Las 10 mejores películas según 10 enfants terribles de filmin

29 de Agosto del 2012 | etiquetas: Sight and Sound, Directores en filmin Twittear

Ya sabíamos que, una vez en nuestras manos la publicación de Sight and Sound (hizo públicos los listados de las diez mejores películas de la historia según cientos de directores a nivel internacional), no podríamos evitar seguir con el "husmeo" casi impertinente al que inevitablemente nos hemos visto abocados. Pues bien, vamos a mostrar las diez mejores películas según 10 chicos terribles de filmin. Sí, sí, los que fríen una película como filman huevos, los que enfocan merluza y pescan 23,9 fotogramas por segundo, los que nos hacen venir ganes de vomitar, llorar, reír, sufrir, implorar, rezar, catalizar... Esos genios incomprendidos de la gran pantalla. 

Abel Ferrara

Nació en el Bronx, descendiente de una amalgama familiar italo-irlandesa. Su educación estuvo dentro de los límites del catolicismo. Empezó no oficialmente su carrera con una película erótica: “9 Lives of a Wet Pussy”. Con “Ángel de venganza” (1981) Ferrara obtuvo el primer gran reconocimiento de la crítica. Los 90 fueron especiales para el realizador estadounidense; pues “El Rey de Nueva York”, “Bad Lieutenant”, “El Funeral” y “New Rose Hotel” están entre sus mejores trabajos cinematográficos. Ferrara es un director que suele hurgar en lo más profundo de su código fílmico, buscando mostrar su mundo mediante el gesto y rehuyendo los convencionalismos. 

"Cul-de-Sac" (1966) - Roman Polanski
"The Devils" (1971) - Ken Russell
"Hawks and Sparrows" (1966) - Pier Paolo Pasolini
"Prisión" (1949) - Ingmar Bergman
"Lolita"  (1961) - Stanley Kubrick
"Los Olvidados" (1950) - Luis Buñuel
"Ran" (1985) - Akira Kurosawa
"Sed de Mal" (1958) - Orson Welles
"Una mujer bajo la influencia" (1974) - John Cassavetes
"Cero en conducta" (1933) - Jean Vigo

En filmin tenemos el lujo y placer de poder ofreceros los films “El Cazador de Gatos” y “El Funeral” de Abel Ferrara. Su particular lista también tiene representación en filmin: “Cul-de-Sac” y “Una mujer bajo la influencia” os esperan como buenos clásicos que son. 

Bruce LaBruce

La verdad, es difícil definir a Bruce La Bruce y conseguir un retrato fidedigno. Pues un director de cine que mezcla conceptos como “porno”, “homosexualidad”, “arte bizarro”, “punk”, “terror” y “sadomasoquismo” es todo un reto no sólo para los críticos sino que también para lo antropólogos. El artista canadiense, quien asegura que “el futuro es el porno”, tiene una deforme filmografía repleta de variedad: desde unos zombis sádicos y gays hambrientos en “L.A. Zombie”, pasando por “Super 8 ½ y su personal homenaje a Fellini, llegando otra vez al mundo zombi con la intrínseca e intransferible “Otto; or, up with dead people”. En Sight and Sound, Bruce, nos ha dado a conocer sus preferencias. Destaca "El Evangelio según Mateo”, obra fílmica de Pasolini que como explica LaBruce: “Sólo un ateo podía haber hecho la película definitiva sobre la religión”. 

"Alphaville" (1965) - Jean-Luc Godard
"Los mejores años de nuestra vida"  (1946) - William Wyler
"El Evangelio según San Mateo" (1964) - Pier Paolo Pasolini
"Interiores" (1978) Woody Allen
"El asesinato de un corredor de apuestas chino" (1976) - John Cassavetes
"The Ladies Man" - 1961 Jerry Lewis
"Luna" (1979) - Bernardo Bertolucci
"Nashville" (1975) - Robert Altman
"La hija de Ryan" - 1970 David Lean
"Vertigo" - 1958 Alfred Hitchcock

"L.A Zombie" y “Otto; or, up with dead people" son las rarezas de Bruce que puedes encontrar aquí. "El asesinato de un corredor de apuestas chino", de John Cassavetes, tiene su sitio entre las inmortales de Bruce LaBruce i también de filmin. 

Gaspar Noé

Gaspar Noé es un argentino de cepa nacido en 1963, en el corazón de Buenos Aires. Pero su actividad profesional se desarrolla actualmente en Francia, donde alzó hacia lo más alto su último largometraje: “Entrar al vacío” (2009), nominada por muchos compañeros directores compinches y no tan compinches críticos de cine como una película “visualmente impactante”. Film que explica la dirección que emprende el alma después de la muerte, con una presencia más que (des)alentadora de “El Libro Tibetano de los Muertos”. Su podio de diez es muy peculiar: la reciente “Amour” de Haneke”, “Un Chien Andalou”, de la pareja surrealista Buñuel - Dalí y “Soy Cuba” de Mikhail Kalatozov estan aposentadas en el tronío que Noé ha levantado. 

"2001: Odisea del espacio " (1968) - Stanley Kubrick
"Amour" (2012) - Michael Haneke
"Angst" (1983) - Gerald Kargl
"Un Perro Andaluz" (1929) - Luis Buñuel
"Cabeza Borradora" (1976) - David Lynch
"Soy Cuba" (1964) - Mikhail Kalatozov
"King Kong" (1933) - Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack
"Salò o los 120 días de Sodoma" (1975) - Pier Paolo Pasolini
"Scorpio Rising" (1964) - Kenneth Anger
"Taxi Driver" (1976) - Martin Scorsese

En filmin podéis encontrar "Soy Cuba" y "Salò y los 12 días de Sodoma". 

Gregg Araki 

Es uno de los más claros exponentes del new queer cinema, como también lo es (aunque éste a su manera) Bruce La Bruce. Este corriente que corre como una mecha encendida por el cine independiente norteamericano se define “por el carácter radical de sus películas y por su forma de tratar las identidades sexuales. Los directores no pretenden hacer un cine de buenos y malos o que sus personajes den buen ejemplo de la homosexualidad, sino poder reflejar la diferencia sexual sin autocensura y alejarse de las convenciones heterosexuales aplicadas al cine gay”. Por cierto, la primera vez que apareció el término del corriente fue en la revista Sight and Sound en 1992, en un artículo de la periodista B. Rudy Rich. Por su parte, Gregg Araki (“Mysterious Skin”, “Teenage Apocalypse Trilogy”, “Vivir hasta el fin”) nos regala su listado de las mejores de la mejores. 

"Malas Tierras" (1973) - Terrence Malick
"El diablo probablemente" (1977) - Robert Bresson
"La doble vida de Verónica" (1991) - Krzysztof Kieslowski
"Happy Together" (1997) - Wong Kar Wai
"Las tres noches de Eva" (1941) - Preston Sturges
"Masculino, Femenino" (1966) - Jean-Luc Godard
"Psicosis" (1960) - Alfred Hitchcock
"El Resplandor" (1980) - Stanley Kubrick
"El héroe del río" (1928) - Buster Keaton
"Twin Peaks: fuego camina conmigo" (1992) - David Lynch

Laura Palmer, gran protagonista (casi sin salir en pantalla) de la serie de David Lynch y Mark Frost "Twin Peaks", ahora si tiene protagonismo en "Twin Peaks: fuego camina conmigo"; podrás ver el inicio de "¿Quién mató a Laura Palmer?" en filmin, por supuesto. También estan "La doble vida de Verónica", "Happy Together" y las Araki "Vivir hasta el fin" y "Mysterious Skin". 

Guy Maddin

El "Hombre Maravilla" se ha ganado el apodo gracias a su original recreación de la estética del cine mudo y del primer cine sonoro. Se le ha llamado el "David Lynch canadiense" por el carácter experimental y surrealista de sus trabajos. Ahí va un piropo que no es moco de pavo. Entre su filmografía destaca la revisión de "Dracula", experimental y refrescante a la par que indómita y bruta, "My Winnipeg" y "La música más triste del mundo", film que le pone a la Gran Depresión todo tipo de texturas, tonalidades y desenfoques. Para Maddin, "Dr. Mulholland" de David Lynch fue "¡Boom! Cambió el juego". Entre su lista de imperecederas películas se encuentran "After Life" de Hirokazu Kore-eda, "L'Âge d'Or" de Buñuel y "Un Largo adiós", del eterno Robert Altman (con "Nashville" también aparece su nombre en diversas listas). 

"After Life" (1998) - Koreeda Hirokazu
"L' Age d'Or" (1930) - Luis Buñuel
"Carta de una desconocida" (1948) - Max Ophüls
"Un Largo Adiós" (1973) - Robert Altman
"Fueros Humanos" (1933) - Frank Borzage
"Dr. Mulholland"  (2003) - David Lynch
"El árbol de la vida" (2011) - Terrence Malick
"Garras Humanas" (1927) - Tod Browning
"Cero en conducta" (1933) - Jean Vigo
"Zvenigora" (1928) - Aleksandr Dovzhenko

Ojo que ahí vamos. De Guy Maddin tenéis "Dracula" y "La música más triste del mundo". "After Life" también tiene su oriental hueco en nuestro catálogo. 

György Pálfi

Sólo hace falta ver unos minutos de “Taxidermia” para darte cuento de lo profundo, barroco, extravagante y hilarante que es el poso cinematográfico de Pálfi. El siempre preocupado por despertar emociones adversas, húngaro hasta la médula, parece que el lugar de su nacimiento ha influido en su obra. Porque no le importa abrirse al camposanto para diseccionar (literal o figuradamente) a sus personajes, mostrando, así, las miserias humanas (que según el autor tan abundantes son). “Hukkle”, su primer largometraje, fu aclamado por la crítica internacional. Él, ahora, aclama el siguiente listado: 

"Andrei Rublev" (1966) - Andrei Tarkovsky
"Brazil" (1985) - Terry Gilliam
"Casablanca" (1942) - Michael Curtiz
"La Dolce Vita" (1960) - Federico Fellini
"El Padrino: Parte 1" (1972) - Francis Ford Coppola
"Tiburón" (1975) - Steven Spielberg
"Tiempos Modernos" (1936) - Charles Chaplin
"Hasta que llegó su hora" (1968) - Sergio Leone
"El Imperio Contraataca" (1980) - Irvin Kershner
"Love" (1971) - Karoly Makk

Neorealista cirquense con su universo exclusivo, Federico Fellini sigue vivo en filmin con "La Dolce Vita". La historia de la posguerra italiana con una historia de amor entre Marcello Mastrioianni y Anita Ekberg. Ahora bien, si lo que queréis un removido de estómago express, acudid a "Taxidermia". 

Lisandro Alonso

Nació en Buenos Aire el año 1975. Su cine no da concesiones ni treguas, no reconoce la blandenguería gratuita o los naifs presumidos. Su cine es transgresor e intimista, recordando a los "viejos" del séptimo arte con planos fijos y ritmos emocionales con un tempo adecuado al latido narrativo. Sí, las películas de Alonso a veces coquetean y beben con/del género documental. Su filmografía, aún dando sus primeros pasos, tiene ya la fuerza de lo que se auspicia será uno de los grandes. Su fuerza minimalista incluso convierte lo más apasionante en el insulto favorito del tedio. Y como joya en bruto, valora los que sí forman ya, a la merced de su parecer, parte del elenco que quedará en la memoria de la retina. 

"Aguirre, la cólera de Dios" (1972) - Werner Herzog
"Alphaville" (1965) - Jean-Luc Godard
"Le Havre" (2010) - Aki Kaurismaki
"En asesinato de un corredor de apuestas chino" (1976) - John Cassavetes
"Modern Life" (2008) - Raymond Depardon
"Pickpocket" (1959) - Robert Bresson
"The River" (1997 Tsai Ming Liang
"Luz Silenciosa" (2007) - Carlos Reygadas
"Stalker" (1979) - Andrei Tarkovsky
"Tropical Malady" (2004) - Apichatpong Weerasethakul

De Lisandro Alonso podéis encontrar en nuestro catálogo toda su filmografía. La minimalistas "Fantasma" y "Los Muertos", la contemplativa "Liverpool" y la realista "La Libertad". De su Top-10, en filmin, tenemos el gusto de poneros en bandeja "Aguire, la cólera de Dios", "El Havre", "Pickpocket" y "Luz Silenciosa". ¿No tenéis curiosidad?

Roy Andersson

Director sueco que se ha especializado en satririzar la sociedad escandinava a través del humor absurdo. Humor que gracias a "Una historia de amor sueca", "Canciones desde el segundo piso" y "La comedia de la vida" ha cogido un fuerte carácter convirtiéndose, así pues, en el estilo humorístico Anderson. Roy ya nos tiene acostumbrados a sacar el fusil de una manera delicada, sutil; disparando la bala de acero con silenciador, percatándose el receptor de la herida una vez ésta ya está abierta. Por esto no es de extrañar que "Viridiana", de Luis Buñuel, sea para él una de sus obras dónde mirarse. O "Ladrón de Bicicletas", del architaliano Vittorio de Sica. En su enumeración hay tres directores italianos. 

"Amarcord" (1972) - Federico Fellini
"Andrei Rublev" (1966) - Andrei Tarkovsky
"Cenizas y diamantes" (1958) - Andrzej Wajda
"Barry Lyndon" (1975) - Stanley Kubrick
"La batalla de Alger" (1966) - Gillo Pontecorvo
"Ladrón de Bicicletas" (1948) - Vittorio de Sica
"Hiroshima Mon Amour" (1959) - Alain Resnais
"Intolerancia" (1916) - D.W. Griffith
"Rashomon" (1950) - Akira Kurosawa
"Viridiana" (1961) - Luis Buñuel

Roy Andersson controla filmin con "La comedia de la vida", maravilloso y extraño sin igual resumen sueco de la vida. "Cenizas y diamantes", "Ladrón de Bicicletas", "Hiroshima Mon Amour" y "Intolerancia" son los clásicos inmemoriales que para Andersson tienen que ser recordadas sí o sí. A todo clásico, va Roy. 

Michael Glawogger

El controvertido director, guionista y realizador austríaco lleva un siglo XXI pletórico. "Slugs", "Workingman's Death" (documental),"Kill Daddy Good" y "Night Contact High" son, entre otras, largometrajes que lleva des de que se inició este milenio. Con el documental "Workingman's Death" se ganó el reconocimiento en el Germ Film Awards (Mejor Documental) y en el Festival de Gijón (Premio Especial del Jurado). Como explica la crítica de Fotogramas Nuria Vidal "es un film insoportable e imprescindible a la vez. Insoportable porque narra la dureza de la vida de 5 trabajadores que viven al filo de la imposible. Imprescindible porque no debemos cerrar los ojos ante tal verdad". Con su tono realista nauseabundo, la capacidad de Glawogger para captar la cruda verdad le convierte en un director polémico; al no entender de límites morales. En su acrópolis fílmica tiene rarezas como la casi no indexada en google "How Yukong Moved The Mountains", película documental que habló en 1976 sobre lo últimos días de la Revolución Cultural. Están Herzog y Rocha, pero no es una lista de nombres, digamos, comunes. Ahí va Mister Documental: 

"Vivan las Antipodas!" (2011)  - Victor Kossakovsky
"La Edad de la Tierra" (1980) - Glauber Rocha
"Toda mi vida" (1966) - Bruce Baillie
"Masacre: ven y mira" (1985) - Elem Klimov
"Fata Morgana" (1971) - Werner Herzog
"Forest of Bliss" (1986) - Robert Gardner
"How Yukong Moved the Mountains" (1976) Joris Ivens/Marceline Loridan Ivens
"Deseando amar" (2000) - Wong Kar Wai
"Mothlight" (1963) - Stan Brakhage
"Unsere Afrikareise" (1961) - Peter Kubelka

"Deseando amar" es para el indomable Carlos Boyero "insólita y emocionante, preciosa película (...) maravillosa, la historia de amor más triste del mundo". Una espoleador motivo para hacernos una visita y gozar de cine del bueno. Ahora bien, si no, tenéis otras opciones: "La Edad de la Tierra" y  "Fata Morgana" os esperan. Glawogger, mientras tanto, os guña el ojo con "Workingman's Death". 
 

Ulrich Seidl

El estilo de Ulrich es marcadamente documental y basa sus escenas en hechos de la vida cotidiana que cualquier persona puede comprender y en los que se presenta la soledad, crudeza y necesidades sentimentales de la vida. Con un método irrevocable, Seidl se nos acerca y aleja tan rápido de la historia a su antojo que el ojo humano no percibe movimiento alguno. Nacido en Viena, el compatriota de Michael Glawogger tiene como "destacados" en su filmografía "Dog Days", "Jesús, ya lo sabes", "Import/Export" y la reciente "Paraíso: amor". Todas ellas prueba del temperamental objetivo ulrichiano. Sin duda su recopliación tiene, como su carácter, extremos. Desde "También los enanos empezaron pequeños" a "Gertrud"; desde "Maridos" a "El silencio". 

"Andrei Rublev" (1966) - Andrei Tarkovsky
"También los enanos empezaron pequeños" (1970) - Werner Herzog
"Gertrud" (1964) - Carl Theodor Dreyer
"El Evangelio según San Mateo" (1964) - Pier Paolo Pasolini
"Maridos" (1970) - John Cassavetes
"My Little Loves" 1975 Jean Eustache
"La viuda alegre" (1925) - Erich von Stroheim
"Faits Divers" (1983) - Raymond Depardon
"El silencio" (1963) - Ingmar Bergman
"Viridiana" (1961) - Luis Buñuel

Ulrich tiene presencia en filmin con la crudelísima "Dog Days". Por otra parte, "También los enanos empezaron pequeños", "El silencio" y "Gertrud" nadan por estos mares que están tan agradecidos de ser surcados.