Director)
WHAT WE DO IN THE SHADOWS de Taika Waititi y Jemaine Clement (Premio del Público y Mención Especial)
OVER YOUR DEAD BODY de Takashi Miike (Sección Oficial)
Puzzle Bobble
Karate Blazers
Puzzle De Bloques
Magical Cat Adventure